如何欣賞現代畫藝術

① 鑒賞美術作品應從哪幾個角度進行

1、看構圖。整幅畫面的構圖是否突出主體、背景是否干凈、主體位置是否恰當，構圖是否平穩，還有造型是否准確。

4、看明暗關系。也就是黑白灰，或者說光線的關系。整幅作品的黑白灰關系是否明確，是否能夠形成整體感，還是看起來很散，黑白灰不明顯，會造成畫麵灰暗，或者找不到光源，沒有立體感。

3、看色彩關系。所謂色彩關系，無非就是色彩是否有冷暖對比，是否在畫面上表現出了環境色、固有色和自然色，簡單的理解，可以理解成色彩的豐富程度。當然，色彩不可過，太過豐富，沒了章法，就顯得亂了。

4、看一張畫的透視關系，近實遠虛、近大遠小，是否做到了。

(1)如何欣賞現代畫藝術擴展閱讀：

提高美術鑒賞能力的方法:

1、學會看紀錄片，了解一下藝術基礎知識

很多紀錄片中會幫助大家去發現生活中的點滴美，同時可以編導的視覺去思考、去學習，這是一個既貼近有容易的辦法。

2、在網上關注一些藝術論壇、人士

雖然現在是個速食的時代，但是審美永遠不會被淘汰，在速食時代過後必將 到來的就是內容的凈化，而這項工程早已開始並持續不斷地在推進著。

3、有機會多去參加一些藝術展、博物館等

如果說參展需要門票花錢，那博物館就是一個很好的選擇，很多博物館都有免費開放的時間，在作品前多停留一些時間用來思考，而不是只為了打卡拍張照，素養便會一點一滴的培養起來。

4、多看一些相關類型的書、聽一些講座

做事還是要有個師傅領進門，相比網上紛亂的、無從考究的言論最好還是要去多看書，內容會更加的充實飽滿，例舉也會更加的深刻，如果條件允許，更可以去一些大家的講座，聽聽他們是如何來看待和思考藝術的，這會對你的美術鑒賞能力有很大的提升。

② 如何欣賞繪畫

繪畫分成很多種，可分為人物畫，風景畫，肖像畫，靜物畫等等，無論任何繪畫，任何題材，都要依靠作品的造型與色彩，就是繪出它的形狀，它採用的色彩，以及各種光的運用。繪畫的造型，就要求有很好的素描基礎，不會素描是畫不好油畫的，就如同在沙灘上建高樓，是建設不起來的。

在欣賞一幅油畫作品時，還要了解作者的時代背景，創作這幅畫思想內容，一個畫家創造一幅作品，都帶著他的思想，反映畫家的藝術境界，我們欣賞它產生感情上的共鳴，畫家創作這幅畫的時候，也是根據自己的生活體驗，自己對於人物的不同理解，不同的深度，創作出不同的人物形象。一幅好的作品，能夠陶冶人的情致，提高人們的精神境界，發現世界上的美好，使我們對這個世界，對這個具體的人物和景色，有更深刻的理解。

③ 繪畫藝術的欣賞方法有哪些

繪畫藝術欣賞方法
繪畫的視覺空間特徵決定了繪畫欣賞的方式是看，因而提高繪畫欣賞力的唯一方法也是看。繪畫語言中的形、光、色、結構等要素都是具有審美感染力的表象符號，不同藝術家運用它們的方式不同，就產生出具有個性的藝術作品。因此，對於欣賞者而言，面對風格各異的作品，欲獲得欣賞的愉悅，達到欣賞的層次，需要掌握一定的知識與方法。概括而言，有下列幾個方面：
一、首先，對繪畫作品(當然也包括一切藝術作品)要以理解的態度加以品評
不論哪種流派、風格，不論是你第一眼喜歡或不喜歡的，在欣賞之前要首先確立自己的理解的態度。所謂理解，即設法了解作品產生的原因和背景，作者想要說的內容，以及作品結構、形式的特徵等，只有對這些真正理解了，和作者的作品在感情上交流了，欣賞者才可能作出比較實事求是的判斷和批評。欣賞和批評切忌有先入為主的成見。
二、了解繪畫發展脈絡，把握代表作品特徵
概而言之，繪畫世界是一個立體的現象。從縱向上看，是繪畫的演變與發展。比如西方繪畫經歷了古代(古希臘和羅馬)、中世紀(公元5世紀到14世紀)、文藝復興時期(15、16世紀)、17、18世紀和近、現代等大的歷史階段。各個歷史時期的藝術理想和藝術表現風格都不相同。我們一般把文藝復興時期到19世紀初的西方繪畫稱為古典繪畫，即造型基本上是寫實的，作品很完整，其美學傾向是典雅與和諧。但在整個古典繪畫中，又有風格的演變。

三、培養藝術形式感首檔覺
欣賞的實質不是表現的觀看，而是感覺。面對畫作，作品的整體面貌在瞬間便直逼眼簾。作品的藝術特徵觸動、撩撥、撞擊、刺激著人的感官神經，形成審美的心理活動。
線條是繪畫諸要素中最生動的部分，是畫家從自然真實中抽取出的一種有抽象檔芹拿意味的語言。
形體在繪畫中不僅指具體物象的形貌，還指這種形貌所暗示的情感傾向特徵。
色彩是繪畫中最富情感性質的要素。
與色彩相關的是色調。特別在油畫中，色調是構成主題思想與意境的重要因素。動感也是繪畫中的重要因素，它既指通過構圖和造型形成的行搭某種感覺效果，又指涵蓋其他因素形成的畫面整體精神。此外，在繪畫中起作用的還有筆觸、質感、體量感等因素。所有這些要素在一幅幅畫中組成有機整體，有時藝術家也側重地強調某種要素。因此，培養和提高欣賞力量重要的方法是多看。
四、尊重自我感受，尊重自己的直覺與聯想
欣賞繪畫是一種"見仁見智"、原無定法的創造性活動。由於欣賞主體的年齡、經歷、修養與趣味各異，同樣看一幅畫，獲得的感受結果自然也相異，這是正常的。欣賞繪畫的動機，在於人們希冀通過藝術理解歷史文化，也理解自身的意義。

繪畫世界蔚為大觀。我們將以油畫和中國畫為主展開比較具體的討論。這兩大畫種是東、西方美術的代表。在古代，雖然絲綢之路的開拓與佛教的傳播形成了中國與外國美術的交往，但歐洲的繪畫並沒有很快傳入中國。在很長時間里，東、西方繪畫是獨立發展的。掌握這兩種繪畫欣賞的知識，可以觸類旁通於其他繪畫種類。形與色的交響：油畫作品欣賞在西方美術中，數量最眾、影響最大的種類當推油畫。油畫作品構成的藝術畫卷，容納著宗教與世俗、神話與現實極為豐富的藝術形象。
油畫發明之前，西方的繪畫主要是壁畫，用以裝飾教堂內部的壁畫和屋頂，它們的內容大部分是《聖經》故事，既把教堂打扮得五光十色，又如一幅幅宣傳畫，對宗教信徒形象的教育。可以把15世紀到19世紀中葉的油畫概稱為古典油畫，它們的共同點是：無論畫面大小，都有一種很完美的情境。眾多物象的場景經畫家布局，形成秩序清楚、層次分明、有主有次的畫面。主體突出，細節精微，造型與色彩往往呈現出典雅、統一的情趣，給人很悅目的感覺。大部分畫家採用的多層畫法，暗部顏色往往用稀薄的確良顏料多層均勻鋪設而成，看上去隱約中有微妙變化，亮部則多厚堆顏料，具有質感和量感，明暗之間的響亮與深邃，形成深入淺出的節奏與韻味。

義大利油畫是歐洲油畫發展的先聲。文藝復興使初生的油畫生機勃發。文藝復興對藝術的促進有兩個方面：
一是人性的復興。畫家從中世紀基督教的控制中覺醒，意識到人的尊嚴，在繪畫中注入了現實生活。雖然當時許多畫家迫於歷史環境仍要畫宗教畫，但在作品中表現的是從人文主義角度理解的宗教題材，即情節取自宗教故事，人物、服裝、環境都有現實特徵。
二是古典藝術的復興。義大利是古代羅馬的故地，它遍地有古希臘羅馬的藝術遺跡，經千年沉睡後，許多古代作品在藝術家面前煥發出嶄新的光輝，畫家的造型於是有了楷模。
波堤切利(1445-1510)是早期文藝復興畫家中的代表。他和當時的畫家力求恢復古典藝術對人本身肯定和謳歌的傳統，以古典藝術形象作為美好、正義的象徵。他的代表作《春》，創作於15世紀70年代，其意圖在於引導人們把目光追溯到遙遠的古代，在純凈的神話王國里尋求美好與永恆。畫中，春的女神抱著鮮花前行，花神與微風之神跟在後面，遠處是牽手起舞的三女神；那代表一切生命之源的維納斯站在中間；小愛神在天空飛射著愛之箭。草地上、樹枝上、春神的衣裙上、花神的口唇上，到處布滿鮮花。整個世界充滿春的氣息和愛的歡悅--這就是畫家的理想與憧憬。波堤切利是一個富有詩人氣質的畫家，他用詩一般柔美的線條勾劃女性形象，在溫婉、優雅的女神姿態中添加了她們略為惘然的情緒。嫵媚與憂郁、飄逸與神秘，在他的畫中奇妙地合為一種動人的情采。浮想聯翩，情意纏綿--那個時代對純潔與神聖之美的追求，在波堤切利的畫中充分顯露出來。

宗教繪畫的內容對今天的我們是陌生的，但在當時，歐洲人對宗教內容都十分熟悉。僅從畫名看，許多作品的題材是相同的，都取自《聖經》。類似《受胎告知》、《最後的晚餐》等題材的油畫有許多幅，《聖母子》更是幾乎每位畫家都畫的內容。
著名的義大利畫家達·芬奇(1452-1519)除了畫過《蒙娜麗莎》、《最後的晚餐》外，還有一幅《岩間聖母》也是他的代表作。他將聖母、天使及施洗約翰和小耶酥都畫在山岩下的清泉旁邊，聖母以母親的慈愛注視著孩子的玩樂，天使猶如人間的少女；近景岩石間充滿溫馨、潮濕的氣息，遠景是蜿蜓的田野和溪流。整幅畫宛如是一曲輕松的牧歌。與達·芬奇同代且齊名的拉斐爾一生主要畫聖母，筆下的聖母往往有橢圓型文雅的臉龐、細長的彎眉和含情的雙眼，在線條、色彩上都顯出柔和的韻律。在美術史上，"拉斐爾的聖母"成為一個名詞。畫家以對自然和人性的敏感，將聖母畫成慈祥美麗的女性，如果脫去那個代替聖人標志的隱約的光環，誰都認為她是溫和的人間母親。

喬爾喬涅(約1477-1510)的《睡著的維納斯女神》是這種理想的再現。畫面上，卧睡的裸體女神不是躺在室內，而是安卧在寧靜、溫馨的自然風景中，人體富有柔和流暢的曲線與潔潤細嫩的膚肌，廣袤的原野如人物夢中的田園。肉體的生命之美、純潔的靈性之美、自然之美三者合一，傳達了詩一般的和諧，也傳達了健康的審美情趣。這種表現風格既是畫家個人心靈的反映，也是他所處時代的古典精神的徵象。
到了17世紀，油畫已在歐洲普及，各國相繼出現了既遵循古典藝術法則，又融入民族藝術情趣的畫家，許多作品以鮮明的個性區別於達·芬奇、拉斐爾、米開朗琪羅等有輩大師的風格。佛蘭德斯的畫家魯本斯(1577-1640)曾經研究和臨摹義大利的名作，但把義大利紀念碑式的繪畫風格與自己民族藝術傳統融合起來，形成他富麗堂皇、裝飾性和戲劇性很強的繪畫特徵。他特別善於以充滿動力的構圖、雄健的造型和華麗的色彩，表現洋溢著生命活力和富有劇烈沖突情節的歷史場面或神話故事。在著名的《搶劫留基伯的女兒們》中，兩個騎著棕黑色馬的強悍男子正在劫掠兩個裸體的少女，一個被推倒在地，另一個揮手呼救，馬驚慌嘶鳴，天重雲暗，氣氛非常緊張。但是畫家並非宣傳善與惡的斗爭，而是用頗似喜劇的手法描述這個神話故事：奧林匹斯山眾神之主宙斯的兒子合夥將邁錫尼國王的女兒搶去。畫家注重的是畫面直觀的豐富性和勃勃生氣，馬的重色、男子黝黑的膚色與女性明亮豐潤的膚色形成強烈對比，畫中人物和馬的組合間暗藏了許多S狀線條，開闊、有力的筆觸與富有動感的線條使畫洋溢著迴旋、奔涌的生機。魯本斯還擅長用繪畫中最體現情感的手段--色彩來組構他熱烈、明快的畫風，抒發他的浪漫情懷。

與魯本斯歡樂頌的油畫相反，同是17世紀的荷蘭畫家倫勃朗(1606-1669)的油畫則體現出深沉的意境與舒緩的情調。倫勃朗的身世載浮載沉，前半生家業騰達、主顧盈門、飲譽四方，後半天家道中落、喪妻喪子、遭人詆毀。自身經歷的坎坷和對當時社會現實的冷峻透視，使他在繪畫中寄寓了對真與善的執著追求，賦予筆下形象博大深邃的精神感召力。他是畫史上以作肖像出名的畫家，特別是以作自畫像著稱。他的百來幅自畫像不僅是從少到老的形象記錄，還是他前半生榮華、後半生貧困的現實寫照，更是關於人的生命與意志的形象塑造。《猶太老人》這件作品體出了倫勃朗藝術的典雅風格。在形象刻畫上，十分注意人物的心理情感和現實生活留下的痕跡。雖然是半身肖像，但足以顯現人物飽經歲月磨難的身世。在藝術手法上，著重刻畫人的內心世界、五官特徵，尤其是眼睛，它是人的心靈的窗戶，作者作了精微的、細致的藝術描繪。手的刻畫也是塑造人物性格的重要手段。強調光與影的豐富、微妙的變化，是倫勃朗繪畫的另一特色。他的許多作品被稱為"光與影的交響樂"。他的用筆也非常獨特，把筆觸的痕跡顯露在畫面上，形成特有的筆觸美；時而輕染薄敷，時而重塗厚堆，用縝密錯綜的筆觸形成透明而深厚的色彩，從人物肌膚表現隱隱可見充盈活力的血脈。從主題到風格，倫勃朗的獨特魅力就在這種質朴、含蓄的畫風與渾厚、蒼茫的情調之中。

在17世紀的西班牙，畫家委拉斯開茲(1599-1660)也以關注現實的精神從事創作。委拉斯開茲作為宮廷畫家，藝術自由度是極少的。宮廷的需要、國王的旨意，即是畫家的使命。但他以同情平民、熱愛生命的態度描繪了宮廷中勞動者的形象。《紡織女》是他晚年最重要的作品，畫中描繪了現實中貧與富的差異：一邊是馬德里皇家織造廠中繁忙而疲憊的女工，一邊是悠閑欣賞壁毯的宮中貴婦。對身份低微的紡織女工，畫家寄予了同意。他的畫風有明快、清新的特點，在《紡織女》中，細膩地塑造不同空間層次的人物，形體的相互關系自然而生動，沉穩中略具活躍的色彩，顯出光線與空氣組合的親切氛圍。
油畫中的色彩、構圖、筆觸、光感等形式因素，在文藝復興時期是被和諧、統一地運用的，所以畫面很完美。而17世紀的畫家是有所偏好、側重選擇的，某種因素在畫中顯得特別突出，畫面的藝術個性很強。在藝術史上，用"巴洛克"這個詞來形容這種時代的特徵。"巴洛克"的詞義是"變形的珍珠"，就是說這個時期的美術作品強調了某些因素而顯得不夠"和諧"、"完善"，但它們的藝術感染力同樣是強烈的。

古典油畫到了18世紀的法國資產階級革命時期，成為宣傳國家政治，記錄歷史事實的形式。畫家用作品歌頌當時新興資產階級的理想，描繪當代人物和重要事件，意在喚起人們關切現實生活的熱情。這種傾向的典型例子有達維特(1748-1825)的《加冕式》。這幅高6米余，寬9米余的鴻篇巨制描繪當時執政法國的拿破崙在巴黎聖母院舉行的加冕儀式、登上皇位的盛典。身穿紅絨披風、已經戴上皇冠的拿破崙，正舉起手，把小皇冠加於跪在他面前的皇後約瑟芬的頭上。達維特作為拿破崙的首席畫家，在現場作了速寫和草圖，用兩年時間完成對這一歷史場面的忠實記錄。畫中百餘人物均被細致刻畫，金碧輝煌的大廳方柱與珠寶點綴的人物服飾，增加了畫面華貴的宮廷氣氛。油畫描繪現實的特長在這樣的畫作中被推向極致。
與達維特這種重理性、重造型嚴謹效果的藝術風格相反，19世紀初興起的浪漫主義強調發揮藝術想像，主張用強烈的色彩和流暢奔放的筆觸抒發藝術家的情感。在題材上，浪漫主義反對理想的、歌頌的內容，主張從現實生活中獲得靈感，甚至去描繪那些生活在戰爭、貧窮環境中的人們，體現畫家的愛憎情懷。德拉克洛瓦(1789-1863)取材於史實，畫了《希阿島的屠殺》，畫中受劫難的無辜者中，有呻吟的老婦，有死去的母親，有在昏迷的母親身上尋乳的孩童，有被綁在馬背上的少女。入侵者的驕橫殘忍與受難者的悲慘對應，令觀眾產生強烈的共鳴。

19世紀最有影響的是"印象派"，它的貢獻主要是繪畫技法上的變革。古典油畫雖然完美，但其弱點是敘事性太強，理性太多，以主題內容為主要的欣賞方面；形式上，古典油畫重造型甚於色彩，棕褐色調太多。
"印象派"畫家的變革從色彩入手，他們認為一切物體只有在光線照耀下才為人所見，光線的變化就引起色彩的變化，畫家要捕捉的應是瞬間的光影效果。他們還認為陰影中也有色彩，不應像古典油畫那樣畫成黑重的暗部。"印象派"的領袖莫奈(1840-1926)外出寫生時往往准備十多塊畫布，面對一處景色，從早到晚按光線變化換著畫布寫生。在畫法上，印象派符合科學的"視覺混合"原理，即不是在調色板上調好一種顏色後再往畫布上畫，而是在畫布上根據感覺用小筆觸並置各種顏色，近觀似乎一片雜亂，但在一定距離之外看，小筆顏色因視覺作用而構成豐富的色塊。這樣，在印象派的畫上，人們第一次看到了前所未有的鮮明色彩。第一次領略到色彩的組合可能形成的美感。莫奈的《日出·印象》畫的是明霧未散、日光熹微的海邊，水面與岸邊屋影、帆影渾然難分，輕松的筆觸造成了水光的反射與顫動。他對色彩極其敏感，技巧也已達到爐火純青的境地，到晚年雙目幾近失明的狀態下，也能憑感覺畫出長達幾十米的組畫《睡蓮》。
印象派畫家的生活圈子較窄，主要出入於劇院、咖啡館、花園，畫那些閑適的城市人，或在自己畫室里研究技巧，此外，大量畫的是風景。同一時間，在俄羅斯有一種與印象派相反的美術傾向。畫家列賓(1844-1930)就是通過在伏爾加河岸的生活體驗，感受纖夫的生活現狀，才畫出了著名的《伏爾加河纖夫》：一群荷重的勞動者緩重地走著艱辛無盡的種，一曲低沉的號子在炎夏的悶熱中與河水的悲吟交織在一起。
如果說印象派作品類於無標題音樂，給人以輕松、詩意的愉悅；列賓及一大批描寫現實的畫家的作品，則以主題深刻、文學性強取勝。這種藝術傾向可稱為批判現實主義，對東歐各國，對後來的蘇聯油畫乃至中國現代繪畫都有深遠的影響。

現代油畫包含兩個主要方面：一是在寫實油畫中體現現代人的感覺，從而給古典寫實賦予新的精神內涵，這是一種緩和的變革；二是背離傳統、背離寫實的前衛性探索。後者常常被人們稱作"現代派"。
現代派油畫的特徵主要表現為：首先，畫家從主要描繪外部世界轉為表現內心世界。其次，藝術形式作為繪畫的主要內容受到高度重視。第三，古典油畫曾有的"美"消失了，美的標准起了變化。
荷蘭畫家凡·高(1853-1890)是古典油畫向現代油畫過渡時期的畫家之一，他從研究古典大師作品脫穎而出，發展了自己個性的風格。在藝術語言中，他選擇色彩表達自己對人生境遇的感覺，構築他執著憧憬的生命世界。面對強烈的太陽，他的內心與之呼應，畫出太陽射出的箭般的光芒，畫金黃色的麥浪和向日葵。在他的畫面上，沒有任何平穩安靜的氣氛。《夜間星辰》畫的是夜景，但充滿著生命的躁動：畫中的樹木直指天際，夜空中的流雲和星月吐納著氣息，類似急流中漩渦浪花的筆觸互相追逐，以緊張的運動和旋律造就全幅的氛境。
凡·高的作品具有不可重復的個性，那種飽含生命力的形式無不打動、震撼著觀眾的心扉。

立體主義堪稱開現代派油畫風氣之先的藝術流派。它產生於20世紀初的法國，其特點是：放棄了歷來畫家從一個視點(一個角度)觀察物象的方法，而以多角度觀察所得塑造形象。經過左、右、前、後、上、下觀察後"組裝"成的物象，實際已不似肉眼所見，而成為一組被肢解而破碎或運動著的體積。畢加索是立體主義的代表畫家，雖然他一生不斷改變藝術風格，但他在立體主義時期的影響都最大，《彈曼陀鈴的女孩》只是他許多作品中的一件。畫家把人物塑造成各種幾何體的綜合狀態，令觀者感到這是許多次從不同位置觀察人物的結果。立體主義試圖證明，我們實際看東西不是位置固定的、包羅萬象的一瞥，而是無數個瞬間的一瞥。我們在腦子里把瞥見的東西加以整理，才形成了對物象的認識，由此，立體主義認為他們帶進繪畫的不僅是一個新的空間，還有另一個新的量度--時間。
立體主義的表達對象還屬於客觀世界。
在現代派油畫愈發重視形式的趨勢中，抽象繪畫應運而生了。一般的變形、誇張不等於抽象。抽象派1910年左右由俄國畫家康定斯基(1866-1944)創立的畫風。他認為藝術屬於精神生活，繪畫所以能表達人的精神，主要靠純粹的繪畫語言。他從繪畫與音樂的關系研究抽象風格，認為繪畫中的點、線、畫、色彩等就像音樂中的音樂一樣，不倚靠具體形象就有打動知覺、觸及情感的力量。畫中暗示某種造型的因素愈少，藝術形式就有愈大的感染力。康定斯基的作品開始是憑感覺和情緒恣意創作而成，畫面上筆觸奔放，色彩有熱烈、理智、寧靜、悲傷等傾向。後期的作品則有一種冷靜的秩序感，圓形、半圓形、三角形及各種直線組構成一幅幅表達世界秩序的繪畫。這種結構清晰、哲理性很強的抽象，被人們稱為"理性抽象"。理性抽象主義的代表人物是荷蘭的蒙德里安(1872-1944)。對抽象繪畫的欣賞並不難，中國傳統文化中對書法的品味、對意境的領略、對"屋漏痕、錐畫沙"那種水墨趣味的感悟，都是一種對抽象形式的審美。
油畫的面貌固然豐富多彩，但其發展的脈絡卻比較清晰，它始終隨時代的變化而出現新的特徵。對油畫的欣賞，從歷史的角度掌握各時代藝術特徵是主要的，以此為基礎，展開的欣賞范圍將越來越開闊。

線與墨的靈性： 中國畫作品欣賞
一、橫展豎張巧卷軸
中國畫一般是卷軸式的，即畫家完成作品後還要經裱褙--用紙或絹綾等材料襯托、加邊，上下或左右裝上木軸，豎式大幅稱立軸、橫式長幅稱為手卷，收時捲起，觀時展掛。橫卷如此，立軸亦然。中國畫的透視被稱為"散點透視"，即畫中的物象可以隨意列置，不受固定的焦點透視限制。山水畫訣中有"三遠"法，即講作畫可用平遠、高遠、深遠的方式經營山水樹石形象，左右遠近的景物可並入畫中，從山腳到山巔乃至雲際可容一軸。
二、線造萬象墨生輝
用線條造型，使中國畫風格側重於表現而非再現、寫意而非寫實。因為線條本身是對自然物象的抽象，它表達的不是肖似對象的形，而是對象最本質的特徵，同時是藝術家自己的情感、情緒。線的長短、緩急、粗細、柔剛、順折……等，都表達出不同的感覺。線條因筆的運行而富有多種表現力，可以勾勒形體，也可皴擦出體積，例如若干平行或穿插的長線組成披麻皴，能表現延綿層疊的山石；粗壯的側鋒短線組成斧劈皴，可表現峻峭的峰巒。

自然界本有豐富的色彩，但中國畫以墨代色，稱墨為"墨色"。畫家在實踐中總結出"墨分五色"方法，即用濃淡變化的墨色造就畫中的空間層次和物象特徵，致使雖畫牡丹，墨色能顯牡丹之紅，雖寫綠荷，墨色能露滿紙清氣。許多畫家還使用"破墨"法，使墨色多變而富有奇韻，如以濃破淡，以淡破濃，以濕破干，以焦破潤等。在破墨的基礎上又有"潑墨"，即大筆飽蘸水墨渲染，或端硯傾墨，任墨在絹紙上暈化成各種狀態，然後隨墨色誘發的想像略加勾勒點染，使形象清晰起來，成功的作品往往有不可重復的新意。所以，線與墨就構成了中國畫的基本語言。
三、詩書畫印合一體
這是中國畫完美的情境。有的作品僅有寥寥數筆，形象似簡練粗率，但卻在畫幅中題了不少字；有的半幅是詩，半幅是畫；更有許多歷代名畫在流傳中被不斷添上印章和題跋。畫中的詩文或是對景物的吟詠，或是對作畫心境的記錄，或是以畫贈友的酬唱，總之，是畫家對人生的看法與心態的披露。從形式上看，畫中的詩文是畫的有機部分。何處該以詩文填補，都在畫家經營運思之中。畫論稱之為"補畫"，但"補"的意義不是填充空處，而是形成書畫渾然的面貌。許多畫家的書法風格與其畫的風格相近，使作品呈現出統一的意韻。

中國畫中的不同門類各有特點，因而，具體的欣賞可以從山水、花鳥、人物三大類展開。
隋代畫家展子虔(約550-640)的《游春圖》是早期山水畫的代表，描寫了貴族人家春遊的情景，江南早春的湖光山色盡收幅中，山有層巒綿延之狀，水有咫尺千里之感。這樣的作品奠定了山水畫的基礎。到了唐朝，畫家李思訓發展了金碧輝煌、工整富麗的青綠山水畫，王維則發展了水墨山水畫。前者一般起裝飾屋宇殿堂的作用，後者以其接近自然清新氣息的意境，更多在文人雅士間賞玩，或張掛以壁，表示文人接近自然山川的高蹈情懷。
五代和北宋初的畫家完成了山水畫發展的歷史過渡。生活在南唐的董源(?-約962)居金陵、游江南，針對南方山峰多寬遠舒展、江河多綿長逶迤的特徵，創出了用橫式長卷收覽的樣式。他的《瀟湘圖》引人進入溫厚秀媚的郊野，平現春景的安閑與恬靜。在形式上，董源善於用松、濕、淡的筆墨塑造平、秀、虎的山水形象。畫中的山勢比較平緩，從左到右、從近往深都沒有大起大落，而是緊湊地連成一片。以橫方向的長線條為主的筆勢，均成了景色的靜謐的寬遠，特別是使用他所擅長的圓潤墨點在山體上鬆快地點染，層層疊疊，斑斑簇簇，點出了山土濕潤蓬鬆，灌木春草蔥翠幽深的感覺，傳達了江南景色的精神。

董源寫江南山青水闊之平遠，范寬(?-約1026)則畫北方峰雄嶺峻之巍然。范寬於唐末戰亂時隱入終南山、太華山麓，與"千岩萬壑"為伍。北方的大山大川孕育了他崇尚雄峻之美的情懷。《山行旅圖》是他的傳世真跡。畫中突兀的高峰拔地而起，成為視覺中心，前景的大石、密林、溪流與山徑都被推擠在緊湊的空間中，成為中峰的烘托。在兩米余高的大幅中，從山石到樹木、從茂樹到旅人，都得到具體的刻畫。此畫被譽為"寫山真骨"，一個"真"字，道出了五代、北宋時期山水畫富有具體山水對象的真實感的特徵。
山水畫到南宋出現了變化，主要體現在構圖布景方式上。南宋畫家馬遠和夏圭改變了五代、北宋畫家常用的全景山水構圖，而取山水景色的一角，即從某個最佳角度截取景色收入畫中，人稱"馬一角，夏半邊"。馬遠的《踏歌圖》就以造型精練、筆墨簡放的特點區別於北宋時縝密的畫風。在這幅作品中，馬遠還使用了"大斧劈皴"法，即以濃墨渴筆側鋒斜刷，表現山石方剛堅實的質感。

元代是山水畫發展的一個高峰期。本來，山水畫就是文人遁世隱逸思想的體現。在元代，一些漢族文人不滿於異族統治，更加有臥遊林泉、清高絕俗的心態。元代的黃公望、王蒙、倪瓚、吳鎮號稱"元四家"，都以畫山水盛名。最典型的是倪瓚(1306-1374)，他厭惡現實，隱居不仕，長年遁跡於太湖，過著"扁舟箬笠"的生活，沉浸於"無人間煙火"的境界。所作的山水有一種高度提煉的構圖和風格：畫幅多為立軸，下方的近景為平緩坡石，有雜樹數株，或茅舍一間，中景是不著筆墨的一片空白，高處即遠景山坡淡遠而去。這種基本格式成為他精神上空寂與淡泊的象徵。《漁庄秋霽圖》是其中一幅，畫中大片空白讓人神遊其內，在空山寂水中獲得自然與人生同一的感覺。
有一部分畫家則努力打破陳規，開創新意，如"四僧"，石濤就是其中一位傑出代表。他一方面出入山川，"搜盡奇峰打草稿"，研究自然景緻的規律，認為"夫畫者，形天地萬物者也"，一方面錘煉胸臆，以意高超於筆妙，認為"夫畫者，從於心者也"。作品《山水清音》就體現了這位大師師造化又師"心"的藝術個性，畫作作既有山川充實、生動的形貌，又貫注著畫家的磅礴氣度。本來屬於意念之物的"氣"，在石濤畫中成為由筆墨運動趨勢和力度構成的生機。畫家還在作品中運用了他最擅長的墨點，點或充當山樹，或意為草叢，濃中間淡，淡上壓濃，像抖落的黑珍珠在滿幅蹦彈跳躍，閃爍著山川的氤氳之光。

④ 我們平時該如何欣賞藝術呢

我們說，藝術是社會發展的產物。在當今社會空前發展的時代背景下，藝術發展也出現了空前繁榮的局面，各種類別各種風格的藝術作品層出不窮，精彩紛呈，令人眼花繚亂，目不暇接。而做為藝術欣賞的主體，人們的時間精力終歸有限，不可能將所有的藝術作品盡收眼底，「照單全收」。那麼，該怎樣有選擇地欣賞藝術作品呢？作為一個藝術愛好者，我以為可以從這么三個方面來把握：

一，選擇自己喜歡的

藝術作品成千上萬，難免良莠不齊，魚龍混雜。其中有傳世的經典之作，有當今的優秀作品，也有平平庸庸的作品，甚至還有濫竽充數的作品。所以在欣賞時要注意選擇那些已有定論或廣受好評的名作和優秀作品。比如你欣賞油畫，可以選擇自歐洲文藝復興以來到二十世紀末已有定論的那些油畫大師和著名畫家的作品，也可以選擇當今畫壇比較活躍的優秀胡拍山油畫家的作品。欣賞經典的優秀的藝術作品，可以給你帶來更多的感悟、共鳴、啟迪、愉悅和美的享受。人說讀書要讀好書，賞畫要賞好畫，就是這樣的道理。

⑤ 如何賞析一幅畫

問題一：如何欣賞一幅畫作 當我們面對一幅美術作品，尤其是一幅經典的繪畫作品，我們怎樣看出畫中的含義並從中得到感受呢？個人感受，通常的方法是：感受―理解―再感受，這同人的認知過程是相一致的。
第一個感受，要把注意的重點放在對畫面整體效果的觀照上，通過對畫面總體形式的觀察，結合你對生活和藝術的經驗，從中獲得一個新鮮的印象。這種感受可能來自你對作者高超技藝告銷的折服，也可能來自對畫面組織精巧的驚嘆，更重要的應該是體驗到心靈與作品產生共鳴所引發的一種情感的上升。獲得這種感受是藝術欣賞中一個很重要的目的，感受的強度取決於作品的品質和你所投入的審美情感強度，而不一定依賴你對藝術知識的掌握，所以說在欣賞作品的第一個階段，藝術知識不多的人同樣也可以獲得藝術享大仿受。

無疑，你所獲的藝術感受是創作者的期望和他精心准備的，藝術家利用他的技術和 *** ，通過動作和材料將他的意願和情感表現在畫面上，以期感染觀賞者，這也是藝術家創作的目的。欣賞的第二階段既是尋找和發現藝術家是利用什麼方法實現他的目的的，或者說是畫面中的哪些因素對我們的情感產生了作用。這一階段是欣賞的理解階段。知識和經驗襪仿游在這一階段起到很重要的作用，比如對作品產生的年代和當時社會背景的了解，對藝術家身世和個性的了解，對作品樣式風格、流派的歸類和對作品繪制方法的了解，都會幫助我們理解作品成功的原因和對我們產生影響的因素。對藝術經驗不多的人來說也可利用其它方面的知識幫助理解畫面的內容和含義。一般說來優秀的美術作品應該包括以下幾個條件：

（1）作品結構嚴密、完整，有很強的秩序感，每一個線條和色塊都有明確的含義。

（2）畫面從整體到局部生動、自然，充滿運動的形式。

（3）作品形式強烈，形象特徵突出。

（4）內容深刻，警世輔人。

（5）富有鮮明的時代感。在作品欣賞的這一階段，我們要完成：第一，了解作者的創作意圖和達到意圖的手法；第二，要找到作品中使我們產生聯想和共鳴的形式。通過對作品的理解，我們可以認識到，人類文化的延續和發展，藝術家對自然、生命深刻的理解和他豐富的情感以及對社會高度的責任感。

經過欣賞的前兩個階段，我們對所欣賞的作品有了比較深入的了解，我們找到了畫面中形式與形式之間，觀賞者與創作者之間的一種相互聯系。現在我們再重新審視整個作品，就會發現作品更加真實可信，對作品的整體印象和感受更加完整、深刻。在與作品面對面的觀照中，我們彷彿回歸到美的自然，彷彿看到了生命的永恆，也彷彿洞察了藝術家的靈魂。

問題二：怎樣欣賞和評價一幅畫？ 免費解答， 首先你要學會看整個圖面的布局,不可以太密,也不可以太稀疏,注意每一張葉子的方向也風的方向必須是一致的,不可以出現不符合實際的情況(當然,一般的名人的畫是不會出現這種低級的錯誤的說).
然後要看葉色和竹節的顏色,深淺要適當,或者說是深淺一定要分明.

一般來說,竹葉的劃分有人字型的重疊的,或者是對稱的,但是,最常見的是個字型的.

一副好的畫,除了要具備畫面感,還要有空間感!

其實最最重要的並不是這些學術上的東西,有的時候一副畫的好壞更要取決於作畫人的態度與心情.以及賞畫人的心態與感情.總之,一副成功的畫,一定要讓人看的出來感情,讓人覺得舒服.

以上純屬個人見解,如有不恰當的地方請你見諒。祝您幸福美滿生活愉快！

問題三：怎樣欣賞一幅畫,才是作品? 其實看一副畫就是看一個人!
作者是怎樣的人畫就是怎樣的畫，俗話說：「畫如其人」

看畫首先要從遠處（大概在10米）先觀其全，後觀其細。

因為出眾的作品會在遠處呈現一種強烈的震撼力及吸引力，讓人不自然的走向它。

只要你第一感覺它在你眼裡那麼就已經成功了一半，它便是你所想的作品了。

其次觀其細，如何觀其細呢。

在常人認為會去觀察它的筆觸、構圖、造型等。

這些都沒錯，但是如果是根據個人而言就著重予自己需要的是那方面去觀察，比如你很需要學習作者的用筆，就可以細看他用比的走向、力度、方式等。

其實細者易糊，因專入時會讓周圍美好的東西溜走，而讓你錯失更好的學習機會。

這並不是不讓你專，而是要專其精而求其全。

這樣你會對一副作品多少產生些感情，從而讓你喜歡上它。

choco_zmf 其實你已經擁有了對怎樣欣賞一副畫的能力，就是你知道自己不知道怎麼去欣賞。這是值得高興的。

揚長避短，修其短發其揚。這就是你值得驕傲的地方。

順便給你點最直觀的建議，就是多去欣賞大師作品。

多去看畫展，這會讓你受益匪淺的！

問題四：如何欣賞一幅畫 1.注意欣賞作品的氣韻美 中國山水畫很講究整體氣勢,用美術術語來說就是先體味其「神韻」,或者「神似」,然後再看作品的筆墨趣味,構圖、著色、筆力等.最後再看造型,即是否「形似」.由此,神韻美是一種高級的審美享受,也是中國畫追求的目標.2.注意欣賞作品的意境美 中國山水畫講究寫意,講究氣韻生動,天人合一.所以,欣賞山水畫,只注意作品的筆法、墨法、章法及色彩是不夠的,除此之外,還要注意欣賞作品的形式美、色彩美,甚至節奏美、旋律美.作品結構是開放的、自由的、無拘無束的,這正是其博大、充滿生機活力的原因.3.注意欣賞作品的筆墨美 山水畫同人物畫不一樣.人物畫講究用筆精確,細膩傳神,束縛很大,而山水畫特別是寫意山水畫追求的是筆墨自由、奔放、無拘無束和 *** 宣洩,講究用筆用墨、講究皴法、講究急緩頓錯、講究一波三折、講究韻味,就像音樂的旋律、舞蹈的節奏.其實藝術的高境界是相通的.4.注意欣賞作品的詩合美 許多的中國山水名畫,都附帶著詩詞在其中,其珠聯璧合,詩情畫意,也是人們審美享受的一大方面.例如,鄭板橋善畫竹,再配上一首七律詩：「咬定青山不放鬆,立根原在破岩中.千磨萬擊還堅勁,任爾東西南北風.」其意境真是美極了!（芳芳）

問題五：如何欣賞一幅畫作 當我們看到一幅畫作時，第一眼看到的首先是大致結構，構圖是對一幅畫作整體的把控力，也決定了畫作的廣度和深度。對觀眾而言構圖的美感經驗也是最直接的，對藝術作品的形式美的感受也是最為乾脆的，在藝術畫作形式美的所有因素里，結構形態的形式美感是重要的基礎。合理的構圖形式能通過視覺作用的強弱對比，對觀眾的第一眼印象產生支配作用，明確畫面的主要部位即畫面中心，引導視覺的順序，使觀眾能在一定的思維上基本按照作者構思的線索去瀏覽畫面。這就是構圖的特殊功能。

問題六：美術的鑒賞應從哪幾個方面進行分析，以某一幅畫作品為例進行說明 感悟式鑒賞：面對一件動人的美術作品，我們也會 *** 澎湃，任由思維弛聘，這種思維與 *** 深切投入畫面的觀看方式，就是感悟式欣賞。適合於寫意性和表現性的藝術作品。 形式鑒賞：美術作品最先表現的是他的表面形式．從形式的角度欣賞作品便成了最基本的方式．藝術形式主要指線條，色彩，筆法，構圖等。重形式的感知和體驗，強調形式的分析和把握。 社會學式鑒賞：許多美術作品都有著特定的內容和意義。這一類型的鑒賞方式主要偏重於對作品內容、意義、時代背景、作者生平、創作意圖等方面的認識、理解。適合於對再現性的、故事性或情節性較強的美術作品的鑒賞。 用比較的方法去鑒賞美術作品，往往會收到意想不到的效果。比較的方法很多： 橫向 同一時期、主題，藝術家採用了哪些不同的手法表現。 縱向 同一主題在不同時期，藝術家採用了哪些不同的處理手法和表現形式。

問題七：怎樣分析一幅畫？ 任何一件作品都要放入時代的大背景中去分析 脫離了那個時代作品可能將不會有任何的意義

問題八：如何鑒賞一幅畫 簡單地說就是畫面表現的事物與真實的事物在結構上要一樣，不能變形，色彩合理，不能不協調，最重要的是有靈性，不能死板，再好就要有意境，有含義，畫貳像照片不是最高境界，在我心中徐悲鴻是近現代畫家中最傑出的，不論是西畫，國畫，還是教書育人都是最棒的。

⑥ 如何欣賞 抽象派現代派的畫

繪畫的一個演變過程
自現代棗嘩主義產生以來,抽象畫便成為以記敘和表慎巧現客觀世界為主的繪畫寬岩鍵一次巨大逆反,
抽象畫消解了繪畫(指以往的具象繪畫)中具體的,自然的,客觀的物象,使形色從中抽離而出,重新以形式本身的次序進行組合點,線,面,集合形體,筆觸,
色塊等成為繪畫中重要的角色與符號,由此獲得繪畫中純粹情感的滿足.

⑦ 陳詩宇:如何欣賞現代美術

許多人都對現代美術作品感到困惑和憤怒：「為什麼現代美術作品中有那麼多不明所以的隨機圖形?這難道不是畫家隨便亂塗的嗎?這有什麼藝術價值?小孩子也能畫成這樣啊?難道就是因為藝術家有名氣，塗兩筆就是藝術作品了?這有什麼技術含量啊?」
很明顯，提出這樣問題的邏輯是：這么兩三筆，我也能畫出來，那麼畫家和普通人有什麼差距?
而憤怒在於：連我都畫得出來的作品，居然賣價這么高?但是如果是我來畫，就是廢紙一張，這太不公平了!而且這么簡單的畫面，那些畫家一天就能畫好多張，這有什麼意義啊?這不是明擺著搶錢嗎?憑什麼讓這種破爛東西賺錢!這是公然的騙子!這個社會怎麼了?!
這次，我採取一種順應你心情的方式來為你解答。
既然你認為這樣的作品一般人都能畫出來，我建議你完全可以試試，是否能夠完整臨摹一幅抽象派美術作品?臨摹得一分一毫不都差?比如下面這幅蒙德里安的作品。你知道這幅畫價值連城，所以你完全可以仿作一下，來證明自己有沒有製作價值連城的能力。你必須使用和蒙德里安一樣的作畫工具，也就是僅僅是顏料、畫筆和畫紙/布。

蒙德里安的作品
對於一個沒有受過美術訓練的人而言，這顯然非常困難。即便允許你使用標尺畫直線，你也會因拿不準線條起點的位置而猶豫，更因為控制不住畫筆而使顏色總是漫過邊界而傷腦筋。更麻煩的是這種紅色和紫色，可能不在你的顏料管里，你得想辦法去調出這種顏色來。然後你還要花大量時間糾結水和顏料的比例以免讓色彩顯得太單薄。
你開始發現，完成這樣一幅作品肯定不是你原來「想像的那樣簡單」。
如果線條不是這樣規整，你就更抓狂了。你陷入這些你眼中「混亂線條」的定位里，並對准確調出豐富的色彩束手無措。估計你花上一周時間也完成不了下面這張康定斯基的作品，並做到完全一致。
好在蒙德里安和康定斯基也不是你想像中的「一天就能畫好多張」。他們大概用了和你差不多的時間，甚至比你所花更長的時間，去完成這樣一幅作品。

康定斯基的作品
於是你說：嗯，這么說來，這些畫作在技術上還是有些勁道的。好吧，我承認畫家比我會畫直線和曲線。但是這種構圖算什麼呢?就這么幾根線條，幾塊顏色，既不像豬又不像鴨，這畫的到底是什麼呢?要是不拘泥於臨摹，我也能隨便塗幾筆，取名無題，掛在牆上展出了。
如果你真的這樣想，那麼恭喜你，你剛開始學習如何去欣賞藝術作品。
在這里，我要強調的也就是這句話：欣賞藝術作品時，永遠都要思考藝術家為什麼要這樣表達。
我還要澄清你的一個誤解。你以為這些藝術家跟你一樣不會畫畫嗎?並不是這樣的，你可能認為一幅人體素描「很顯功力」，你也看到了有許多人在街邊販賣人像速寫，二十塊一幅。你要知道，你在美術館里看到的任何作品的創作者們的素描功底都不遜於街邊速寫。當然，如果找他們給你畫人像速寫，肯定不止二十塊一幅了。不僅如此，大多數中國美術生在寫實畫作方面也相當扎實。對於一個經過四年美術專業訓練的人而言，畫出一張讓你驚嘆「好像照片啊」的畫來簡直是小菜一碟。
你要相信藝術家們永遠比你要會畫畫。你所能想到的繪畫，大多已經被他們實踐過了。
於是你得思考，既然這些藝術家們能夠去描繪人物、風景、建築等等你所熟悉的對象，為什麼他們不這么做?他們為什麼要採用這樣不同尋常的方式?
藝術不是模仿。這句話在藝術界幾乎是常識，但是你不一定能很快意識到。你喜歡按一般人的認識以及你原來的口味去品評畫作。有時候你會有點個人的審美感，比如你對藍色很敏感，那麼那些以藍色表達為主的作品就會讓你有所思。那麼我們為什麼不把這種思路擴寬，以便我們欣賞更多的畫作呢?我再來告訴你四個常識。
第一，顏色在繪畫里是平等的。
為什麼要偏愛鮮艷的色彩而忽視深色呢?為什麼認為朦朧的淡色無法塑造鮮明的形象呢?為什麼認為白色的空間是毫無意義的呢?有的畫家喜歡在深色區徘徊，在你眼裡是不是就是一團泥巴呢?而且，這樣的畫家很有可能喜愛用褐色畫雲朵，用深到發紫的紅色畫街道，用介於泥巴和煤炭之間的顏色來畫人的面部。你能否看出這些顏色的區別呢?你是否會因為整幅的深色而忽略上面的幾抹亮色呢?或者會因為整個畫面的清麗而抱怨那幾筆難看的深色?
請不要歧視任何一種顏色，更別說是顏色區了。當然許多藝術家會有對顏色的偏愛，但那不是你的權力。既然是你在試圖學習和觀賞藝術家的作品，就請仔細地看深色區和淺色區的區別，請看藝術家偏愛什麼顏色，請看主體色彩之外的環境色，請仔細地觀察。(別只顧著看到那些常色，廣告商才會喜歡用鮮艷色彩吸引小孩子呢!)
一個合格而深刻的藝術家，會為他畫面上的一切色彩負責。並且，抽象派藝術會對此更為負責，因為他們不必順從現實的色彩，只顧著在構建自己的話語世界。如果你真的想問他們：「為什麼這里有一團莫名其妙的黃色?」相信我，如果是一位友善而富於激情的藝術家，他說不定會就此唾沫橫飛地回答半個小時。
第二，線條在繪畫里也是平等的。
你以為這一條與上一條類似嗎?不，並不是。這一條比上一條要困難多了。因為許多人都能說出色彩的不同，卻無法理解和解釋線條的不同。我想說，既然你知道文檔中的加粗是表示強調的意思，你就應該了解繪畫中的線條處理也有各種不同的意義。
再次強調，藝術不是模仿，我們不生產一模一樣的字體。花樣字體本身也是借鑒了一些藝術思維。我們要讓整個畫面表現藝術家眼裡的美感，或者是情緒、思想、事件等等，我們當然要採取不同的線條。這里有幾個問題，你可以在欣賞線條造型明顯的作品時好好思索一下：
為什麼畫面的這個位置有這根線條?
為什麼這根線條這么粗/細?
為什麼這里是彎/直的?
為什麼這跟線條這么平滑/粗糙?
為什麼這根線條是這個顏色的?
為什麼這一塊是用線，而那一塊是用面?
欣賞畫作有時候就是幾個簡單的角度而已，並非許多人想的那樣神秘莫測。有些人看到別人評論畫作時，一會「XX主義」，一會「XX風格」，一會「意境」，一會「符號」，就覺得內涵深刻高不可攀，常人不能理解。我建議，在你開始學習欣賞美術作品時，不妨先從上面這些簡單的問題和回答中累積經驗，過了一段時間，你就能夠摸到那些「XX主義」的門道了。切忌一開始就從「XX主義」或「XX風格」入手，這樣你會錯過太多具體作品的精彩之處了。
一個合格而深刻的藝術家，會為他畫面上的一切線條負責。線條之所以為線條，都是有來源的。我們來舉個例子，中國人非常熟悉的梵高，他的繪畫非常注意線條的使用，他並不是一個熱愛立體面的畫家。下面是他的一副自畫像。你可以觀察到整幅畫幾乎都是由短促有力的線和點組成，圍繞著人物形成一個圈。梵高一生創作過許多自畫像，業內認為這些短促的線條是他精神狀態的一種表現，越是臨近他自殺時的作品，這種線條特徵就越明顯。如果你有幸看過梵高的原作，那麼你就會欣賞到這些短促用力留下的油畫顏料的形狀，像是化石一樣保存了梵高當時的情緒。(是的，你可以想像一下你用筆使勁往畫布上戳的心情)

梵高的自畫像之一
線條十分重要，線與線交錯形成二維面，它是繪畫之所以成為二維藝術的基石。同樣線條也是所有三維藝術的基石，只不過在整體的框架下，面更能影響到三維藝術的大局。如果你看不懂線，你就幾乎與「造型」一詞無緣，於是你便完全搞不懂「這畫的到底是什麼」。
扯一點專業思維，「畫的到底是什麼」就是造型，造型造的是什麼，純粹就是看線條的組合。因此倘若你對具體的線有所觀察，你就應該不至於對這個問題毫無想法。一根線，可能是一根鉛筆、一根樹枝、一條路、一根電線、地平線、牆的轉折線、某行文字的下劃線……線不會來的那樣離譜，如果你的思維更開闊一點，你也能體會到藝術家用線表達的憤怒、沮喪、困惑、恐懼……下面這張最近引起公眾注意的盧西奧·豐塔納的《ConcettoSpaziale, Attese》。畫面非常簡潔，就是在紅色的畫布上有幾道刀割破的痕跡。你可以明顯注意到，整幅畫只有兩個元素：紅色的背景，筆直的黑色的割破線條。這兩個元素代表什麼呢?紅色，可能是激情，也可能是憤怒;割破，可能是一種突破，也可能是一種暴力。割破的角度並不整齊，但也不凌亂，可能具備理性的控制。不管如何解讀，你都能抓到「紅色」和「割破」這兩個明顯的關鍵詞。你沒辦法繞開這兩個元素，這是作品對我們想像的限制，也是給我們提供的空間。

盧西奧·豐塔納的極簡主義作品
網上現有業內對這幅作品的解讀是：
作品的副標題是義大利文attesa和attese，分別是義大利語中的等待和期望的動詞和名詞形式，據說意義是觀者原本「期望」看到一個正常畫面的想像空間，但豐塔納一刀毀掉了這個「期望」。藝術家封塔納(1899-1968)最為人知的藝術貢獻在於其一系列「割破的」畫布。他因此成為極少主義的始祖。1949-1950年間，封塔納開始刺穿其畫布，他說，「打破了畫布的空間，好像在說：自此我們可以自由地做我們喜歡的了。」封塔納同時也將其視為一種喚出的無限，聲稱「我創造了無限的一維。」
第三，藝術家們在創作時幾乎不考慮觀賞者的意見。
剛好近來在知乎上看到一個提問：」為什麼現代詩多半是些表達得不知所謂的語句組合，卻還是那麼多人去寫?「這個問題當然是大膽坦誠地表現了提問者的無知無畏，在許多詩歌愛好者看來應該是很欠揍的。這個問題下面有許多精彩的回答，都可以借鑒到本文開頭那個問題上。鏈接在這 http://www.hu.com/question/20785495/
不過我覺得最需要強調的是這句話：「對於詩人來說，讀者是(最)不重要的。」
同樣，對於現代藝術家們，觀賞者也是最不重要的。你絲毫不用顧慮你的想法會影響到他們的創作。藝術家是一群埋頭描繪自己內心的人，他們創造個人藝術語言，表達自己的情緒思想。當你開始指責他們胡塗亂抹時，很遺憾你又錯過了一次學習新的藝術語言的機會。
說真的，每次我看到那些對現代藝術表示抗拒的人，我都覺得他們個人的表達也真的很程式化。換句話說，沒有絲毫新意，還在不斷抵制新意，表面上是在維護傳統的話語權，實際上是在展現他們的腦子有多麼匱乏。特別是一些作品，在許多人看來早已能夠接受，在另一些人看來仍然如洪水猛獸。比如上面所引用的蒙德里安的色彩構成，已經成為服飾家居建築時尚的流行元素之一，不少人都對其中的平衡美感有所感知，但仍然有些人認為這樣的作品「毫無技術含量」，我便不能不懷疑這些人的審美智商低於平均水平了。
第四，對藝術作品的解讀沒有標准答案。
這句話放在這里，是要警示那些總是對標准答案有強迫症的人。他們有兩種表現，一是特別怯於表達觀點，總覺得自己對作品的看法不夠「正確」，非常擔心自己的看法不符合那幅畫下面的小標牌上的文字;另一種則是特別能指點江山，總覺得一類作品是藝術標桿，無上崇高，而其餘的都很荒謬，荒謬到應該從這個世界上被抹消。
唉，完全不知道這些人在固執什麼。說了嘛，藝術家是完全不會考慮你的想法的，你的想法是完全不會影響藝術家以及藝術產業的。沒人給你的藝術水平打分，你幹嘛那麼在意其他說法啊?你看到什麼，就是什麼。但是也別想著要維護什麼，根據什麼，堅持什麼。如果你有條可理，可以順著一種思路理解。解讀與解讀之間沒有正誤之分，只有高低之別，但是前提是你得真正地表達出你的解讀。
對於平常人而言，美術館是一個學習和提高自己審美水平的地方，是一個做思維訓練的地方。美術館是一個社會教育的場館，一個沒有美術基礎的人進來，應該是跟進入圖書館一樣的心態，絕不應該在沒有仔細閱讀完一本書之前對此擅作評價，不是么?
你最大的固執，應該發揮在對一件具體藝術作品的解讀上。你應該像鑽研一道數學題一樣去解讀一件你中意的藝術作品。你應該堅持採納多方意見，擺脫你對一件作品的困惑，而不是堅持認為「我看不懂這件作品」是一件很高尚的事情。這種自以為是的行為的愚蠢程度就跟諱疾忌醫一樣。
目前看來，大多數人看不懂作品的緣故，只有兩種：一是藝術品有高度，解讀者思維不夠高度;二是藝術品沒什麼高度，解讀者有標准答案強迫症。介於目前國內當代藝術都沒什麼高度，所以第二種情佔了大多數情形。
現代藝術本來就有「藝術生活化」和「生活藝術化」的口號，藝術家們最喜歡的就是把生活和藝術放在一起。欣賞者們也完全可以跟隨這樣的號召，去親近那些被藝術家們從神壇上拉下來的藝術。藝術作品是個人的，從個人到個人，由個人創造，也由個人解讀。所以只要解除你的標准答案強迫症，相信你很快就能開始欣賞現代藝術作品。

⑧ 如何欣賞繪畫藝術

繪畫的兩大體系1.歐洲油畫

油畫藝術可以說是世界繪畫藝術中最有影響的畫種。油畫是以油為調和劑，調和顏料在經過製作的不吸油的平面上描繪而成的繪畫。其特點是顏料色彩豐富鮮艷，能夠充分表現物體的質感、量感，能夠傳達物象所處空間的光線、色調和氣氛，使描繪對象顯得逼真可信，具有很強的藝術表現力。

2.中國水墨畫(中國畫)

中國畫是中國傳統繪畫的統稱。從廣義上說，中國畫包括中國傳統繪畫的各種類別，通常所說的中國畫是指以水為調和劑、以墨為主要顏料的一類，又稱「水墨畫」「彩墨畫」。中國畫表現出變化無窮的線條情趣，以墨代色則表現了中國畫獨具特色的豐富藝術表現力。

繪畫的種類

繪畫種類繁多，范圍廣泛。從體繫上劃分為東方繪畫、西方繪畫；從使用材料、工具和技法劃分為中國畫、油畫、素描、版畫、壁畫、水彩、水粉畫、粉筆畫；從題材內容劃分為肖像畫、風景畫、風俗畫、靜物畫、歷史畫、宗教畫、動物畫等；從作品形式的不同劃分為壁畫、年畫、連環畫、宣傳畫、漫畫等。

繪畫的藝術語言

線條、形體、色彩、色調、動感、筆墨(筆觸)。

油畫與國畫的區別

除了工具、材料、表現主題的一般區別外，概括地講，中國繪畫注重意境，西方繪畫則強調形似；中國繪畫重表現、重情感，西方繪畫則重再現、重理性；中國繪畫以線條作為主要造型手段，西方繪畫則主要是由光和色來表現物象；中國繪畫不受空間和時間的局限，西方繪畫則嚴格遵守空間和時間的界限。總之，西方繪畫注重再現與寫實，同中國繪畫注重表現與寫意，形成鮮明差異。

繪畫藝術欣賞方法

（1）了解作品的時代特徵、作品產生的原因、背景，領悟作品的意蘊以及作品的結構、形式的特點，達到與作品在感情上的交流。

（2）注意積累文化史和藝術發展史的知識，力求把握繪畫史的發展脈絡，把握代表作品的特徵，從而獲得一些賞析繪畫的標尺。

（3）多看和思考畫作，並注意在生活中觀察物體與景色，從而培養和提高對藝術形式的感覺，逐步具備對繪畫藝術語言的感受力。

（4）尊重自我感受，尊重自己對畫作的直覺，在畫作面前馳騁自己的聯想和想像，達到心曠神怡的最佳審美境界。

⑨ 繪畫藝術的欣賞方法有哪些

繪畫藝術的欣賞方法
一、首先，對繪畫作品(當然也包括一切藝術作品)要以理解的態度加以品評
不論哪種流派、風格，不論是你第一眼喜歡或不喜歡的，在欣賞之前要首先確立自己的理解的態度。所謂理解，即設法了解作品產生的原因和背景，作者想要說的內容，以及作品結構、形式的特徵等，只有對這些真正理解了，和作者的作品在感情上交流了，欣賞者才可能作出比較實事求是的判斷和批評。欣賞和批評切忌有先入為主的成見。
二、了解繪畫發展脈絡，把握代表作品特徵
概而言之，繪畫世界是一個立體的現象。從縱向上看，是繪畫的演變與發展。比如西方繪畫經歷了古代(古希臘和羅馬)、中世紀(公元5世紀到14世紀)、文藝復興時期(15、16世紀)、17、18世紀和近、現代等大的歷史階段。各個歷史時期的藝術理想和藝術表現風格都不相同。我們一般把文藝復興時期到19世紀初的西方繪畫稱為古典繪畫，即造型基本上是寫實的，作品很完整，其美學傾向是典雅與和諧。但在整個古典繪畫中，又有風格的演變。
三、培養藝術形式感覺
欣賞的實質不是表現的觀看，而是感覺。面對畫作，作品的整體面貌在瞬間便直逼眼簾。作品的藝術特徵觸動、撩撥、撞擊、刺激著人的感官神經，形成審美的心理活動。
線條是繪畫諸要素中最生動的部分，是畫家從自然真實中抽取出的一種有抽象意味的語言。 形體在繪畫中不僅指具體物象的形貌，還指這種形貌所暗示的情感傾向特徵。 色彩是繪畫中最富情感性質的要素。與色彩相關的是色調。特別在油畫中，色調是構成主題思想與意境的重要因素。動感也是繪畫中的重要因素，它既指通過構圖和造型形成的某種感覺效果，又指涵蓋其他因素形成的畫面整體精神。此外，在繪畫中起作用的還有筆觸、質感、體量感等因素。所有這些要素在一幅幅畫中組成有機整體，有時藝術家也側重地強調某種要素。因此，培養和提高欣賞力量重要的方法是多看。
四、尊重自我感受，尊重自己的直覺與聯想
欣賞繪畫是一種"見仁見智"、原無定法的創造性活動。由於欣賞主體的年齡、經歷、修養與趣味各異，同樣看一幅畫，獲得的感受結果自然也相異，這是正常的。欣賞繪畫的動機，在於人們希冀通過藝術理解歷史文化，也理解自身的意義。

⑩ 結合中西方現當代藝術的特點談如何欣賞當代油畫.300字

藝術在產生之初 是為了紀念與記錄當時代人們的生產生活 隨著社會的發展與時代的邁進 藝術逐漸淪為宗教與政治的附屬物 與其說附屬物 倒不如說是二者之間相互影響 促成了當代藝術的發展 在15世紀時 藝術是純粹的宗教附屬品 但經過文藝復興時期 宗教與政治反而大力推動了藝術的發展 在精神方面 得以解放 得以半脫離
西方美術主要強調人文思想 強調藝術是精神的產物 在東方 藝術主要被看做一種生產
在當代自由思想充斥的社會中看待當代油畫 應該具有一定的局限性 一覽無余是有難度的 看待作品 角度往往比距離更重要
在古典時期 往往被抬高的是藝術作品 藝術家是不存在的 如 薩莫德拉克的勝利女神 只知其物 不聞其藝術家 斷臂的維納斯 等等 舉不勝舉
當今社會 當代藝術 更多的是去解讀藝術家 與藝術家的思想
由此看來 對於藝術本身 追根溯源 是有必要的