藝術是國家普遍的便秘什麼意思

1. 文化藝術是什麼意思

文化藝術是指用語言、聲音、文字、繪畫、雕塑、建築、工藝美術、書法、攝影、電影、電視、舞蹈等各種藝術表現方式體現出智慧群族的文化特性。

1、文化：就詞的釋意來說，文就是「記錄，表達和評述」，化就是「分析、理解和包容」。文化的特點是：有歷史，有內容，有故事。不少哲學家、社會學家、人類學家、歷史學家和語言學家一直努力，試圖從各自學科的角度來界定文化的概念。

人類傳統的觀念認為，文化是一種社會現象，它是由人類長期創造形成的產物，同時又是一種歷史現象，是人類社會與歷史的積淀物。

確切地說，文化是凝結在物質之中又游離於物質之外的，能夠被傳承的國家或民族的歷史、地理、風土人情、傳統習俗、生活方式、文學藝術、行為規范、思維方式、價值觀念等，它是人類相互之間進行交流的普遍認可的一種能夠傳承的意識形態，是對客觀世界感性上的知識與經驗的升華。

海洋文化學者李二和早在《舟船的起源》和多篇文章中就曾指出：相信隨著歷史的發展和時間推移，隨著人類更理性地認識事物和探索世界，隨著人類在科學文化上的逐步覺醒，人類會把文化辨析的更加清楚，進而從更寬泛的生命文化譜系中更加的獲益。

李二和第一次將「文化」這個概念引入到更開放、更寬容的生命思維高度，從而更真實的思考和解讀文化。作為一種對文化與生命的獨特思考現象，已經引起社會各界的普遍關注。

2、藝術：是通過捕捉與挖掘、感受與分析、整合與運用（形體的組合過程、生物的生命過程、故事的發展過程）等方式對客觀或主觀對象進行感知、意識、思維、操作、表達等活動的過程，或是通過感受（看、聽、嗅、觸碰）得到的形式展示出來的階段性結果。

文化藝術可以指用語言、聲音、文字、繪畫、雕塑、建築、工藝美術、書法、攝影等各種藝術表現方式體現出智慧群族的文化特性。

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一、藝術流派：

1、原始藝術與現代藝術

原始藝術具有生硬性、純真性、力感性和野性，這既是因為原始價值關系通常是低級、粗淺、簡單、直接和本能的，又是因為當時人的認識能力非常有限，只能採用粗淺、簡單、直接和機械的藝術形式來反映和描述周圍存在的客觀事物。

現代藝術具有高級性、細膩性、復雜性和理智性，這既是因為現代的價值關系通常是高級、深刻和復雜的，又是因為人們的認識能力不斷提高，可以採用高級、深刻、復雜和辯證的藝術形式來反映和描述周圍存在的客觀事物。

2、現實主義與浪漫主義

現實主義就是以事物的存在狀態為基本視點，來觀察和分析事物的運動與發展變化的規律；浪漫主義就是以事物的聯系狀態為基本視點，來分析觀察和事物的運動與發展變化規律。這兩者有著不同的側重點：前者重視現實狀態，後者重視聯系狀態。

現實主義通常著眼於事物的具體性和特殊性，只能認識具體的、個別的事物，不能認識抽象的、普遍的事物。

浪漫主義通常著眼於事物的抽象性和普遍性，並對事物進行抽象和歸納處理，各種浪漫主義藝術形象具有一定程度的自主性和隨意性，它撇開現實生活的具體形式、具體內容，而不受具體邏輯條件的約束，把一些粗俗的、低級的東西忽略掉，揭示人類心靈深處最深刻和最富暗示性的東西，使藝術創作變成一種創造性的冒險歷程。

在原始社會，人的生存完全依賴於自然環境，人只能被動地適應世界，人的價值關系是簡單而穩定的，只需要通過直觀感覺就可以反映出來，這時最為有效的藝術方式就是以事物的存在狀態為基本視點的現實主義。

隨著社會生產力的發展，人對於自然環境的直接依賴性逐漸減弱，人不僅能主動地適應世界，而且能積極地改造世界，人的價值關系發展成為復雜的、多變的價值關系，需要通過邏輯思維才能准確地反映出來，這時最為有效的藝術方式就是以事物的聯系狀態為基本視點的浪漫主義。

當社會處於快速發展狀態時，人的價值關系也處於快速發展之中，這時浪漫藝術較為流行；當社會處於相對穩定狀態時，人的價值關系也處於相對穩定之中，這時現實主義藝術較為流行。

不過，藝術的發展與它所反映的價值關系的發展往往是不同步的，通常要滯後一段時間，因此藝術的思潮和流派通常要相對滯後於它所反映的價值關系的發展步伐。

3、樣式主義

早期文藝復興和盛期的藝術家從自然觀察和圖案科學的仔細研究中發展了他們典型的風格。當樣式主義在1520年（這年拉斐爾去世）成熟時，所有具象派的問題都已解決。

一系列的知識重新被學習。樣式主義藝術家將藝術看作是他們的老師而不是自然。一方面，文藝復興時期的藝術家從自然中尋找自己的風格，另一方面，樣式主義者首次尋找一種風格和一種方法。

就樣式主義繪畫而言，構圖可以沒有焦點，空間可以是模糊的，人物的特點是具有運動的彎曲和具有扭曲、誇張的扭轉，肢體彈性伸長；

一隻手擺出奇異的姿勢，而另一隻手擺出優雅的姿勢；一貫小而橢圓形的頭。這種構成充滿了色彩沖突，不像我們在盛期文藝復興看到的平衡自然和豐富的顏色。樣式主義的藝術作品旨在尋求不穩定和騷動，同樣也有對包含挑逗意味傾向的寓言的偏好。

2. 公路之光的歌詞

在所有的詩意
都被你我搞過寬鄭之後
那野的花在路口
像迷一樣的臉紅了
藝術 仍然是國家裡
最普遍的 那一種便秘
我當然相信你
就是其中最正確 的 那一個王子
你奔跑 你奔跑在
完全相同 的鑽石中
星星掛著的地方
焯起了白色的煙
你總是喜歡這樣嗎
我只是喜歡你這樣
所以趕緊老去吧
在那個什麼桂花還沒有
開滿公沒巧閉路的 那一刻
星星掛著的地方
焯起了白色的煙 它使我 疲枯裂倦

3. 你覺得藝術無國界可以在哪裡體現出來

藝術無國界這句話其實是非常有道理的，因為藝術是唯一可以讓兩個國家進行無障礙交流溝通的橋梁紐帶，在眾多文化形式中，唯有藝術是生生不息的，而現今藝術無國界主要體現在美術和電影、音樂等幾個方面，這些雖然看似不重要，但是對於兩個國家來說，藝術是唯一能讓其間相互交流的東西了，所以我們更應珍惜藝術帶來的豐厚果實。

藝術是很多人一生所追求的夢想，不同國家的思維會給藝術人更多的靈感和創意，所以藝術之間是無國界的，彼此之間的交流就可以憑借藝術去進行，所以一個國家發揚藝術是非常重要的，如果一個國家能擁有非常成熟的藝術、美學，能對未來發展有很大的推動作用。

4. 藝術對一個國家而言意味著什麼

我覺得藝術對於一個國家而言就是它文化軟實力的象徵，一個國家藝術實力足夠的話，那說明他在這個時代的文化上還是比較具有發言權的。

5. 歐洲的藝術風格

答案有點多（轉載自網路）

奇天（成立於2006年）為您解答。

歐洲五大藝術風格分別為羅馬式風格、哥特式風格、文藝復興式風格,巴洛克式風格以及羅可可藝術風格。

羅馬式藝術風格 現在人們普遍所說的羅馬式建築，羅馬式花園，羅馬式畫風都是指歐洲在11~13世紀的藝術風格，主要泛及整個西歐和大部分中歐地區。 主要表現在建築，繪畫等主要藝術作品當中。其中因地域不同而又各有區別。 在建築方面，最典型的是教堂 羅馬式教堂建築藝術 自公元1096年開始的十字軍東侵，使歐洲興起宗教的熱潮，封建主對宗教的狂熱達到如醉如痴境地，他們全力為自己領地興建規模壯觀的教堂和修道院，建築史上稱這種新形制為「羅曼內斯克」即羅馬式。而這個時期的其他造型藝術如雕塑、繪畫等都成為與教堂不可分割的裝飾部分，因此在美術史上統稱為「羅馬式」。 羅馬式建築外觀巨大、繁復，但裝飾簡單大方。最特別的是建築的屋頂，羅馬式風格建築的設計都是一拱頂為主，以石頭的曲線結構來覆蓋空間。看過《達芬奇的密碼》嗎？裡面提到的拱頂石就是建造拱頂最重要也是最後才放入的。 說到羅馬式建築不得不提到雕塑。教堂雕塑也是十分典型的，其在教堂建築中是畫龍點睛的一筆。在中世紀的歐洲，人們認為藝術不應該獨立存在，每種藝術都得以自身的手段和方式為建築所創造。在這樣的觀念下。雕塑、繪畫都是臣服建築這個主體。常常運用杏型結構 在羅馬式風格影響下，雕塑家把作品創作得緊湊、復雜、色彩豐富。在不同國家有著不同風格.德意志的很具感染力；義大利的神聖；西班牙的很簡單。。 當時的繪畫風格多用象徵性的手法來表現活動或環境，不是很注重真實的表達。而更多的是表現人物，運用了誇張、變形等構圖，強調整體效果，突出細節。

哥特式藝術風格 起源和發展與11世紀和12世紀，由於社會的新階級-中產階級的崛起，他們不再為貴族所用。成為自由貿易者和手工藝製造者。隨著王權的限制，商業和城鎮開始發展起來。 其實在中世紀，宗教統治幾乎可以抗衡王權的威力，而那些神職人員可以說對建築物建造風格影響很大，他們成為了城市裡主要角色。而宗教資產也十分雄厚，主教和資產階級投資，建造更加宏偉的新教堂. 哥特式教堂中每一種構造元素都很高聳，尖細。就象指向天空的利劍，彷彿屋頂直通天堂。盡其所能的接近上帝，這就是哥特式建築千方百計想要實現的。 最著名的就是大名鼎鼎的巴黎聖母院了 哥特式教堂建築還有一個明顯的特點，就是沒有實體牆壁，而是利用雕塑裝飾來追求輕佻飛揚，垂直的的風格。雕塑不再是臣服與建築，地位與前面提到的羅馬式建築中的雕塑提高了一個很高的檔次，而且創作的精細程度也是嘆為觀止的。 在哥特式藝術風潮盛行的時代，由於教堂沒有可供作畫的實體牆壁，所以，教堂壁畫在那個時期是幾乎看不到的。但是，民間的世俗壁畫依然存在，內容多是騎士和宮廷故事。 哥特式風格的繪畫表現出一派美好和諧，沒有痛苦和折磨的世界，顯然，這是不可能實現的。因此，哥特式繪畫又被人評論為脫離現實的繪畫風格。 其實，當時大有發展的是一些次要藝術，比如：玻璃彩繪、掛毯等等。

文藝復興式藝術風格 起源於15世紀初義大利的佛羅倫薩，也是影響近現代藝術風格最明顯的一種藝術風格之一。 這個時期的建築雖相對來說沒有繪畫出彩，但是也可以說得上大有成就，大膽運用「透視法」就是在這個時期興起的。也就是這樣，藝術和實際工程融入一起，應該算得上是「設計」了吧。隨著這個觀念的產生，以前被稱為「工匠」的藝術家們變成了知識分子的身份，也許就是「設計師」的鼻祖。 列奧納多·達·芬奇、米開朗基羅和拉斐爾.這三個偉大的人 為世界藝術節，科學界，文學界留下了大量寶貴的遺產。

巴洛克式藝術風格 巴洛克一詞原來意思是長得不好看的珍珠，指怪誕、扭曲的藝術作品。現在我們定義的是浪漫、愉悅、多彩多姿。 整個17實際至18世紀中葉，巴洛克式藝術席捲了整個歐洲，有些甚至到了拉丁美洲。特點是外形自由，追求動態，喜好富麗的裝飾和雕刻、強烈的色彩，常用穿插的曲面和橢圓形空間。 在當時以宗教思想為主的近代，它的出現確實違背了教會認同的審美法則，所以受到主流社會的不屑。 巴洛克強調本能，追求感官刺激、喜歡幻想，一引誘人的意識為目標，因此，它被稱為「天主教教堂」的藝術工具。其實當時天主教教會正竭力吸引異教徒重返天主。所以，必須可以展現其庄嚴、雄偉的氣派，激起信徒的信心。 巴洛克時期的雕塑藝術分兩種：一個是用來裝飾或者補充建築的，另一個是真正獨立存在的雕塑。 Gian Lorenzo Bernini就是此段時期傑出的巴洛克風格的設計雕塑大師 梵蒂岡聖彼得廣場Piazza San Pietro就是出自他設計 巴洛克式繪畫風格，為了達到一種特殊的效果，通常會幾種藝術風格同時運用，，藝術家可以從上到下根據視角的不同，設計出風格迥異的變化，這種風格一直延續到18世紀中期巴洛克藝術時期之後的洛可可時期，承續了文藝復興時期的透視法，直接運用於教堂的天花板上，創作的作品華麗，雄偉。 Rembrandt Harmenszoon Van Rijin也是這個時期繪畫巨匠，還有Pieter da Hoochvv、Jan Vermeer 米開朗基羅也創作過巴洛克風格的作品 17世紀宗教告誡人們：生命是脆弱的物質不過是過眼雲煙。這集中表現於《聖經》的《訓道篇》的一切皆虛空。光及死亡必然是17世紀道德思想的主軸。 歐洲藝術風格不僅僅只是這籠統的4個分類，多種多樣的文化造就了社會多彩多姿的藝術形式，供後人慢慢揣摩。世界多元化的發展，越是民族的就越是世界的，所以，珍惜每一種先人留給我們的文化風俗，那就是我們享用不盡的寶藏。

洛可可式藝術風格 洛可可(Rococo)藝術風格產生於法國18世紀。「洛可可」是法文「岩石」的復合詞，意思是此風格以岩石和蚌殼裝飾為其特色。是巴洛克風格與中國裝飾趣味結合起來的、運用多個S線組合的一種華麗雕琢、纖巧繁瑣的藝術樣式。 洛可可藝術風格的倡導者是蓬帕杜夫人(1721～1764)，她不僅參與軍事外交事務，還以文化「保護人」身份，左右著當時的藝術風格。蓬帕杜夫人原名讓娜·安托瓦內特·普瓦松，出生於巴黎的一個金融投機商家庭，後成為路易十五的情婦，被封為侯爵夫人。在蓬帕杜夫人的倡導下，產生了洛可可藝術風格，使17世紀太陽王照耀下有盛世氣象的雕刻風格，被18世紀這位貴婦纖纖細手摩挲得分外柔美媚人了。 18世紀法國藝術是洛可可的天下，而且，已經成為歐洲近代文明中心的法國宮廷，把這種靡麗之風傳出國界，甚至傳到中國的圓明園。 洛可可風格是宮廷藝術，這種風格是由於當時一些不嚴格遵循法國古典主義法則的因素而產生的，它並不是義大利巴洛克風格的必然後果。它的遵循理論是「師法自然」。人們都在談論「師法自然」，但是，我們從現代角度去看，他們所謂的對自然的模仿只是讓自然服從於社會的心血來潮，而這個社會並未完全做好使人真正感受到生活在自然之中，並且充滿著對生活的神秘醉意的准備。這時的藝術家們對貴族俯首帖耳，同時貴族階級又要求他們唯命是從。法國人的這一發明使教會中心真正轉向沙龍中心，而這時的沙龍已與過去不同，各種繪畫展覽都被稱之為「沙龍」。畫家、雕塑家、木刻家、銅板畫家、珠寶商、金銀器皿商、細木傢俱商、理發師、裁縫、制靴匠，所有的人都對洛可可這種在結構脆弱的高雅文化基礎上綻開的美艷之極的花朵趨之若鶩。在每個角落，在高談闊論的男子和楚楚動人的女子周圍，從木器、水晶器皿、糕點、大理石、地毯到陳列櫃及裡面的餐具，從四輪馬車到轎子，從前廳到卧室，洛可可風格無所不在。這是上流社會的藝術，它濫用著並且吸幹了藝術家們的殷勤，用竊來的愛情和移植的花朵分散了藝術家們的注意力。這種不斷向上攀緣的結構盡管放射出璀璨的光輝，但它卻被禁錮在高雅文化周圍，漸漸地疏遠了其天然的源頭。令人遺憾的現象出現了：這種蜿蜒纏繞的曲線，限制了裝飾師們在空間中實現全面發展的自由，並且總是把它導向為使人難以擺脫的社交活動服務的軌道，而這種裝飾藝術正是順應這一需要才得以問世的，它成了王公貴族的俘虜。 洛可可藝術的靈魂式人物是繪畫大師弗朗索瓦·布歇。他在天花板、屏風、車把手、門的正面、首飾盒和瓷器上，可以說在任何地方，都繪制了牧歌式和田園曲式的愛情神話故事題材。布歇和藹可親，慷慨大方，注重享樂，受到男男女女的喜愛。他和自己的時代不斷地交換看法，詢問個人和這個時代應該做些什麼來愛這些男女，並獲得他們的熱愛。他因此獲得「皇家首席畫家」的稱號。 代表洛可可雕刻最高成就的是受蓬帕杜夫人賞識的兩位藝術家：皮加爾和法爾科奈。 讓．巴蒂斯特·皮加爾(1714～1785)訪問過義大利，是爭取羅馬大獎——王家繪畫雕刻學院為優秀學生提供赴設在羅馬的法蘭西學院進修而設立的競賽獎，失敗之後自費去的，足見他對義大利藝術的嚮往。他在羅馬作的《系鞋帶的墨丘利》小稿，在他1741年回巴黎時，為他贏得進入王家繪畫雕刻學院成為院士的榮譽，而且以此稿完成的雲石像連同他的另一件作品《要墨丘利傳信的維那斯》一起，被路易十五當作禮物贈給了普魯士國王腓特烈二世。他為蓬帕杜夫人工作了十年，以她為原型作寓意像的《妝扮友誼之神蓬帕杜夫人像》和《愛神擁抱友誼之神》非常精彩，他把這位藝術保護人表現得既高貴又親切，既聰慧又迷人，他有別於同代雕刻家的地方是他也追求其它藝術風格，如在他去世前完成的《拔刺少女》，追隨希臘古風，為他一生的創作畫出句號。他的這一面，在其學生烏東的藝術中得到了發揚。 與皮加爾齊名且是對手的艾蒂安——莫里斯·法爾科奈(1716～1791)，也和皮加爾一樣出自讓-巴蒂斯特·勒穆瓦納門下，也在羅馬大獎爭奪中敗陣。但他安心留在法國而未赴義大利「朝聖」。他終於成為洛可可雕刻最傑出、最典型的代表人物。他曾受命於蓬帕杜夫人，領導了著名的賽夫里陶瓷工廠，又接受俄國女皇葉卡捷琳娜二世的委託作《彼得大帝騎馬像》。 法爾科奈的靈氣和秀氣，無人可及，他把法蘭西雕刻的優雅柔美風格推到了頂點。他鑿下的年輕女性，個個都是嬌小玲瓏，苗條婀娜，風流嫵媚，充分體現法蘭西的品格，而且她們不再是吉拉東的寧芙，雖然嬌美卻尚不許凡人觸動，而是以玉溫香馨的青春之體在邀人愛憐了。法爾科奈的作品不但造型生動，而且人物情態豐富細膩。蓬帕杜夫人的時代造就了他。 洛可可風格是宮廷藝術，它起源於上層社會的需要。大部分製造這種藝術品的工匠在個人生活中是與它完全無緣的。比如塞夫里皇家瓷廠的瓷器，被用於國家的社交場合，就像今天的英國皇家將它們用於歡迎來訪的外國元首的國宴上。洛可可裝飾風格本身就成為這種盛宴場合的特色。塞夫里瓷器的設計由國王親派的法爾科奈、布歇等藝術家完成，具體製作的工匠們沒有錢也不能在日常家庭生活中使用它，只有那好趕時髦、朝三暮四的貴族使用。 這種製造和消費特有循環圈，促成了貴族互相攀比的風氣和設計走向極端奢華的兩種現象。18世紀堪稱是馬車的黃金時代，達官貴族都擁有代表自己權勢和等級的馬車，相互攀比、競相爭艷。具體表現為：選用最上乘的木料做骨架，馬車的款式奇異，以曲線居多，紋樣多以植物為主，穿插一些優美神話故事為題材的裝飾畫，色調常以紅、黃為主，再以金色統一整體，以昂貴的造價獲得華麗氣氛。這充分顯示出貴族的審美情趣，同時，我們也為匠師們用自己的智慧和雙手創造出如此精妙的作品而贊嘆不已。 我們從現代的角度審視18世紀的洛可可藝術，應該說蓬帕杜夫人是那些喜歡豪華風格者的代表人和組織者，有「眾望所歸」的特徵。所以，才有洛可可風格作品出現後在貴族引起「共鳴」的時尚。也可以說，貴族們崇尚華麗的風氣，誘發了洛可可藝術。當時上層社會的男男女女無不熱心並親自參加工藝活動，以至於這些舉動有的達到令人譏笑和荒誕不經的地步。16世紀，當衰敗的瓦盧瓦王的國王查理九世答應送給西班牙國王一支他親自製作的槍時，那位西班牙大使為之驚詫不已。18世紀，路易十六的妻子瑪麗成天抱怨他的丈夫沉湎在他的作坊中，甚至無暇顧及妻子，路易十六在他的作坊中潛心鑽研的是鍾和鎖的奧秘。在這兩例中我們似乎瞥見了那些把命運強加於他們身上的角色不相適應的悲劇性人們。這些人在體力勞動中發現了一個聊以自慰的世外桃源。但這對於不理朝政的帝王來說卻是不祥之兆。 風靡一時的奇想多變的洛可可風格隨著蓬帕杜夫人的亡故而終止，被路易十五另一情婦杜巴利夫人倡導的新古典主義而取代。但是，洛可可風格的璀璨之處，自有它超時代藝術生命力所在，現代人都公認它是19世紀下葉新藝術運動的前奏。而那些倖存的藝術精品，至今還散發著光芒，並向人們述說著那個歲月的時尚和人們不知道的故事。

6. 什麼是民族藝術 什麼是世界藝術

民族藝術：體現本民族民族特色的藝術形式，一般是只傳統文化中的某一項有特色、有歷史背景的技藝，可以代表某個民族的文化內涵。

世界藝術：包含了各個民族的藝術，相當於一個大雜燴，讓人認識各種各樣的藝術，感受藝術的美好。