德國藝術攝影怎麼拍的

㈠ 拍攝好看圖片技巧

可以冒充木星的肥皂泡

攝影師Jason Tozer拍攝的這一系列泡泡組圖很容易被人理解成美國國家航天局（NASA）拍攝到的星球圖——除了看上去比一般星球更加五彩斑斕以外，幾乎一致。

為了拍攝此類復雜性極大的繽紛泡泡圖，其難易程度要遠大於我們兒時吹泡泡那樣，這一路來，Tozer克服了不少困難。

通過在原有的泡泡上零星的點綴些東西，從而拍攝到不同花式，顏色的泡泡。並且為了延長泡泡保持形態的時間，Tozer採用了混有少許甘油的清潔劑作為製作泡泡的原材料。

東方印象創意攝影大賽首批簽約攝影師公布

第二屆「Getty Images China華蓋創意東方印象創意攝影大賽」暨Getty Images China年度簽約攝影師選拔賽激戰正酣。自2011年末開賽以來，已吸引上千位攝影師參加，華蓋創意、蜂鳥網、美空網、新浪微博四大賽區共徵集作品近萬幅；同時得到又拍網、花瓣網、美圖看看的傾力支持。本次活動充分展現了中國攝影力量的深厚潛力，以及攝影人對於走向職業化道路的熱情與渴望。

與大賽進行同時，優秀攝影師的簽約工作也同步展開。截至目前已有五位攝影師響馬、蘇旭、顧均（J.Koo）、艾清和木佧確定加入Getty Images China華蓋創意簽約攝影師行列，成功登錄全球最大數字影像銷售平台，面向全球推廣個人作品。

跳出快餐式攝影，教你拍出個性創意人像

在這個數碼盛行的時代，網路上快餐式的照片隨處可見，甚至帶有泛濫的傾向。要知道沒有想像力的、人雲亦雲的作品，很快就會在浩瀚的網路中淹沒，只有那些個性而富有創意的作品才能給人耳目一新的感觸，吸引更多人的目光。

拍攝這樣的照片並不難，關鍵在於拍攝思維的換位。下面我們就看下攝影達人——無敵兔給大家介紹幾種比較有代表性的拍攝手法。

一、不要為了特寫而拍攝特寫

很多攝影師對特寫的認識僅僅局限於景別的把握。景別是一種鏡頭語言，是承載主題內容的表現形式。一味地追求形式上的視覺沖擊，只是外在形象的浮光掠影，難免落入俗套。具有藝術性的作品，追求的是形式與內涵的統一，而內容的展現往往又是迂迴含蓄而具有深意，不是輕易就被解讀的。

上圖，攝影師有意通過小提琴遮擋人物的大部分面容，僅僅透過提琴邊緣的C形凹口露出人物的左眼，達到局部特寫效果。構圖簡潔自然卻帶有強烈的張力，人物眼神中所透露的堅定、勇敢與執著得到有力彰顯。

二、不是只有拍攝清晰的人物才是人像

拍攝人像不一定就得把人物拍清晰了。其實可以通過人物的造型與姿態，結合相應的元素，從畫面的整體上展現某種情緒或者情感。下圖，模特優雅的舞姿與有著裙擺造型的百合花相結合呈現在畫面中，兩者相得益彰。

在具體拍攝時，我們選擇前景百合花為對焦點，有意虛化背景與模特，另外,選擇窗戶等做為高光背景，通過曝光控制有意讓背景曝光過度，突出畫面高調效果，畫面的沉靜、典雅得到充分的展現。

三、通過造型塑造表現獨特剪影效果

剪影可以弱化細節，突出「形」的展現。一個有韻味而優雅的姿勢，可以通過剪影的表現手法，形成簡約而傳神的視覺傳達，提升畫面的藝術表現力。具體拍攝中，攝影師要注意引導模特的形體表現。另外要注意曝光的控制，通常採用點測光模式對畫面最亮的部位進行測光，並結合曝光補償就可以得到剪影效果。

四、 「鬼影」也是藝術創作的元素

「鬼影」也就是我們通常所說的眩光，在傳統人像攝影中，是很忌諱「鬼影」的產生，因為它會破壞畫面的簡潔與清晰效果。但是，在表現朦朧等唯美類的畫面時，有效利用「鬼影」反而會對畫面起到很好的渲染作用。如上圖，霧化般的眩光，使畫面顯得更加朦朧，唯美主題得到更加深刻的展現。在具體拍攝時，通常選擇逆光情況下進行拍攝，另外，摘下鏡頭的遮光罩，眩光效果會更明顯。

五、把攝影作為表現藝術的手段

愛照鏡子是女性的天性，然而很多人都認為女人照鏡子是在顧影自憐，我認為這是一種很淺薄、庸俗的認識。女人照鏡子的過程，除了外在美的展現，更是一種心靈的對話——現實與理想的交流。「心靈的對話」是攝影師對現實社會的洞察、對內心的探索、對人性的關懷，這樣的視角會帶有強烈的個人色彩，因而攝影師鏡頭中所表現的作品也具有獨特性。下圖，可以看出畫面是通過攝影師精心構思的.。化繁為簡，僅僅保留必要的元素呈現在畫面中，顯得更加意味深長。

延伸無限想像 3招搞定創意攝影

運用幾何與線條創作是抽象藝術的表現手法之一。日常生活中的任何物體都有幾何成份，然而透過雙眼，我們所見大多都是形體上的「實」，卻往往忽略線條所帶來的無限想像。幾何本身的簡單線條，透過創作者自身的思維與畫面安排，每張照片都能表達出其心境、情感或對時事物的看法。

條件限定

幾何線條亦為本單元主題，也是其限定條件。拍攝者透過攝影眼所觀察到的幾何形狀或實體輪廓線條，並加入自身對人文、社會、生活、愛情、時事等看法，進而拍攝出一幅獨一無二的抽象創作作品。

當時因為有交通管制，所以斑馬線後面站了一整排穿著黑色，皮鞋的警察。黑白分明的掰馬線呈現出秩序感。

幾何生活

在工業化後的現代社會，幾何圖形嚴然已成為一種制式標准，舉凡跟建築與設計有關的事物，都可以見到幾何圖形的身影，成為人類社會重要的表徵之一。幾何圖形由點、線、面三元素組成，構成了我們的三維世界，但也經常被人們忽略，拿起相機拍下日常生活中的幾何圖形，也算是一種獨特的紀錄觀點。

大小面積相同的三角型旗幟高掛在鐵架上，與左方建築的幾何圖形相呼應著，加上背景的午後藍天以及斜陽，更強化了幾何圖形的強烈印象，而鐵架的形狀與跨越天際的纜線，形成了一首幾何的交響樂。

夕陽西下的涼亭，屋檐變成等腰三角形的形狀，采逆光拍攝使其變成剪影，再壓低拍攝角度讓其與海平面貼齊，一旁的路燈剪影恰似點綴的候鳥，十分有趣。

有人說「圓」是自然界也能形成的幾何圖形，例如我們居住的地球，天空中的月亮，都是圓形。照片中這些圓是一個戶外裝置的藝術廣告，夜晚打上黃色照明光線，有如夜空中皎白的明月與無窮盡的美麗繁星。

心得分享

德國女攝影師Lisa Rienermann有一次在巴賽隆那的街道，抬頭仰望發現天空與建築物之間形成有趣的英文字母，於是開始拍攝一系列有關英文字母的天空景象。在我們日常生活中，其實也充滿許多令人驚喜的畫面，只要我們多加留意城市舞台中的幾何圖形，拿起相機或是iPhone用力拍下，也許會有出人意表的收獲喔。

抽像幾何

幾何，似乎隨著古文明一起誕生於這個世界上，無論是古埃及令人驚嘆的金字塔，或是巴比倫的三角函數表等，都登明幾何對人類歷史有深遠的影響。就算現今，幾何線條也充斥，並經常被運用在我們的生活之中。凡舉用過的手機、喝過的水杯、穿過的衣裳、經過的建築、搭過的車輛、看過的設計等等，一點一線一圓一角，透過攝影眼都能勾勒出一幅新的影像， 並被拍攝者賦予新的靈魂與意境。

在接觸攝影後的一年又兩個月，碰到第二次撞牆期。那段時間無論如何都拍不出滿意的作品，直到有天，一捆魔鬼氈讓我得到啟發，原來生活中本就存在許多驚喜，只是我們都不曾留意。打光後的魔鬼氈有如無窮循環，就如同身陷撞牆期般的無助感覺，只希望自己能盡早脫離。

前年生日那天，恰巧正是七夕情人節，在這充滿濃濃過節氣氛的日子裡，和另一半漫步在美麗華百樂園，當抬頭看著象徵幸福旋轉的摩天輪，自己用相機放了一發煙火，慶祝生日，也慶祝七夕情人節。

很多時候，心境為何？當下所見即為何。就如同照片中這盞散發出暖調色的燈飾，理應會帶給人們溫馨及舒服的感覺，不過在當時，看到燈飾中的幾何線條，就像是那陣子自己雜亂心情的最佳寫照，心中有感而發，便影了下來。

站在網球場看著地面上的線條，它除了代表比賽中的界線，也可以看成是一種選擇。人生的旅途不可能永遠一帆風順，很多時候，抉擇總是在前面等著我們，無論最後的方向為何？都是要自我面對，命運掌握在自己手中，怨天尤人對事情一點幫助也沒有。

心得分享

抽象之所以迷人，就是賦予創作者與觀看者無限的想像空間，而幾何又是現代抽象藝術中，最常被用來創作的元素之一。看似簡單的線條，無論它是什麼形狀，當加上創作者本身的思維，它就不再是原本的模樣。它可以是天馬行空，可以是創作者對任何時事物的潛在反應，同時又有將畫面單純化的特點，所以當作品一呈現在人們眼前，就往往有吸引目光的效果。

在香蕉上也能騎車 食物小人創意設計攝影

1、雞蛋有個坑？是在檢測什麼狀況嗎？

圖1

2、牛奶倒出來了，在牛奶劃船也是一個不錯的主意。

圖2

3、不知有沒有哪位朋友試過在香蕉上面騎自行車，這個感覺爽不爽？

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4、南瓜(這個應該是南瓜吧)被放大後，擺個長凳，不失為一個聊天的地方。看兩位老人家聊得多愜意。

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5、玉米加乳酪，這個筆者還真不知像什麼。

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6、環衛工人在熱狗上面清理……

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7、草莓熟了，種子就像金磚一樣，一齊來挖掘吧。

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8、假如西蘭花是草地，鏟草就不是一件容易活了。

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9、蛋糕上的是雪不？

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10、是在餅幹上面疊書還是蓋房子里的柱子？

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11、這回真的是在蛋糕上打雪仗了。

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12、大米上也能建墳？

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13、快來圍觀，美女在蛋糕上練習高爾夫球啊。

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14、茶里會有什麼？一齊潛水下去看看吧。

圖14

15、蛋糕掉下來的還是蛋糕，不是垃圾啊。

這么有創意的設計，你最喜歡哪幾個？歡迎在留言里留下更多一筆，也希望有網友介紹更多的創意設計欣賞。

超有創意的工業設計

工業設計做出來的不僅僅是一件產品，同時會成為一件工藝品。這里給大家欣賞的這些工業產品，無不讓人稱奇。

咖啡包=吸管

台燈

㈡ 最早的藝術攝影是怎樣誕生的

1839年，攝影術正式宣告誕生。在最初的日子裡，攝影並沒有被視為一門藝術。在人們看來，攝影不過是一項發明，一項能夠准確記錄大自然影像的發明罷了。

為了把攝影從一種「機械的記錄手段」提升到藝術的境界，塔爾博特和畫意派攝影家們進行了最初的嘗試。

一、最初的嘗試

在早期先驅者的大多數照片中，似乎很難感受到藝術的意味。那些室內隨意堆放的物品、庭院中毫無美感的樹木和簡陋的房屋，只是現實生活的再現，並以此證明攝影具有精確寫實的能力。因此，攝影先驅們把用相機攝取的影像，稱為「陽光畫」或「自然的手印」，而照片，只是從野外採集到的標本。

這種平庸的記錄，不久就被塔爾博特所突破。1844年夏至1846年春，塔爾博特以連載的形式，發表了《自然的畫筆》。在這本著名的書中，裱有24幅照片：有牛津皇後學院的一個角落、巴黎的林陰大道、維爾特郡的拉科克修道院和西敏寺黑塔的風景照，也有玻璃、雕像和桌面上的蘋果、菠蘿之類的靜物。

這些照片的內容，雖然有些零亂，但還是可以從中看出拍攝者的刻意安排。在某些照片中，塔爾博特已經開始利用影像中的暗示性力量，強調出照片的重點以引起人們的注意。書中的第6幅照片《開著的門》，就是最典型的例子。

這幅照片，拍攝了一扇半開的門，門旁放著一把掃帚，牆壁上掛著馬具和燈。這些東西組合在一起，彌漫著一種古老鄉村的神秘氛圍。塔爾博特自己是這樣評注的：

這是它(攝影)初期一張微不足道的照片，有些偏愛它的朋友願意去評論它。

對我們來說，荷蘭畫派在把日常熟悉的事物作為主題方面有著足夠的權威。一個畫家的眼睛常常會被在普通人看來很平常的東西所吸引。一縷陽光、一道投射在他走過的小路上的陰影、一株枯萎的橡樹或一塊布滿苔蘚的石頭都會引起他一連串的思考、情感和獨特的想像。

塔爾博特的這段評論，闡述了照片應該如何營造畫面。他認為，照片中每一個簡單要素的存在，都必須經過周密的安排，目的是為了喚起人們「獨特的想像」。

《開著的門》是一個等待著人出現的場景。提燈等待著黑暗，掃帚等待著使用者，門口等待著進入者。這些富於意味的細節，使人產生豐富的聯想。於是，藝術想像產生了，攝影也不再僅僅是物質現實的復制。

塔爾博特曾說過：

相機的記錄是毫無保留的。但沒有指導或某種強調的話，對於它們的發現我們能了解些什麼呢？

《開著的門》為此做了一個有益的嘗試。

二、畫意攝影

畫意攝影，是早期攝影藝術史上出現的一個流派。

達蓋爾攝影術公布後，最早從事攝影的是一些畫家和科學家。其中有一批肖像畫師開始改行經營照相館，從事人像攝影。但是，在大多數人的心目中，攝影仍然是不能列入正統藝術作品的，充其量只是繪畫的輔助手段。

當時，有一家雜志，對攝影提出了這樣的批評：

在這些照片里，所能期待的只有自然主義的描寫。創作意圖不能獲得滿足，想像力也被對現實的機械記錄給消滅了。

於是，一些攝影家開始探索，如何使攝影進入「藝術」的行列，像繪畫一樣，取得美學、情感以及自我表達的效果。他們認為，要增強攝影的藝術性，就要模仿繪畫。他們模仿當時流行的「拉斐爾前派」的繪畫，從聖經或文學作品中選取題材，採用舞台式的擺布拍攝，然後，通過拼接、疊印等方法，把多張照片組合成一幅作品。

這些攝影家所形成的一個流派，就是「畫意攝影」，它的代表人物是雷蘭德和魯賓遜。

(一)雷蘭德及其《兩種人生道路》

英國攝影家奧斯卡·古斯塔夫·雷蘭德(OscarGustavRejlander，1813～1875)原籍瑞典，青年時期在羅馬受教育。他原來是一名畫家，19世紀中葉定居英國後轉而從事攝影。同當時的許多畫家一樣，雷蘭德也認為，要增強攝影的藝術性，只有通過模仿繪畫。

1855年，雷蘭德拍攝了《玩》這幅作品，這是一幅在攝影室擺布拍攝的舞台式抒情照片。照片中，一位老人和一個兒童一起玩耍，畫面極富詩意。拍攝前。雷蘭德挑選了兩位合適的模特兒來扮演老人和兒童，對他們進行訓練和排演，使之在長時間的曝光中，能保持靜止不動，並做出適當的表情。在照片的前景中，雷蘭德還布置了一些書本和一隻假狗，增加畫面的藝術性。這幅照片，在當時獲得了極高的評價，被稱為「藝術照片」。

此後不久，雷蘭德又開始研究一種復雜的畫面拼接技術，試圖拍攝出類似拉斐爾前派繪畫風格的寓意性照片，《兩種人生道路》是其中的代表作。這幅宛如中世紀油畫的作品，是雷蘭德用30多張底片拼接製作而成的。在這幅照片中，雷蘭德構想出一個寓意性的場面：一位先哲引領兩個青年走入人生之路。其中一個青年崇尚宗教、勤勞向善，具有可敬的美德。而另一個青年一離開先哲就奔向享樂世界，染上賭博、酗酒、淫慾等惡習，以致失去理智，危害自己，走向死亡。畫面中共有幾十個人物，每個人物都有一個圍繞中心主題的思想涵義。畫面左側有賭徒、娼妓、懶漢、酗酒者等象徵罪惡的人物；右側則有木匠、紡織女工、學者等積極向上的人物；畫面中央是一個赤身露體的、正在懺悔的婦女，意在說明只要悔過就有希望。

要把這么大的場面拍攝在一張底片上，需要很大的攝影室和眾多的模特兒。雷蘭德避開這些困難，採取分組拍攝的方法。他先分組拍攝人物，然後另拍布景與道具。最後，用分別遮擋的方法，把拍攝的30多張底片逐一印在一張相紙上。製作過程非常復雜，雷蘭德一共花了6個星期的時間，才得到40×48公分的照片。

1857年，《兩種人生道路》在曼徹斯特舉行的「藝術珍品展覽會」(19世紀英國最重要的展覽會之一)上展出。這幅照片得到英國維多利亞女王的賞識，被稱為是「最壯觀的場面，最出色的照片」。女王用高價買下了這幅照片，作為英國王室的藝術珍品收藏。

(二)魯賓遜的集錦攝影

畫意攝影的另一位代表人物，是英國的亨利·佩奇·魯賓遜(HenryPeachRobinson，1830～1901)。他也是一位由畫家轉行的攝影家。

1857年，魯賓遜在倫敦開設了一家專業人像攝影室。由於受雷蘭德的影響，他開始學習復雜的疊印技術，試著製作剪輯照片。1858年，他完成了藝術照片《彌留》，這是由5張底片組合而成的作品。照片中表現了一位臨死的少女形象—她在窗前半卧著，窗外是充滿歡樂、春意盎然的世界。少女的身邊圍繞著她的家人，他們都為少女的行將逝去而悲痛欲絕。少女和她的家人很像小說中的人物，給人以強烈的故事感。

《彌留》在1858年的水晶宮展覽會上展出後，以強烈的故事情節和完美的構圖獲得頭獎。同時，也引起了一場激烈的爭論，爭論的焦點是這種題材是否過分傷感，而不宜作為攝影的主題。正是由於這場爭論，使魯賓遜一下子出了名，成為許多攝影家效仿的對象。

在此之後，魯賓遜拍攝了許多這樣的藝術照片，並創造出自己獨特的照片製作方法。同雷蘭德一樣，魯賓遜的照片，也是用不同的底片組合而成的。不過，他是將不同的相片剪下來，貼在一張背景照片上，修飾好接縫後進行翻拍和印製。這種方法，是通過剪輯精彩的部分組合成一張照片，所以稱為「魯賓遜集錦攝影法」。

魯賓遜成為集錦攝影的創始人，後來的集錦攝影，都是源自他的方法。

㈢ 結構主義攝影大師莫霍利有哪些拍攝技巧

拉斯洛?莫霍利-納吉(LaszloMoholy-Nagy，1895～1946)，在攝影史上被稱為結構主義大師。他常常採用與眾不同的拍攝角度，如仰拍、俯拍、壓縮地平線、傾斜構圖等，將攝影畫面的結構形式發揮到了極致。

莫霍利-納吉出生於匈牙利，早年學習法律，後對繪畫產生興趣。1922年，莫霍利-納吉開始用抽象手法進行攝影實驗，他將各種物體置於光與相紙之間，通過曝光得到照片，這種照片被稱為「物影照片」，它是不經過照相機而獲得的。

1923年，莫霍利-納吉被聘為德國包豪斯藝術學院的教授，並擔任金屬工作室主任。包豪斯是20世紀最有影響的藝術學校，它的教師中有許多當時著名的藝術家，除了莫霍利-納吉，還有保羅?克利、瓦西里?康定斯基、列昂尼爾?法寧格等。當其他學校還在畫古典石膏像的時候，包豪斯的師生們，已經開始研究工業生產方面的問題了。

在包豪斯期間，莫霍利-納吉開始用照相機進行一系列的攝影實驗。實驗內容包括從特殊角度(俯視、仰視、對角線視角)拍攝，以及打破一般透視規律。此外，他還使用各種剪輯方法和製作技術，改變和強化照片的結構。

在教學上，莫霍利-納吉教導學生學會觀察與思考，把握線條、影調、空間等形式要素之間的關系。這種教學方法，促使學生仔細研究周圍的物體，從中找出不被人所注意的形式和設計。他還鼓勵學生利用投影的造型，使其成為安排畫面的一個因素。

㈣ 藝術照的拍照技巧

藝術照的拍照技巧有創建一個詳細的概念、使用專業設備、選擇一個獨特的位置、尋找富有表現力的主題、表現個性化、盡可能簡化畫面、嘗試使用數碼方式或膠片風格。

1、創建一個詳細的概念

美術攝影是一種提供大量實踐的拍攝方式，這一切都取決於你是否願意嘗試新事物，如果你一直使用膠卷拍攝，請切換到數碼方式以進行拍攝，反之亦然。通過更換拍攝方式選擇一種適合自己的方式。

㈤ 基本拍攝常識

1.曝光度越大，照片越亮，反之越小。就是說，如果環境比較暗，就要調高曝光度
2.光圈：大光圈的鏡頭非常適合低光量的環境，因為它可以在微亮光的環境下，擷取更多的現場光，讓我們可以用較快速的快門來拍照，以便保持拍攝時相機的穩定度。也就是說，環境暗，要調大光圈。
3.快門：是鏡頭前阻擋光線進來的裝置，一般而言快門的時間范圍越大越好。秒數低適合拍運動中的物體，某款相機就強調快門最快能到1/16000秒，可輕松抓住急速移動的目標。不過當你要拍的是夜晚的車水馬龍，快門時間就要拉長，常見照片中絲絹般的水流效果也要用慢速快門才能拍出來。也就是說，物體運動越快，越需要快的快門。夜景要用慢速快門。

普通數碼相機大多都是自動調節，少數的可以手動調節曝光。只有專業的相機才需要全部都手動調節，所以，你買了普通相機，不要擔心，它會自動調節的，類似以前的傻瓜相機。

㈥ 如何攝影

攝影是指使用某種專門設備進行影像記錄的過程， 一般我們使用機械照相機或者數碼相機進行攝影。 有時攝影也會被稱為照相，也就是通過物體所反射的光線使感光介質曝光的過程。
曝光過程
在進行照相時，光通過小孔（更多時候是一個透鏡組）進入暗盒，在暗盒背部（相對於光入射方向）的介質上成像。根據實際光強度和介質感光能力的不同，要求的光照時間也不同。在光照過程中，介質被感光。
後期製作
照相進行完成後，介質所存留的影像信息必須通過轉換而再度為人眼所讀取。具體方法依賴於感光手段和介質特性。對於膠片照相機，會有定影，顯影，放大等化學過程。對於數碼照相機，則需要處理器對數據進行計算，再通過電子設備輸出。
所用設備
一般來講，人們使用可見光照相，最常用到的是照相機。因場景和用途的不同，照相機有著非常多的分類。綜合來講，照相機都要有幾個基本的部分以保證暴光過程，這包括：感光介質、成像透鏡、曝光時間控制機構、膠卷暗盒、存儲介質。[編輯本段]【分類】
記錄攝影
攝影之所以誕生，就是為了記錄的目的。它誕生之後所顯示出來的強大的生命力，也恰恰在於它的記錄功能。這是其他技術或藝術所無法比擬或取代的。因此，從廣義上說，攝影就是記錄。
藝術攝影
隨著攝影的發展，人們在攝影中不斷地增加藝術的元素，開始產生藝術攝影。它與記錄攝影的區別在於藝術性的多少與高低，而無絕對的界限。例如：我們去照張像作身份證或留個紀念，一般照相館拍攝的照片，最多有點資料或記錄價值。可是，鄭景康先生給齊白石先生拍的人像，50年過去了，至今仍是世界二十幅最優秀的人像作品之一。其中的差別完全在於藝術性的高低。
畫意攝影
畫意攝影以其唯美的畫面語言及美好的設計內涵一直是人像攝影的一種重要的表達方式。 全息攝影
全息攝影是指一種記錄被攝物體反射波的振幅和位相等全部信息的新型攝影技術。 1.繪畫主義攝影
繪畫主義攝影是流行於二十世界初攝影領域的一種藝術流派，它產生於十九世紀中葉的英國。
2.印象派攝影

該流派的攝影藝術家在創作中恪守攝影的紀實特性，在他們看來，攝影應該具有「與自然本身相等同」的忠實性，畫面中的每一個細節，只有具有「數學般的准確性」，作品才能發揮他種藝術媒介所不具有的感染力和說服力。
4.自然主義攝影
5.純粹派攝影
他們主張攝影藝術應該發揮攝影自身的特質和性能，把它從繪畫的影響中解脫出來，用純凈的攝影技術去追求攝影所特具的美感效果－－高度的清晰、豐富的影調層次、微妙的光影變化、純凈的黑白影調、細致的紋理表現、精確的形象刻畫。總之，該派攝影家刻意追求所謂的「攝影素質」：准確、直接、精微和自然地去表現被攝對象的光、色、線、形、紋、質諸方面，而不藉助任何其他造型藝術的媒介。
6.新即物主義攝影
該流派的藝術特點是在常見的事物中尋求「美」。用近攝、特寫等手法，把被攝對象從整體中「分離」出來，突出地表現對象的某一細部，精確如實地刻畫它的表面結構，從而達到眩人耳目的視覺效果。它不考慮藝術的本質在於提示對象的本質，因而其美學思想是屬於自然主義范疇的。例如，攝影家帕邱在一九二三年拍攝的火車頭的回轉軸就是用近攝手法，表現了火車頭回轉軸運轉時的狀態，由於畫面摒棄了其他細部因而給予觀眾的視覺印象是強烈的。
7.超現實主義攝影
這一流派有著較為嚴謹的藝術綱領和藝術理論。他們認為，用現實主義創作方法去表現現實世界是古典藝術家早已完成了的任務，而現代藝術家的使命是挖掘新的、未被探討過的那部分人類的「心靈世界」。因而，人類的下意識活動，偶然的靈感、心理變態和夢幻便成了超現實主義攝影藝術家們刻意表現的對象。
8.抽象攝影
該流派的攝影家否定造型藝術是以可審視的藝術形象來反映生活、表現藝術家審美感受的這一基本特性，宣稱要把攝影"從攝影里解放出來"。
9.堪的派攝影
這一流派的攝影家主張尊重攝影自身特性，強調真實、自然，主張拍攝時不擺布、不幹涉對象，提倡抓取自然狀態下被攝對象的瞬間情態。
10.「達達派」攝影
「達達派」是第一次世界大戰期間出現於歐洲的一種文藝思想。「達達」，原為法國兒童語言中「小馬」或「玩具馬」的不連貫語匯。因為達達主義藝術家在創作中否定理性和傳統文化，宣稱藝術和美學無緣，主張「棄繪畫和所有審美要求」，崇尚虛無，使創作近乎戲謔，因而人們把該藝術流派稱之為「達達派」。
11.主觀主義攝影
主觀主義攝影是一種在第二次世界大戰後形成的比抽象派攝影更為「抽象」的攝影藝術流派，所以又稱作「戰後派」。
它是存在主義哲學思潮在攝影藝術領域中的反映。其創始人是德國攝影家奧特·斯坦內特。他認為，「攝影是本來具有發揮自己能力的寬闊領域，也具有高度的主觀能動作用。但目前卻成了一種機械的寫實主義」。於是提出了「攝影藝術主觀化的藝術主張。極力主張攝影藝術的終極應該是提示攝影家自身的某些朦朧意念和表現不可言傳的內心狀態和下意識活動。」主觀攝影就是人格化、個性化的攝影。這便是該流派的藝術綱領。主觀攝影的藝術家們極度強調自己的創造個性，蔑視一切已有藝術法則和審美標准。該派理論家公開表示，「主觀攝影不僅僅是一種試驗性的圖像藝術，而是一種自由的不受限制的創造性藝術。」「我們可以任意使用技術手段去創造照片。」
其特點是：
1 畫面有「具象」和「抽象」兩種不論何種造型形式，自我意念的表現是其最終目的。畫面中的一切只不過是攝影家表現自我的「載體」而已。
2 充分利用鏡頭的透視特性，把被攝體從現實中"剝離"出來，「移」到畫面上去，－－即使用鏡頭的某些光學性能，把客觀的物體加以改造，使之成為意念的「物化體」，從而在畫面中組合成創造出自己的「世界」。而這世界往往是荒誕、神秘的，或者是令人百思而不得其解的。
3 利用近攝手段清晰而又強烈地強化和突出表現物體的某一細部形態。
4 運用暗房技法，把被攝對象原有的豐富影調簡化，將自然、平凡的關系轉換成強烈的視覺關系。
5 利用曝光手段（如多次曝光、連續閃光），使被攝體從時間概念中分離出來，能動地把時間概念和空間位置加以調換。
其著名的攝影家除奧特、斯坦內特以外，還有傑·施莫爾、肖·范歐坎、蘭·佩恩、莫·弗克爾特等。[編輯本段]【影響】
攝影藝術對於印象主義繪畫的影響在藝術史上非常有名，有人曾說：「印象派的畫家都非常執著於攝影表現」。從以下幾個方面可以看出攝影對繪畫的顯著影響：
1. 照相機所表現對象的明暗對化。
2. 自由的構圖。
3. 背景描繪的略化。
這些都從
1、印象派畫家們對於光的性質所採取的科學態度；
2、平面化的遠近法；
3、不習慣的角度；
4、對畫面端明確的處理等處表現出來。
單反 -- 就是指單鏡頭反光,即SLR--Single Lens Reflex 。
在這種系統中，反光鏡和棱鏡的獨到設計使得攝影者可以從取景器中直接觀察到通過鏡頭的影像。單鏡頭反光照相機的構造圖中可以看到，光線透過鏡頭到達反光鏡後，折射到上面的對焦屏並結成影像，透過接目鏡和五棱鏡，我們可以在觀景窗中看到外面的景物。拍攝時，當按下快門鈕，反光鏡便會往上彈起，軟片前面的快門幕簾便同時打開，通過鏡頭的光線(影像)便投影到軟片上使膠片感光，爾後反光鏡便立即恢復原狀，觀景窗中再次可以看到影像。單鏡頭反光相機的這種構造，確定了它是完全透過鏡頭對焦拍攝的，它能使觀景窗中所看到的影像和膠片上永遠一樣，它的取景范圍和實際拍攝范圍基本上一致，消除了旁軸平視取景照相機的視差現象，從學習攝影的角度來看，十分有利於直觀地取景構圖。 單鏡頭反光相機還有一個很大的特點就是可以交換不同規格的鏡頭
焦點 - 平行光線通過透鏡形成的像點
焦距 - 從焦點到透鏡中心的距離
焦距的功能與作用：
焦距長短與成像大小成正比，焦距越長，成像越大，焦距越短，成像越小。
鏡頭焦距長短與視角大小成反比，焦距越長，景角越小，焦距越短，景角越大。
焦距長短與景深成反比，焦距越長景深越小，焦距越短，景深越大。
焦距長短與透視感的強弱成反比，焦距越長，透視感越弱，焦距越短，透視感越強。
焦距長短與反差成反比，焦距越長反差越小，焦距越短反差越大。
焦距、像距和物距的關系
鏡頭基本公式:
高斯成像公式 1/F=1/U+1/V
F——焦距、U——物距、V——像距
相對口徑——光圈直徑與焦距的比值，計算方法與有效口徑相同n'=d'/f
有效口徑——鏡頭人射光瞳最大直徑與焦距之比 n=d/f
景深
攝影時向某景物調焦，在該景物的前後形成一個清晰區，這個清晰區稱為全景深，簡稱景深。
使用大光圈，景深小
使用小光圈，景深大
物距小，景深小
使用廣角鏡，景深大
決定景深的三個基本因素：
光圈 光圈大小與景深成反比，光圈越大，景深越小。
焦距 焦距長短與景深成反比，焦距越大，景深越小。
物距 物距大小與景深成正比，物距越大，景深越大。
景深與像深
像深——景深前界和景深後界分別共軛的兩個成像平面之間的距離。像深與景深相對應，像深越大，景深也就越大。
確定景深的標准：135相機可允許的模糊圈直徑一般為 1/30 mm，即0.033 mm。
超焦距：
當鏡頭聚焦在無限遠時，位於無限遠的景物結成清晰的影像，同時在有限距離某一點上的物體也能達到清晰的標准，近於這一點的物體就模糊起來，那麼，這個物體到鏡頭之間的距離就是超焦距。
超焦距越大，景深越小。
光圈越大，超焦距越大，光圈開大一級，超焦距就增加0.5倍。 .焦距越長，超焦距越大。
嘗試一下：
如果某光圈的超焦距為10米，則調焦在10米時，景深為5米~∞，使景深增加了1/2超焦距，即5米。運用超焦距可把景深范圍內不同距離的動體都清楚地搶拍下來，免去調焦時間。
明度
鏡頭明度的大小就是光通量的多少
口徑大通光量多，明度就大，反之明度小
明度大小以光圈系數按倍數來計算
明度的大小是決定暴光的曝光的重要因數之一
場曲
在一個平坦的影象平面上， 影象的清晰度從中央向外發生變化，聚焦形成弧型， 就叫場曲.
原因是中心離鏡頭近，周邊離鏡頭遠
一般拍照團體人像，安排成弧型，就是糾正這一缺點
二道火快門
第一步先按下空擋，快門鈕的一半;第二次按到底，快門才開
它能防止手振和減少按快門的時差，並能避免誤碰快門鈕，造成浪費.沒有二道火快門的相機，誤碰以下快門鈕，就浪費一張底片.
反光板
錫箔反光太亮， 可以用褶皺法使反光散射柔和;
用白紙反光板也叫柔和;
用白漆刷白的反光板， 容易變黃失去反光效果.
柔光板
在太陽與被攝物之間， 用白薄塑料布， 尼龍布等， 可以是光線柔和， 降低反差.
反光傘
反光傘外觀和普通傘一樣. 傘內面是銀白色， 反射能力強. 使用時將傘安置在可以變換角度的雲台上. 用強光燈照射傘內， 散射出的光線很柔和， 陰影亦淡， 是理想的光源. 拍人像特寫時， 不受強光的刺激， 最適合於拍攝人像和靜物.
裝飾光
裝飾光主要是打出眼神光， 使用的是較小的燈. 或者在其他光種達不到的地方， 細部加強亮度， 表現質感和輪廓. 亦用這種燈光消除人物面部的缺陷， 如使瘦削的面龐顯得豐滿些.
白頭
指的是一種攝影鏡頭. 平時我們使用的大多是鍍了膜的鏡頭， 因為是增透膜， 所以反光比較少， 於是鏡頭看起來是淡紫色的. 而我們現在說的是那種沒有鍍膜的鏡頭， 所以反光比較多，看起來泛著白光， 所以稱為白頭.
感光度
表示感光材料感光的快慢程度。感光度的單位用「度」或「定」來表示，如「ISO100/21」表示感光度為100度/21定的膠卷。感光度越高，膠片越靈敏（就是在同樣的拍攝環境下正常拍攝同一張照片所需要的光線越少，其表現為能用更高的快門或更小的光圈）。200度的膠卷感光的靈敏度是100度膠卷的2倍，400度的膠卷的靈敏度是200度膠卷的2倍，其餘以此類推。
色溫
各種不同的光所含的不同色素稱為「色溫」。色溫的單位為「K」（開爾文）。我們通常所用的日光型彩色負片所能適應的色溫為5400K-5600K；燈光型A型、B型所能適應的色溫分別為3400K和3200K。所以，我們要根據拍攝對象、環境來選擇不同類型的膠卷，否則就會出現偏色現象（除非用濾色鏡校正色溫）。
附：色溫的定義「假設有一種黑色金屬，使之處於零下273度（絕對零度）的環境中，隨著溫度的升高，該黑色金屬就會發出不同波長的光，由該色光所對應金屬的溫度再加上273就是該種光的色溫」。例如，將該金屬加熱至2500攝氏度，該金屬就已發出紅光，這種紅光的色溫就是「2500+273」K，也就是說這種紅光的色溫就是2773K。色溫越低，長波長的光（紅、橙色光）的百分含量越高；色溫越高，短波長的光（藍、紫色光）的百分含量越高。例如：中午的日光的色溫大約是5500K；閃光燈的色溫約為5600K；蔚藍的天空的色溫大約為20000K；100瓦普通燈泡的光的色溫大約為2600K。
曝光
光到達膠片表面使膠片感光的過程。需注意的是，我們說的曝光是指膠片感光，這是我們要得到照片所必需經過的一個過程。這和非專業人士所說的「曝光」大不相同，他們所說的「曝光」是指因相機漏光導致膠卷作廢的意外事故。
相對孔徑
鏡頭有效通光口徑（光束直徑）與焦距的比值。相對孔徑越大，鏡頭就越「快」。如1:2.8、1:3.5-4.5等。在變焦鏡頭中，一般把相對孔徑固定的鏡頭稱為專業鏡頭，把相對孔徑不固定、但相對孔徑在1:2.8-1:4之間的鏡頭稱為准專業鏡頭，其餘則稱為普及型鏡頭。
曝光組合
是指在同一拍攝環境中可以使用不同的光圈和快門的組合。比如,用測光表測得快門為1/30秒時,光圈應用5.6,這樣，F5.6、1/30秒就是一個曝光組合。我們也可用F4和1/60秒的曝光組合代替（二者等效）,也可用F2.8和1/125秒的曝光組合代替。也就是說,這幾個組合是等效的。但我們特別要注意的是,雖然這幾個曝光組合是等效的,也就是說曝光是准確的,但不同組合所獲得的景深是不同的。
快門速度
快門開啟的時間。它是指光線掃過膠片的時間（曝光時間）。例如，「1/30」是指曝光時間為1/30秒，同樣，「1/60」是指曝光時間為1/60秒，1/60秒的快門是1/30秒快門速度的兩倍，其餘以此類推。
b]白平衡
白平衡英文名稱為White Balance。物體顏色會因投射光線顏色產生改變，在不同光線的場合下拍攝出的照片會有不同的色溫。例如以鎢絲燈(電燈泡)照明的環境拍出的照片可能偏黃，一般來說，CCD沒有辦法像人眼一樣會自動修正光線的改變。
【攝影名詞解釋】
1.什麼是e鎖？
ae是automatic exposure自動曝光控制裝置的縮寫，ae鎖就是鎖定於某一ae設置，用於自動曝光時人為控制曝光量，保證主體曝光正常。使用ae鎖有幾點需要注意：1、手動方式或**時不能使用自動曝光(ae)鎖。2、按下自動曝光(ae)鎖之後不要再調節光圈大小。3、用閃光燈攝影時不要使用(ae)鎖。
2.什麼是ccd？
CCD既為"電子耦合組件"( charged coupled device)，它就像傳統相機的底片一樣的感光系統，是感應光線的電路裝置，你可以將它想像成一顆顆微小的感應粒子，鋪滿在光學鏡頭後方，當光線與圖像從鏡頭透過、投射到ccd表面時，ccd就會產生電流，將感應到的內容轉換成數碼資料儲存起來。ccd像素數目越多、單一像素尺寸越大，收集到的圖像就會越清晰。因此，盡管ccd數目並不是決定圖像品質的唯一重點，我們仍然可以把它當成相機等級的重要判准之一。
3.什麼是cmos？
comple-mentary metal-oxicle-semiconctor，中文譯為"互補金屬氧化物半導體" 也是是感應光線的電路裝置的一種，現在佳能數碼相機普遍採用這種感光裝置。
4.什麼是dpof？
dpof指的是數碼列印順序指令，用於在存儲介質(影像記憶卡等)上記錄信息。在此格式下，你可以設定將數碼相機拍攝的那些影像進行列印以及進行列印多少張。
5.什麼是exif？
所謂exif (exchangerable image file format for digital still cameras)，就是由jeita(電子信息技術產業協會)制定的、決定記錄jpeg圖像和聲音的文件上的附加信息的方式的規格。
6.什麼是exif 2.2？
exif 2.2版是一種新改版的數碼相機文件格式,其中包含實現最佳列印所必需的各種拍攝信息。
7.什麼是ptp？
ptp是英語「圖片傳輸協議(picture transfer protocol)」的縮寫。
ptp是最早由柯達公司與微軟協商制定的一種標准，符合這種標準的圖像設備在接入windows xp系統之後可以更好地被系統和應用程序所共享，尤其在網路傳輸方面，系統可以直接訪問這些設備用於建立網路相冊時圖片的上傳、網上聊天時圖片的傳送等。
當然，這主要是為方便計算機知識不多的普通用戶的，使相機、應用軟體、網站....結合在一起更容易地完成一些傻瓜式功能。
8.什麼是tiff格式？
tiff是一種比較靈活的圖像格式，它的全稱是tagged image file format，文件擴展名為tif或tiff。該格式支持256色、24位真彩色、32位色、48位色等多種色彩位，同時支持rgb、cmyk以及ycbcr等多種色彩模式，支持多平台。tiff文件可以是不壓縮的，文件體積較大，也可以是壓縮的，支持raw、rle、lzw、jpeg、ccitt3組和4組等多種壓縮方式
9.什麼是wave？
這是錄音時用的標準的windows文件格式，文件的擴展名為「wav」，數據本身的格式為pcm或壓縮型。
10.圖像儲存格式
由於數碼相機拍下的圖像文件很大，儲存容量卻有限，因此圖像通常都會經過壓縮再儲存。最常見的圖像儲存格式就是jpeg和tiff檔，jpeg經過高度壓縮，能使檔案變為原先的1/4、1/8或1/16大小左右，因此可以省下不少儲存空間，不過相對也會讓原始圖像資料有所損失，許多相機都會提供特定的壓縮比例供使用者自己選擇。
tiff文件幾乎未經壓縮，所以圖像會比jpeg保持地更完整。不過因為圖像解析度越高、壓縮越小就越占記憶空間，所以拍照時必須兼顧對圖像的品質要求與記憶卡容量。舉例來說，一張8mb的smartmedia內存卡存640×480解析度、高壓縮格式的照片可能可以存80張，可是如果存1024×768、未壓縮格式的照片就只能存3張，差異其實非常大，因此拍攝前必須先預設儲存模式或乾脆准備好足夠的內存卡。[編輯本段]【攝影用光】
光線主要包括四種特性——光線的強度，光線的性質，光線的方向性，光線的色彩。
我們主要講一講光線的方向性，也就是我們常說的順光、側光、逆光、頂光照明。
1、順光照明這是一種效果最平的一種光，它不利用拍出被攝體的立體感和空間深度感，缺少生氣。
2、側光照明效果有明顯改善，被攝體的產生明暗變化顯出立感和表面質感，它比較符合人們正常的視覺習慣，所 以，在攝影中被廣泛的利用。
3、逆光照明它能夠勾畫出對象的形狀，使之與背景分開。在對象的形狀邊緣形成明亮的亮線，能夠渲染所要表達的 氣氛，豐富和活躍畫面。
4、頂光照明的效果使畫面呈現出一種酷熱感，在人物的眼眶、鼻子和下巴下面造成濃重的投影，對人物的形象起著 醜化作用。[編輯本段]【廣告攝影】
廣告攝影是以商品為主要拍攝對象的一種攝影，通過反映商品的形狀、結構、性能、色彩和用途等特點，從而引起顧客的購買慾望。廣告攝影是傳播商品信息、促進商品流通的重要手段。隨著商品經濟的不斷發展，廣告已經不是單純的商業行為，它已經成為現實生活的一面鏡子，成為廣告傳播的一種重要手段和媒介。
【水下攝影】
影視特技攝影（象）方法之一，即在水中攝影（象）。攝影（象）者攜帶有防護罩的攝影（象）機和潛水裝備，潛入水中直接拍攝。水下攝影（象）可真實地反映水下景象，如水生動植物的生活、海底和河床的地質資料、考古發現等。水下攝影（象）在科研、軍事技術、體育、教學等方面應用較廣。
攝影人員和攝影機潛入水中拍攝水中景物的方法。攝影人員身穿潛水衣，腳戴鴨脯，操縱水下攝影機拍攝，也可以將攝影人員和普通攝影機放在潛水設備中通過密封窗拍攝。較深的水下，須要水下照明燈光。也可以把水下攝影機潛入水中，攝影師在水面上面，遙控攝影機拍攝。
【紀實攝影】
紀實攝影（documentary photography）記錄社會生活等的攝影，與單純的記錄攝影不同之點是，將拍攝到的內容強烈訴諸於人民的個體報道性質的意思。
紀實攝影表現攝影家對環境的關懷，對生命的尊重，對人性的追求……紀實攝影家以冰冷的機器記錄邊緣景象或被人有意無意間「忽視」的事實，卻往往能借著影像的力量，使攝影成為參與改造社會的工具。從紀實攝影發生的社會背景與歷史沒載看，它的批判性和幹革命性不言而喻。副產品紀實攝影史就是一部攝影家對人世間的不公、黑暗、動亂、肅削……進行記錄、表述與傳播的歷史。通地影像，他們達到宣傳鼓動，進而促進社會變革，使人間更美好的目的。[編輯本段
【棚拍攝影】
棚拍也是攝影活動中一個非常受歡迎的拍攝方式，由於在室外的拍攝效果經常會受制於不合適的照明條件或多變的天氣。但如果在攝影棚內拍攝，就能夠控制影像，而且想拍多久就拍多久。使用很容易獲得的設備和材料，就很有可能拍出精緻的、使人印象深刻的肖像照. 這樣呢,就出現棚拍這樣一種拍攝方式
一、使用三角架
你必須將你的相機安裝在一個三角架上以防止相機的晃動。盡量的將相機靠近被攝物體，並且注意不要引入不必要的陰影。
二、調焦軌
雖然它不是拍攝時的必備品，但是調焦軌卻是一個很好的輔助裝置可以幫助你拍攝出好的特寫鏡頭。調焦軌能夠使相機以非常小的增距沿著X和Y軸線移動，能夠精確的控制相機的位置和畫面的景深。如果用移動三角支架來達到理想的位置則是非常麻煩的。
三、使用快門線
即使你已經將相機安裝到了三角支架上，但是如果你在按快門的時候不小心，仍然有可能使相機產生晃動，所以為了避免這種情況的發生，我建議你最好還是使用快門線。
五、在必要的時候使用反光卡
使用一個白色的卡片或是用一張鋁箔包在卡片上，將光線反射在被攝物體上，以照亮物體上的陰影部分。需要注意的是不要讓這張卡片出現在被拍攝范圍內。
六、一定要有耐性