如何看出油畫藝術作品的視覺

① 如何從經典名畫中感受油畫藝術的動感美呢

動感美，通常是指物象呈現出的富有韻律的動態、動勢和起伏變化的節奏、旋律、場景給人們帶來的視覺和聽覺上的美感。動感美一般是指「有動靜」的藝術表現形式，比如影視、舞蹈、音樂等，人們通過作品中明顯的「形動」和「聲動」，領會到其中的動感美。

油畫作為以平面圖象呈現的視覺藝術，從理論上講，是一種靜態的藝術表現形式。然而，油畫通過其構圖、造型、色彩、筆觸和場景的豐富變化，同樣可以展示出令人賞心悅目的動感美。那麼，如何領會欣賞油畫藝術作品中的動感美呢？這里，筆者試以一些經典的油畫作品為例，和大家一起探討一下這個問題。

一，從油畫作品的戲劇化場景來欣賞它的動感美

以米開朗基羅的《創世紀》和魯本斯的《搶奪留西帕斯的女兒們》兩幅油畫為例：

《創世紀》是文藝復興藝術巨匠米開朗基羅用4年又5個多月的時間，在羅馬西斯廷大教堂圓頂上創作的一幅巨型壁畫。該畫分三大部分十個章節，成功刻畫了343個形態各異栩栩如生的人物形象。其中最精彩的是《亞當與夏娃》這一部分。畫面中，亞當和夏娃剛剛被造物主賦予了生命，亞當斜倚在畫面的左端，似乎是在努力地將手伸向造物主（上帝），而他的眼睛卻專注地看向畫面右端被造物主護在身側的夏娃。有趣的是，此時的夏娃也正目不轉睛地看著亞當所在的方向……讀者看著畫面場景，彷彿能感覺出亞當和夏娃正在雙雙移動著身體一步步靠近。

《搶奪留西帕斯的女兒們》是17世紀巴洛克油畫大師魯本斯的一幅代表畫作。該畫取材於古希臘神話，描繪了眾神之王宙斯與麗達所生的一對孿生兄弟卡斯托耳和波呂克斯，愛上了邁西尼國王留西帕斯的兩個女兒一對孿生姐妹。於是卡斯托耳和波呂克斯帶著人，趁著黎明前的蒙蒙晨曦，將留西帕斯兩個女兒搶走的場景。整個畫面呈現出一方拚命搶奪一方奮力掙脫的戲劇性場景，具有非常強烈的運動感。

二，從油畫作品的人物形態來欣賞它的動感美

以約翰-柯內爾的《馬背上的葛黛瓦夫人為例：

筆觸既是畫家繪畫風格技法的展示，也是畫家思想感情在作品中的流露和展現。在這方面，後印象油畫大師梵高的《向日葵》、《星空》、《麥田》等提供了經典的範例。這幾幅作品，不僅展示了畫家精湛絕倫的繪畫技法，而且飽含著畫家的思想感情和火一樣熾熱的激情。我們看到，畫面中的《向日葵》，充滿生命的活力熱烈奔放，它已不是紙上的畫，而是一株生機勃勃的活生生的葵花樹；《星空》似乎讓人們看到無際的夜空，靜悄悄中，雲層在涌動，月亮在看著周圍的世界，還有高山、巨塔、大樹等等，於暗夜中森然聳立，透著空茫而神秘的色彩；《麥田》中成片的金燦燦的麥子，讓人感恩大地母親，同時感受到一種豐收在望的喜悅和歡暢。

② 你認為一幅油畫的好壞該從哪幾個方面去評估

油畫以其形象直觀色彩明艷又易保存等特點受到越來越多人們的喜愛。如何評估一幅油畫的「好」與「壞」，是一個綜合性的問題，嚴格地講，也是一門「大學問」。

我不是油畫鑒賞家，只能在這里談點個人粗淺的看法。

一，一般來講，衡量一幅油壞的好壞，首先要看油畫的「品相」。就好像兩個人談對象第一次見面，最注重的就是對方的相貌身材，第一印象至關重要。看畫也是如此。首先要看這幅畫是否明快、干凈、完整、亮爽，給人以美感。

畫中，古希臘神話中的愛神美神維納斯側身躺卧在露天的景像中，沉靜、安寧、柔美、俏麗。看上去她睡的很香，彷彿在做著一個甜美的夢。遠方的藍天、白雲、山丘、樹木、房屋，近處的綠地草坪，和沉睡中的維納斯和諧地融為一體，構成一幅人與自然「人景合一」的美麗圖景。

法國十九世紀畫家莫迪里安尼的油畫以「構思精巧，動作誇張，色彩艷麗，表達強烈」而獨具特色。他的代表畫作《側卧的裸女》，2015年在美國紐約佳士德拍賣會上拍出1.74億美元(人民幣10.5億元)，並當場被人買下收藏。

③ 令人稱心如意的油畫藝術作品，有什麼特徵呢

作為一個油畫藝術愛好者，我以為，讓人稱心如意的油畫藝術作品至少應該具備以下幾個特徵之一：

第一，能給人帶來視覺上的美感。

直白講就是說這幅油畫很「養眼」。油畫是以圖象呈現的視覺藝術，是首先通過對欣賞者的視覺感官產生吸引力和感染力進而發生影響作用的。人們看油畫的第一眼就像是男女相親第一次的見面，「第一印象」非常關健。一幅油畫能不能「養眼」，能不能給人帶來視覺感官上的美感，牽涉到整個畫面的表現，包括構圖、造型、色彩、光影明暗等等，實際上是油畫家繪畫技法和風格審美眼光和修養的綜合體現。許多經典的油畫作品都是因首先給人帶來視覺美感而「先聲奪人」「先入為主」的。

第二，能給人帶來精神上的愉悅。

「好看的皮囊千篇一律，有趣的唯晌槐靈魂百里挑一」。許多優秀的油畫作品不僅在形式上表現出一流的技法風指友格特色，而且還有著深刻的主題內容和豐富的思想情感，打動人心，引人入勝，令人回味。啟迪人的智慧，引領人的行為，振奮人的精神。

④ 如何欣賞一幅油畫作品

欣賞一幅油畫作品應該從「構、內、形、色、光、筆、質」等幾個方面來欣賞和鑒別。

（1）」構「也就是構圖，當一幅油畫作品進入觀眾眼簾的時候，首先看到的是一幅畫的總體布局和構圖。構圖作為一種最重要的繪畫形式語言之一，對作品的成敗起到關鍵的作用。一幅作品構圖要符合審美要求和哲學原理。在滿足觀眾審美需求的同時，也傳遞著某種思想，欣賞者可以從不同的構圖中得到平靜、穩定、傾斜、壓抑或驚喜之不同感受。


（2）」內「即內容，是一幅作品所要表達和傳遞的信息。這也是欣賞者和畫家最直接交流的一條途徑。按照畫面刻畫的是什麼、刻畫得逼真否、畫中形象要傳達什麼寓意等，很容易就能體會到畫家的喜怒哀樂。


（3）「形」就是主體物體的物理形狀，寫實主義作品尤其注重畫面主體物體的形狀造型。這是寫實油畫的基本功，也是比較難的一個環節。太多的畫家繪畫幾十年，都沒有能夠掌握「形」的基本功。要成為一名優秀的畫家，就要練好造型的基本功。


（4）「色」就是色彩。由於油畫藝術作品的色彩極具豐富性，故被稱為是「繪畫中的交響樂。所以一幅好油畫對色彩的運用，就像好一首好曲能引起觀眾的共鳴，它能把人帶入一個神秘的境界—或典雅、或庄嚴、或壓抑、或興奮等。尤其印象派油畫大師們更加關注畫面色彩的變化。但所有的變化一定是科學客觀的真實的變化，絕非有些畫家憑自己的任意想像來作畫，結果使得畫面雜亂無章。


圖8、法國印象派畫家莫奈的《午餐》局部， 特點：注重豐富的暗部的色彩變化

(5)「光」就是光線，油畫作品對光線的安排要求較高。一幅好的油畫作品，其畫面中的光線運用，一定有其獨到之處。


（6）「筆」即 筆觸。筆觸述說著畫家的情感和對美學偏好，並能敏銳地顯現著不同時代審美趣味。油畫家的藝術造詣正是體現在油畫的筆觸之中。這是一個長期的積累和修煉過程，不可能一蹶而就。

（7）」質」就是質感，也就是畫面中物體的材質。相同顏色不同材質的物體在同一個畫面中出現時，主要是靠物體的材質

⑤ 簡析印象派油畫筆觸的視覺特徵

大家是不是都虧陵還在為畢業論文煩惱呢?我為大家整理了美術學畢業論文範文，希望對大家有所幫助!

[摘 要] 本文主要從印象派筆觸方面分析印象派作品的視覺特徵，印象派代表畫家倡導室外寫生，表現瞬息變化的光線下呈現的物象，獨特的筆觸效果是印象派畫家對形式語言深入探索的體現，豐富了藝術表現形式，是美術史上觀哪空缺念的一次重大變革。

[關鍵詞] 印象派 筆觸 表現

畫家在繪畫作品中運筆的痕跡，我們稱之為筆觸。筆觸構成了一幅作品不可迴避的語言詞彙。印象派油畫以個性化筆法構建畫面的形式，揭示了印象派藝術的一種視覺構建特徵。通過對印象派作品的筆觸分析，可以幫助我們了解那個時代的繪畫。從筆觸和色彩都是對傳統作畫觀念的一種變革。

印象派油畫中的筆觸

1.印象派油畫的筆觸方法發展

筆觸是帶有顏料的油畫筆在畫布上運動的痕跡，早期油畫全幅各部分顏料層厚薄比較一致，運筆力度均勻，幾乎不顯露出筆觸。17世紀的畫家注意到筆觸的運動受創作時心境和情感律動的驅使，畫家在作畫時能產生控制筆觸動勢的情感，筆觸的輕、重、緩、急和運動方向不僅使被塑造的形象顯出生動感，筆觸自身也具有藝術表現力。

19世紀初，在法國浪漫主義代表人物籍里柯與德拉克羅瓦的作品中，人們能感覺到富有運動感的筆觸，生動的線條，以及光線和色彩的力量。1860年在巴黎學畫的莫奈，雷諾，西斯萊等人，常結伴到楓丹白露森林作畫。戶外光色的效果吸引了他們，印象派畫家漸漸堅持在戶外對景物寫生，而且喜歡讓完成的作品保持速寫的風格，而不願意在畫室中對其再進行加工。通過筆法筆觸，將光、色進行了畫面分割，進行細致的描繪，把光色的真實形態表現出來。

2.印象派油畫的'筆觸特徵

印象派用筆方法的產生與其一次性的繪制方式也是有關系的。印象派畫家作畫時根據對景物寫生時的直覺與感受，保留筆觸的偶然性。

要分析印李辯象派油畫筆觸的特徵則應當從它的樣式說起。從總體上來看，印象派油畫的筆觸在視覺形態上有一些相同的特徵，印象派油畫在繪制時有意識地保留畫面上寫生過程中的一筆一畫都清晰可見。筆觸基本上是為塑造形象而運用，顯露的程度有限，並統一在或曲長、或短促的某種有序傾向中;被描繪的物象統一在中心焦點的構圖中，形成與真實視域同構的效果。短筆觸的運用，賦予表情姿態，保留畫面筆觸的過程與動態感，並注意強調筆觸的組織所呈現的外觀上的美，使該作品有欣賞價值，筆觸的效果顯示了印象派藝術的一種視覺特徵。

印象派油畫筆觸的藝術特徵

1.印象派個性化的筆觸是藝術家主觀感受與情緒化的外在表現

畫家運筆時，藉助顏料的厚薄、調合劑的濃淡、落筆的輕重、運筆的快慢及點染的氣韻等等在塑造形象的同時還體現了豐富的主觀感受和情緒變化。要體現繪畫藝術就要藉助具體的形式語言，它以畫面的形式狀態宣洩畫家的情感及思想狀態。

馬奈發展了傳統的筆觸方式，把個人筆觸當作開創作品節奏和作品風格的特殊要素，他喜歡將暗部表現得亮而透明，自由的筆觸和形象的構圖巧妙結合，讓我們感受到馬奈瀟灑而富有表象的力量。梵高以疾急奔放的筆觸，使濃厚、明亮的色彩充滿強烈的力感，表現內心情緒的不安。在印象派中，莫奈才是真正的實質性的領袖。他捕捉景物表面光線變化給人的色彩瞬間印象，用細碎筆觸的厚塗法將對比色並置。在《睡蓮》系列作品中，光影閃爍的睡蓮和幽暗的翠柳，用舞動奔放的筆觸鋪開，而以隨意的筆觸將色塊作為色調的調整，似乎無法計較筆觸的形狀與薄厚。部署越是瀟灑自由，顏色越是微妙而攝入人心，畫家的情緒已與自然融為一體，畫面的筆觸直接反映了畫家的情緒與主觀感受。莫奈成功地將個人感受融入筆法之中，在他的筆觸氣氛中，我們甚至可以領悟到東方藝術的一些境界。

2.印象派筆觸對客觀自然光、色的追求與感受

印象派繪畫色彩豐富而變化微妙，無論受光部或者背光部都充滿光與色的微妙的變化。在色彩的運用上用不混合的純色，並追求大自然微妙的光色變換關系。對反色光線的描繪，少用黑色，而以紫色取代了陰影部分的暗色，以黃色表達光部分的暖色，以此構建印象派色彩視覺上的空間形態，並求得畫面的藝術思想和繪制手法的一致。

通過比較許多畫家作品中的筆觸運用，我們發現不同畫家筆下的痕跡呈現出不一樣的面貌，畫面中各種各樣的筆觸，可以看出畫家當時的內心狀態，冷靜的或激動的情緒，以及畫家不同的藝術風格。可以看出：個性化的筆觸記錄了印象派畫家們的主觀感受，畫面的筆觸對畫面的視覺效果直接導致了個人畫風格的形成。

印象派筆觸對現代繪畫藝術的影響

印象派油畫以個性化筆觸構建畫面的形式，將畫家對自然觀察和感受結果表現在畫布上，流露出筆觸在外觀上的一種自然與坦率的美。面對自然，在對風景寫生的過程中將畫面所形成的筆觸形式保留下來，不加過多的裝飾，保留筆觸的過程和偶然筆觸的使用，強調筆觸組織中所體現出來的視覺形式。

畢加索的分析立體派就是從塞尚的畫面筆觸中得到的啟發，自塞尚以後的畫家幾乎無人不受他的影響，他得到了“現代藝術之父”的稱呼。梵高將充滿激情的筆觸與內心的清高聯系起來卻是表現主義的先驅，高更參加過第四到第七印象派畫展，高更畫面的象徵意義導致了象徵主義的誕生。高更使用的筆觸所達到的鮮明、純粹的色彩效果，對後來的野獸主義畫家也產生過重大影響，各類現代藝術自印象派以後很快地發展起來了，開始更多地關注畫面的視覺形式內容。印象派成為傳統藝術與現代藝術的分水領域。

參考文獻：

[1](英)丹納.藝術哲學[M].北京：人民文學出版社,1983.

[2]蔡元培.蔡元培美學集[M].北京：北京大學出版社,1983.

⑥ 漲姿勢|如何看懂藝術大師的一幅油畫作品

西方繪畫500年，那麼多大師，為什麼馬奈如此受推崇？

馬奈是 印象主義奠基人 ，他的大膽與革新，深深影響了莫奈、塞尚、雷諾阿、梵高等新興畫家，將繪畫帶入現代主義的道路上。

因為馬奈，印象主義得以成為可能，德加、莫奈、雷諾阿等印象派大師都是馬奈的粉絲，在印象派還沒有正式名號的時候，他們就有一個綽號，叫 「馬奈幫」。 這群粉絲經常去馬奈的工作室轉悠，學習他的藝術語言和個性表達，關注現實主題。

馬奈是集古典油畫語言的大成者，他的作品優雅、輕松、浪漫、瀟灑，才華橫溢。 同時，他受日本浮世繪版畫的影響，吸取了東方平面的繪畫性，將西歐油畫語言從一直束縛於三維客觀世界的描摹狀態中，拽了出來， 讓繪畫更加像繪畫本身。

愛德華•馬奈 《吹笛少年》，1866

布上油畫人物，160×98cm，巴黎奧賽博物館藏

在印象派之前，主流的西歐油畫是盡一切智慧琢磨怎樣畫得逼真、細膩、唯美，如同照片一樣，如果畫面中的水果有小鳥來啄，會以此炫耀。

但自馬奈之後，畫得逼真已經不再特別重要了。

在他影響之下的印象派們，都不再關注外部實物的真實，而是關注繪畫的真實，探索繪畫的光影、色彩等繪畫語言本身，形成了現代主義為藝術而藝術的思想觀念。

雖然馬奈被莫奈等印象派們推崇為精神領袖，但他自己卻從未承認過是印象派，印象派的所有展覽，一個作品也沒有送過，反倒是非常熱衷於給法國官方的藝術沙龍投展，想在官方和學院派獲得一席之地。

但是，馬奈的藝術生涯，從一開始就進行著堅決的革命性對抗，他的藝術超前性自然無法被傳統的學院派承認並接受。

其實，以馬奈的繪畫能力和藝術造詣，想要獲得官方的認可，並非難事，只是， 馬奈非要像一個任性的孩子，想要打破死氣沉沉、風格單一的古典主義神壇 ，經常挑選一些有強烈刺激的現實主題。

比如，《草地上的午餐》，畫面中是一裸體妓女和兩位衣著整齊的紳士，表現的是當時郊區的紅燈區，而且那個裸體女人竟那樣毫不忌諱地盯著正在看畫的人。這幅作品一經展出就激怒了大部分巴黎人，引來無數爭議，落選官方藝術沙龍是自然的。

但是，馬奈很快又找了一位妓女充當了奧林匹克女神的形象，畫幅尺寸不小，可謂是精心創作，又拿去參展，當然還是落選。

就這樣，馬奈落選再投再落選，最後生病生命垂危之際，還在繼續投稿，簡直是 以一己之力，倔強地推動著整個時代的跨越，讓人們看到希望之光 ，也許，這就是偉大的藝術家之所以偉大的地方。

終於，1882年，他的《福利·貝熱爾的酒吧台》在法國藝術沙龍展出，並獲得「榮譽勛章」。

而躺在病床上的馬奈感慨了一句：「 這一切都來得太晚了。 」 次年4月，年僅51歲的馬奈去世。

馬奈的作品，輕松瀟灑，才華橫溢，沒有刻意雕琢，如同畫筆自然生發出來的形象，自然靈動，就好比我們熟悉的大詩仙李白的作品，看著就灑脫大氣，讓人嘆服。

這次展覽中看到他的原作， 面對馬奈真跡，看著每一處灑脫筆觸，我覺得，他就在我的眼前。

接下來，我想從藝術語言角度來分析下馬奈的這幅《漫步》。

1. 用筆的解放與灑脫之美

喜歡馬奈的人，一定很喜歡馬奈筆觸的輕松和灑脫自然。

油畫是可以反復修改的，而這幅作品用筆基本是一次性的果斷落筆，沒有一絲一毫的猶豫和糾結，這樣的筆觸倒是和中國的寫意山水畫很像，直抒胸臆，一氣呵成。

在西方油畫里，這樣用畫筆來書寫心中快感，開始注重筆觸的個性化，是從馬奈才開始的。

對比古典時期的油畫，你會發現，大多數作品是看不見用筆痕跡的，畫家會通過軟筆銜接將筆觸的痕跡消除掉，所以，你想通過用筆看出一個畫家的性格，是比較困難的事情，你能看到的，只是他們高超的藝術技巧。

而《漫步》這幅作品，綠色的背景中，畫筆節奏韻律感明顯，重色表達風景的暗部，亮色表達風景的亮部。將大面積的風景底色鋪開來，再用重色低音將風景的重色表達出來，已經不再描摹具體對象，而是表達對光影下風景的觀念和認識。馬奈在用筆上是根據自己心情的情緒起伏波動來任意擺筆的，不拘泥於物象，的確是灑脫。

 2. 輪廓線的虛實之美

虛實變化是世界的細微之美，但這種細微之美，如果不用心感受，就會被忽略，或者只剩下一種刻板印象。

比如，我們看一個蘋果，很多人會想當然覺得蘋果的輪廓線是實實在在、清清楚楚的，但事實上，在光線、空氣、時間、空間等周圍的環境影響下，蘋果的輪廓線呈現出來的視覺效果是模糊和清晰交替循環的，清楚，模糊，再清楚，再模糊，虛和實就這樣循環變化著。

藝術家將這種對虛實變化的細微觀察呈現在畫面里，很快就會讓畫面生動自然起來。

以馬奈這幅作品為例，為什麼簡單筆觸就能讓人物如此生動？如果我們仔細觀察貴婦人身體的輪廓線，會發現有些地方處理得模糊，有些地方處理得清晰，模糊和清晰交替循環著。

這種虛實變化我稱之為虛實相生，就像是有韻律的音樂節奏，它不是偶然形成的，是藝術家在細致觀察之後，刻意營造出來的變化。

除了輪廓線有虛實變化，體積也同樣有著虛實變化，這樣畫面整體將更加生動自然。

3. 造型生動的自信與舒適之美

談到造型，很多人會把造型生動和素描基礎混為一談，好像造型上逼真得像照片一樣准確的才好。

其實，真正生動的造型，不在於准確與否，而在於作者有沒有帶上自己的主觀情緒和感受去觀察對象，而且，這種觀察的表達，要自信，要堅定。

我們會看到很多大師的作品，並沒有計較形狀和造型的准確與否，而是通過非常自信的情緒表達，帶來畫面的舒適自然。

馬奈這幅作品中的貴婦人，如果我們仔細觀察她的臉，無論是內側臉還是外側臉，從造型准確來說，都有些太寬了。但是，馬奈沒有刻意去校對准確，他自然肯定的用筆，形成了貴婦人圓潤的貴氣感。這種造型的自信才是畫面看著舒適的根本原因。

4. 游刃有餘的層次變化之美

看馬奈的作品，總有一種酣暢淋漓的感覺，而這種感覺，來自於他對底色、中間色、亮色、暗部色控制的游刃有餘。如果畫面是音樂，中間色為中音，亮色為高音，暗部顏色為低音，那麼馬奈就是演奏視覺音樂的高手。

這幅畫中，貴婦人的黑色禮服，占畫幅面積很大，是畫面中的大重音，但是，黑色中加了很多油，呈現出半透明的黑，露出了畫布的米黃色，這個米黃色又成為了黑色禮服的小高音；貴婦人臉部的亮色是高音，手的黃色是中音；綠色背景是中間色，平鋪的的綠色使得畫面穩定，綠色中又有暗部和亮部在畫面中跳動。這些色彩豐富的明暗變化，使得畫面節奏主賓有序，韻律和諧，變化層次之多，真是讓人百看不厭呀。

以上四點就是從繪畫語言的角度來鑒賞馬奈的《漫步》，如果你懂了這些油畫語言，如果你對馬奈有了更深刻的了解，再去看展，也許可以更深刻地感受到大師的藝術之美。

⑦ 如何欣賞油畫作品

怎樣欣賞風景油畫，理解其中的意境
有一下幾個步驟

1：了解作者，國籍，生平，年代，流派（很有用的，如果做研究的花）

2：了解這畫幅畫的原因，沒有原因則了解這幅畫畫了什麼。

3：了解是怎麼畫的，技法，材料，大小，風格。

4：了解歷史上的批評家對它的評價，對作者的評價。

5：（最重要的一點）你對它的最直觀的評價，不要因為它是大師的作品而猶豫，當今世界任何人都是藝術家。

本人是「觀念藝術」的支持者，如有不對之處請多包涵

上大美院一生
如何欣賞油畫
關於油畫欣賞，對於非藝術學專業的人來說，是一個非常陌生的話題。現在畫展比比皆是，幾乎每個人都有機會去看那麼幾次展覽，雖然作品的層次參差不齊，但是能夠真正領略到個中品味的人我相信寥寥無幾。其實不僅僅是油畫，就是國畫對於大部分國人來說真正的去鑒賞也是非常困難的，當然有著良好的文化傳承的所謂世家子弟除外。作為一個相對專業的油畫工作者，我就用最通俗的語言給大家聊聊油畫的欣賞。 欣賞展覽要考慮到展出作品的創作時代。如果是較為早期的西方作品，因為年代的久遠，其色彩難免會有一定程度的蛻變，往往其原來的絢麗色彩會發灰，這樣，在欣賞過程中主要是看畫面的氣氛，是寧靜、舒暢、曠達、蒼茫；還是猶豫、熱情、焦躁或者澎湃的 *** 。另外還可以從畫面的布局、筆觸上來領略，例如構圖的飽滿與畫面稀疏的構成，筆觸的雄渾與輕靈等，這不需要很長的時間來專門研究，不同風格的幾位畫家的作品放在一起，一看就知道了。 現代的藝術家展覽。現在的很多藝術家急功近利，導致很多的展覽簡直都慘不忍睹。但其中也不乏有優秀的作品。如何去分辨作品的優劣的呢？ 首先、畫面的色彩。一般來講在欣賞風景油畫時，色彩的地位尤為重要，一幅好的風景畫，它的整體色調一定時和諧的，或典雅、或幽靜、或淡定、或渾厚、或庄嚴、或壓抑、或 *** ……，它的色彩一定是成熟的，成熟的顏色並不是說畫面是灰色的，而是說畫面的色彩不會出現一點的不和諧，最通俗的說就是畫面中絕大多說的顏色是經過調和的。當然這也不是絕對的，很多表現風格的繪畫作品往往大膽使用純色，但是這種風格的作品你只要站在畫面前，靜靜地看上幾分鍾，一般就會體會到華中所蘊藏的內涵，如果你體會不到，那就轉身走開——即使別人說這幅畫再好，你可以說：「我不喜歡。」 其次、畫面的構圖。中國畫講究「疏可跑馬、密不透風」，油畫也是一樣，如果一幅畫很精到，但處處都是東西，密密匝匝，或者是什麼都沒有，一馬平川，那麼這樣的作品不懂也不是壞事。當然，構圖並不是這么簡單的，有很多講究，三角、多邊、黃金分割、對稱均衡什麼的，你不是一個職業畫家，這一切都不用管，這要你覺得這幅畫不疏不密、不偏不倚，畫中事物的位置擺的或者長得是地方，讓你看起來就覺得舒服，那你不妨再深一步的去了解這幅作品。 再次、畫面的內容。不管藝術家選的是什麼東西作為主體，都必須在畫面上表現出來。好的藝術作品無論是表現的美麗的還是醜陋的事物，首先他必須有表現的慾望，才能賦予畫面中物體的生命力。在油畫的欣賞過程中，如果這幅畫面中的物體（包括人物）能夠讓你產生共鳴，讓你能夠有所感動（這感動是好是壞不論），那麼你可以慢慢的觀察，你會在畫面中發現很多有趣的東西，甚至會讓你迷戀。但如果你看到這畫面的事物無動於衷，那麼你完全可以遠離這幅作品。
油畫、國畫如何鑒賞？
不論哪種畫，只要是表現在平面上的藝術品，包括攝影，一般來說，快速入門的檢驗方法可從美術的原理出發，下面談一下個人經驗。

對於國畫和油畫，第一，看構圖。整幅畫面的構圖是否突出主體、背景是否干凈、主 *** 置是否恰當，構圖是否平穩，還有造型是否准確。

第二，看明暗關系。也就是黑白灰，或者說光線的關系。整幅作品的黑白灰關系是否明確，是否能夠形成整體感，還是看起來很散，黑白灰不明顯，會造成畫麵灰暗，或者找不到光源，沒有立體感。

第三，看色彩關系。所謂色彩關系，無非就是色彩是否有冷暖對比，是否在畫面上表現出了環境色、固有色和自然色，簡單的理解，可以理解成色彩的豐富程度。當然，色彩不可過，太過豐富，沒了章法，就顯得亂了。

其次，看一張畫的透視關系，近實遠虛、近大遠小，是否做到了。

對於國畫，還要著重看線條和水墨，線條是否暗含勁道、如行雲般流暢，水墨是否恰到好處，暈染得當，國畫講究對水分的把握，水墨中水分過多，則暈染過量，水分不足，則暈不開。

上述的掌握了，接下來便是看畫的更深層次的東西了，包括畫面質感的體現，不管是油畫還是國畫，看筆觸，是否能很好的體現各種質感，比如皮膚、山石、水果、瀑布等，還有人物表情、姿態、動物奔跑、翱翔的神韻是否栩栩如生。

總之，要想品鑒一幅作品，那麼你可以不會畫，但你的眼界一定要高，你一定要看過大量的作品，包括世界名作、包括拙劣的作品，好的壞的你看的多了，自然就能分辨了。

我剛才講的東西是形成理論的，你不可生搬硬套，那樣太過於教條。希望你能充分理解，或許等你成為品鑒名家的時候，只要一眼，憑感覺就能判斷一張畫了，呵呵。
如何欣賞油畫
近年，油畫漸漸進入尋常百姓家。人們在裝飾居所牆面時，常常會選用一些水彩畫，中國畫和油畫。尤其是油畫，更受人們青睞。

在我國，繪畫市場大體分為三類：中國畫，西洋畫與民間繪畫。

中國畫講求氣韻，意趣，筆墨，西洋畫則不然。

西洋畫包括油畫，木版，銅版，素描，水彩，水粉等畫種。其中油畫是表現力，實用性與裝飾性最強的畫種。

西洋油畫被引進我國僅有三百多年，而廣泛進入到人們的社會生活中，不過是上個世紀初葉的事。改革開放後，各種風格，流派的油畫創作都有了一席之地。

油畫創作就其題材劃分，可分為主題畫，風俗畫，風景畫，人物肖像畫與靜物畫等。但不論何種題材，作品主要是依靠造型與色彩兩大要素。也就是說，油畫使用的是形，光，色這三大表現手段。

形，也就是形體。這就要求畫家首先要具有造型能力，要有深厚的素描功底。沒有很好的素描基礎，要想畫好油畫，如同沒有地基的高樓，是立不起來的。

光，也就是光效的表現。法國印象派興起之後，引發了人們對光的研究與表現。畫家對光的理解趨於了科學與理性。因而對光影的表現也就更加逼真生動。光與光影是烘托氣氛的重要元素。這個道理只要看看戲劇舞台的燈光效果就不難理解了。貳 油畫最重要的元素是色彩。色彩不同於調色板上的顏色。畫家從來不會把調色板上的顏色，也就是工廠製造出來的顏料，原封不動地搬上畫布的。這些顏色必須經畫家精心地加以藝術化的調制，以求得色彩的柔和，逼真，色塊與色塊之間搭配的和諧統一。這就是人們通常所說的調子或色調。一幅油畫的顏色不能是五顏六色的胡亂拼湊，也不能是紛繁龐雜，令人眼花繚亂的，而應該形成能體現出某種色彩傾向的，並且變化無端，微妙細膩的畫面效果。

色調是油畫的靈魂。沒有調子，也就是說一幅油畫如果沒有形成一種基調，沒有和諧統一且又富於變化的色塊組合，那末，這幅油畫可以說沒有達到及格線。除以上要求外，油畫還講究構圖，筆觸，節奏等等，這里就不細說了。
如何欣賞一幅油畫作品
鑒賞和寫作是兩件不同的事情。鑒賞可以不輸出成型的觀點，可以停留在感受的階段，但寫作則需要成型的論點，而且要有獨到之處才有寫的意義，如果只是千篇一律的抒情和別人觀點的重復，就不具有寫的價值。

藝術鑒賞有多種層次，基本可以分為感性層次，理性層次。前者是先於後者的，但通持續性長於後者。感性層次的鑒賞通常與情感和感官關系更密切，通常指一幅作品給觀眾帶來的情感心理感受，比如愉快，悲傷，溫柔，剛強，活撥等等。理性層面則相對復雜，需要切合觀眾的歷史文化知識體系，結合自己的知識背景去理解作品的深層含義，比如思想性、社會性、政治性、哲學性等等。如果要做到到位的鑒賞，需要具備系統的背景知識和理論知識，不能瞎看。具體到一幅油畫作品，需要知道作者，國別，時代背景，風格流派，師承關系，作品內容所涉及到的人物、事件、以及作品中圖像志相關的象徵意味，隱喻，還有關於作品創作本身的知識，比如技法材料甚至作品的收藏修復史，另外如果要做到高水平的賞鑒，還需要盡可能多地了解前人對該作品和畫家的評價，這樣有助於准確定位和發現自己的理論創新。是有很多文章可做的。

論文寫作則要看文章規格和字數要求。

如果是嚴肅地寫評論，首先必須要做文獻綜述的工作，即盡量廣泛地蒐集既有的關於該作品及畫家的評論著作和論文，閱讀後進行論點歸納，並綜述前人的論點。在文獻綜述之後即可以展開自己的評論。綜述部分要做到盡量全面但不冗長繁復。自己論述部分要做到有理有據，行文要有條理，合邏輯，盡量避免濫情，做到評論作品而不是吹捧作品。

基本步驟就是如此，並不復雜，但需要你自己對自己的學識先做一次清晰的梳理。
畢加索油畫如何欣賞？
畢加索出生在西班牙，自小由其身為美術老師的父親教授畫畫。可是，到了十幾歲，他父親就發現沒什麼可以教這位天才少年了。然後到了巴塞羅那，然後去了巴黎。回來一直留在巴黎。尤其是西班牙被右派佛朗哥 *** 控制以後。畢加索自認為是左派。畢加索確實是為少年天才畫家。這也可能是他人生最大的遺憾，因為他從來沒在兒童的時期畫過兒童畫。畢加索的古典畫派的畫工毋庸置疑，十幾歲的他已經就表現出天才成熟的技法。這也為他後來奇怪的畫法奠定了基礎，而且沒有人會看到畢加索中期、後期某些看不懂的畫質疑他的畫功。畫這幅畫的時候，畢加索還沒有「走花入魔」。畫面里是幾個 *** 。在畢加索17、8歲的時候，他去了一趟「紅燈區」，匆匆、惶恐地走過，並沒有看清、也沒太敢多看那些 *** ，只是一些零星的片段。7年之後，雞回憶起當時的情景，一切都已模糊，片段也已拼湊不起來。他憑著記憶，把當時零星的片段盡量拼湊起來，就成了眼前的這副模樣。這種畫法區別於傳統畫法。傳統油畫，是一個人或者一些人老老實實地呆在那裡，讓畫家一點點的畫，而本作品，是畢加索憑記憶圖畫7年前的一些零星的場景。這也成為他後期化作的基礎。這幅畫已經相當走火入魔了。但是，特點很明確，所以選擇這一副。他的畫法的特點，就是，把眼前的具體事物似乎像用一個刀子一塊塊割裂開，然後在以某種他自身的邏輯拼湊起來。所以，畢加索一直否認他畫的是抽象畫。因為他的畫雖然確實很多人看不出他畫的是什麼，但他確實畫的是具體的事物，而不是抽象的概念。打個比喻，就好像現在的拼圖游戲一樣。古典畫家，是把拼圖正確地拼湊在一起。而畢加索，是以他自己的某種邏輯，甚至是移動的視線（古典畫派是模特和畫家固定，視線也固定），不同的角度的把事物拼湊起來。有的時候，拼湊的確實太凌亂，一般人看不懂。這是他得第一 *** 子，俄羅斯舞蹈演員。
如何欣賞一幅油畫，與欣賞相片的區別是什麼
從技法來說，欣賞油畫主要看它的構圖，色彩搭配，細節描繪等等。

從精神層面來說，需要感受畫面中作者的思想感情，作畫風格等。

當然，這些與攝影作品都是有共同之處的，相片有的，油畫都可以做到，但是，繪畫與攝影照片最大的區別是，兩個字：筆觸。即使是超寫實主義畫法，畫面中也存在萬千筆觸，從筆觸就可以看出一位畫家功力如何，這也是油畫的魅力所在。
油畫作品如何落款
在畫作右下角或左下角落款，一般註明油畫的名稱，作者，時間。

油畫簡介：油畫（an oil painting；a painting in oils）是以用快乾性的植物油（亞麻仁油、罌粟油、核桃油等）調和顏料，在畫布亞麻布，紙板或木板上進行製作的一個畫種。作畫時使用的稀釋劑為揮發性的松節油和乾性的亞麻仁油等。畫面所附著的顏料有較強的硬度，當畫面乾燥後，能長期保持光澤。憑借顏料的遮蓋力和透明性能較充分地表現描繪對象，色彩豐富，立體質感強。油畫是西洋畫的主要畫種之一。
什麼是抽象派的油畫,怎麼欣賞?
泛指二十世紀想脫離「模仿自然」的繪畫風格而言，包含多種流派，並非某一個派別的名稱。

抽象繪畫是以直覺和想像力為創作的出發點，排斥任何具有象徵性、文學性、說明性的表現手法，僅將造形和色彩加以綜合、組織在畫面上。

抽象繪畫的發展趨勢，大致可分為：﹝一﹞幾何抽象﹝或稱冷的抽象﹞。這是以塞尚的理論為出發點，經立體主義、構成主義、新造形主義....，而發展出來。其特色為帶有幾何學的傾向。這個畫派可以蒙德里安(Mondrian)為代表。﹝二﹞抒情抽象﹝或稱熱的抽象﹞。這是以高更的藝術理念為出發點，經野獸派、表現主義發展出來，帶有浪漫的傾向。這個畫派可以康丁斯基﹝Kandinsky﹞為代表。