『壹』 什麼是視覺藝術
視覺藝術[Visual Art]視覺藝術是用一定的物質材料，塑造可為人觀看的直觀
視覺藝術
藝術形象的造型藝術，包括影視、繪畫、雕塑、建築藝術、實用裝飾藝術和工藝品等。造型手法多種多樣；所表現出來的藝術形象既包括兩維的平面繪畫作品和三維的雕塑等藝術形式，也包括動態的影視視覺藝術等視覺藝術形式。
視覺藝術不同於聽覺藝術，它是看的見，用手摸的到的藝術，強調真實性。繪畫藝術、雕塑藝術、服裝藝術、攝影藝術都是傳統的視覺藝術。影視藝術、動漫藝術、環境藝術，這三個視覺藝術的存在時間不是很長，但是卻起到了很大的作用，影視藝術和動漫藝術屬於綜合藝術，既屬於視覺藝術又屬於聽覺藝術。環境藝術是一個新興學科，它在環境的規劃方面起到很大的作用，對人類的生活起到很大的幫助，使城市的規劃更加人性化。所以環境藝術是很好的視覺藝術形式！
視覺藝術的學習還包含對視覺文化的學習，分析和研究視覺世界中觀念性的因素。以顏色為 例，學習顏色不僅包括使用顏色的各種技術使用手段，還應包括更廣闊和更深入復雜的問題，要求理解各種顏色的象徵意義，各種顏色引起的情感反應，全面認識在不同歷史階段和不同 文化中，顏色使用方面的各種微妙問題。
視覺藝術不同於聽覺藝術，它是看的見，用手摸的到的藝術，強調真實性。繪畫藝術、雕塑藝術、服裝藝術、攝影藝術都是傳統的視覺藝術。影視藝術、動漫藝術、環境藝術，這三個視覺藝術的存在時間不是很長，但是卻起到很大的作用，影視藝術和動漫藝術屬於綜合藝術，既屬於視覺藝術又屬於聽覺藝術。環境藝術是一個新興學科，它在環境的規劃方面起到很大的作用，對人類的生活起到很大的幫助，使城市的規劃更加人性化。所以環境藝術是很好的視覺藝術形式！
從人類文化的開始到現在，人類通過自身創造的視覺形象來傳達信息，一
視覺藝術
直是人與人之間相互交流的基本手段。這些視覺形象在今天被我們稱之為「視覺藝術」。它們對人類歷史文化的傳承和人們的精神生活都有著深遠的影響。
視覺藝術作為一種傳達信息的「語言」，與我們平常使用的口頭語言和書面文字一樣有其自身的結構與規則。如果我們想通過自己的眼睛去理解和領會視覺藝術所傳達的信息與意味，必須在一定程度上能夠認識和感受視覺形象語言。就象我們打算通過英語來閱讀和寫作，必須懂得英語的詞彙和語法關系一樣。我們有理由相信：一個對視覺藝術語言具有專門知識的人與一個對這種語言一點也不了解的人，在觀看同一件作品時，其觀看的結果與感受會完全不同。正如著名的心理學家魯道夫。阿恩海姆在其《視覺思維》中所談到的：「一個有經驗的外科醫生、機械師和生理學家，在觀看一種傷口、一部機器和顯微鏡下的標本時，會看到一個新手從中看不到的東西。」一句話，知識可以改變我們所看到的東西。我們這門課程即是希望通過向學生提供全面而系統的有關視覺藝術語言方面的知識，以幫助學生提高理解和感受視覺藝術語言的能力，真正通過自己的眼睛去欣賞視覺藝術。
『貳』 什麼是視覺藝術
視覺藝術是用一定的物質材料，塑造直觀形象的藝術，包括繪畫、雕塑、建築藝術、實用裝飾藝術和工藝品等。視覺藝術是一種感受的方式，它也就是造型藝術。它的特點是所選用的材料是多方面的，木、泥、銅、布多種多樣。所表現的形態主要為三維的立體形態，既或是平面的兩維繪畫作品，也會因為色調變化和透視原則的運用，而使人們有三維感覺。視覺藝術的另一特徵是它的靜態的、凝固的特點，是在某一時間斷面上凝固的審美客體。不過靜態的視覺藝術也可以產生動態的效果。除了國畫、油畫、版畫、攝影等大類別，其他的如漆畫、粉畫、速寫、根雕、木雕、剪紙等等，均具備以上所談及的藝術特徵。
『叄』 什麼是視覺傳達藝術
大學專業：
專業培養目標：培養有一定藝術素養，掌握視覺傳達藝術設計基本理論和專業技能，在各級各類視覺傳達藝術設計、出版教育和生產製作單位工作的高級技術應用性專門人才。
專業核心能力：視覺傳達藝術設計和應用表現能力。
專業核心課程與主要實踐環節：繪畫基礎、圖案基礎、平面構成、色彩構成、立體構成、專業水粉技法、國畫基礎、標志設計、包裝裝潢設計、包裝造型設計、容器造型設計、書籍裝幀設計、廣告招貼設計、展示設計、廣告設計、電腦平面動畫設計、繪畫技法表達能力訓練、電腦設計應用、視覺傳達藝術設計、參觀實習等，以及各校的主要特色課程和實踐環節。
可設置的專業方向：
就業面向：各級各類視覺傳達藝術設計、出版和生產製作部門。
『肆』 西方現代視覺藝術流派
20世紀產生於美國畫壇上的抽象表現主義，標志著西方現代藝術中心從巴黎轉移到了紐約。如果說，這個畫派其實是歐洲現代派繪畫在美國的延續，那麼此後在美國所產生的種種繪畫流派，則全然是美國人自己的創造。波普藝術，便是最早的一個具有美國特點的畫派。波普藝術出現在50年代中後期，按照利希滕斯坦的說法，「把商業藝術的題材用於繪畫就是波普藝術。」它取材通俗，視覺圖像簡單直接，並且排除個性的流露。丙烯、搪瓷等材料在畫面上造成平整光滑的肌理效果，讓人想到雜志封面，帶有高度類型化的氣息。在波普藝術家眼中，藝術就是生活，生活就是藝術。它可以直接以現實生活中的物品為題材，而生活中的物品也可以直接作為波普藝術作品。波普藝術之後的美國畫壇上，顯示出流派紛呈的氣象。照相寫實主義、光效應、硬邊繪畫等等紛至沓來，讓人眼花繚亂。光效應藝術流行於60年代，它通過線、形、色的特殊排列引起人們的視錯覺，在靜的畫面上造出動的效果。照相寫實主義主要流行於70年代，它根據照片繪制畫面，形象逼真而細致。
約翰斯是波普藝術早期的代表人物，他生於南卡羅來那州，1952年移居紐約。他的畫摒棄抽象表現主義那種短暫情感的表現，創造出一種用純繪畫形式、甚至用生活中的實物，精緻處理日常現實題材的「新達達」風格。這種風格在波普藝術的發展中發揮了決定性的作用。約翰斯選擇美國國旗作為該畫的唯一母題。這一母題對於一般的美國公眾來說，具有很強的象徵意義。「再沒有別的社會符號有美國國旗這么強大的抵抗審美轉化的力量了。」然而約翰斯偏要堅持說：「這不是旗子。」這不免讓人想起馬格里特曾在其畫著煙斗的一幅畫上寫下的一句話：「這不是煙斗。」確實，那不是煙斗，而只是一幅畫。約翰斯在此所要說的，想必也是這個意思。他在這幅畫中，其實是要表現圖像與現實之間的那種界限。雖然他以高度寫實的技巧把三面旗子描繪得十分逼真，但是它們看上去卻似乎很不自然。它們毫無飄動和下垂的感覺，彷彿懸浮在半空。可以看出，它們彼此隔有一定的距離和空間，但是相互間沒有任何聯系。假如說它們多少還有那麼一點動的感覺的話，那就是旗子上的紅、白、藍三色並不是平塗的單色，而是略微地帶著起伏波動的效果。人們也許要問，畫家是否在為這三面旗子畫肖像這樣的肖像，想必只會存在於畫家的腦子里。因而，這幅畫所描繪的決不是一個真正的現實，而只是一種幻想的現實罷了。當我們第一眼看到這幅畫時，怎麼也不會想到它會讓人有如此奇怪的感覺。
《瑪麗蓮夢露》，安迪沃霍爾作，1967年，版畫，各90x90厘米，廣島，現代美術館藏。
在波普藝術中，最有影響和最具代表性的畫家是安迪沃霍爾（AndyWarhol，1927—1986）。他是美國波普藝術運動的發起人和主要倡導者。1962年他因展出湯罐和布利洛肥皂盒「雕塑」而出名。他的繪畫圖式幾乎千篇一律。他把那些取自大眾傳媒的圖像，如坎貝爾湯罐、可口可樂瓶子、美元鈔票、蒙娜麗莎像以及馬麗蓮夢露頭像等，作為基本元素在畫上重復排立。他試圖完全取消藝術創作中手工操作因素。他的所有作品都用絲網印刷技術製作，形象可以無數次地重復，給畫面帶來一種特有的呆板效果。對於他的作品，哈羅德羅森伯格曾經戲謔地說：「麻木重復著的坎貝爾湯罐組成的柱子，就像一個說了一遍又一遍的毫不幽默的笑話。」他偏愛重復和復制。「我二十年都吃相同的早餐，」他解釋說：「我想這也是反復做同一件事吧。」對於他來說，沒有「原作」可言，他的作品全是復製品，他就是要用無數的復製品來取代原作的地位。他有意地在畫中消除個性與感情的色彩，不動聲色地把再平凡不過的形象羅列出來。他有一句著名的格言：「我想成為一台機器」，恰與傑克遜波洛克所宣稱的他「想成為自然」形成鮮明對比。他的畫，幾乎不可解釋，「因而它能引起無限的好奇心——是一種略微有點可怕的真空，需要用閑聊和空談來填滿它。」實際上，安迪沃霍爾畫中特有的那種單調、無聊和重復，所傳達的是某種冷漠、空虛、疏離的感覺，表現了當代高度發達的商業文明社會中人們內在的感情。
瑪麗蓮夢露的頭像，是沃霍爾作品中一個最令人關注母題。在1967年所作的《瑪麗蓮夢露》一畫中，畫家以那位不幸的好萊塢性感影星的頭像，作為畫面的基本元素，一排排地重復排立。那色彩簡單、整齊單調的一個個夢露頭像，反映出現代商業化社會中人們無可奈何的空虛與迷惘。
《在鋼琴邊的女孩》，利希滕斯坦作，1963年，布面油畫，紐約，私人收藏。
利希滕斯坦（RoyLichtenstein，1923一）是以畫卡通式的圖像而著名的。與安迪沃霍爾一樣，他不僅對日常生活中的平凡瑣事以及現代商品化社會的粗俗形象偏愛有加，而且，還喜歡以一種不帶個性的、中性的方式，來處理這些形象。對於它們，他既不攻擊批評，也不吹捧美化，只是簡簡單單地陳述——這就是我們身臨其境的城市，這就是那些組成了我們生活的圖像和象徵符號。1961年他開始將那最為平淡無奇的連環漫畫中的形象，放到他的大幅的畫面上去。他津津有味地用油彩或丙烯顏料，將那些連環漫畫原樣放大，甚至把那廉價彩印工藝中的網點，都不厭其煩地復制出來。就畫面的講究和製作嚴謹而言，其畫風顯得十分古典。《在鋼琴邊的女孩》是一幅具有典型的利希滕斯坦畫風特點的作品。整幅畫復制了一幅連環漫畫，比原作放大了五百多倍。畫家不僅把原作的構圖與人物形象准確復制下來，而且對原作者的筆法以及絲網印刷的網點作了精心細致的模仿。他借用廣告畫家的放大格，逐格將連環漫畫上的圖形一成不變地從小格轉移到畫布的大格上去。他還採用特製的金屬雕版，上面打有整齊的小孔，把大片的小圓點有規則地排立在巨幅的畫面上，有意模仿印刷工藝中的網點，以表明其放大的連環漫畫的通俗文化色彩。他聲稱，這種繪畫並不是機械的仿製品，其畫法只是為了形式的原因：「我認為我的作品與報刊漫畫是不同的……，我所作的是造型，而報刊漫畫依我的解釋並不是造型。」
《流》，賴利作，1964年，板、混合材料，149．5x148．3厘米，紐約現代藝術博物館藏。
奧普（OPArt）藝術，又被稱作「視幻藝術」或「光效應藝術」，流行於60年代。這種藝術主要藉助線、形、色的特殊排列引起人們的視錯覺，從而使靜止的畫面產生眩目流動的動感效果。它淵源於包豪斯的傳統，利用了格式塔心理學的研究成果，是與觀者的視覺感知作用緊密聯系的一種抽象藝術。
光效應藝術的光感、幻感和動感源自於畫面本身所擁有的特殊動力特質。線條，如垂直線、水平線、曲線的規律性排列，形狀，如圓形、正方形、長方形的周期性組合，以及色彩的並置、重疊、圍繞、漸變等，給視網膜帶來了特殊的刺激。它蠱惑人們的視知覺，造成閃爍、放射、旋轉、凹凸等運動幻覺。這種視覺上的飄忽不定，甚至使觀者在不經意間便被拉人到意識渙散的恍惚狀態之中。可以說，它是一種視覺魔術。盡管我們知道，所有的繪畫藝術都涉及到物理事實與心理效果之間的差距問題，然而在這里，我們仍會驚異於靜止平面上的那種起伏波動的幻覺效果。
光效應繪畫的創作有點像是對視覺所作的科學試驗，而與情感無關。這種繪畫並不只限於畫面本身，它還呼喚著觀者的參與，只有當人們看著它時，它才能在與觀者的相互作用中獲得完整性，實現它的價值。實際上，這種傾向可以追溯到印象主義和新印象主義。那些畫家都盡量避免調和顏料，而是讓原色在畫布上並置，當觀者退後到適當距離時，由於視網膜的獨特復合作用，人們感覺到了光的閃爍。光效應畫家將這種技巧作了進一步推進，使之成為實際上的主題和內容。光效應藝術很能激起人們的興趣，它被運用於設計、裝飾、廣告等方面，成為流行的一種標簽。光效應的代表畫家包括維克多瓦薩萊利和布里奇特萊利等人。
布里奇特路易斯賴利（BridgetLouiseRiley，1931—）是一位有創造性的英國女畫家。1960年前，她主要畫人物和風景，後來，她投入到光效應藝術中，創作出一批很富動感的作品。《流》作於1964年，是其有名的黑白繪畫系列中的一幅。線條之間的關系似乎經過了仔細的推算和精心的編排，在畫面上造成波折流轉的效果。當眼睛盯著它時，畫面便不斷地起伏波動，「流」的幻覺產生了。
《約翰》，克洛斯作，1971—1972年，畫布丙烯，254x228．6厘米，紐約威爾敦斯坦畫廊藏。
照相寫實主義又被稱作超級寫實主義，是流行於70年代的一種藝術風格。它幾乎完全以照片作為參照，在畫布上客觀而清晰地加以再現。正如克洛斯（ChuckClose）所說，「我的主要目的是把攝影的信息翻譯成繪畫的信息。」它所達到的驚人的逼真程度，比起照相機來有過之而無不及。
照相寫實主義的畫家們並不直接寫生。他們往往先用照相機攝取所需的形象，再對著照片亦步亦趨地把形象復制到畫布上。有時他們使用幻燈機把照片投射到幕布上，獲得比肉眼所看到的大得多、也精確得多的形象，再纖毫不差地照樣描摹。藍本上一些不夠清楚的細節，也被畫家們予以修正，而具有同樣的逼真性和清晰性。如此巨細無遺的精確畫面，在某種意義上反倒成了對人們常規觀察方式的一種挑釁。因為在一般情況下，人們對形象的視覺感知不會細致到面面俱到，不放過任何細節。通常由於職業、情感、性格以及實用主義等諸多影響，眼睛會有所選擇地對形象作出反應，有些可能經仔細觀察獲得了清晰印象，有些可能只是一帶而過，甚至很多時候，人們的看只是大致清楚而已。照相寫實主義的寫實幾可亂真，但它對所有細節一視同仁的清晰處理，則暗示了它與現實之間的距離，暗示了真實之下的不真實。此外，照相寫實主義畫家們有意隱藏了一切個性、情感、態度的痕跡，不動聲色地營造畫面的平淡和漠然。這種表面的冷漠之下，其實包含了某種對社會的觀念，它反映的是後工業社會中，人與人之間精神情感的疏離和淡漠。
照相寫實主義作品往往尺幅巨大，給視覺帶來某種震撼。查爾斯貝爾（ChadesBell）認為，「極度地改變日常東西的尺寸，使我們能夠進入裡面，更容易探索它的表面和結構。」大尺幅的繪畫是以一種獨特的方法炮製出來。畫家常常把照片劃分為許多小格，再按照比例一小塊一小塊地仔細復制。顯然在完工之前，看不出畫面的整體效果。照相寫實主義題材廣泛，形象逼真，並且無一例外地摒棄一切主觀因素。表面上看，它是對寫實的回復，而實際上，它是對當代社會的某種揭示。寫實，在這里已經成為與抽象並駕齊驅的一種現代藝術手法。
照相寫實主義的出現曾經招來一片可以想像的批評和攻擊，靠了畫商的支持和大眾的熱情，它立住了腳跟且聲名鵲起。這一風格的畫家中，克洛斯以人物肖像為唯一的題材，埃斯特斯喜歡描繪都市街景，戈因斯對咖啡廳和快餐店感興趣，查爾斯貝爾把精力花在描繪游戲玩具上，羅伯特貝希特勒則致力於平衡照片與繪畫之間的關系……盡管從事照相寫實主義繪畫的人數不算多，但它的影響倒是綿延不絕，甚至至今仍有人對它頗有興趣。
克洛斯（ChuckClose，1940一）是照相寫實主義的代表人物。他生於華盛頓，曾就學於華盛頓大學、耶魯大學、維也納造型藝術學院。他早先從事抽象表現主義創作時，發現他的作品與別人的作品同出一轍，缺少自己的特點。為了追求自己的視像和觀念，他於是轉向了畫人，且藉助照片畫人。他從1964年起描繪人像，兩年後專以照片為藍本作畫。他調侃道，「抽象表現主義的畫家都畫得很『帥』，我就採用最笨的。他們的畫用顏色塗得很厚，我就只用黑白，塗得極薄。當然，後來我也用了色彩。」他終於找到自己，做到了與眾不同。克洛斯描繪的對象都是他所熟悉的親友，他了解他們的音容笑貌、個性心理，但在畫面上，不僅人物毫無表情，不傳達任何自己的特點，克洛斯也抹去自己的感情，不表露任何傾向。他用噴筆和電動橡皮代替可能泄露個性的畫筆，費時耗力地進行他的工作。《約翰》是他70年代初的一件作品，人像逼真，纖毫畢現。皮膚、毛發、眼睛、眼鏡等均被描繪得富有質感。如此大的尺幅，加上如此強的逼真，會讓人產生一種念頭，那就是真得「像假的一樣」了。
『伍』 視覺藝術有哪些特點
強調真實性；是社會對話的一種形象語言，對話的雙方對同樣的形象符號所代表的社會內涵必須具有基本相同或相似的認識或一定程度上的基本認同。
各時代的藝術特點
古代埃及美術具有平面性、裝飾性和高度程式化的特點。
古代希臘美術的主要特點是無所不包的和諧與規律性，庄嚴與靜穆。
古羅馬肖像注重人物面部細節刻畫的特點，趨向於個人意志的創造，表現出敢於參與世事爭勝的氣概。
中世紀美術的特點是簡潔明快，一目瞭然，產生精神的感染，充滿非自然的神性而無人性。
文藝復興時期佛羅倫薩的美術重素描和尊從構圖的對稱、均衡與和諧，而威尼斯的畫家們則竭立追求色彩和激情傳達。
樣式主義美術的主要特徵是：在表現題材中有相當部分是裸體人物，具有古怪和扭曲的體態和發達而誇張的肌肉，作品的思想內容比較隱晦朦朧，人們難以認識;畫中情節往往不在視覺中心顯現，被隱約放在次要地位。
巴洛克藝術顯得壯觀和華麗，強調非理性的無窮幻想與幻覺，極力打破和諧與平靜，在雕刻和繪畫中都充滿了緊張的戲劇氣氛；建築則體現出豐富多變的構造，飽含激情和強烈的運動感是巴洛克藝術的主要特徵，重視空間關系處理，表現出藝術形象的空間立體，繪畫依靠光造型，追求空間深度感，建築和雕刻強調層次和深度，盡量打破平面；綜合藝術處理，這種綜合在總體上有建築、雕塑和繪畫的綜合，也有繪畫與雕刻的互相綜合、造型和環境的綜合，也包含自身各部分的綜合；充滿濃厚的宗教色彩。
洛可可風格形式更為纖細小巧，色彩鮮明，致力於表現頗為瑣細的宮廷生活的輕快、親密的場景，有時也表現田園風光，以嫵媚和矯揉造作為特徵。
學院派繪畫強調要繼承文藝復興時的古典藝術，追求形式的完美和內容的典雅。
浪漫主義強調個性、情感、戲劇性的藝術風格，通常是用異國的、文學的或歷史上久遠的題材表現出來。
現實主義的主要特徵是以真為美、以實為美。
印象主義追求光色變化中表現對象的整體感和氛圍氣的創作方法，主張根據太陽光譜所呈現的赤橙黃綠青藍紫七種色相去反映自然界的瞬間印象。
後期印象主義不滿足於印象派對自然的客觀描繪，而強調主觀感受的再創造，一般不表現光，而注重色彩的對比關系、體積感及裝飾性等。
象徵主義不再致力於忠實地表現外部世界，而是要通過象徵的、隱喻的和裝飾性的畫面來表現虛幻的夢想以啟示於人。
野獸主義主要原則是通過顏色起到光的作用達到空間經營的效果，全部採用既無造型，也無幻覺明暗的平塗，手段要凈化和簡化，運用構圖，在表達與裝飾之間，即動人的暗示與內部秩序之間，達到絕對的一致。
立體主義從多個視角觀看物體，創造出物體的三維效果，同時又保持了畫面的平面特徵。
表現主義強調強烈情感表現代替對傳統的寫實主義和比例規范的遵循。
未來主義在立體主義多視點的基礎上加上了表現速度和時間的因素。
抽象藝術對真實物體的描繪已被視為次要,或徹底拋棄描繪真實物體的任何一種藝術,它的美學內涵通過形、線、色所構成的形式結構表現出來。
波普藝術的特點是把大眾文化物品，如連環漫畫、流行的食品及印有商標的包裝進行特大復制。
超現實主義強調荒誕。
達達主義認為，藝術的精品產生於現成物、現成藝術品、拼貼畫和其他歷史上不被接受的素材及技法。
超級現實主義認為應該排除畫家的主觀意念，做到純客觀地、真實地，甚至像攝影那樣的再現物象，所以又稱之為「照相寫實主義」。