藝術作品如何增加多元素的創新

Ⅰ 如何讓藝術作品更優秀

完成一幅作品並不容易。你的眼界、感官、品味、設計??都需要花上幾個月甚至幾年才能修煉成型。辛苦的工作、咖啡和漫長的夜晚對藝術家們來說再平常不過。

入行多年，你更加了解自己了嗎？還需要什麼來提高你的技術，哪些地方你能處理得更好呢？

就職於迪士尼的概念藝術家Luca Pisanu列了10個小貼士，對大家改進自己的作品應該能有一些幫助，無論短期或長期的創作。不管你是新人還是專業人士，這些小貼士都能派上用場。

作者：Luca Pisanu

迪士尼藝術家，洛杉磯

概念藝術家Luca Pisanu就職於迪士尼

主要負責動畫和游戲的概念設計

參與了《海洋奇緣》、《恐龍當家》等著名動畫電影的製作

與此同時，他還有著很多其他身份

吉他兼鼓手、漫畫家、插畫家、3D藝術家??等等

Luca Pisanu在ArtStation上分享了他多年創作總結的10條Tips

*原文標題：ArtStation干貨| 10個讓你的作品更優秀的方法

*著作權歸作者所有，文章首發於@HART，已獲授權轉載。

1.知識

也許你在長期創作的過程中就能發現它的效果了。這是一切的基礎。它在你的意識里逐漸成型。你印象中存留的畫面越多，你的創意就會越好、越豐富、越清晰。

這么說吧朋友們，走出去，去學習你身邊的一切：微小的細節，光影的呼應，為什麼光經過反射之後會呈現那種顏色？即使你身處一個無趣的環境，也要保持好奇和專注。相信我，有大量的信息等著你去獲取，並應用到你的作品中。知識是建立自己創意結構的第一步，缺少知識的積累，創意會變得貧乏無趣。

2.計劃/研究

一些藝術家在沒有確切計劃的時候就急於動筆，這倒沒什麼錯，因為它們對嘗試來說很有用，能讓你在你沒有靈感的時候打破僵局。

雖然這條小貼士不會讓你的靈感神奇地重現，但肯定能幫你建立一個扎實的起點，讓你最終交出一份讓人滿意的作品——我指的就是在你開始創作之前制定一個確切的計劃。

對我來說，創作前最有用的步驟是，繪制很多每個只有幾筆的小縮略圖，提供給我所需要的所有信息。如果這些小而潦草的圖能夠派上用場，那這就已經是一個很棒的開始了！

去網上找，不要怕右鍵大量有關設計、光照、氛圍、敘事等等的參考，然後去分析它們，弄明白它們好在哪裡。把這些信息存在你的腦海里。隨著時間的推移，你將會積累很多素材，為你的下一幅作品做好准備。

3.我想表達什麼？這真的是個好的創意嗎？

所有的藝術家都經歷過這樣的場合：我們花了幾個小時、幾天甚至幾個星期，來完善一幅作品的細節和信息，直到最後才發現，其實那個創意並不怎麼樣。

上文我提到的「計劃和研究」是完美的開始，但是首先，它們得建立在一個扎實的創意的基礎上才能成功，讓你和你的觀眾一起成長。

花點時間，問問你自己一些關於這個創意的問題：這個畫面的5分鍾前發生了什麼？之後又發生了什麼？這是最能表現我設想的姿勢嗎？這個有必要畫嗎？這只是很多問題中的一部分，讓你設計的第一步扎實可信。你也可以問問你信任的朋友：他們怎麼想，他們在你的作品裡能看到什麼。

4.在剪影中思考

視覺語言可以轉換成圖形。我們需要鍛煉我們的眼睛，去觀察大塊構圖的每一部分，還有我們需要放在這個場景中的人物和要素。不要等花了大段時間刻畫出所有東西的細節之後，才發現你想把這座山稍微往左邊挪一點。

剪影間的和諧至關重要：試著玩轉大小縮放，轉角軟硬，高低對照和比重權衡。這是你的地盤，這些要素是你的工具，如果都各得其所，它們將完全按照你的構想來敘述整個故事，將讀者的視線引到作品的焦點上。

5.設計是關鍵

設計是賦予你作品特徵的關鍵。它是體現作品含義信息的集合展現。

為了表現你的風格，並突出你作品的設計，你必須知道事物在現實世界裡是怎麼運作的。比如，真實的光線為何會照亮物體？怎樣照亮？又比如一個角色是怎麼做出某個動作的？為什麼要做？觀察現實。我知道我一直在說這句話，但這真的非常關鍵。一旦你掌握了，你就能知道如何對其進行藝術加工，創造出讓人信服的個人風格，同時在心裡清楚，哪裡該推進，哪裡該避開。

6.灰度，灰度，再說一遍，灰度

我說了灰度吧？一定要把它弄對。灰度是賦予你作品深度的關鍵。哪怕是最精細的繪畫、最驚艷的元素和設計，如果配上了錯誤的灰度，那所有的表現、情感、說服力、沖擊力等等等等，都會前功盡棄。

不斷檢查你的黑白稿以確保進展順利，一個好的練習可以簡單地只畫明暗，不在意顏色、細節等。嘗試在縮略圖中只用黑白兩色來畫吧。

7.休息一下

我建議你盡量什麼都畫，在哪兒都畫，以不斷刷新自己的創造力：這能讓你充分發揮想法，看看你可以想像出什麼。

但也要確保自己能通過做其他事得到休息：讀書、探索、攝影、散步、運動??等等。作為一名藝術家，你不僅要放鬆你的精神，更要潛意識地把每項活動作為自己的學習體驗。我發現這樣回到工作狀態之後，效率能提高十倍。

8.安置好你的主體

你的創意需要有一個確切的焦點，清晰可見，不要給觀眾造成任何疑惑。

即使只用三分法構圖來創作也可以樂在其中。圍繞你的主體設置視覺引導元素，別讓它們太擠或太亂。不要讓任何錶達不清的東西干擾視線。一個優秀的練習應該能從作品的邊緣開始，讓線條將你的視線引到作品的焦點。確保這一過程不受阻礙，也確保你尋求新方案的嘗試不受阻礙。

9.色溫

另一個對畫面的敘事性和感染力而言至關重要的方面是色溫的選擇。

色溫不能隨意，它必須根據特定的氛圍來選擇。我需要我營造陰森的感覺嗎？可能它是邪惡反派的老巢。再或者，你是不是想用這幅畫表現一個安全的地方？以上只是兩個非常基本的場。

更大的挑戰是通過玩轉色溫來控制畫面，用最常見的顏色來表現完全相反的氛圍。將現實誇張化，不要拘泥於晴天的高飽和度色彩，通過控制光線來主導自己的作品。

10.退一步，再回顧

考慮了全部這些要點之後，新人藝術家們可能會發現，認真學習之後的結果是不知道什麼時候停筆。

這不是什麼特別糟糕的事情，但有時在到達某種程度後，最好的選擇就是收工，然後開始下一個項目。你需要知道什麼時候一幅作品已經表達了你想表達的一切。通常一幅作品完成得比我們想像得差，因為我們總不自覺的畫蛇添足。

所以，我的朋友，確保你知道什麼時候停筆，在你使用的任意一個平台前欣賞你優秀的新作品吧。為自己感到自豪，然後帶著每幅作品給我們的新知識，再次出發。

*文章授權轉載自公眾號@HART

@鴿鴿大

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Ⅱ 如何讓藝術作品更優秀

其實每件藝術品都是獨一無二的，通常都是我們人類賦予了他所謂的價值。想要藝術品更加的優秀就不要過分的模仿，可能有時候跟隨著自己的心走這件藝術品就有了獨特性。生活當中我們更是需要一雙善於發現美的眼睛，因為藝術往往存在於我們的生活當中，將生活當中的種種尋常事結合到藝術品當中就能夠顯得更加的優秀。

如何結合呢，可能大多數的人還是沒有分寸，當你看到了美麗的落日，你用畫筆將他記錄了下來，這實際上就是一件藝術品了。但是這種藝術品往往得不到認可，因為他們往往缺乏文學性。想要讓自己藝術品變得更加優秀，很重要的點就是讓他充滿著文學性。

其實早期借鑒一些知名藝術家的作品也是必經之路，當然並不是抄襲而且看到他的藝術品的本質，這樣才能夠有助於自己的理解。

Ⅲ 時裝設計中，我們應該如何應用唐三彩並且與此同時進行一些創新呢

1.設計師們加強對唐三彩藝術的了解

3.對唐三彩造型元素的應用創新

一方面可以從唐三彩的造型中提取出一些圖案元素進行運用，另一方面可以結合唐三彩中唐代人物造型進行時裝設計。服裝中的圖案與裝飾同樣是服裝設計的重要內容之一，可以很好的體現設計者的創作主題與文化引導，因此在對唐三彩原色進行運用的過程中，可以選取一些元素作為服裝的圖案和裝飾，比如當設計者從絲綢之路上的唐三彩上尋找設計靈感時，可以將唐三彩上的器皿、動物模具中具有特色的紋樣進行提取，包括馬、牛的一系列靜態與動態模具、以及器皿中的寶相花紋，他們的形態進行勾勒之後，用塗鴉的方式把模具的生動以及肅嚴的神態活靈活現的展示在服裝上。這些傳統的紋路具有相當高的藝術價值，如果運用得當的話，將會呈現相當好的藝術效果，同時可以很好的展現我國的傳統文化。

Ⅳ 作為設計師如何推動文化創造性轉化和創新性發展

讓傳統的成為時尚的。
傳統文化「跨界」參與當代藝術設計、融入現代文化潮流的優秀實踐大量涌現，一股新的「中國風」已成設計風尚，真正有生命力的「中國風」設計，一定是植根於中華優秀傳統文化的設計，要想讓流動的傳統與生動的當代對接，就得有意識地突破，讓傳統文化元素與不同文化語言進行融合重構。
超越「形」的借鑒，做到「意」的延伸，進入中華傳統文化的精神和思想深處。數千年來，中華文化形成了一條未曾間斷的傳承脈絡。對「中國風」設計來說，這是一個擁有豐富形式、深刻內涵和無窮魅力的中華文化資源寶庫。文獻典籍、神話傳說、民間故事等敘事資源浩如煙海，書法、繪畫、篆刻、雕塑、音樂、戲曲、舞蹈等藝術形式各有千秋，建築園林、染織服裝、器物用品等工藝美術數不勝數。面對如此龐大的資源庫，如何取用，怎樣轉化，以什麼樣的設計方法呈現怎樣的視覺語言，尤其考驗設計師的眼光與功力。以中國元素為抓手，煥發經典元素的活力。所謂中國元素，是指經過漫長的歷史凝練而形成的、具有典型中華文化內涵的元素，如極有辨識度的漢字、水墨、書法、青花瓷、京劇臉譜等。「中國風」設計一般以中國元素為表現形式，但這種表現不是簡單堆砌與羅列，而是力求地道、考究，還要充分挖掘轉化活化的可能，使其成為設計創新的活躍因子。電影《黃金時代》海報設計中，宋體字的撇捺橫豎點成為人物行走的森林，意指電影的主人公們在文學文化的世界遊走、抉擇、沖撞，漢字的間架美感與文化氣息躍然紙上。2008年北京奧運會會徽「舞動的北京」，設計形式來源於篆刻肖形印，篆刻藝術剛柔並濟的力道、中華文化悠久的歷史、北京開放的姿態、人物奔跑的動感，多重意蘊融於一方印中，大氣莊重又充滿活力。這些都是巧用中國元素、將傳統韻味和現代氣息相結合的優秀案例。

Ⅳ 影視作品的藝術創新主要表現在哪幾個方面

其實就是影視創作的創新。

包括：劇本的創新，拍攝手法的創新，道具的創新，特技的創新。

導演就相當於一個藝術總監這樣的總經理級別，那自然也有管理方法的創新。

演員自然也有表演方法的創新。

Ⅵ 如何在小學美術教學中培養學生的創意能力

在美術教學中，要以培養學生創新意識為主線，根據學生發展特徵，充分挖掘教材，因材施教，使學生積極主動投入到創作學習活動中，獲取創新的成功體驗。時代跨入新的世紀，素質教育的浪潮正在教育戰線奔涌而來。自己作為一個美術學科的教師，就美術學科如何滲透素質教育，在教育教學方法上進行了探索。美術學科，是小學階段的一門必修課，在日常的美術教學中，如何培養學生的獨立意識，幫助學生喚起主體自我，展現獨特個性，培養其創新精神，是教學工作中的核心目標與方向。下面，就我在美術教學中如何培養學生的創新意識，談一點自己的體會。
一、重視寫生訓練，培養學生創新基礎。
在美術教學中，重視學生的寫生訓練，讓學生走向自然，走向社會，激發學生的創作慾望。繪畫是一種藝術創作，而藝術貴在創新，但創新靈感與所處的環境有著密切的聯系。如果把學生局限在教室內和課本里，讓學生閉門造車，學生必然思維板滯，缺乏創新意識。為此，在長期的教學實踐中，我認為最好的辦法便是讓學生走向自然。小學美術教材中有大量的內容需要學生在對大自然的觀賞、概括、提煉和領悟中去掌握。通過觀察和活動，學生對大自然有了一個本質的認識和理解。大自然的人、物、鳥、蟲；雨、雪、冰、霜等自然現象以及自己學習、生活中一些富有情趣的瞬間場面，大大激發了學生的學習興趣，一種探索自然美、描繪自然美的情趣會油然而生，這種慾望就是每個學生的創新慾望。如六年級學生在學習《畫人物速寫》、《大掃除》、《畫鳥》、《冬天》等課時，我提前布置讓學生到戶外認真觀察其有關形體特徵，並認真做好文字記錄，畫好草稿，等到上課時再引導學生到室外進行認真觀察，通過寫生畫出形態各異的人物、房屋、樹木、情景。又如在教學《畫鳥》一課時，我告訴學生說，我們家鄉縣城鼓樓東街兩旁的大樹上，每到晚上就有許多烏鴉在那棲息，大家可以去仔細觀察。學生聽後非常高興，極大地激發了學生的學習興趣，也激發了在學生的創作興趣。學生親自觀察鳥的形態、色彩等活動情況，使學生的藝術創作與生活實踐有機地結合起來，學生的創新精神在繪畫中得以實施。
二、重視欣賞，激發情趣，培養學生審美創新思維能力。
小學美術課本中每冊都有一定比例的欣賞課。俗話說，見多識廣。欣賞內容的學習，可以提高學生審美意識和能力，而創新思維的教育和學生的審美活動是分不開的。為此，我在上這一類課時，通過作品展示、欣賞、討論、評析來完成教學任務。上課前，教師要有精心的准備，以便上課時有目的、有層次地向學生介紹藝術作品：介紹其作者身世生平、畫面內容、構圖特點和內涵寓意，以引起學生的藝術共鳴。還有些課本中沒有的作品，需要教師進行精心的製作。如六年級學生在學習第十一冊《外國雕塑欣賞》一課時，其中有兩幅作品分別為《獅身人面像》和《弋拉斯戰士》，我先從兩幅畫面的時代背境講起，結合圖片，讓學生通過欣賞、討論、評析，使學生了解這些作品所包含的歷史故事，讓學生了解了當時的時代背景和作品所包含的寓義，擴展了學生的知識視野，豐富了學生的想像力。與此同時，也讓學生感受了立體作品的藝術美感，激發了學生的創作慾望，培養了學生的創新精神。
三、鼓勵學生在藝術表現時不斷創新，是創新教育實施的重要保證。
美術教學中，學生的審美情趣是通過長期的繪畫實踐得以提高的。「百花齊放，百家爭鳴」是藝術創作的永恆原則，而「藝術貴在創新」卻是這個原則的前提。在日常的教學工作中，為了培養學生的創新精神，我總是鼓勵學生用「不斷創新」的方法進行作品創作，即在創作時，課本范圖、教師范畫只作參考，忌諱重復、照搬，樹立學生「天天有新我，天天有新作」的創作信心。如在教學六年級第十一冊《用鮮明色作畫》、《畫報紙屑拼貼畫》、《影繪裝飾》等課時，我在講授了有關鮮明色、拼貼畫的設計製作知識、影繪的設計知識後，讓學生欣賞了教師的范畫和課本范圖，我就要求學生今天的作業盡自己的能力，盡可能不要出現重復照搬、雷同等現象，盡自己最大能力，自己去構思、自己去設計創作。學生在這種要求下，充分發揮自己的想像力，大膽設計，大膽創新。有的學生利用影繪的方法繪制了花朵、桃子、天鵝、愛心等構思新穎的圖案，很有創新特色。這樣長期堅持下去，學生的創新能力便在日常的繪畫教學中得以提高。
四、重視學生思維的啟發，是培養學生創新精神的突破口。
創新教育實施的突破口是教師對學生思維的啟發。把啟發教育作為美術教學中進行創新教育的落腳點，探索創新教育的新途徑、新辦法，從這種意義上來說，啟發教育便是一種創新教育。在日常的美術教學工作中，教師要注意運用各種方法來調動學生的學習積極性，放手讓他們大膽地學習和創作，並在關鍵問題上給學生提供一些建議，引導學生自己去組織畫面，培養他們自我教育、自我管理、自我發展的能力。教師在教學中要充分發揮自己的引導作用，極大限度地引發他們的創作積極性，給學生創設一個展

Ⅶ 西方後印象派作品的藝術創新表現在哪些方面

西方後印象派產生於十九世紀後期，是相對於以莫奈、馬奈為代表的早期印象主義畫派而說的，後印象派和印象派同屬於印象主義畫派，二者一脈相承，沒有本質性的區別。後印象派代表畫家有梵高、高更、塞尚等。

那麼，後印象派作品的藝術創新表現在哪些方面呢？一句話，就是更加註重畫家的主觀感受和情感情緒的釋放。

梵高的《向日葵》、《星空》等運用色彩的交織變幻和線條筆觸的變化，釋放出一種熱烈奔放流動旋轉的情緒，同時詮釋著生命和自然的強大的活力，畫中內涵十分豐富，給欣賞者以多方面的解讀思考和想像。

塞尚致力於探索油畫中新的造型表現手法，償試改變一直以來油畫造型以客觀物象為基準的傳統表現手法，探索立體的新型的油畫版塊組合模式，成為二十世紀抽象主義油畫的先導。塞尚被譽為「西方現代油畫之父」。

Ⅷ 簡述藝術的繼承與創新的關系

①繼承是創新的前提：

藝術的歷史繼承性，首先表現在對本民族藝術遺產的吸收和接受，以及對其他民族和國家優秀文化和藝術成果的吸納。藝術的歷史繼承性，在藝術的內容、審美觀念、形式、藝術種類和創作方法等方面均有突出的表現。

②繼承藝術遺產的原則：

對文化遺產批判地吸收，取其精華去其糟粕。揚棄是繼承的原則。我們要反對「肯定一切」和「否定一切」兩種錯誤。

③創新是繼承的目的：

從藝術作品來說，創新可以表現為藝術作品內容的創新與藝術作品形式的創新。藝術內容的創新即創造新的藝術形象、表現新的思想感情，這是藝術作品創新的主導方面。藝術內容的創新必然帶來藝術形式的創新，即藝術作品組織結構與藝術語言的創新。

(8)藝術作品如何增加多元素的創新擴展閱讀：

藝術的歷史繼承性作為前代藝術對後代藝術的巨大影響以及後代藝術對前代藝術的積極成果的繼承保留。它揭示了藝術發展歷史之間的必然的、本質的、穩定的聯系。這是古今中外一切藝術發展都應遵循的普遍規律。

藝術革新作為一切時代、一切民族藝術發展過程中的必然規律。藝術革新是藝術的任務、本質所決定的，是欣賞者的審美需求和藝術家的個性和思想感情的獨特性所共同決定的。

繼承和創新對重要的范疇和基本規律。兩者的關系是辯證統一的，繼承是創新的前提，創新是繼承的目的。繼承和創新互相依存，互為條件，不可分割。

Ⅸ 試論當今社會對於藝術作品中藝術創新的理解

談藝術創新的本質
文章來源：《美術報》2006.1.14
作者：薛宣林

創新是人類文明進步的靈魂或原動力，更是人類藝術發展的生命。縱觀全部美術歷史，藝術史上的每一次發展和進步無不以突破和創新為契機。在景象萬千，變幻莫測的藝術長河中，最終能夠流芳百世的只能是那些集創造性，特色性和美的規律性為一體的「千古絕唱」。而那些人雲亦雲、隨波逐流，缺乏個性特色的所謂藝術或偽藝術，必將如過眼雲煙，轉瞬即逝，不斷地消失在人們的記憶中。藝術創新不同於我們一般意義上所講的創新。千百年來，藝術創新特別是中國繪畫藝術創新問題，一直是人們爭議的焦點。藝術創新的本質問題，不僅關繫到整個藝術的發展方向，而且關繫到每一個致力於藝術創新者的成敗。那麼，藝術創新的本質是什麼呢？換言之，怎樣的創新才能算是成功的創新呢？ 一、藝術尤其是繪畫藝術的特殊形式，決定藝術創新不同於一般意義上的創新。 創新,顧名思義就是指拋棄舊的，建立新的。一般意義上講的創新，往往是從使用價值上來進行判斷的，必須考慮到他的時效性、實用性，價值性等因素。要看能否提高勞動生產率，能否做到創新成果價值的最大化。一項偉大的發明和創新可能對整個社會文明的進步帶來巨大的推動作用。反之，一些不能夠達到上述結果的創新，有可能是無效的或者說是多餘的。所以，我們說，創新也應分為有效的或有價值的創新和無效的或無價值的創新。自然創新如此，藝術創新也應如此。因此，藝術創新也存在有效的，有價值的創新和無效的無意義的創新。之所以強調這一點，就是要求我們去力爭做到價值創新。即必須符合或具備審美的特殊性。也就是說，藝術創新既存在創新的一般概念，又有自己獨特的個性特徵。要做到或解決藝術創新問題，就必須在審美的特質中尋找答案。 （一）、審美的特質決定了藝術創新，特別是繪畫藝術創新的真偽。 藝術，尤其是繪畫藝術，它的存在與發展主要是為了滿足人們各自不同的審美需要。正因為此，就決定了藝術創新特別是繪畫藝術創新，首先是屬於視覺藝術的范疇。脫離了視覺藝術范疇的創新，不是我們這里所講的藝術創新。也就是說無論怎樣創新，它必須首先是造型藝術。即都是用筆或相當於筆（如刀等實際起到筆作用的替代工具都可稱為筆）。色彩、墨等物質材料在紙、編織物、木板或牆壁等平面上，通過構圖、造型和設色等表現手段，創造成可視的形象。這是一個基本的界定。當然這里主要講的是繪畫藝術，無論你怎樣畫，怎樣開拓，它都不能脫離造型藝術這一視覺藝術的框架。講到這里，大家可能感覺到許多與之不相符的所謂的藝術，特別是繪畫藝術的創新實際上是一種曲解。這里就不贅述了。 （二）、僅僅追求新、奇是遠遠不夠的。
創新離不開對新、奇的追求，沒有求新、求異、求變思想意識的人，是不可能做到成功創新的。但創新不是隨意的、盲目的，盡管康丁斯基從一次將畫放倒了，引發抽象畫的創新，但不等於康丁斯基的創新就取決於這一新、奇的發現或舉動。這一點在他其後所著的《論藝術之精神》中得以佐證。新、奇的思想意識並形成獨特藝術思想，且最終變為完美的全新藝術品，才真正實現藝術創新。與之相反，如在現實生活中，用大筆在一個大操場上寫一個大字，或用氣功畫畫，或用身體滾畫等等新、奇的舉動，就根本不是藝術創新，甚至根本就不是藝術。因為，我們不能從形式上看出有其獨特的審美特質。我們只能從這些新、奇的行為中，看到了雜耍表演的動作或結果。所以不屬於藝術特別是繪畫藝術創新的范疇。包括我們許多畫家，練就幾種熟練的技巧當面作畫搞筆會，從本質上講也近似於偽藝術的雜耍表演。可令人吃驚的是，我們的媒體還經常當成藝術新聞加以報道。
（三）不美反丑的「創新」決不是藝術。更談不上藝術創新和繪畫藝術創新。
這個問題，我這里一講就明白了，可在現實生活中，就有一些藝術家，打著創新的旗號，在製造著不美反丑的「藝術」。我這里需要指出的是，盡管有的不美反丑的「藝術品」價格炒的很高，而且還在不斷上漲。但最終都逃脫不了被歷史所唾棄的命運。藝術特別是繪畫藝術，與一般商品一樣它是為了滿足人們精神需要。也是有其價值屬性的，他的價值屬性就是審美的特性。如一種食品它具備滿足人們飲食的需要，所以才有價值。當人們吃完消化後，其食品的功能也隨時消失了。它就由一種食品物質而轉化成了垃圾物質。藝術特別是繪畫藝術也如此，它作為一種精神物質的存在的基礎和條件，就在於它的審美功能。記得十幾年前，我在深圳的時候，有一位畫家拿來一幅畫的全是骷髏的畫，給我看，問我畫的好不好，算不算創新。我問他，你是為誰而畫，你創作的目的是為了醫學還是為了藝術，他說他不是醫生，不為了藝術。一幅自己可能看了都害怕的畫，怎麼能稱得上是藝術呢？因為這類所謂的創新藝術品，已失去或部分失去了審美的功能，只能是屬於垃圾的范疇。如今，在藝術市場上，一些不美反丑、怪模怪樣，看了令人很不舒服的所謂創新藝術品比比皆是。有的價格還在節節攀高。這些失去或部分失去審美功能的「偽藝術」，應引起我們的警惕。
二、藝術創新尤其是繪畫藝術創新的本質等於美的創造。
在浩如煙海，廣漠無垠的藝術世界裡，唯有美到極至的藝術品，才能真正受到人們的追棒而流芳百世。千百年來能夠世代相傳，不斷創造價格奇跡的藝術品。首先，都是來自於藝術奇跡的創造者。完美的作品只有凝聚了創造者們的全部生命和智慧。才能獲得永恆的生命力。藝術創新和繪畫藝術創新，就其本質而言，必須具備兩個前提和條件。
（一）、美是前提
如前所述，一個令人恐懼或讓人感到厭惡的作品為什麼不能稱其為藝術品呢？因為它失去了藝術的本質前提——美。所以就失去了藝術品的特質。因篇幅有限我這里不能就審美的問題展開論述。「美是引起人類生命主體精神有益性的整體和諧與統一」 （詳見《薛宣林藝術論》第108頁）。藝術創新特別是繪畫藝術創新必須以美為前提。這是因為作為視覺藝術而存在的造型藝術品。它是以審美客體而存在，即首先應具備，讓人能夠產生美感的特徵。也就是說審美是由審美客體與審美主體的關系而共同存在的。只有能夠讓審美主體產生了共鳴或美感時，審美的客體才有價值——美。若我們的審美主體不能從審美客體中產生美感或美的享受。那麼就沒有完成審美過程，客體就沒有作為審美對象物而存在，構成審美形式，那麼，客體就失去了美的特性。這樣的創新就是失敗的，是毫無美學價值的。在失去了美的前提下的任何藝術形式與內容就沒有審美的價值。倘若客體對主體不僅沒有產生美感，甚至使人產生非愉悅感。那麼，對象物就與丑和恐懼劃等號了。這就如同我們在森林裡看到美麗的老虎，在散步時聽到槍聲毫無二致了。也如同我們看到有些人畫的畫，反而讓人想到死亡等一樣。美感盪然無存了，還談什麼藝術創新呢？由此可見，任何讓人感到不美的創新，都不是審美意義上的創新。都不是真正意義上的藝術特別是繪畫藝術創新。美的藝術必須能夠引起人類生命主體有益性的整體和諧與統一。正如我們平常所說人能夠讓人賞心悅目，陶冶情操，令人陶醉。
（二）、創造是藝術創新特別是繪畫藝術創新的基礎。
任何沒有美感的藝術創新是毫無審美價值的。那麼，僅僅美還是不夠的，沒有創造的美，同樣沒有藝術的審美價值。就如同我們經常在市面上看到一件《清明上河圖》的復製品，便宜的幾乎到一般小商品價值的地步。這就是因為失去了創造性。也就失去了藝術創新的價值，就變成了一般的工藝品，而不是純美術品了。藝術特別是繪畫藝術，是不可以重復的，我們說工具是可以重復的，但真正純粹的藝術品是不可以重復的。如我們蓋一個與古人一樣的房子，一樣可以居住。但畫一幅與達芬奇一樣的畫，就沒有什麼價值了。內容如此，形式更是如此，我們講藝術創新特別是繪畫藝術中的創新主要就是形式的創造。如我們看第二部電視劇《射鵰英雄傳》和第二部《西遊記》很少有人堅持看完，而且都說不如第一部好。其實並不是原來的演技不好，而是審美特性所決定的，任何重復的美，因為失去了創新性，所以也就失去了審美性。人們看了因為不能產生美感而厭煩。同樣，當你看了某人畫的畫，風格、技法與某某大師一樣時，你自然就不喜歡，認為沒有價值就是這個道理。因此，藝術創新特別是繪畫藝術創新必須是一種創造，而且最好是全新美的創造。這種創新就其本質而言，是對古人的一種超越，是對傳統的一種變革，又是在發展中的一種繼承。他必須是一種前無古人的超越。哪怕是不成熟的。由此可見，一些模古、模師的作者們是多麼的徒勞和可笑。其藝術品的價值又能有多大呢？
（三）藝術創新特別是繪畫藝術創新必須是美的創造，兩者相輔相成，辯證統一，缺一不可。
大凡真正偉大的藝術家，都是美的創造者。古往今來，任何偉大的藝術大師，他們都是時代的弄潮兒，都是藝術歷史的創造者，他們的作品都凝聚了大師們生命的結晶，都是美與創新的完美結合體。達芬奇、梵谷、畢加索、徐悲鴻、張大千、吳昌碩、黃賓虹、林鳳眠，傅抱石等等 。他們都以接近完美的創新。給我們留下了寶貴的財富。藝術的創新特別是繪畫藝術的創新必須是美與創造的完美結合。越是將兩者高度統一的創新者，其藝術品的審美價值就越高。 綜上所述，人類藝術美的歷史，都是美的創造者們不斷探索不斷創新的歷史。當創新成了我們文明進步的自然法則時，我們決不能忽略美的前提。失去了美的前提的任何藝術創新都是毫無意義的，與此同時，失去了創造的美，也同樣失去了藝術的審美特性。藝術特別是繪畫藝術的創新，就其本質而言就在於美的創造。

文章來源：《美術報》2006.1.14

參考資料
文章來源：《美術報》2006.1.14 薛宣林藝術網

Ⅹ 如何培養在藝術設計中的創造性思維

創造性思維是一種特殊的思維方式，即通過思維不僅要揭示客觀事物的本質即內在聯系，而其要在此基礎產生新穎的、獨特的和具有一定社會價值的思維成果。創造性思維具有創造性、求異性、靈感性、多維性和綜合性特徵。藝術設計學生提高自己的創造性十分重要。

首先，必須加強學生的文化素教育，拓展理工類學科知識，提高綜合素質能力。

藝術設計專業是建立在科學與設計基礎上對形式、色彩、結構的設計與實施的總稱，是需要把科學、藝術、生活、文化、政治、經濟、與自然環境等只是有機的結合起來的一門綜合性學科，其根本性任務是滿足日益增長的物質文化需要的同時使人們獲得情感和審美上的享受，藝術設計教育承擔著培養高素質設計人才的重任。因此，加強學生文化素質教育，拓展邊緣學科知識，提高綜合素質能力尤為重要。

其次，加強對傳統藝術和民間藝術的學習。

這對於藝術設計學生來說，十分重要。創造性思維不是反傳統，從某種意義上來說，它更需要借鑒傳統元素創造出新的元素。特別是我們的藝術設計，它需要在一定的空間和一定的人群中形成，它需要傳統的啟迪。藝術設計需要創造想像，需要靈感。人們在傳統藝術和民間藝術的引領下，創造更美好更新奇獨特的事物。不同國家的歷史淵源以及地理環境造就不同的設計思想。德國設計風格歷來嚴謹、理性、重視功能性；義大利設計風格更多的突出優雅與浪漫的特徵；日本的設計則是高科技的創新與傳統工藝的較完美結合；中國的傳統藝術與民間藝術博大精深。如：北京奧運會由我國著名設計師設計的奧運會標就是利用了中國的詩、書、畫、印的傳統元素，並創造性的運用設計作品中去，來表現自己的風格。鳥巢的建築是藝術設計的一大創舉。

再次，作為藝術設計學生，展開「幻想」十分重要，要有強烈度求知慾。

想像力是人類運用儲存在大腦中的信息進行綜合性分析、推斷和設想的思維能力。在思維過程中，如果沒有想像的參與，思考就發生困難。愛因斯坦說過：「想像力比知識更重要，因為知識是有限的，而想像力概括這世界的一切，推動著進步，並且是知識進化的源泉。」所以，我們對於藝術設計來,「幻想」尤為重要。我們還要有強烈的求知慾。古希臘哲學家柏拉圖和亞里士多德都說過，哲學的起源乃是人類對自然界和人類自己所有存在的驚奇。藝術設計更要有強烈的求知慾。而人的欲求感總是在需要的基礎上產生的。沒有精神上的需要，就沒有求知慾。我們在精神上有寄託，就可以驅使自己大腦的「幻想」，從而發善自己的創造性，提高自己的創造性。

創造性的提高還可以從興趣、好奇心、想想思維能力、質疑精神與發問品質等方面培養。我們可以從生活的點滴注意觀察，從細小的環節中受到啟發，從而提高自己的創造性。