反藝術對當代有什麼意義

1. 求助，當代藝術和現代藝術的區別

這確實是個不容易區分清楚的問題，先從時間概念上理解，會簡單容易些。

『當代』是指當前這個時代，但真正描述『當代藝術』，就並不僅僅是時間概念能定義了！

現代藝術起源於19世紀後期，20世紀後成為西方藝術的主流。現代藝術，又被稱為「現代主義」或「現代派」的藝術，是指20世紀以來，區別於傳統的，帶有前衛和先鋒色彩的各種藝術思潮和流派的總稱。現代藝術概括為三個階段，即：前現代、現代、後現代。現代藝術的價值觀表現為：追求視覺純粹性；提倡原創；形式至上（賦予形式以獨立價值和功能）；整體單調；表現自我（不考慮觀眾，經常通過『怪異』顯示與眾不同，因而作品也十分個人化，不容易理解）......

『藝術』是極難被定義的，這是一個可以從古希臘（甚至更早期）的歐洲哲學開始說起的大問題，這也是 18 世紀美學作為學科獨立以來所不斷激烈爭論的課題。藝術的定義，目前也還在不斷地變化發展，要在簡短的篇幅內系統梳理它不是一件容易的事情。康德在《判斷力批判》中，將「審美」看作是一種判斷力（judgement），一下子把審美拉入到了一個「無功利、無目的、無概念」的境地中，從而，藝術被賦予了（或者說被要求具備）一種自律性。

在最初美學獨立的歷史時期中，藝術面臨著一個困境。黑格爾首次提出了這種困境，他稱之為『藝術終結』。在他看來，當時的藝術，在形式表達上已經趨於完滿，無法再創造出更多新的形式以滿足人們探索「絕對精神」的需求。他會在《美學》中寫：藝術的形式不復是心靈的最高需要了。我們盡管覺得希臘神像還很優美，天父、基督和瑪麗亞在藝術里也表現得很庄嚴完善，但這都是徒然的，我們不再屈膝膜拜了。

於是，此後的藝術作品開始『反藝術』，紛紛表現出對傳統的批判性——而後來這個時期的批判性狀態，被命名為現代性——現代藝術隨之產生。所以，在現代藝術中，技藝的確不那麼容易判別了，特別地，技藝幾乎無法再以功利性的方式進行判別。而要去理解現代藝術中的『技藝』，就必須回歸到現代藝術在藝術自身歷史的上下文中的位置。這種『判別』轉變為一項依賴理論和歷史知識的思維活動，距身體本能的感覺性則疏遠了。

現代和當代最具價值的藝術作品（尤其是現代主義的作品），早已不再是古希臘那種『高貴的單純，靜穆的偉大』。一個虛設的例子：假設畢加索一時靈感所至，把自己一條舊領帶塗成藍色，那麼這將會是一幅價值很高的藝術作品（按 Danto 的說法就是：『這幅畫畫得 非常流暢仔細，每一筆都很潔凈：它是對繪畫的一種拒斥。』）；而某個小孩子胡鬧把爸爸的領帶塗藍了，即使他能弄得跟畢加索一模一樣，那條領帶也不是藝術作品，而那個小孩子也並不因此顯露出什麼藝術才華。 畢加索在傳統美術技法上的功底自然不必再多懷疑。而畢加索的作品成為了具有超高價值的藝術作品，是因為他的作品被放到了藝術自身歷史的語境中而解讀——脫離開藝術史發展的上下文，畢加索的作品無法顯現出如此重大的意義。要理解西斱現代藝術，就必須時刻意識到『傳統』的存在。 按照 Arthur Danto 的說法，藝術作品是存在於『藝術界『的；藝術作品要獲得某種身份，必須是在一個『理論氛圍『——藝術史、藝術理論、藝術批評內。換句話說，畢加索的作品回到古希臘，當然就無法成為那段歷史上下文中的經典——畢加索的畫無法憑空從古希臘那些石頭里蹦出來。 當然，你完全有理由懷疑，具體藝術作品的高額價值，是資本市場綁架下的一種權力象徵。然而這不妨礙藝術作品仍有可能（並極大可能地）退回到藝術語境本身中，去冷靜地顯示自身在美學上的批判性價值。

2. 藝術對社會生活的重大意義

藝術來源於生活，也是學校教育的核心學科，並強調指出藝術與教育一詞根本含義的密不可分性。缺乏基本的藝術知識和技能的教育決不能稱為真正的教育，沒有藝術的教育是不完整的教育，進而系統地闡釋了藝術教育的極端重要的價值。

藝術依然可以穿破全球化生產流水線的意識束縛，從而繼續印證和發揚文化的多樣性。在思考和知識層面的需求上藝術也依然體現著功能性：已知的各種科學方法論必須建立在邏輯線索上，而藝術則用無以言表的感知方式使得體驗現實世界和現實世界之上的風景。

當代藝術日常生活特徵

當代藝術家的實踐往往介於形而上的哲學思考和具備日常生活特徵的視覺因素之間，同時經過現代主義時期創作者的實踐，藝術已經具備了廣泛性跨文化的效能。無論是評論家還是公眾，當凝視或討論藝術作品，意識到創作者所穿越的文化邊界時，個體知識結構被撫摸的快感油然而生。

一邊腦子里充滿了各種換算公式其中也計算到了不同人群的快感觸發點，一邊日復一日重蹈著現代藝術早已完成的實踐。這種做法在當下特別是公眾社會范圍內因為有著「藝術」的庇護傘而不斷調整著自身的正確。

3. 藝術教育在當代社會有著怎樣的價值和意義

前 言

美國國家教育科學院

做過一個有5萬多本科畢業生參與的問卷調查。

其中有一個問題是：什麼知識最有用？

畢業1-5年的答案是「基本技能」

畢業6-10年的回答是「基本原理」

畢業11-15年的結論是「人際關系」

而畢業16年以上的則提出：藝術最有用

這一調查，與其說是人們對自我成長經驗的總結，不如說是這個時代對藝術教育越來越急促迫切的呼聲。那麼，藝術教育在當代社會究竟具有怎樣的價值和意義呢？

對個體而言

藝術教育是生命早期發展的主要動力，是全面提升個體素質與能力的重要路徑。每個兒童都擁有一顆藝術的心。

對學校而言

對學校而言，藝術教育是碎裂學科的粘合劑，是倦怠時刻的興奮劑。使學校生活張弛有度，充滿活力。

對家庭而言

對家庭而言，藝術教育是日常生活的詩意化，是道德教育的愉悅化。

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對社會而言

美國學者艾伯利斯明確指出：「藝術教育有利於形成一個有內聚力的社會。」

對民族而言

對民族而言，藝術教育是傳續民族精神的瑰寶，是積淀民族文化的法寶。藝術和藝術教育天生與民族和民族文化血脈相連、水乳交融。藝術和藝術教育，二者在相互作用中，共同提升著一個民族的審美品味，鍛造著一個民族的文化之魂。

對人類而言

對人類而言，藝術教育能夠幫助我們形成看待世界的第三隻眼，交給我們開啟世界的另外一把鑰匙。人們一旦學會了用藝術的眼睛去看待世界，也就會自然而然地用這隻眼睛省察日常生活、反觀自我成長，從而在心靈上發現自我，在精神上獲得豐盈，在生命上感受意義，在人生中活得從容。

總而言之，藝術教育在人的發展、社會進步的進程中具有不可替代的重要作用，柏拉圖甚至有這樣一個的觀點：藝術應成為教育的基礎。可以說，不重視德育，損害的是一代人的道德水準；不重視智育，損害的是一代人的認知水平；不重視體育，損害的是一代人的身體健康；而不重視藝術教育，損害的則是一代人的心靈世界，損害的是一個民族的精神、想像力和創造力。

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4. 現代藝術之父塞尚的繪畫思想對後世的影響

塞尚是出生於法國的一名著名的畫家，塞尚的繪畫風格不同於當時許多有名的畫家，因此他的畫作得不到社會主流的認可。畫家的藝術沙龍都不願意接受他的畫作，僅有一小部分崇拜者認可塞尚的作品。那麼，塞尚屬於哪個畫派呢?他的畫作有著怎樣的特點呢?

塞尚作品

19世紀是印象派的時代，當時涌現了許多印象派的大師，如莫奈，雷諾阿等人，而塞尚也與他們相交，並親近他們，但是實際塞尚欣賞的卻是其他的畫家，因此塞尚的畫很不受當時主流社會的重視。那麼塞尚的畫屬於哪個畫派呢?嚴格意義上說，塞尚還是屬於印象派的畫家，但是印象派的後期的主要代表人物，他將印象派淡化的輪廓的風格又重新建立了起來。因而許多人認為塞尚又不屬於印象派。那麼塞尚屬於哪個畫派呢?

20世紀，塞尚被人們推崇為現代藝術的代表，由於他的畫作風格與以往典型的印象派畫家有著很大的區別，而塞尚在他的畫作中也追求立體感，重視畫作的輪廓，因而有人認為塞尚屬於立體主義的畫家。塞尚十分喜歡畫靜物畫，他的很多作品都是靜物，雖然塞尚也有許多人物畫，但是塞尚都是通過用表現靜物的方式祥乎來完成人物畫的作品。塞尚的靜物畫裡面充滿了各種立體幾何形狀的物品，因此很多人認為他應該是立體派的畫家。塞尚是將繪畫技巧從印象派過渡為立體主義的代表人物。

塞尚和杜尚為什麼是劃分時代的分水嶺

塞尚和杜尚是兩個畫家和藝術家。他們都是法國人，杜尚後來入了美國籍。塞尚是1839-1906的人，相當於中國的清末那段亂糟糟的時間，杜尚是1887-1968的人，相當於新中國成立前後的時間。亂世出英雄，亂世也出傑出藝術家，塞尚和杜尚以他們超高的創造力和思想感悟力，成為那個時代的代表人物。那麼塞尚和杜尚為什麼是劃分時代的分水嶺呢?

杜尚照片

塞尚和杜尚都是人本位的追求者，他們之前占據主流的是充滿宗教感的古典與傳統畫派，讓人高山仰止。塞尚不要那些前前後後的文學故事，他就要看到的蘋果和人，他要用他的雙眼傳達到他的內心，純物即所在，所在即所畫，他關心物質實體和對其結構的解構，充滿真正的科學精神。後來的抽象派和立體派都接受了他的這些想法，畢加索說他像大家的父親，那些傳世驚作受他的影響很深。

杜尚則更為有趣，人們把他歸入達達派，其實他是超自由的。實驗藝術、超現實主義這些打破常規的東西都粗頌是他喜愛的。達達主義簡單說是反藝術，不要那樣理性、標准、條條框框，要隨興而至，甚至是無意義。杜尚的《泉》，是一隻男用小便器，世俗的驚悚就是他最會心的笑意。後來的所謂現代藝術，都秉承了他的這種思路，他是某種心靈境界上真正的先鋒戰士。這也就回答了塞尚和杜尚為什麼是劃分時代的分水嶺了。

塞尚和杜尚為什麼是劃分時代的分水嶺，總的來說，他們謹凳悉都敢於挑戰傳統和慣性思維，他們通過藝術和具像表現出來，他們給了人性最大的自由和尊重，人們欣賞他們，也是對自我的尊重，人更像人，人是人，人性永存。

塞尚的藝術成就

保羅塞尚被認為是歷史上最偉大的畫家之一，他是傳統藝術和現代藝術的分水嶺，被尊稱為「現代藝術之父」。他強調繪畫的純粹性，重視繪畫的形式構成，在創作當中也一直保持著對色彩的特殊應用和對空間的合理構造。這位偉人為後世留下了很多財富，塞尚的藝術成就也非常多。

塞尚作品

塞尚的藝術成就之一在於建立了完全不同的理性世界。印象派的畫家都反對傳統的繪畫方式，但是實際上卻沒有人能夠跳出傳統的束縛，但是塞尚做到了，他融合了兩個派系的特點和自己的想法，創造出能被大家接受的個人風格。盡管只是在細節上稍加改動，但是塞尚真正的突破了傳統的目標。他把傳統的繪畫理念逐漸分割開來，變成各種各樣的風格。從單一的畫風變成各式各樣爭奇斗艷的畫風，後來出現的許多著名畫家，也是從塞尚這里得到的啟發。

塞尚的藝術成就還表現在引發了嶄新的藝術方向。美術歷史上把繪畫的時期分為是塞尚之前和塞尚之後，可見塞尚對於繪畫的卓越貢獻。在塞尚之前，畫家都是模仿自然或者再現自然，衡量技術的高低就是畫得逼真與否，塞尚強調藝術是畫家個人的創造，要打破保守的觀念，以畫家為主體去自由的創作。

塞尚真正的推動了西方繪畫史的發展，對此後的繪畫藝術產生了巨大的影響。藝術家的天性終於得以釋放，藝術也得以發展。

塞尚對後世的影響

一個畫家能夠為後世留下令人稱贊的優秀作品，說明他繪畫成就還不錯。如果他還能夠對後世的繪畫產生影響，那麼他就是畫家中的佼佼者。塞尚被稱為「現代藝術之父」，他的繪畫成就可想而知。他除了給後世留下優秀的繪畫作品之外，塞尚對後世的影響也很大。

塞尚作品

塞尚對後世的影響之一：美術理念方面。在塞尚之前的繪畫理念、美術理念，基本上是以「模仿自然」為主，也就是越逼真的畫出自然的模樣，這件繪畫作品就越好，這是標准。而塞尚在這個基礎上有更深入的研究，他覺得，美術作品的好壞不僅僅跟逼真程度有關系。塞尚認為，一個美術作品、藝術作品，僅僅模仿自然是不足以稱之為藝術的，還要融入畫家的主觀想法，否則全部畫家畫出來的作品都一樣，不能稱之為藝術。這個理念，打破了美術史上的傳統規矩，後來的畫家在繪畫上不再只追求逼真，開始追求真正的藝術。

塞尚對後世的影響之二：造型藝術方面。塞尚的一個成功之處在於他在繪畫方面的發展以及對後世的貢獻，對後世的影響在於他把原本不在一條線上的印象派與古典派融合在一起，開創了一種用色彩來打造形態的繪畫方式。印象主義是光影與色彩的結合，古典主義體現三度空間概念，塞尚不滿足於單一主義的繪畫方式，把它們融合在一起，用簡單的「舞台」來呈現場景，用豐富的色彩來呈現體積感和空間感。這種印象與古典兩種主義融合而作出的畫，對後世影響力巨大，尤其是對野獸派。

5. 62-阿多諾（Theodor Adorno）否定辯證法•反藝術

阿多諾是德國文論家，在文論與美學方面，是法蘭克福學派成就最大的一位，開創了否定性文論。阿多諾的文論可從三個方面去把握。

第一，否定的辯證法——文論的哲學基礎。

阿多諾美學思想中與馬義關系最為密切的，就是通過文藝來否定現代社會的異化現實，即工業文明和受其支配的大眾文化。這種鮮明的社會批判色彩正是基於其「否定的辯證法」。

1. 從黑格爾到盧卡契的「同一性」辯證法，認為「同一陪掘老性」是虛假的幻影，硬性要求將不可調和的種種矛盾同一化；而真正的唯物辯證法，即否定的辯證法，指向差異之物，其真實含義永遠是否定性的，否定之否定仍然是否定。

2. 「同一性」辯證法認為「整體是真實的」，實質上是維護消滅差異的強制性社會結構；否定的辯證法則認為「整體是虛假的」，目的在於調動千萬個差異性個體來反抗「整體性」囚牢。

第二，藝術的否定性本質。

在蘆升否定的辯證法的基礎上，阿多諾認為現代藝術的本質是「對現實世界的否定的認識」。

1. 阿多諾認為藝術是完全不同於現實的、現象學意義上的「幻象」，是對現實中尚未存在之物的先期把握。因此，藝術也就是對現實中同一性假象的否定，是「達到社會的社會性逆反現象」，是對現實世界的「反題」。

2. 現代藝術應打破傳統藝術追求整體性的幻想，採取不完美、零散化、破碎化的形式原則，來實現其否定現實的本性。正是這種對美的外觀的拋棄，導致了「費解」，令現代藝術區別於傳統藝術。

3. 現代藝術通過對美的感性外觀的否定而成為「反藝術」，這並非消滅藝術，而是通過對外觀的否定和消解而賦予藝術新的生命，恰恰在藝術的解體中拯救了藝術。

第三，藝術的批判和拯救功能。

1. 阿多諾認為，既然現代藝術的本質是否定性的，其主要功能自然就是社會批判——藝術通過追求尚未存在的東西而與既存社會分離決裂，即「藝術通過單純的此在批判了社會」。比如貝克特的《等待戈多》，就是將意義放在歷史上揭示去虛無性，無意義成了審美內容和審美形式。

2. 現代藝術因其批判功能而具有拯救功能——現代藝術將現實中喪失的希望、未散蔽被異化的人性重新展現在絕望的人們面前，從而拯救人性，拯救現實，「藝術就是對被擠掉了的幸福的展示」。

3. 阿多諾所說的批判和拯救功能都只在精神意識領域，不具有實踐性——現代工業文明使得革命幾無可能，所以對現實的否定只能採取精神批判和意識革命的形式，「對社會的批判就是認識的批判和批判的認識」。阿多諾終未超越從精神到精神的唯心史觀和審美烏托邦。

6. 「反藝術」的達達主義

1. 達達主義（Dada）是1915年至1923年間出現的一種藝術流派運動，由一批年輕藝術家和反戰人士領導，通過反美學的藝術主張和抗議活動表達他們對資產階級價值觀的不滿，以及對第一次世界大戰的抗議。

2. 達達主義誕生於第一次世界大戰之後，1915年的紐約就開始出現端倪。世界大戰之後世界格局發生巨變，藝術界的精神也產生了變化。達達主義是原始主義從另一個層次走向極端的體現，它的本質是質疑到底什麼是藝術，打破原有的藝術框架。

3. 達達主義是一種國際級的意識形態，不只存在於藝術行業，在文學、政治主張和社會運動方面有更多的體現。例如無政府主義，就是達達主義在政治方面的體現。

4. 第一次世界大戰給整個歐洲帶來了巨大的傷害，而戰爭開始的源頭是上層階級的矛盾，是傳統權威在左右世界的發展，導致戰爭爆發，生靈塗炭。因此主張反戰的達達主義所秉持的精神根源，是反對舊世界的秩序。

5. 達達主義的主張表現在藝術中，就是拒絕傳統的藝術審美體系。傳統的藝術審美追求秩序嫌差、平衡、和諧且令人愉悅，達達主義就追求混亂、非理性、不舒適，本質上是要擊潰掌握傳統藝術話語權的審美精神。

6. 達達主義名稱的來歷有很多種說法，比較主流的說法之一是藝術家理查德·胡森貝克（Richard Hulsenbeck）將一把刀插進一部法語字典中，刀尖正好戳中了「Dada」這個詞。另一種說法是「Dada」這個詞是小孩在學會說話時能夠發聲的第一個詞語，以此命名代表著與傳統知識、文化和意義的脫離，追求無序的、反藝術的、純天然的表達方式。

7. 阿爾普，全名讓·阿爾普，或者漢斯·阿爾普（Jean Arp / Hans Arp，1886-1966），是達達主義藝術的代表人物。他的母親是法國人，父親是德國人，因此他在法國時用讓·阿爾普這個名字，在德國時用漢斯·阿爾普這個名字。

8. 達達主義最早誕生於蘇黎世，因為一戰爆發後瑞士成為中立國，很多藝術家逃到這里。其中一批羅馬尼亞藝術家來到蘇黎世，在討論中產生了達達主義這種藝術傾向，阿爾普就是其中最具代表性的藝術家。

9. 阿爾普的作品集中代表了反藝術雕塑，他認為任何藝術創作都不應該參考既定的形象。阿爾普曾參加過康定斯基的藍騎士畫派，康定斯基是以自己強烈的主觀情緒指導自己的創作，阿爾普卻恰恰相反禪者衫，他追求的是一種無意識的創作。

10. 阿爾普的作品色彩單一，對於線條走向的主觀控制非常弱，似乎是在夢游或者進入潛意識的狀態下創作的。阿爾普的作品中哪怕能看出既定的形象，也有著信馬由韁的感覺，非常隨機化，更像是一種天然的形成。

11. 阿爾普在雕塑藝術中的一大貢獻是解決了作品底座和作品之間關系的問題。傳統藝術家做雕塑，要考慮擺放的問題，因此不得不考慮雕塑的底座。阿爾普則是將底座和作品本身融合在了一起，讓雕塑更具整體感。賀腔

12. 杜尚，全名馬塞爾·杜尚（Marcel Duchamp，1887-1968），是達達主義的代表藝術家，他最為著名的代表作《泉》，是將一個隨意買來的小便器簽上假名字，送去藝術展。雖然被拒之門外，但這部作品被認為是20世紀最具有啟發性的一件藝術品。

13. 《泉》這件作品雖然沒有什麼技術含量，但卻非常具有達達主義的精神。這件作品沒有任何創作過程，所有適用於藝術的標准和審美情趣都不適用於它，藝術的意義在這件作品中被徹底打破。

而作品所使用的小便器，原本是人們日常生活中會用到一件商品，但是由於被送去參加了藝術展，放進了博物館，導致它原本在現實世界中所具備的意義也不復存在。因此，這件作品是徹頭徹尾地體現了「反藝術」。

14. 杜尚通過《泉》這件作品提出了「什麼是藝術」的問題，日常生活用品剝離了原有的價值意義，就能夠成為一件藝術品，成為傳統藝術疆界之外新的領域。《泉》這件作品後來直接導致了現成品藝術的誕生。

15. 皮卡比亞，全名弗朗西斯·皮卡比亞（Francis Picabia，1879-1953），是一位對達達主義有著卓著貢獻的法國藝術家，他創作了很多用鋼筆繪制的繪畫作品，例如他的代表作《達達的流動》，將「Dada」寫在了畫作中，並追求反藝術的機械化形象。

16. 皮卡比亞的代表作《達達的流動》具有濃烈的對傳統藝術的反諷意味。這部作品看上去似乎是皮卡比亞設計了一個機械裝置，其間如電流一般流動的，正是很多傳統藝術大師的名字，是一種打破傳統藝術框架的創作。

7. 藝術批評具有什麼樣的價值和意義

1．藝術批評的理論價值
藝術批評的理論價值，存在於批評的理論建構和精深的內涵之中。
其一，是指藝術批評以其鮮明的理論建樹和旗幟顯現其獨特的價值。藝術批評的理論價值不僅在於對個別的藝術作品進行分析、研究和評價，而且能夠根據藝術史和文化史來探索藝術活動的規律，檢視藝術創作原理或方法論的形成，這樣，就對藝術創作等藝術活動各個環節具有了指導性意義。
其二，是指藝術批評逐漸確立了自身的理論體系。這一體系，在整體的人文學科中，不僅具有獨特的學科意義，而且綜合了人文科學與社會科學部分領域知識體系，形成了綜合性與交叉性的理論體系特徵。
2．藝術批評的精神價值
首先，藝術批評蘊含著一定的哲學精神。藝術批評家對批評客體的深層解讀比一般欣賞者更能觸及到藝術作品內涵的各個層面，一個藝術批評家能夠憑借自己豐富的哲學知識和敏銳的洞察力，准確地把握藝術作品中所表現的宇宙、生命、人生、社會、人與自然的關系等哲學問題，並能把這些深層的精神內涵從藝術作品的形式和內容中剝離出來。
其次，藝術批評包容著豐富的美學思想。批評家承擔著分析、闡釋、評價藝術創造及其作品審美價值的重任，通過探討藝術家的審美追求、成敗得失，凸顯出時代的美學精神，及其批評家主體的審美認知。第三，藝術批評具有深刻的時代精神的內涵。時代精神是代表了一定時代主流意識形態和社會價值取向的精神形態，藝術活動及其作品中，時代精神構成藝術價值的一個基本因素，成功的藝術作品往往能夠以其豐富的熱情和真誠，多姿多彩地充分顯示和張揚時代的普遍精神。通過藝術批評，能夠把藝術作品中蘊涵的時代精神內涵予以解析和揭示，從而深刻地展現藝術作品的精神實質及其價值。
3．藝術批評的歷史價值
藝術批評的歷史價值主要體現在以下兩個方面。
其一，一定歷史時期的藝術批評具有濃郁的時代特徵，為人們認識特定時期的精神、文化狀況提供了翔實的材料和依據。在人類歷史的不同時期，都嵌印著人類藝術創造的智慧和才能，以及每一個民族濃郁而鮮明的藝術氣質。藝術批評通過對不同歷史時期藝術活動及其作品中蘊涵的民族文化傳承、民族精神、民族心理、民族審美趣味和理想的關注和揭示，可以起到弘揚優秀傳統文化和當代文化，建設富有活力和生機的民族精神的作用。
其二，不同歷史時期乃至不同國度、民族之間的藝術批評具有比較的意義，對於揭示藝術批評的規律具有重要的價值。古今中外藝術批評理論及其發展演變的歷史是人類寶貴的精神財富，通過對於不同歷史時期，或不同國家、民族的藝術批評加以梳理和比較，可以揭示藝術批評發展的個性和共性，對於把握藝術批評理論的歷史發展規律具有重要的價值。

8. 與平常相反的藝術稱為

反藝術。反藝術」是個數租意義很難固定的詞:它很亂畢信靈活嘩輪，有時指一事物，有時則指另一事物。它還具有橡膠般的彈性，有時它和它的反面被說成是同一事物。