藝術領域創作者有多少

『壹』 我國著名藝術家有誰

清太宗皇後 博爾濟吉特氏(1613-1687) 孝庄太後

博爾濟吉特氏，蒙古科爾沁貝勒（部落之長）寨桑的女兒，孝端皇後的侄女，清太宗皇太極的皇後，有絕色，性機敏。

1625年，年僅十三歲時嫁給努爾哈赤的第八子皇太極為妻，與姑母一同嫁予皇太極為妻。婚後生有三女，固倫雍長公主，固倫淑慧長公主、固倫淑哲長公主。1636年皇太極稱 帝，封博爾濟吉特氏為永福宮庄妃，崇德三年（1638）生皇九子福臨，尊庄妃為皇太後，史稱孝庄文皇後。

孝庄文皇後天生麗質稱得上清朝前期的
絕代佳人。她臨事處置沉靜果斷，早在皇太極時期，孝庄文皇後就『贊助內政』，為皇太極出力。

1642年（清太宗崇德七年），清軍攻陷松山，明薊遼總督洪承疇被俘，為表示忠於明室，宣布絕食，後來，皇太極知道洪承疇好色，於是孝庄皇後向皇太極自薦，誘降洪承疇，後來洪承疇引清兵入關，明亡。

1643年，皇太極逝，福林繼位為順治帝，遷都北京，尊孝庄皇後為太後，以皇叔多爾袞攝政，順治年幼（六歲）為了消除多爾袞對帝位的威脅，孝庄太後按滿族「兄死則妻其嫂」的習俗，毅然下嫁給多爾袞。雖然史書對孝庄下嫁的說法不一，但是文獻對下嫁事實的記載正規。《東華錄》的記載，多爾袞長出入皇宮內院，順治也稱多爾袞為『皇父攝政王』，清初疑案「太後下嫁」之事，當非空穴來風。由於政治原因，這種舉措也無損於她的歷史地位。由於孝庄太後的調停，順治的皇位保住了，多而袞沒有取而代之，清朝大權逐漸轉移到順治手中。

為了創建初期的清王朝能得到漢族上層的支持，孝庄皇太後敢於沖破滿、漢不得通婚的慣例，順治十年（）她把孔有德的女兒孔四貞「育之宮中」當作宗室郡主看待；又把皇太極第十四女和碩公主嫁給吳三桂的兒子吳應熊，起到拉攏漢軍將領的作用。

順治死後，玄燁即位，號康熙，為後世的康熙大帝。康熙尊稱孝庄為太皇太後，時康熙八歲，由四位大臣輔理政務，孝庄太後盡力教養幼主，護衛著愛新覺羅政權避過了重大的風險和暗礁，是大清王朝達到盛世的彼岸。四位輔政大臣中，鰲拜專橫跋扈，目無幼主，妄圖篡奪皇權，他濫殺無辜，企圖要挾天子以令諸侯。孝庄太後成了康熙的堅強後盾，在她的支持下，康熙八年，康熙一舉粉碎了鰲拜集團，奪回了政權。

康熙在平定三番之亂時，孝庄皇太後全力支持康熙平亂，她拔出宮中金帛加以犒勞。孝庄皇太後提倡節約，多次把宮中節省下來的銀錢賑濟災民。她的節省家風影響到康熙、雍正兩朝。

1687年，康熙二十六年，太皇太後逝，享年七十五歲，為『孝庄文皇後』。
參考資料：http://www.greatchinese.net/emperors/empress/qingtaizonghou.htm

孔子其人
在中國5000年的歷史上，對華夏民族的性格、氣質產生最大影響的人，就算是孔子了。孔子是一個教育家、思想家，也可算半個政治家，但他首先是一個品德高尚的知識份子。他正直、樂觀向上、積極進取，一生都在追求真、善、美，一生都在追求理想的社會。他的成功與失敗，無不與他的品格相關。他品格中的優點與缺點，幾千年來影響著中國人，特別是影響著中國的知識份子。
發憤忘食，樂以忘憂
孔子63歲時，曾這樣形容自己：「發憤忘食，樂以忘憂，不知老之將至。」當時孔子已帶領弟子周遊列國9個年頭，歷盡艱辛，不僅未得到諸侯的任用，還險些喪命，但孔子並不灰心，仍然樂觀向上，堅持自己的理想，甚至是明知其不可為而為之。
安貧樂道
孔子說：「不義而富且貴，於我如浮雲」，在孔子心目中，行義是人生的最高價值，在貧富與道義發生矛盾時，他寧可受窮也不會放棄道義。但他的安貧樂道並不能看作是不求富貴，只求維護道，這並不符合歷史事實。孔子也曾說：「富與貴，人之所欲也；不以其道，得之不處也。貧與賤，人之所惡也；不以其道，得之不去也。」「富而可求也，雖執鞭之士，吾亦為之。如不可求， 從吾所好。」
學而不厭，誨人不倦
孔子以好學著稱，對於各種知識都表現出濃厚的興趣，因此他多才多藝，知識淵博，在當時是出了名的，幾乎被當成無所不知的聖人，但孔子自己不這樣認識，孔子曰：「聖則吾不能，我學不厭，而教不倦也。」 孔子學無常師，誰有知識，誰那裡有他所不知道的東西，他就拜誰為師，因此說「三人行，必有我師焉」。
直道而行
孔子生性正直，又主張直道而行，他曾說：「吾之於人也，誰毀誰譽？如有所譽者，其有所試矣。斯民也，三代之所以直道而行也。」《史記》載孔子三十多歲時曾問禮於老子，臨別時老子贈言曰：「聰明深察而近於死者，好議人者也。博辯廣大危其身者，發人之惡者也。為人子者毋以有己，為人臣者毋以有己。」這是老子對孔子善意的提醒，也指出了孔子的一些毛病，就是看問題太深刻，講話太尖銳，傷害了一些有地位的人，會給自己帶來很大的危險。
與人為善
孔子創立了以仁為核心的道德學說，他自己也是一個很善良的人，富有同情心，樂於助人，待人真誠、寬厚。「己所不欲，毋施於人」、「君子成人之美，不成人之惡」、「躬自厚而薄責於人」 等第，都是他的做人准則。 子曰：「吾十有五而志於學，三十而立，四十而不惑，五十而知天命，六十而耳順，七十而從心所欲，不逾矩。」這是孔子對自己一生各階段的總結。

參考資料：http://..com/question/30720300.html?si=2

諸葛亮
諸葛亮（181.4.14-234.8.28）字孔明，號卧龍，琅邪陽都（今山東臨沂市沂南縣）人，漢族，三國時期傑出的政治家、戰略家（見於《史書》）。蜀漢丞相。謚曰忠武侯。

陳壽《三國志》：諸葛亮之為相國也，撫百姓，示儀軌，約官職，從權制，開誠心，布公道；盡忠益時者雖仇必賞，犯法怠慢者雖親必罰，服罪輸情者雖重必釋，游辭巧飾者雖輕必戮；善無微而不賞，惡無纖而不貶；庶事精練，物理其本，循名責實，虛偽不齒；終於邦域之內，咸畏而愛之，刑政雖峻而無怨者，以其用心平而勸戒明也。可謂識治之良才，管、蕭之亞匹矣。然連年動眾，未能成功，蓋應變將略，非其所長歟！

參考資料：http://ke..com/view/2347.html?wtp=tt

參考資料：http://..com/question/79473465.html

徐悲鴻（1895－1953），是兼采中西藝術之長的現代繪畫大師，美術教育家。徐悲鴻出身農村，家境清貧。父親徐達章是個村塾教師，擅長花鳥，人物畫。徐悲鴻4歲開始在家塾中讀書，耳濡目染，自幼對繪畫發生興趣。9歲隨父學畫，10歲已能作父親的助手。農忙時，兼做耕作，貧苦的勞動生活，使他從小養成了勤勞，簡朴的作風和誠實正直的性格。 他13歲時遇上大荒之年，隨父走江湖，依靠鬻字賣畫為生。17歲時，父親染上重病，家境每況愈下。八口之家的生活重擔，從此落到徐悲鴻的肩上。他在小學，中學任圖畫教師，也到上海等地靠賣畫為生。19歲時父親去世，家境愈加貧困。

1915年徐悲鴻再次赴滬，在友人幫助下，在「暇余總會」（當時的賭場）一隅借住，刻苦創作，同時到夜校學習法文。他畫了一匹馬，寄給審美書館館長高劍父。其弟高奇峰十分贊賞他的畫藝。這時，徐悲鴻雖考取了震旦大學，但無錢進學，幸好得到高奇峰的資助。後又結識了康有為，得有機會觀摩康所收藏的碑帖。並在藝術觀 上也受到康有為的影響。1917年徐悲鴻赴日本東京研究美術，秋返北京，應蔡元培之邀任北京大學畫法研究會導師，並結識陳師曾。1919年赴法留學。在著名畫家達仰的畫室學習素描，1921年去德國，就學於畫家康普的畫室，次年歸巴黎。1925年經新加坡回國。第二年春，他再去巴黎，又赴比利時布魯塞爾臨畫，游歷瑞士，義大利。

1927年回國後，歷任中央大學藝術系教授，上海南國藝術學院美術系主任，北平大學藝術學院院長等職。1933年攜中國近代繪畫作品赴法、德、比利時、義大利及蘇聯展覽。抗戰時期，將自己作品帶到南洋，印度等東南亞地區展覽，並將全部收入捐獻給祖國難民。

解放前夕，國民黨政府派飛機接徐悲鴻和一批著名教授去南京，遭到徐悲鴻拒絕。解放後他被邀請為中國出席世界和平大會的代表，並任中央美術學院院長，並當選為全國文聯常務委員，全國政協代表和中華全國美術工作者協會主席。1952 年在病中，將自己一生創作和全部珍藏作品捐獻國家。1953年病逝，只活了59歲。 國家為這位偉大的藝術家在北京建立了徐悲鴻紀念館，保存了他的一千餘件作品。他一生創作作品達數千件，培養和發現了一大批優秀的美術人才。

徐悲鴻擅長中國畫，油畫，尤精素描。他的畫作滿含激情，技巧極高。著名油畫有《溪我後》，《田橫五百士》，國畫有《九方皋》，《愚公移山》，《會師東京》等。最能反映徐悲鴻個性，表達他思想感情的莫過於他寫馬的畫卷。他對馬的肌肉，骨骼以及神情動態，作過長期的觀察研究，畫了數以千計的速寫。所以他畫 的馬圖筆墨酣暢，奔放處不狂狷，精微處不瑣屑，筋強骨壯，氣勢磅礴，形神俱足。另有一些人物，獅，貓等題材作品，也是質優量大。他的繪畫創作堅持「師法造化，尋求真理」的原則。

『貳』 藝術家的種類包括哪些

藝術家指具有較高的審美能力和嫻熟的創造技巧並從事藝術創作勞動而有一定成就的藝術工作者；既包括在藝術領域里以藝術創作作為自己專門職業的人，也包括在自己職業之外從事藝術創作的人。是一個原於自然，發於心靈的藝術作品創作者。
一般包括從事美術、音樂等藝術活動的人。

『叄』 藝術家簡介

萊昂納多·達·芬奇 Leonardo da Vinci 是歐洲文藝復興時期，象徵人類智慧的義大利畫家、科學家。原名：Leonardo di ser Piero da Vinci。生於1452年4月15日 1519年5月2日，他給後人留下了眾多傳世名畫，以及其它科學領域的研究成果。 萊昂納多·達·芬奇，義大利文藝復興三傑之一，也是整個歐洲文藝復興時期最完美的代表。他是一位思想深邃，學識淵博，多才多藝的畫家、寓言家、雕塑家、發明家、哲學家、音樂家、醫學家、生物學家、地理學家、建築工程師和軍事工程師。他是一位天才，他一面熱心於藝術創作和理論研究，研究如何用線條與立體造型去表現形體的各種問題；另一方面他也同時研究自然科學，為了真實感人的藝術形象，他廣泛地研究與繪畫有關的光學、數學、地質學、生物學等多種學科。他的藝術實踐和科學探索精神對後代產生了重大而深遠的影響。

『肆』 現代藝術的藝術的發展

後現代藝術的出現反對現代藝術的力量是在1960年代未出現的。
就在科技強權席捲一切，精英化，純粹化的藝術山窮水盡的時候，新的藝術活動出現了，這些活動與當時的潮流是那麼不同，竟然使西方藝術峰迴路轉，另開局面。下面就是當時新出現的幾項藝術活動：
（1）大地藝術（LandArt或Earth Art），可以看成是室內裝置作品向戶外發展的結果，最早的樣式可以追溯到古埃及的金字塔和英國的斯通亨治圓形石柱，而美洲的廣闊土地為當代藝術家提供了展示才能的舞台。以沙漠、高山和草原為原始材料，修整出或附加上巨大的幾何形式，是大地藝術的早期特色。最有名的作品是羅怕特·斯邁森（Robert Smithson）的《螺旋形防波堤》，這個堤壩寬15英尺，觀眾可以沿著堤壩走幾圈，除此而外沒有任何實用功能。
（2）裝置藝術（InstallatiOn），是一種由非藝術材料構成。可在室內短暫陳列的立體展品，其中極少部分也會被博物館收藏，它是一種布置展品的方法而非藝術特色或風格，所以它可以為許多藝術流派服務。最初的裝置由棄置傳統雕塑材料而來，其主要定義是：「（1）它們是裝配起來的，而不是畫。描、塑或雕出來的；（2）它們的全部或部分組成要素，是預先形成的天然或人造材料、物體或碎片，而不打算用藝術材料」。早期裝置藝術的代表是德國的達達藝術家施威特（Kllrt schw-Itter），他在1920年代用各種材料將自己的住宅堆滿。
（3）身體藝術（BodV art），是創作者將自己的身體作為藝術表達的材料，並結合繪畫、攝影、錄像或其他現場記錄手段。形成的一種非戲劇化的表演藝術，「非戲劇化」是指無虛構、表演和做作成分。如勒瓦（Barry Le Va）的作品就是在相隔十幾米的兩堵牆之間跑來跑去，直到累倒為止。另一位維托·阿康西（Vito Acconci）曾經是個詩人，心理上有受虐傾向，比如他努力去咬自己身體上能咬到的部位，不咬出痕跡不罷休，還在公開場合手淫，並且架上擴音器將聲音傳播出去，迫使公眾成為「窺淫」者，試圖以此沖破社會禁忌，還有一位是克里斯·怕登（Chris Burden），這個人更是受虐狂，代表作《5天囚禁》是連續5天將自己關在一個鐵箱子里；另一名作《槍擊》是讓他的朋友在七英尺外向他的左臂開槍，這種驚世駭俗手法，使他立刻獲得了世界聲譽。
（4）概念藝術（ConceptuaI Art），來源於1920年代早期的達達藝術，認為藝術沒什麼神聖和持久的價值，它的本質是思想或者概念，物理形態的具體作品並不重要，所以也叫思想藝術（Ideaart），後物體藝術（Post Object art）或無物體藝術（De-materialized art），用來記錄思想的文字材料，或者對一個事件的照相實錄，是概念藝術的常見形態。概念主義藝術家探詢藝術與思想或者藝術與知識的關系，這種探詢的終點是文字的、數學的或美學與哲學的，從道理上說，這種作品實際上不是用來觀賞的，傳統的展出形式不適用。但既要展示內在思想又要避免外在形式，仍是長久的難題，那些被看成是觀念藝術的作品，多是在美術館和其他公眾場合展出一些臨時性的裝置，例如隨便堆放一些木頭、磚塊或其他雜物，有一個例子是在美術館中展出一個巨大的鳥籠，里邊有些活的鳥和其他物品，另有一個概念藝術團體則是一些從事隨筆寫作的人。代表人物有約瑟夫·庫蘇斯（Joseph Kosuth）、邁爾·波施納（MeI Bochner）和漢納·道波溫（Hanne DarbOven）等人。
（5）過程藝術（Process art），認為藝術的製作過程比事先的構思重要，體驗時間流逝勝於觀看靜止和持久的物體，力圖表達瞬間即逝的短暫存在，此種藝術多使用易於體現時間變化的軟性材料，最初的來源是波洛克和德庫寧在創作中隨意滴濺顏料的偶然性，創作過程多是作者對展出材料的任意改變。代表人物是羅伯特·莫里斯（Robert Morris），他的一件作品是在展廳里堆放一些沒有任何價值的混雜材料。他每天去改變這些材料的放置狀態，到展覽結束時就將這些東西收起來扔掉。
促成西方現代藝術在1960年代未轉變形態的原因很多，通常認為與下列社會背景有關：
（1）美國在越戰的失敗，導致反對戰爭的情緒增長，再加上冷成格局下的國際環境，令人們對於人類社會和現實生活不抱有大多希望，並進一步開始蔑視已有的人類生活准則。在文化領域出現反主流和否定永恆價值的傾向。
（2）工業發展的副作用。工業的進步曾給人類社會展示了美好的前景，但副作用也越來越明顯，環境污染，能源緊缺，有毒廢料，核武器危險，令人們認識到，科學技術在解決一些問題的同時，又帶來了新的問題，人們開始清醒地看待工業進步的利弊得失，對科學方法產生了懷疑。
（3）社會問題突出，豐富的物質生活解決不了精神的問題，戰後「垮掉的一代」出現。1968年，歐洲和美國都出現了學生運動熱潮。
（4）新思想的出現。歐洲許多哲學家們對當代文化提出了新看法，從而對藝術界產生影響，這些哲學家包括羅蘭巴特、福科、德里達、拉康，利奧塔等人，他們對已有的社會抖學理論提出質疑，關任多種文化形態，引導人們懷疑任何單一的理論框架和終極判斷，在藝術領域則是重新肯定具象的價值，從而導致對追求形而上的現代藝術的脫離。
新的藝術思想傳播迅速，到川的年前後，美國的藝術雜志中就不再是滿篇塑膠鋼和幾何型了，天然材料，行動的過程，環境和觀眾的介入，語義解析，攝影實錄，逐漸成為藝術傳媒的主要報道內容。至此，現代藝術的觀念、方法和形式有了重大改變，人們說的後現代藝術，就是從這個時候開始的，不過，藝術史的更迭不是軍事交接。下會形成截然兩端的局面，所謂新與舊，尾聲與開場，往往同時存在，只是論述者為了敘述方便，習慣將糾纏在一起的事實分開來說，因此，我們常會看到學者們對許多所謂流派運動的開端有眾多說法，本文論述後現代藝術，因為要刻意尋找時間推移的秩序，就無法同時兼顧空間的劃分,這是要請讀者注意的。
除了上述外在因素，過分理性兒和科技化是促使藝術方向發生轉變的內在原因。需知人類的精神世界和自然生態一樣，既變化萬端又相互平衡，如果其中某仲囚幸過分發展，就會有相反的力量來克服它。如果科學對藝術干預大多，就會有反科學的力量出現。 1980年代以後，以美國為中心，後現代藝術已經風起雲涌，成為新的世界性的藝術潮流。綜合地看這些藝術現象，可以明顯感知新的價值觀現在成長，它主要表現在以下幾個方面：
（1）不求純粹，當代藝術不局限於視覺形式，語言文字、音樂戲劇、大眾傳媒。數碼影降、聲光電化，只要能傳達特定信息，就無所不用，繪畫超越平面限制，雕塑結合風景和建築，展出場地也不局限在畫廊扣博物館，在當代西方，所謂視覺藝術已經與其他門類藝術難分准解。
（2）善侍傳統。人類有豐富的傳統文化資源，棄之如蔑很可惜，當代藝術家不反對傳統，而是利用過去以更新自我。在時間和環境改變後，舊符號可能產生新意義，分冰的「天書」，蔡國強的「草船借箭」。都是這樣。
（3）非個人化，在藝術之上，除了19世紀後期到20世紀中期這段時間，「個人表現」都不是創炸的主要目標，後現代藝術強調社會功能，使藝術走出象牙塔，貼近大眾生活，藝術家以天下任為己任，關心社會問題，積極參與社會活動，不再是特立獨行的另類人物。
（4）多種標准，「多元」是當代藝術的核心觀念，雖然國際上仍有主流藝術趨勢的存在，但卻不再用統一的標准判斷優劣，比如承認不同國家，民族，地域的藝術的價值，女性藝術、土著藝術，非發達國家藝術受到重視，等等。但也因此出現繁雜混亂的局面，難以系統化。
綜合以上的論述，也許我們可以對後現代藝術有個粗淺的認識：它起源於對現代藝術的反叛，發展出表達思想和傳遞信息的新方法，觀念的更迭，技術的轉換，以及它所代表的公眾意識、多元價值觀和自由創造精神，體現了西方當代文化中的發展趨勢，但由於地域，文化和體制的不同，中國美術界還不能在短時期內以整體面貌融入這一全球范圍的藝術運動，但這並不妨礙新藝術因素的增長，也不妨礙我們從常識的角度去獲得西方當代藝術的知識。 「冰起於水而寒於水，青出於藍而勝於藍」。後現代主義是起源於現代主義內部的一種逆動，是對現代主義純理性的反叛，終日面對冷漠呆板的設計人們已感到厭倦，它表達了人們對於具有人性化，人情味產品需求的心聲。現代主義與後現代主義在風格上更是兩個極端，但在諸多方面互有異同。例如哈桑在《後現代主義轉向》中對二者的部分進行了如下比較：
哲學上
現代主義是以理性主義、現實主義作為哲學基礎，而後現代主義則是以浪漫主義、個人主義為哲學基礎。
思想上
現代主義強調對技術的崇拜，功能的合理性與邏輯性，後現代主義則推崇高技術，高情感，強調以人為本。
方法上
現代主義遵循物性的絕對作用，標准化，一體化，產業化和高效率、高技術。後現代主義則遵循人性經驗的主導作用，時空的統一性與延續性，歷史的互滲性及個性化、散漫化、自由化。
設計語言上
現代主義遵循功能決定形式，「少就是多」，「無用的裝飾就是犯罪」 （洛斯語）；後現代主義遵循形式的多元化、模糊化、不規則化，非此非彼，亦此亦彼，此中有彼、彼中有此的雙重解碼，強調歷史文脈、意象及隱喻主義和「少令人生厭」(less is bore)。 杜尚的啟發在涉及西方後現代藝術的話題時，不能不提到法國畫家杜尚（MarceI Duchamp）被人們描述成西方後現代藝術之父，理解他的藝術和生活，對理解西方後現代藝術的諸多奇妙現象大有幫助，但理解杜尚是個難題）因為他的作品與生活都與常人相去太遠；難以合理解釋。
雖然杜尚的藝術實踐止於1930年代。而且在1968年去世，但他旱期的短暫藝術活動卻在後來產生了持續的影響力。1913年他完成了第一件現成品藝術《自行車輪》表達對傳統作品中注重結構的輕視。並暗示藝術創作中最重要的因素是觀念而非製作技巧。《巧克力研磨機八號》差不多是杜尚最後一件架上作品，是對學院派油畫的嘲弄。1915年後杜尚定居紐約， 1917年完成《泉》是一隻小便器；另一件作品是L.II.O.O.Q,（1919），是給印刷品《蒙娜麗莎》添上小鬍子。杜尚最重要的作品是《大玻璃》又名《新娘被她的漢子剝得精光》，該作品從1915年開始製作，至1923年仍未完成。192O年後，杜尚對光學和電影的興趣與日俱增，川年代後他又將興趣轉到國際象棋上。
杜尚最重要的貢獻是「現成品」藝術。雖然從世俗的角度看，把現成的工業產品或是其他物品擺到美術展覽會上是荒誕不經的，但事實上這卻改變了人類對藝術乃至對世界的整個看法，人們開始質疑傳統價值觀念和藝術創作模式的必要性，至少。在西方後現代藝術中，「現成品」的影響無處不在，並從以下幾個方面給人們以啟發：
（1）形式與美都不重要。自古以來，藝術家以創造美的形式為天職，並賦予此類工作以崇高的地位和價值。但杜尚認為美並不存在，藝術和創造藝術的人也沒什麼特別崇高的地方，他告訴人們，普通物品與藝術品沒什麼區別，果藝術是美的；那普通物品也是美的，如果普通物品不美，那藝術也好不到哪兒去，所謂藝術的審美價值只不過是人們的成見而已。他把那個「小便池」送進展覽會，對打破這個成見起了很大作用。
（2）環境和時間比作品更重要，變現成品為藝術品的決定因素是環境和時間。與作品本身無關。這說明，在一定條件下。任何東西乃至行為都可以是藝術；也可以反過來說，當條件改變時，任何東西乃至行為都可以不是藝術，按中國話說，就是此亦一是非，彼亦一是非，由於環境和時間永遠在流動扣變化中，所以文藝復興的經典「蒙娜麗莎」到了20世紀，就可以被畫上小胡於，成為笑料；自行車輪和凳子放進美術館里，就等於結構主義的雕塑。
（3）引藝術回到自發和天然的狀態，人類最初的藝術活動是自發和天然的，無須專門訓練，更沒有藝術家和非藝術家之別。但後來就有了分工，藝術成了一項專門的工作，也因此有了專門的關於藝術的標准。顯然，這種分工和標準是以往制度的產物。有礙於健全的人性發展。如果在社會條件改變的情況下，仍然把這些已有的標准當成至高無上的法則要人們遵守，就太不合理，「現成品藝術」就是完全不把已有的藝術標准乃至文化尺度放在眼裡，以一種看似搞笑而實際上相當深刻的思想，嘲笑了人類在文化領域的拘謹和匠氣，從而呼喚一個新的富有自由創造精神的時代的到來。
（4）取消技術的限制，人們久已習慣將藝術創作看成是一種專門的技術操作這程，所以才有美術學院和專業畫家，「現成品」藝術卻與作者的個人技術無關，它只需要一種選擇的眼光，而選擇是一種思考過程，與物質產品的製作技術毫無關系。杜尚在這里告訴人們，藝術的價值在於思想。有思想，任何物質產品都可以成為藝術品。這種將藝術等同於思想的做法，客觀上取消了傳統意義上的藝術學科，暗含了藝術與藝術史即將終結的理論判斷。
美國畫家德庫寧（De Koonig）說：「杜尚一個人發起了一場運動一一這是一個真正的現代運動，其中暗示了一切：每個藝術家都可以從他那裡得到靈感」，以似乎是隨手拈出的「現成品」，輕松地扭轉了西方藝術發展的方向，是杜尚留給後人的先驅者形象。杜尚之後，反對一切既定的藝術模式和評判標准，以毫無掛礙的自由精神為藝術創作目標，成了西方藝術界的共識。 20世紀產生於美國畫壇上的抽象表現主義，標志著西方現代藝術中心從巴黎轉移到了紐約。如果說，這個畫派其實是歐洲現代派繪畫在美國的延續，那麼此後在美國所產生的種種繪畫流派，則全然是美國人自己的創造。波普藝術，便是最早的一個具有美國特點的畫派。波普藝術出現在50年代中後期，按照利希滕斯坦的說法，「把商業藝術的題材用於繪畫就是波普藝術。」它取材通俗，視覺圖像簡單直接，並且排除個性的流露。丙烯、搪瓷等材料在畫面上造成平整光滑的肌理效果，讓人想到雜志封面，帶有高度類型化的氣息。在波普藝術家眼中，藝術就是生活，生活就是藝術。它可以直接以現實生活中的物品為題材，而生活中的物品也可以直接作為波普藝術作品。波普藝術之後的美國畫壇上，顯示出流派紛呈的氣象。照相寫實主義、光效應、硬邊繪畫等等紛至沓來，讓人眼花繚亂。光效應藝術流行於60年代，它通過線、形、色的特殊排列引起人們的視錯覺，在靜的畫面上造出動的效果。照相寫實主義主要流行於70年代，它根據照片繪制畫面，形象逼真而細致。
約翰斯是波普藝術早期的代表人物，他生於南卡羅來那州，1952年移居紐約。他的畫摒棄抽象表現主義那種短暫情感的表現，創造出一種用純繪畫形式、甚至用生活中的實物，精緻處理日常現實題材的「新達達」風格。這種風格在波普藝術的發展中發揮了決定性的作用。約翰斯選擇美國國旗作為該畫的唯一母題。這一母題對於一般的美國公眾來說，具有很強的象徵意義。「再沒有別的社會符號有美國國旗這么強大的抵抗審美轉化的力量了。」然而約翰斯偏要堅持說：「這不是旗子。」這不免讓人想起馬格里特曾在其畫著煙斗的一幅畫上寫下的一句話：「這不是煙斗。」確實，那不是煙斗，而只是一幅畫。約翰斯在此所要說的，想必也是這個意思。他在這幅畫中，其實是要表現圖像與現實之間的那種界限。雖然他以高度寫實的技巧把三面旗子描繪得十分逼真，但是它們看上去卻似乎很不自然。它們毫無飄動和下垂的感覺，彷彿懸浮在半空。可以看出，它們彼此隔有一定的距離和空間，但是相互間沒有任何聯系。假如說它們多少還有那麼一點動的感覺的話，那就是旗子上的紅、白、藍三色並不是平塗的單色，而是略微地帶著起伏波動的效果。人們也許要問，畫家是否在為這三面旗子畫肖像這樣的肖像，想必只會存在於畫家的腦子里。因而，這幅畫所描繪的決不是一個真正的現實，而只是一種幻想的現實罷了。當我們第一眼看到這幅畫時，怎麼也不會想到它會讓人有如此奇怪的感覺。
《瑪麗蓮夢露》，安迪沃霍爾作，1967年，版畫，各90x90厘米，廣島，現代美術館藏。
在波普藝術中，最有影響和最具代表性的畫家是安迪沃霍爾（AndyWarhol，1927—1986）。他是美國波普藝術運動的發起人和主要倡導者。1962年他因展出湯罐和布利洛肥皂盒「雕塑」而出名。他的繪畫圖式幾乎千篇一律。他把那些取自大眾傳媒的圖像，如坎貝爾湯罐、可口可樂瓶子、美元鈔票、蒙娜麗莎像以及馬麗蓮夢露頭像等，作為基本元素在畫上重復排立。他試圖完全取消藝術創作中手工操作因素。他的所有作品都用絲網印刷技術製作，形象可以無數次地重復，給畫面帶來一種特有的呆板效果。
對於他的作品，哈羅德羅森伯格曾經戲謔地說：「麻木重復著的坎貝爾湯罐組成的柱子，就像一個說了一遍又一遍的毫不幽默的笑話。」他偏愛重復和復制。「我二十年都吃相同的早餐，」他解釋說：「我想這也是反復做同一件事吧。」對於他來說，沒有「原作」可言，他的作品全是復製品，他就是要用無數的復製品來取代原作的地位。他有意地在畫中消除個性與感情的色彩，不動聲色地把再平凡不過的形象羅列出來。他有一句著名的格言：「我想成為一台機器」，恰與傑克遜波洛克所宣稱的他「想成為自然」形成鮮明對比。他的畫，幾乎不可解釋，「因而它能引起無限的好奇心——是一種略微有點可怕的真空，需要用閑聊和空談來填滿它。」實際上，安迪沃霍爾畫中特有的那種單調、無聊和重復，所傳達的是某種冷漠、空虛、疏離的感覺，表現了當代高度發達的商業文明社會中人們內在的感情。
瑪麗蓮夢露的頭像，是沃霍爾作品中一個最令人關注的母題。在1967年所作的《瑪麗蓮夢露》一畫中，畫家以那位不幸的好萊塢性感影星的頭像，作為畫面的基本元素，一排排地重復排立。那色彩簡單、整齊單調的一個個夢露頭像，反映出現代商業化社會中人們無可奈何的空虛與迷惘。
《在鋼琴邊的女孩》 ，利希滕斯坦作，1963年，布面油畫，紐約，私人收藏。
利希滕斯坦（RoyLichtenstein，1923一）是以畫卡通式的圖像而著名的。與安迪沃霍爾一樣，他不僅對日常生活中的平凡瑣事以及現代商品化社會的粗俗形象偏愛有加，而且，還喜歡以一種不帶個性的、中性的方式，來處理這些形象。對於它們，他既不攻擊批評，也不吹捧美化，只是簡簡單單地陳述——這就是我們身臨其境的城市，這就是那些組成了我們生活的圖像和象徵符號。1961年他開始將那最為平淡無奇的連環漫畫中的形象，放到他的大幅的畫面上去。他津津有味地用油彩或丙烯顏料，將那些連環漫畫原樣放大，甚至把那廉價彩印工藝中的網點，都不厭其煩地復制出來。就畫面的講究和製作嚴謹而言，其畫風顯得十分古典。
《在鋼琴邊的女孩》是一幅具有典型的利希滕斯坦畫風特點的作品。整幅畫復制了一幅連環漫畫，比原作放大了五百多倍。畫家不僅把原作的構圖與人物形象准確復制下來，而且對原作者的筆法以及絲網印刷的網點作了精心細致的模仿。他借用廣告畫家的放大格，逐格將連環漫畫上的圖形一成不變地從小格轉移到畫布的大格上去。他還採用特製的金屬雕版，上面打有整齊的小孔，把大片的小圓點有規則地排立在巨幅的畫面上，有意模仿印刷工藝中的網點，以表明其放大的連環漫畫的通俗文化色彩。他聲稱，這種繪畫並不是機械的仿製品，其畫法只是為了形式的原因：「我認為我的作品與報刊漫畫是不同的……，我所作的是造型，而報刊漫畫依我的解釋並不是造型。」
《流》，賴利作，1964年，板、混合材料，149．5x148．3厘米，紐約現代藝術博物館藏。奧普（OPArt）藝術，又被稱作「視幻藝術」或「光效應藝術」，流行於60年代。這種藝術主要藉助線、形、色的特殊排列引起人們的視錯覺，從而使靜止的畫面產生眩目流動的動感效果。它淵源於包豪斯的傳統，利用了格式塔心理學的研究成果，是與觀者的視覺感知作用緊密聯系的一種抽象藝術。
光效應藝術的光感、幻感和動感源自於畫面本身所擁有的特殊動力特質。線條，如垂直線、水平線、曲線的規律性排列，形狀，如圓形、正方形、長方形的周期性組合，以及色彩的並置、重疊、圍繞、漸變等，給視網膜帶來了特殊的刺激。它蠱惑人們的視知覺，造成閃爍、放射、旋轉、凹凸等運動幻覺。這種視覺上的飄忽不定，甚至使觀者在不經意間便被拉人到意識渙散的恍惚狀態之中。可以說，它是一種視覺魔術。盡管我們知道，所有的繪畫藝術都涉及到物理事實與心理效果之間的差距問題，然而在這里，我們仍會驚異於靜止平面上的那種起伏波動的幻覺效果。
光效應繪畫的創作有點像是對視覺所作的科學試驗，而與情感無關。這種繪畫並不只限於畫面本身，它還呼喚著觀者的參與，只有當人們看著它時，它才能在與觀者的相互作用中獲得完整性，實現它的價值。實際上，這種傾向可以追溯到印象主義和新印象主義。那些畫家都盡量避免調和顏料，而是讓原色在畫布上並置，當觀者退後到適當距離時，由於視網膜的獨特復合作用，人們感覺到了光的閃爍。光效應畫家將這種技巧作了進一步推進，使之成為實際上的主題和內容。光效應藝術很能激起人們的興趣，它被運用於設計、裝飾、廣告等方面，成為流行的一種標簽。光效應的代表畫家包括維克多瓦薩萊利和布里奇特萊利等人。
布里奇特路易斯賴利（BridgetLouiseRiley，1931—）是一位有創造性的英國女畫家。1960年前，她主要畫人物和風景，後來，她投入到光效應藝術中，創作出一批很富動感的作品。 《流》作於1964年，是其有名的黑白繪畫系列中的一幅。線條之間的關系似乎經過了仔細的推算和精心的編排，在畫面上造成波折流轉的效果。當眼睛盯著它時，畫面便不斷地起伏波動，「流」的幻覺產生了。
《約翰》，克洛斯作，1971—1972年，畫布丙烯，254x228．6厘米，紐約威爾敦斯坦畫廊藏。照相寫實主義又被稱作超級寫實主義，是流行於70年代的一種藝術風格。它幾乎完全以照片作為參照，在畫布上客觀而清晰地加以再現。正如克洛斯（ChuckClose）所說，「我的主要目的是把攝影的信息翻譯成繪畫的信息。」它所達到的驚人的逼真程度，比起照相機來有過之而無不及。
照相寫實主義的畫家們並不直接寫生。他們往往先用照相機攝取所需的形象，再對著照片亦步亦趨地把形象復制到畫布上。有時他們使用幻燈機把照片投射到幕布上，獲得比肉眼所看到的大得多、也精確得多的形象，再纖毫不差地照樣描摹。藍本上一些不夠清楚的細節，也被畫家們予以修正，而具有同樣的逼真性和清晰性。如此巨細無遺的精確畫面，在某種意義上反倒成了對人們常規觀察方式的一種挑釁。
因為在一般情況下，人們對形象的視覺感知不會細致到面面俱到，不放過任何細節。通常由於職業、情感、性格以及實用主義等諸多影響，眼睛會有所選擇地對形象作出反應，有些可能經仔細觀察獲得了清晰印象，有些可能只是一帶而過，甚至很多時候，人們的看只是大致清楚而已。照相寫實主義的寫實幾可亂真，但它對所有細節一視同仁的清晰處理，則暗示了它與現實之間的距離，暗示了真實之下的不真實。此外，照相寫實主義畫家們有意隱藏了一切個性、情感、態度的痕跡，不動聲色地營造畫面的平淡和漠然。這種表面的冷漠之下，其實包含了某種對社會的觀念，它反映的是後工業社會中，人與人之間精神情感的疏離和淡漠。
照相寫實主義作品往往尺幅巨大，給視覺帶來某種震撼。查爾斯貝爾（ChadesBell）認為，「極度地改變日常東西的尺寸，使我們能夠進入裡面，更容易探索它的表面和結構。」大尺幅的繪畫是以一種獨特的方法炮製出來。畫家常常把照片劃分為許多小格，再按照比例一小塊一小塊地仔細復制。顯然在完工之前，看不出畫面的整體效果。照相寫實主義題材廣泛，形象逼真，並且無一例外地摒棄一切主觀因素。表面上看，它是對寫實的回復，而實際上，它是對當代社會的某種揭示。寫實，在這里已經成為與抽象並駕齊驅的一種現代藝術手法。
照相寫實主義的出現曾經招來一片可以想像的批評和攻擊，靠了畫商的支持和大眾的熱情，它立住了腳跟且聲名鵲起。這一風格的畫家中，克洛斯以人物肖像為唯一的題材，埃斯特斯喜歡描繪都市街景，戈因斯對咖啡廳和快餐店感興趣，查爾斯貝爾把精力花在描繪游戲玩具上，羅伯特貝希特勒則致力於平衡照片與繪畫之間的關系……盡管從事照相寫實主義繪畫的人數不算多，但它的影響倒是綿延不絕，甚至至今仍有人對它頗有興趣。
克洛斯（ChuckClose，1940一）是照相寫實主義的代表人物。他生於華盛頓，曾就學於華盛頓大學、耶魯大學、維也納造型藝術學院。他早先從事抽象表現主義創作時，發現他的作品與別人的作品同出一轍，缺少自己的特點。為了追求自己的視像和觀念，他於是轉向了畫人，且藉助照片畫人。他從1964年起描繪人像，兩年後專以照片為藍本作畫。他調侃道，「抽象表現主義的畫家都畫得很『帥』，我就採用最笨的。他們的畫用顏色塗得很厚，我就只用黑白，塗得極薄。當然，後來我也用了色彩。」他終於找到自己，做到了與眾不同。克洛斯描繪的對象都是他所熟悉的親友，他了解他們的音容笑貌、個性心理，但在畫面上，不僅人物毫無表情，不傳達任何自己的特點，克洛斯也抹去自己的感情，不表露任何傾向。他用噴筆和電動橡皮代替可能泄露個性的畫筆，費時耗力地進行他的工作。《約翰》是他70年代初的一件作品，人像逼真，纖毫畢現。皮膚、毛發、眼睛、眼鏡等均被描繪得富有質感。如此大的尺幅，加上如此強的逼真，會讓人產生一種念頭，那就是真得「像假的一樣」了。

『伍』 藝術家gogo是怎麼了

沒事。

藝術家（artist），是指具有極高的審美能力、嫻熟的創造技巧，從事藝術創作，並在文學、繪畫、雕塑、表演、音樂、舞蹈、書法、攝影、戲劇、電影等藝術領域作出突出貢獻、具有傑出成就的藝術工作者。

藝術家是源於自然、發於心靈的藝術作品創作者。

影響因素。

藝術家的地位應該與一般人的地位的性質是一樣的，無非是政治地位和社會地位。藝術家的價值也與常人沒有例外，人們用不同的方式去追求或實現各自的地位和價值，並且希望自身的地位和價值能夠得到社會的承認。

藝術家的地位與價值是受多方面的因素所影響和制約的，歸納起來主要體現在以下幾個方面。

『陸』 藝術家用書籍拼接創作梵高肖像，梵高有哪些成就

對於荷蘭印象畫派畫家梵高來說，他的主要成就無非就是在藝術領域的成就，其中最重要的是對後來的野獸派和表現派這連個畫派有著極大的影響，他的藝術成就比馬奈和塞尚對後繼者有著更大的作用。這也是後來人們給予他成就的最廣泛定位。

梵高的藝術畫畫才能是自學成才的，他從小也受到過藝術熏陶，又有極高的文學素養，這使他具有很高的藝術鑒賞力。從他早期的油畫創作中描繪出的農民工人社會低層人，到後來的夢幻的星空，像火球一樣炙熱的太陽能夠看出他對現實世界的不滿與美好世界的期待與熱情。梵高是一位具有真正使命感的藝術家，梵高在談到他的創作時，對這種情感是這樣的總結的：為了它，我拿自己的生命去冒險，由於它我的理智有一半崩潰了，不過這都沒有關系。梵谷從來沒有放棄過他的信念：藝術應當關心現實的問題，探索如何喚醒良知改造世界。也許梵高的成名與他這喚醒良知，改造世界，與他崇高的社會責任感與使命感息息相關，這是一種精神，是一種所有對世界抱著美好期許，用行動做出貢獻的偉人們共同擁有的崇高精神。