科普貼如何欣賞芭蕾的藝術之美

1. 如何欣賞芭蕾舞

「芭蕾」的意思是舞劇，最早出現於文藝復興時期的義大利，是歌劇演出時的幕間插舞。１８世紀中期，芭蕾舞劇作為一門獨立的藝術，走上了舞台。到了１９世紀初，芭蕾舞女演員的舞蹈動作發生了用足尖舞蹈和快速旋轉的根本變革。

欣賞芭蕾舞除了對整個舞劇作品所表達的情感和內容的理解，以及整體藝術性方面的欣賞外，還應能欣賞芭蕾舞技巧。

芭蕾舞的舞姿優美，動作輕盈，服飾典雅，規范性和技巧性很強。足尖舞蹈是芭蕾舞的基本特色。另外，單腿原地快速旋轉、凌空轉、騰越步、跳步、空中倒踢腿、空中交叉步等也都是芭蕾舞的特色動作。其技巧高超、動作復雜當為舞蹈藝術之最。

芭蕾舞劇一般都有完整的故事情節。在觀看芭蕾舞劇前，應對劇情有所了解，才能獲得更大的藝術享受。

2. 如何欣賞芭蕾

學習背景

芭蕾，歐洲古典舞蹈，由法語ballet音譯而來。芭蕾舞孕育於義大利文藝復興時期，十七世紀後半葉開始在法國發展流行並逐漸職業化，在不斷革新中風靡世界。芭蕾舞最重要的一個特徵即女演員表演時以腳尖點地，故又稱腳尖舞。其代表作品有《天鵝湖》、《仙女》、《胡桃夾子》等。

芭蕾舞是用音樂、舞蹈手法來表演戲劇情節。芭蕾藝術孕育在義大利，誕生在十七世紀後期路易十四的法國宮廷，十八世紀在法國日臻完美，到十九世紀末期，在俄羅斯進入最繁榮的時代。芭蕾在近四百年的持久歷史成長過程中，對世界列國影響很大，傳布極廣，至今已成為世界列國都推崇的一種藝術形式了。女演員舞蹈時常用腳趾尖點地。

觀影禮儀

1.觀賞者應當提前抵達劇院，在表演開始前入座

演出一旦開始，就禁止觀眾進場，遲到的人只能在門外等候，直至劇幕間隙方可進入。這樣場內的氣氛才不會受到破壞，同時更是對演員和沒有遲到的觀眾的尊重。

觀眾進入演出場所時，著裝一定要整潔、大方、得體。男士們可以穿西裝，系領帶，穿皮鞋或其他正裝。女士們可以穿簡約的禮服，或典雅的套裝，穿高跟鞋，如果對儀表特別在意的話，還可以化妝，攜帶小巧的手提包。無論男女，絕對不能穿著短褲、拖鞋出席，這樣是很不禮貌的。

2.演出進行時應保持安靜

這不僅是對表演者和其他觀眾的尊重，也間接表達了自己的修養。嚴禁手機鈴聲干擾，即使把手機設置為振動，也不宜在場內接聽，所以最好是關機。避免交談、打哈欠、咳嗽、清嗓子、打拍子、哼調子，也要避免翻閱節目單時發出的聲音，一般來說劇場也會要求觀眾盡量不要攜帶容易發出噪音的塑料袋和易拉罐入場。總之，任何驚動場內其他人的言行都是失禮的。另外，請注意演出過程中是不允許中途退場的。

3.演出過程中禁止拍照、攝像

因為閃光燈和按動快門的聲音都會嚴重干擾台上藝術家的表演和周圍觀眾欣賞藝術的氛圍。同時，也侵犯了劇團對劇目知識產權的保護。（演出結束階段的謝幕部分，通常可以拍照留念。）

4.恰當的時候，以適當的掌聲表達對表演者的贊賞

在各幕（場）結束和演出終了時鼓掌致意已成慣例；每個舞段之間如果沒連續性的音樂連接，人們也會抱以掌聲；甚至當演員表演一個高超的絕技，即使整段舞沒完，也會激起人們喝彩的慾望這時的掌聲對演員來說無異於興奮劑，會促使他們把下面動作完成的更好。但是，如果演員表演的是深沉抒情的優雅舞段乃至如此場景，把觀眾帶進情緒陶然的靜謐氣氛，掌聲的出現就不大相宜了。演出結束後，不要急於離場，應在演員謝幕後按序退場。遵循禮儀、舉止優雅的人，隨時隨地都會體現出自己的修養及品位。

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3. 芭蕾的審美

腳尖的藝術－－芭蕾
——芭蕾的審美藝術談

芭蕾舞結合了音樂、舞蹈和默劇等藝術形式來敘述一個故事。誕生於300多年前，最初是作為歐洲貴族家庭的娛樂……

芭蕾，一襲白紗，一雙舞鞋，是多少女孩兒時的夢想，或多或少是因為芭蕾舞表現出來的超凡脫俗的美。腳尖鞋的發明將舞者身體的重量支撐"面"縮小成"點"，有效減小與地面的磨擦力，提高旋轉的速度，造成風馳電掣的效果、以及如臨仙境的幻覺。而腳尖鞋的使用能夠將原本修長的舞者肢體線條進一步拉長，以延伸這種特定的美感，加大芭蕾藝術與日常生活的距離，形象生動地體現出"距離即美"的古典美學原則。因此，芭蕾的動作語言最適合表現那種可望而不可及的仙凡之戀的內容，從而完成了形式與內容的高度統一。

下面我們簡單地介紹一下關於芭蕾的幾個關鍵詞，要成為芭蕾迷，這些知識可一定要具備喲：

芭蕾的起源和歷史

芭蕾藝術孕育在義大利，誕生在十七世紀後期路易十四的法國宮廷，十八世紀在法國日臻完美，到十九世紀末期，在俄羅斯進入最繁榮的時期。芭蕾在近四百年的長期歷史發展過程中，對世界各國影響很大,流傳極廣，至今已成為世界各國都努力發展的一種藝術形式了。

芭蕾的歷史，最早的起始可追溯自歐洲文洲文藝復興鼎盛時期的義大利宮廷，及法國南部的貝根弟地方的宮廷里。每當結婚喜慶，接見外國元首，或其他大慶典，即表演這種舞蹈以示祝或助興。芭蕾發展史上第一部比較完整的芭蕾舞劇——《皇後喜劇芭蕾》上演於1581年，當洛蕾娜（Lorraine）的瑪格麗特小姐和凡爾賽（Versaills）的姚幼斯公爵結婚之時，這場芭蕾舞的音樂樂譜迄今仍保存，可算是最古老的芭蕾音樂。

芭蕾至路易十四皇朝（1643—1715）時代而臻極盛，路易十四本人是一位卓絕的舞蹈家，且喜愛芭蕾表演。1661年，路易十四創立了歷史上第一所舞蹈學校——法國皇家舞蹈學院，專門教授舞藝。這所學校現在屬於巴黎歌劇院。而沿用至今的手腳的五個位置和一些優美的芭蕾舞姿則是1700年在這里得到固定的。在皇家舞藝大師博尚(Beauchamp)和音樂家貝弗(Cambefort)及呂利(Lully)的大力提倡下，法國芭蕾舞在文化和音樂上的重要性大增。於是芭蕾變成了許多新的宮廷舞的來源;諸如:加沃特舞曲(Gavotte)、巴斯皮耶舞曲(Passepied)、布雷舞曲(Boree)、里戈東舞曲（Rigaudon）等。在這些舞曲之中，最重要的要算小步舞曲（Minuet），呂利於年，開始參加法國宮廷的芭蕾活動，而達到高潮。他當時正與莫利哀（Moliere）合力製作戲劇和芭蕾混成的所謂芭蕾喜劇（Comedie Ballet）。1760年發表的《小紳士》(Le Bourgeois Gentilhomme)，可算是這類舞劇最著名的代表作。呂利又把芭蕾應用於他所作的歌劇中，他的兩位後繼者康普拉(Campra)和拉莫(Rameau)也如法炮製。尤其是拉莫的作品，因夾雜有墨西哥、健康和中國等的外國情調而更富風趣。這當然和他的個性與背景有關。英國方面又創造一種特殊的芭蕾，名之曰「假面舞」（Masque）。到了17世紀後半期，維也納已成為芭蕾演出的中心。然而當時歐洲芭蕾舞正處在「傳統」與「革新」的爭論，「嚴格」與「抒情」間的爭論，「純粹舞藝」與「標題舞藝」的爭論，以及「芭蕾」與「近代舞」間的爭論中。這些觀念在20世紀的今天，多多少少還有它的餘波，時而爭論不休。

從1789年開始，出現了《關不住的女兒》等一批早期（又稱前浪漫時期）芭蕾舞劇的代表作。而到了19世紀，先後在巴黎出現了「浪漫芭蕾」這個芭蕾史上的黃金時代，推出了以《仙女》（1832）、《吉賽爾》（1841）和《葛蓓莉婭》（1870）為代表的傳世之作，然後在俄國進入「古典芭蕾」這個整部芭蕾史上的鼎盛時期，留下了以《睡美人》（1890）、《胡桃夾子》（1892）和《天鵝湖》（1895）這「三大舞劇」為首的一大批經典劇目，從而促使人們形成了「舞劇乃舞蹈的最高形式」的觀念。這種觀念直到20世紀先後誕生出「現代芭蕾」和「當代芭蕾」之後，尤其是舞蹈開始走出「非舞蹈」的誤區，竭力回歸動作本體，以美籍俄國芭蕾大師喬治?巴蘭欽（1904—1983）為首的「純芭蕾」（即非舞劇式的芭蕾作品，又稱「新古典芭蕾」）開始佔領主導地位以來，才結束了戲劇芭蕾一統天下的局面。世所公認的一流古典芭蕾舞團有七個：前蘇聯的基洛夫芭蕾舞團和莫斯科大劇院芭蕾舞團，美國的紐約市芭蕾舞團和美國芭蕾舞劇院，英國的皇家芭蕾舞團，法國巴黎歌劇院芭蕾舞團和丹麥皇家芭蕾舞團。當代芭蕾呈現出空前的普及和繁榮，代表性人物和團體為捷克人伊日·基里安（1947— ）和他的荷蘭舞蹈劇院以及美國人威廉?福賽特（1949— ）和他的德國法蘭克福芭蕾舞團。

芭蕾分類

1、音樂芭蕾

以展現舞者技巧為主要目的，例如聖桑的"垂死的天鵝"。

2、劇情芭蕾

顧名思義為有劇情的芭蕾舞蹈。

3、 浪漫派

又俗稱"白色芭蕾"，女舞者以身著白色鍾罩型紗裙著稱。例如亞當的"吉賽爾"。

4、古典派

女舞者穿著華麗的短裙，和男舞者以古典舞蹈特有的形式舞出，例如柴可夫斯基之"天鵝湖"。

5、現代派

例如史塔溫斯基之"火鳥"。

6、歌劇芭蕾

在歌劇當中穿插的芭蕾舞，例如歌劇"威廉泰爾"當中的芭蕾。

舞鞋

女性芭蕾舞演員的舞鞋鞋尖加硬，使他們能用腳尖跳舞而不會傷害到腳。

肢體語言

所有芭蕾舞開始和結束的動作都用這五種姿勢中的一個。這些姿勢是在18世紀創造的，是為了達到平衡並使腳顯得優美。

傳統的古典芭蕾技術建築在外開、伸展、綳直的審美基礎之上的。它包括：腳的5種基本位置、3種基本舞姿：如"阿拉貝斯"（arabesque）、"阿提秋"（attitude）和"伊卡特"（ecarte）；腿部技巧：各種"巴特芒"（battements）－－包括腿的伸展、打開以及rond de jambo（腿的劃圓圈）等；各種幅度和舞姿的跳躍；各種旋轉；擊腿技巧；各種舞步和連接動作；女子的腳尖舞技巧；雙人舞的扶持和托舉等技巧；以及"潑德布拉"（port de bras）等。古典芭蕾的這些基本動作（元素），就像字母一樣，編導運用這些"字母"寫出不同角色的個性、身份、情緒以及角色在劇情發展中的地位和作用，把這些元素按特定的結構手法加以編排、組合、組成形象化的舞蹈語匯來表達劇情，創造出各種富有藝術魅力的舞蹈形象。

腳部的五個基本位置：

第一位 : 兩腳跟緊靠在一直線上,腳尖向外180度

第二位 : 兩腳跟相距一足的長度,腳部向外扭開,兩足在一直線上

第三位 : 兩腳跟前後重疊放置,足尖向外張開

第四位 : 兩腳前後保持一足的距離,兩足趾踵相對成兩直線,腿向外轉

第五位 : 兩腳前後重疊,兩足趾踵互觸,腿向外轉

手部基本位置：

1.瓦卡諾娃派(俄國派)

第一位 : 雙手在正面的腹前成自然圓

第二位 : 雙手在旁側伸,在視線范圍內,手心向內

第三位 : 雙手上舉在頭上方的視線內

2.卻革底派(義大利派)

第一位 : 雙手垂下成自然圓,手指輕觸在大腿旁的位置

第二位 : 雙手在旁側伸

第三位 : 一手在身體前手心向內,另一手在旁側伸

第四位 : 一手在身體前與橫隔膜保持相同的高度,然後同時上舉在頭的上方.

古典式芭蕾舞衣

裙子的長度，不超過膝蓋，是短式的，不過袖子有無袖的，長袖的，燈籠袖等

1、純白色古典芭蕾舞衣

例如"天鵝湖"中的白天鵝

2、 全 黑 或 鮮 紅

前者例如"天鵝湖"中的黑天鵝

3、燈籠袖配背心

例如"柯貝莉亞"第二幕中史瓦妮達所扮演的娃娃—柯貝莉亞

4、長袖配背心，以亮珠刺綉裝飾之

5、上下色彩不同的芭蕾舞衣

浪漫派芭蕾舞衣

它的裙子幾乎到腳踝附近，成吊鍾型，有無袖的，燈籠袖的顏色有白色的，淡色的，淡紫色等。

1、燈籠袖的浪漫派芭蕾舞衣

例如"四人舞""玫瑰花精"。

2、扮妖精時，在手臂上或肩上加薄紗的衣飾 例如"吉賽爾"第二幕，"仙女"舞劇

3、村姑式舞衣

背心加燈籠袖，腹部上面配上可愛的圖案，例如"吉賽爾"第一幕，"柯貝莉亞"第一幕，"風流女兒"舞劇。

角色

古典芭蕾舞劇有其特定的結構與形式，經由藝術總監、編舞、舞者、燈光音響、服裝、布景……專業的劇場工作人員密切配合，才能完整的呈現在觀眾面前。

如果我們對芭蕾舞舞台上的型式能有基本的認識，觀賞芭蕾演出時必能獲得極大的樂趣與共鳴。芭蕾舞劇演出主要由下列三種角色組成：

1、主角：主角是故事核心人物，舞者需有一定水準以上的技巧與體力，最重要是要 有高超舞蹈素養及品格，才能詮釋劇中的人物。 古典芭蕾雙人舞是整個舞劇重心，大都由男女主角擔任，古典芭蕾舞劇雙人舞結構 次序是男女主角雙人的慢板，然後是男主角獨舞，女主角獨舞，最後才是終曲 (coda)雙人快板，主角藝術素養與技巧水準將於雙人舞中呈現。

2、獨舞者：具有主角技巧，而能單獨或三、四人演出者。

3、群舞者：群舞者雖然舞步較簡單，但復雜的畫面變化，整場氣氛烘拖更是扮演舉足輕重的地位，每一位群舞者均非常重要，只要有一人亂了腳步，整體的畫面將被影響。

舞蹈術語

一、舞蹈形象： 以舞蹈藝術為手段塑造的人物形象動態形象，技人體的姿態、造型，步法等動作藉助音樂、舞台美術、化妝、服飾等藝術因素產生的具有欣賞價值的視覺效果。具有可視性、流動性的審美性的特點，是舞蹈欣賞過程中被感知、認識的主要對象和體現舞蹈藝術審美價值的主體。

二、舞蹈表情：根據現實生活中人的心理活動和流露表情的習慣特點，經過提煉和藝術加工，用不同的舞蹈形式加以概括並表現出的喜怒哀樂等內心情感變化。除了與動作相協調的面部表情外，有節奏的動作、姿態、手勢和造型，亦可產生富有藝術感染了的舞蹈表情。

三、舞蹈動作：舞蹈藝術的基本表現手段。源於對人類情感動作和自然界各種動態事物的模仿。主要包括：

1、單一動作，即以人體某一部位為主動，其他部位靜止或隨動的動作；

2、復合動作，指人體各部位在同一時間按照一定的順序、規格作出的動作；

3、動作組合。一般指以訓練舞蹈技巧為主要目的，有兩個以上單一動作或復合動作按一定順序、方向、速 度和幅度上的結合與變化組成的連續性動作滑步、屈伸、踢腿、跳躍、旋轉等等。

四、民間舞（folk dance）：泛指產生並流傳於民間、受民俗文化制約，即興表演但風格相對穩定、以自娛為主要功能的舞蹈形式。不同地區、國家、民族的民間舞蹈，由於受生存環境、風俗習慣、生活方式、民族性格、文化傳統、宗教信仰等因素影響，以及受表演者的年齡、性別等生理條件所限，在表演技巧和風格上有著十分明顯的差異。民間舞不乏朴實無華、形式多樣、內容豐富、形象生動等特點，歷來都是各國古典舞、宮廷舞和專業舞蹈創業不可或缺的素材來源。

五、社交舞（social dance）：亦稱舞會舞（ballroom dance）泛指歐洲文藝復興以來流行於宮廷舞會和近代流行於各種社交場所的舞蹈。名稱和所用舞曲，以及基本舞步、隊形、風格和舞蹈表演順序多為因循義大利、英國、法國、德國、西班牙等國民間舞蹈的特點。

布朗特、小步舞、加沃特、波洛奈茲、連德勒、波爾卡、馬祖卡、加洛普、華爾茲曾先後風靡過歐洲各國宮廷。

法國大革命以後，宮廷舞會的形式已遠遠不能滿足社會各階層交往的需要，大眾化的公共舞廳在歐洲大陸應運而生，並逐漸取代宮廷舞會成為社交活動中的主要場所。

舞步簡單易學，形式自由，便於即興發揮和宣洩情感的舞蹈在公共舞廳備受青睞，社交舞因而很快融入了平民階層的文化生活。

六、芭蕾（ballet）：法語音譯。特指有一定動作規范、技巧、和審美要求的歐洲古典形式；或泛指以人體動作、姿態表現戲劇內容推動情節發展，以及表現一定的情緒、意境、心理狀態和行為的舞蹈表現形式。前者有時譯作「舞劇」。ballet一詞源於古代拉丁語 ballo，原意為當眾跳一定樣式的舞蹈，並無劇場演出的含義。芭蕾作為舞台藝術形式，始見於文藝復興時期義大利宮廷盛大的宴飲娛樂活動之中。後來由佛羅倫薩公主——美第奇的凱瑟琳將這一舞蹈形式帶入了法國宮廷.1581年,法國宮廷表演的第一部芭蕾《王後的喜劇芭蕾》在歐洲引起極大反響，各國宮廷紛紛效仿，並把芭蕾視為宮廷娛樂的典範，1661年法國國王路易十四在巴黎創建了皇家舞蹈學院之後，又於1669年授權在巴黎成立了歌劇院，從此結束了「宮廷芭蕾」的黃金時代。芭蕾進入劇場之後，先後經歷了「喜劇芭蕾」和「歌唱芭蕾」階段。18世紀中葉，「情節舞」及相關的理論日趨完善，芭蕾才徹底改變了依附於戲劇和歌劇，僅僅在幕間表演插舞的地位，發展為用舞蹈和音樂推動劇情發展，具有嚴肅社會意義的劇場藝術形式。19世紀初是芭蕾發展史的又一個黃金時代，在內容與題材、技巧與表演及演出形式等方面均有重大突破。腳尖舞技巧逐漸成為女演員的主要表演手段，並積累了一套系統、科學的訓練方法。受浪漫主義文化思潮影響，歐洲各國芭蕾的發展更加註重民族精神和氣質的表現，形成了義大利學派、法國學派、俄羅斯學派和丹麥學派等不同的風格的芭蕾學派。20世紀以來，俄羅斯取代義大利和法國成為傳統芭蕾發展的中心。而在歐美各國的舞台上，不同風格和不同流派的現代芭蕾逐漸顯露出蓬勃的發展勢頭，從而為芭蕾藝術的發展注入了新的活力。

七、情節舞：芭蕾術語。原意指結構形勢相對穩定，並與劇情發展有直接聯系的舞蹈。浪漫主義時期，情節舞的基本結構形勢是：「出場」、慢板雙人舞、男女獨舞和全體演員參加的的終場群舞。《雷蒙達》《天鵝湖》《睡美人》《舞姬》中的大型雙人舞和《愛斯梅拉達》中的舞會場面都是比較典型的情節舞。20世紀以來，情節舞作為與娛樂性舞蹈相對立的概念，泛指一切表達人物心理情緒變化、推動劇情發展的舞蹈。

八、舞劇：（dance-drama）以舞蹈為主要表現手段，並綜合音樂、美術、戲劇、文學等藝術形式，表現特定的戲劇內容、意境、人物形象、情緒、心理狀態和行為，以及推動情節發展的舞台表演藝術。因劇情需要或時代風貌、人物形象不同，舞劇可選用或綜合運用古典舞、民間舞、性格舞、現代舞、宮廷舞、或舞會舞等表演形式，並有編排有序的獨舞、雙人舞、三人舞、群舞、雙人舞、三人舞、群舞、組舞等舞蹈樣式組成。中國舞劇歷史悠久，發源於奴隸社會的宮廷樂舞。歐洲舞劇與「芭蕾舞劇」在概念上沒有明確的界說。

九、群舞：（group dance）舞蹈樣式之一。泛指源自民間舞蹈「集體舞」的舞台表演形式，即三人以上、人數不等的多人舞。群舞的畫面、構圖多變，要求表演者動作整齊，風格統一，配合默契，因而具有豐富的藝術表現力。（1）有獨立的內容和主題，情節完整的舞蹈作品。中國舞蹈《摸螺》《草原女民兵》《葡萄架下》，俄羅斯《小白樺樹》，朝鮮舞蹈《在泉邊》《摘蘋果的時候》，美國現代舞《意象》等均為群舞的成功之作。（2）在大型舞作品當中，有時因畫面、構圖的需要，或為突出主要人物形象和強化戲劇效果，群舞中常常穿插一些獨舞，雙人舞、三人舞的段落，如《仙女們》《天鵝湖》等芭蕾場面中的獨舞和雙人舞。（3）舞劇和大型舞蹈中為烘托全局氣氛而編排的群舞，如中國舞劇《紅色娘子軍》中的「女戰士舞」、「斗笠舞」，俄羅斯芭蕾《天鵝湖》中的天鵝舞等等。

4. 如何欣賞芭蕾舞藝術

首先，要了解劇情。我們可以藉助說明書，來了解舞劇的內容、劇中人物和演員陣容。

其次，要了解舞劇中各種舞蹈的功能和程序。一般來說，一出大型的芭蕾舞劇總是由獨舞、雙人舞、群舞等舞蹈和美化了的啞劇動作、舞蹈造型結合而成的。

再次，還應當懂得舞劇音樂。一部優秀的芭蕾舞劇，總有鮮明准確的音樂形象，優美動人的旋律。舞劇的音樂構思也往往與戲劇構思融合成一個完美的結晶體。一般來說，一部舞劇都有貫穿全劇的主題音樂，人物也有特定的主題音樂還有描寫場景的音樂，與各種舞段相配的舞曲等，這些音樂都是構成一部芭蕾舞的重要因素。因此，有人說「音樂是舞蹈的靈魂」，也是不無道理的。所以我們通過音樂去理解舞蹈藝術，也是欣賞芭蕾舞劇的一個途徑。

5. 芭蕾舞的美體現在哪

芭蕾屬於視覺藝術，必須通過動作、姿態及表情來讓欣賞者觀賞到其情感的變化。下面是我整理的一些關於 芭蕾舞 的美體現在哪的資料，供你參考。

一、芭蕾舞對氣質培養作用

(一)氣質的起源於與定義

1.“氣質”的起源。氣質是一個古老的心理學問題。早在公元前5世紀，古希臘著名醫生希波克拉特就提出了4種體液的氣質學說。他認為人體內有四種體液：血液、粘液、黃膽汁和黑膽汁。幾世紀以後，羅馬醫生哈林(Galen)用拉丁語“emperametnum”一詞來表示這個概念。這就是“氣質”概念的來源。

2.“氣質”的定義。氣質在《辭海》里釋為：人的相對穩定的個性特點和風格氣度。指詩文清峻慷慨的風格。本文提到氣質是指一個人從內到外的一種內在的人格魅力然後所發揮的一個人內在魅力的質量的升華。所以，氣質並不是自己所說出來的。而是自己長久的內在修養平衡以及 文化 修養的一種結合，是持之以恆的結果 。

(二)芭蕾舞簡介

芭蕾是法語“ballet”的音譯，因其女演員要穿足尖鞋跳舞，所以，俗稱“足尖舞”。芭蕾舞起源於十五世紀義大利的盛大宴席活動，素有“西方藝術的結晶”和“舞蹈藝術皇冠之珠”的稱謂。法國國王路易十四在位時，就確立了芭蕾舞的腳位、手位。十九世紀初是芭蕾發展史的黃金時代，歐洲各國芭蕾的發展更加註重民族精神和氣質的表現，形成了義大利學派、法國學派、俄羅斯學派和丹麥學派等不同的風格的芭蕾學派。芭蕾的發展跨越了幾個世紀，先後經歷了早期芭蕾、前浪漫主義芭蕾、浪漫主義芭蕾、古典芭蕾、現代芭蕾、當代芭蕾等幾個重要發展階段。芭蕾藝術的足跡遍及全球，成為可以跨越國界、超越民族、超越語言的全球藝術，其技術的嚴謹性和規范性造就了芭蕾藝術獨特的審美價值。

芭蕾舞對氣質培養有何價值芭蕾舞對氣質培養有何價值

(三)芭蕾對人氣質培養的作用

1.塑造端莊姿態。氣質看似無形，實為有形。

它是通過一個人對待生活的態度、個性特徵、 言行舉止 等表現出來的。氣質外化在一個人的舉手投足之間。芭蕾基本功訓練過程中，“開”強調的是身體關節部位的外開，尤其是肩、胸、胯、膝、踝這五大關節。外開可以延長肢體線條，增強動作延伸感。而“綳”是指舞者在舞蹈進行中始終綳直腿部、腳部，以及脊椎、頸椎部位，展示出一種挺拔修長之美。“直”就是要求表演者身體挺拔直立。“立”是指追求“十字架”中心上提且嚴格保持垂直。這種舒展、挺拔、優美、端莊、的體態既給人以精力充沛之感，又蘊含著極大的藝術魅力。著名芭蕾表演藝術家，侯宏瀾增說過：“通過芭蕾芭蕾舞的站姿、形體訓練等，使學習者逐步擁有完美的體態，潛移默化地養成一種難以言說的獨特氣質。”

2.豐富情感世界，提高表現力。

氣質美同樣反應出豐富的內心世界。 我國漢代《毛詩序》中這樣表述，“情動於中而形於言，言之不足故嗟嘆之，嗟嘆之不足故詠歌之，詠歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也”。這是說有什麼激動人心的事，人用“語言”、“嗟嘆”、“詠歌”等手段都不能充分表達這種感情，最後用手舞足蹈這種方式表達出來。這說明舞蹈最善於表達情感，是情感表達的最高境界。

芭蕾屬於視覺藝術，必須通過動作、姿態及表情來讓欣賞者觀賞到其情感的變化。

這就要求演員用舞蹈動作明確得刻畫出人物的內心世界，把人物的情感形象呈現在觀眾的面前，即提高舞蹈動作表現力和舞蹈情感表現力。舞者需要細細品讀作品中角色的內心情感世界，經過提煉和藝術加工，通過動作、姿態和表情的變化去刻畫該角色情感的變化。

3.提高審美素養，提高自信。

芭蕾舞芭蕾起源於宮廷，是一種外國宮廷舞蹈。所以，芭蕾舞本身具有高雅的氣質。舞的本意是旋轉，蹈的內涵是踴躍，即舞蹈通過各種旋轉和踴躍來傳情達意，將心理感受和生理運動緊密融合在一起，達到昭示美、塑造美、弘揚美的目的。美是芭蕾舞的魅力所在，如果把舞蹈比作一個藝術的桂冠，那麼芭蕾就是這個桂冠上最閃亮的鑽石，它是舞蹈裡面最精美也最迷人的集大成者。芭蕾舞演員在塑造舞蹈形象的同時要不斷地進行審美的思考，體現出舞者在審美創造的崇高追求。她們不斷地在實踐中體會芭蕾舞特有的藝術內涵，從而逐步內化和提高自身的審美修養。

4.體驗民族文化，陶冶情操。

舞蹈作為藝術的一種形式，既是文化的印證與象徵，也是文化的折射與反映。袁禾教授在《舞蹈》中曾指出：“舞蹈是人體的藝術，是具有靈魂的人自身的文化。”舞蹈藝術與文學一樣，具有同等充分的視角，能夠像作家和詩人一樣表達現代人的內心世界。就像《梁山伯與祝英台》、《大紅燈籠高高掛》等這些富有東方特色的、富有民族風韻的中國芭蕾舞，其中融入了民族文化元素，形成了獨特的內涵與民族風格。舞蹈的世界是包容的世界，在民族文化的傳承與對世界各民族文化的借鑒、融合過程中，舞蹈者不斷體驗民族文化的內涵，從而豐富自己的文化積淀與內涵，陶冶情操。

氣質在現在的社會所表現的，是一個人從內到外的一種內在的人格魅力的自然流露與升華。一個人的真正魅力主要在於特有的氣質，這種氣質對同性和異性都有吸引力。芭蕾帶給人一種盛氣凌人、高不可攀的感覺。它是內涵的外露，是彰顯的氣質，是獨特表現的個人魅力。芭蕾舞演員或者練習者整個人散發出一種挺拔和風度，舉手投足間展現出優雅、自信的氣質修養。

二、美體同芭蕾形體的區別

1、根本的區別

目前所有健身房的芭蕾形體幾乎都是把舞蹈教室里的芭蕾基訓(基本訓練)課照搬到了健身房，並未經過人體鍛煉的改造，而基本上只進行了簡單的大眾化芭蕾訓練的改造。美體塑形課同樣源自於舞蹈，但是它是專門為健身塑形而創建的一們健身課程，它提取了多個舞種訓練對人體的有益部分，剔除其專業性、逆反人體性及程式訓練等等，有機糅合，以人體的骨骼、肌肉為出發點，來鍛煉人體、改造人體及培養藝術型的氣質。

2、訓練 方法 的不同

關於美體同芭蕾形體的區別關於美體同芭蕾形體的區別由於芭蕾形體是把舞蹈教室里的芭蕾基訓(基本訓練)課照搬到了健身房：一樣的擦地、一樣的蹲，一樣的把上把下，與對待專業學生一樣的要求、一樣的套路(只是難易之別)：開綳直……這些動作是每一個專業學生成為演員的必經之路，但是對於健身目的的鍛煉者而言，則沒有多大的意義。

然而美體塑形課盡管由芭蕾等舞種中提取、改造而成，它打破了程式的舞蹈練習模式，把各種有益的練習加以糅合改良，以正確合理的人體骨骼與肌肉為基準進行訓練。沒有花哨的組合、套路，只有目的明確、指向性強的遞進式練習。練習目的性強。

3、訓練成效不同

芭蕾基訓雖然有一定的塑形作用，但是，畢竟是屬於專業學生的專業基本功訓練課，而不是健身塑形課，不可迴避的含概了很大部分逆反人體的專業所需性的東西。而且就它的塑形性也基本只對自小練習芭蕾的人才有效。盡管部分成年人堅持數年，也略有效果，但是就這樣照搬，對大多數的人來說，根本不實際，也甚至無益。因為專業芭蕾需要的開(身體的軟開度)、綳(身體與肌肉等等)、直(身腿手脖等等)對多數成年人來說，已經是不可能達到的(因為，對於大多數非專業青少年來說也是不容易做到的)，但由於芭蕾基訓的本身訓練，做不到就沒有了訓練的意義、達不到練習的要求。但是要做到，骨骼已經成型。也因此為什麼堅持下來的寥寥無幾，而這幾個也都是出於對芭蕾的熱衷。

美體塑形課由於它的教學特點與訓練內容的柔和以及以人體的骨骼、肌肉為主的出發點，用最輕松、最簡單的方式與姿勢，對練習者進行練習，對其身形進行糾正。而且還可以使練習者隨時、隨地都可以進行練習。直接而又顯著的改善脊椎、肌肉、外形。

4、適合人群

芭蕾形體更適合於身體條件好、熱衷與芭蕾的 愛好 者練習。美體塑形課則適合於大多數人練習。但是，芭蕾形體也並不是一無是處，它對人的氣質培養是很不錯的。

對於芭蕾形體與美體塑形課這兩門同祖同宗的課程，但是其根本面向的人群不同、訓練的根本目不同。所以只有大家自己仁者見仁、智者見智、親歷親為給自己進行選擇。

6. 如何評價芭蕾舞藝術

想要更好的評價芭蕾舞的藝術，首先必須要對整一個藝術的場景進行有效的鑒賞，然後通過技巧分析來鑒賞和評價芭蕾舞的美感和價值。

7. 芭蕾之美有哪些

四個方面欣賞芭蕾之美。專業人士介紹，芭蕾是通過演員的形體動作和表情來表達思想感情的，是一種不說話的藝術，因而要欣賞芭蕾，主要從四個方面來看。

演員的表演是否規范。對芭蕾演員的基本要求是「開、綳、直」，這就是嚴格的規范化。芭蕾演員要精確地控制臂、腿、手、腳的動作，使觀眾看上去毫無體重可言。在所有跳躍、迴旋以及自轉的過程中，給觀眾的感覺似乎是在地面上飄動。

演員的技巧難度。芭蕾技巧包括各種跳躍、旋轉等，而各種技巧都要在獨舞或雙人舞中完成。尤其是古典芭蕾雙人舞，表演必須配合默契。

演員的表演。既要看演員的一系列表演，又要看演員把握各個不同節目風格的准確性。有的節目不是以技巧高超見長，而是以抒情細膩取勝，這是觀看時需要注意的。

舞劇擅長抒情，不善於敘事，因而看舞劇還應從故事情節選擇是否簡練清晰、人物關系是否不用啞劇也能加以准確地表現、人物形象刻畫得是否光彩照人、栩栩如生以及音樂是否適合舞蹈的需要、舞美是否能夠恰到好處地襯托舞蹈等方面去看。

8. 如何欣賞芭蕾舞

如何欣賞芭蕾舞種的那些技術技巧：
1、旋轉：數量和質量的高低是評判芭蕾舞者技術水平高低的核心標准之一，所謂質量， 主要指的是旋轉過程中，規范的舞姿是否走形，空間的定位是否合乎要求，停止旋轉時是否穩定如初，是否能自然而然地完成結尾時的固定舞姿。
2、速度：這是衡量芭蕾舞者技術水平高低的又一硬性標尺。速度越快，難度越大，但在 有些旋轉和跳躍中，加速則是必不可少的，並且能使這些動作完成起來更加容易一些。當然，速度的快慢只是一種技術的標准，而非藝術的標准。這里涉及到了;舞蹈的本質更 多的還是藝術，而非技術的總體原則，盡管沒有比較完美和完整的技術，舞蹈也無法成就為藝術。
3、方向：這是判別技術高低的第三條標准。在動態中變換方向時，要求力度增減得當， 而有經驗的舞者都懂得，按照圓形的調度轉圈比按照直線的調度轉圈難得多，而女子保持在一個固定點上完成32周揮鞭轉 ，或男子也在一個固定點上完成幾十個二位旁腿轉， 則往往成為衡量舞者技術水平高低的試金石之一。
4、定點看一點：所謂;定點看一點指的是舞者在以軀干為垂直軸作急速旋轉時，必須用眼睛盯住正前方的某一點不放，即讓整個軀乾和四肢先轉，而將頭部，尤其是雙眼， 留在後面，直到整個頭部與身體間的分離程度達到最大極限時，也就是當身體要進行第 二次旋轉之前的那一剎那，將頭部和雙眼驀地跟著整個身體的動勢甩過去，並立即以快於軀體的速度，趕在整個身體完成一整圈之前，找到原來的那個視點，然後死死地盯住 不放，這是避免舞者頭暈的最好方法。這種作法實際上，就是用建軍雷不及掩耳的速度 ，造成一種靜態的假象，以利用最短的時間來完成視覺中的這種方向變化，減少平衡器 官中的振盪和變化，避免由此產生的暈眩。
5、變化手臂或腿腳：在旋轉或跳躍中變化手臂或腿腳，是對舞者身體平衡與協調能力的又一大挑戰。
6、無聲而優雅的落地：這應是評判舞者水平高低的又一條標准。
7、跳躍的高度：這當然能夠增加舞蹈欣賞中的熱烈情緒。比較而言，創造絕對高度遠不如在瞬間中保持高度，甚至產生在空中停頓片刻的幻覺那樣難。在專家的眼睛裡，創造 出這種幻覺是舞者最為輝煌的技藝之一。就在這個瞬間里作為人的舞者，或者說舞者的 人性特徵，得到了最大的發揚，而大自然的地心引力則受到了最大的蔑視。
8、綳膝蓋：這是芭蕾技術中絕對不可或缺的規范。
9、綳腳尖：這也是對芭蕾技術完美性的基本要求。
10、高抬腿：從接受美學的角度來看，舞者正面對著觀眾時，向兩側高抬腿更能出效果。
11、支撐腿的穩定性：完成這個動作的理想化標准，除了膝蓋和腳背需要綳直外，還要 求支撐腿如板上釘釘一樣，一動不動。
12、線條：大致可分兩大類，一類是舞者肢體線條，一類則是舞台調度的線條。
13、流暢度：按照中外傳統舞蹈的路子，編舞家和觀眾都習慣於要求舞者動作的線條和
舞台調度的線條暢若流水。
14、雙人舞：包括了托舉、支撐旋轉和平衡三大類動作。傑出的舞伴間的默契除了表現 在對雙人舞的常規動作達到滾瓜爛熟的程度外，更表現在絕對的相互信任之上。
15、大群舞：橫豎必須成行，手腳必須到位，動作必須一致，呼吸必須統一，舞句必須 流暢，舞者必須協調。大型的群舞中，每位舞者的個性應該加以最大限度的抑制，以便 使整個畫面保持協調統一。
16、動作干凈准確：無論是群體還是個體，舞者的動作都 應是干凈而准確的。
17、舞者在跳舞時，應該表現出充分而優雅的自信，尤其是在完成簡單和高難動作之前 和之中，不應表現出任何不安來，而應給人如履平地的輕松感和自如感，以及一氣呵成 的整體感和舒適感。
18、快感：舞者作為劇場表演藝術家，其天職應該是給觀眾提供快感，但要提供快感， 舞者本人必須在跳舞過程中先為自己找到快感。
19、小騙局：當芭蕾舞者在舞台上未能嚴格按照上述技術規范，准確地完成各種動作時 ，會不由自主地作一些小小的補償或調整，行話稱之為小騙局需要向觀眾解釋清楚 的是，為了完成某種超出常規運動范疇的動作，使觀眾產生新奇的美感和快感，採用這種小騙局是必要的，而絕對不等於是欺騙觀眾，就象魔術的神奇就在於它的騙局一樣。
20、從技術向藝術的大跳：在芭蕾演出中，舞蹈會不斷改變其視點和強度。解決肢體位置和動作規范的時空力度關系，則是舞者應該在排練中解決的問題。

9. 芭蕾的藝術魅力

芭蕾舞劇（ballet，意）由舞蹈演員身著劇裝在音樂伴奏下表演的戲劇。起源於文藝復興時期的義大利，後傳入法國獲得極大發展。最初的法國芭蕾舞劇音樂不僅有器樂，還有歌唱和朗誦，因此可看作是歌劇的前身（當時的歌劇中也有芭蕾舞，此傳統一直延續到19世紀末，並影響到義大利歌劇）。19世紀中葉以後出現大量優秀的芭蕾舞劇音樂，如柴可夫斯基的《天鵝湖》、斯特拉文斯基的《火鳥》等。 芭蕾舞劇的藝術結構特點 芭蕾舞劇是綜合音樂、美術、舞蹈於同一舞台空間的戲劇藝術形式。三位姐妹藝術的密切合作造成時空一致、視聽統一的藝術效果，這正是芭蕾舞劇具有獨特魅力之所在。 音樂在芭蕾中佔有不容忽視的地位。根據舞劇腳本譜寫的音樂是舞劇編導賴以進行編創舞蹈和戲劇動作的基礎。因此，舞劇音樂既要體現完整的藝術構思、描繪戲劇性的情節進展，又要刻畫鮮明的音樂性格、提示人物的內心世界與感情變化。而且，舞劇音樂往往都有節奏明確、抒情色彩濃厚的適於舞蹈的旋律，並體現出作品的時代、地域的風貌。音樂素有「舞蹈的靈魂」之稱，難怪我們聆聽舞劇音樂時，腦海里就會有形象浮現。 包括舞檯布景、服裝、化妝在內的舞台美術，通過逼真的實感、巧妙的色光變幻以及特技效果創造出舞劇規定情境所需要的藝術氛圍，增強著舞劇的感染力。舞台美術的重要性可以從下述情形得到證實：即使是滿台白光或漆黑一片，人們也能從中體味某種特定的含意。 舞劇，顧名思義舞蹈是它最主要的表現手段，舞劇的一個突出特點是演員在台上不說也不唱，完全依靠形體的表現力來完成所有的戲劇要求——主題思想的闡述、矛盾沖突的展現、人物性格的塑造。訓練有素的舞蹈演員是通過優美的舞姿、和諧的韻律、高超的技巧「說話」和「唱歌」的，說出角色的心裡話，唱出人物的情愫來。這里要指出的是，芭蕾演員作為藝術創作的體現者，其素質的高低、進行二度創作的能力大小固然起著決定性作用，但是，在作品誕生的全過程里，舞劇編導的才情和技巧都從根本上影響著作品的質量。當我們為一部舞劇的成功演出鼓掌喝彩時，理所當然地包括了對編導的肯定與贊揚。 芭蕾舞劇的舞台表演是由啞劇和舞蹈兩大部分構成的。舞蹈部分又可分為直接推動情節進展的和情緒單一、表演性強的兩種舞蹈。 芭蕾中的舞蹈格式有獨舞、雙人舞和多人舞。獨舞猶如話劇中的獨白、歌劇中的詠嘆調一樣，長於刻畫人物性格和抒發內心情感。群舞則用來渲染、烘托氣氛，調劑色彩。在許多古典芭蕾舞劇中，由女演員組成的舞隊排出各種幾何圖形，表演優雅的輪舞、圓舞，呈現出令人賞心悅目的舞蹈構圖，往往是代表了一部舞劇的典型場景——象《天鵝湖》湖畔的「群鵝」、《吉賽爾》第二幕的「群靈」、《希爾維婭》第一幕的「獵神們」所顯示出來的那樣。 芭蕾雙人舞在概念上不僅是「兩個人跳舞」，而形成為一種特定的表演格式。古典舞劇中，男女主人公的雙人舞常常被處理為全劇的核心舞段，占據著重要位置。雙人舞通常取三段式進行：一、慢板——由男演員扶持、托舉女演員的合舞，連貫地展示各種舞姿，在地面和空中完成一系列旋轉、跳躍等技巧動作；二、變奏——男、女演員分別表演獨舞；三、結尾——由男、女演員逐漸加快的獨舞過渡到快板的合舞，呈現舞蹈的高潮。雙人合舞（不論是慢板或快板）要求男女雙方和諧默契、渾然一體；而變奏一般都包含著復雜的高難技巧。因此，雙人舞是對芭蕾賞技藝的全面檢驗。我們經常可以看到《天鵝湖》、《唐·吉訶德》、《海俠》、《睡美人》等古典芭蕾中的雙人舞做為舞劇精華拿到舞蹈晚會上表演，演員們按照原劇應有的情緒盡力炫耀著自己的拿手絕技（如連續不停地三十二圈單足旋轉），收到激動人心的舞台效果。 芭蕾舞劇中還常貫穿有多種風格的舞蹈，即各個國家和民族具有特徵的民間舞，統稱「性格舞」。象《天鵝湖》里的西班牙舞、瑪祖卡舞（波蘭民間舞）、恰爾達什舞（匈牙利民間舞）和《紅色娘子軍》里的取材於我國黎族的少女舞、五寸刀舞，都屬於性格舞表演。它使得舞劇更加色彩紛呈、壯觀美麗。 古典芭蕾里的啞劇表演是推進劇情、提示矛盾的重要手段。它在舞劇中的作用是舞蹈所不能完全替代的，但是盡量使啞劇舞蹈化則是好的舞劇編導所追求的目標。當代的舞劇作品，如《奧涅金》、《鄉村一月》在這方面的成就是引人注目的。 在芭蕾中經常採用的一些啞劇手勢是很早以前創造出來的，久而久之，觀眾已習慣於從這些固定動作中了解它的含意。譬如：演員用手按左胸表示「愛」，雙手在頭項交替繞圓圈表示「跳舞」，一隻手的手背從方向相反的臉頰劃到下頦處表示「容顏美麗」，攤開雙手或單手錶示「詢問」，雙手握拳交叉於身體前方表示「死亡」等等。 啞劇穿插於各舞段之間，多種形式和風格的舞蹈按戲劇進程編織在一起，既避免了觀眾視覺的單調感，又給予演員們輪換地高速體力的時間，是每個編導在構思時就認真考慮的因素。而一般的戲劇規律，例如啟、承、合，在芭蕾舞劇創作中同樣發生作用，我們在觀看舞劇時也就有清晰的情節線索可循。但是，當需要主人公宣洩情感的時候，當需要製造某種戲劇氣氛的時候，當為展示芭蕾美的畫面的時候，往往常規時限概念就被打破了，將瞬息延伸得很長，或者相么，對那些非重點的說明性段落則一帶而過——不均勻地分配時間和使用力量，這個一切藝術都講究的節奏在芭蕾舞劇的藝術結構中被更加強調性地運用著。 芭蕾舞劇的發展階段 芭蕾藝術進入劇場後，最初只是演出歌劇時的插舞，叫做「芭蕾歌劇」。十八世紀中期產生了「情節芭蕾舞」，結束了芭蕾與歌劇的合作，一門獨立的藝術誕生了，整部舞劇上演了。十九世紀中葉，浪漫主義思潮湧進芭蕾藝術領域，迎來了它的輝煌燦爛的成熟時代。芭蕾從內容到形式都發生了根本性的變化。這個時期，足尖站立的技藝產生並迅速推廣，足尖舞功成為芭蕾的一大要素。 芭蕾舞劇中的舞蹈格式：芭蕾中的舞蹈格式有獨舞、雙人舞、多人舞。獨舞長於刻畫人物性格和抒發內心情感；群舞則來渲染、烘托氣氛，調劑色彩。雙人舞在概念上不僅是「兩個人跳舞」。而形成為一種特定的表演格式。古典舞劇中，男女主人公的雙人舞，常被處理為全劇的核心舞段，占據著重要的地位。雙人舞通常分慢板、變奏、結尾，是對芭蕾演員技藝的全面檢驗。 芭蕾舞劇音樂特點 音樂在芭蕾中佔有不容忽視的地位。根據舞劇腳本譜寫的音樂，是舞劇編導賴以進行編創舞蹈和戲劇動作的基礎。舞劇音樂既要體現完整的藝術構思、描繪戲劇性的情節進展，又要刻畫鮮明的音樂性格、揭示人物內心世界與感情變化。舞劇音樂節奏明確、抒情色彩濃厚，適於舞蹈旋律，體現作品時代、地域風貌。有「舞蹈靈魂」之稱。