美國人如何融入藝術

『壹』 19世紀下半葉的美國美術是如何發展的

以美國南北戰爭為界線，標志著美國藝術開始走向全面成熟的時期，無論是在風景畫、肖像畫還是在風俗畫方面都出現了一批掌握了純熟繪畫技巧，能充分展示自己的個性，並且能深刻反映美國人民現實生活和思想感情的藝術家。

溫斯洛·霍默（Winslow Homer，1836—1910）被認為是美國19世紀最偉大的畫家。他出生於波士頓的一個中產階級家庭。父親是一個善良的商人，母親受過良好教育，這使霍默從小就生活在一個藝術環境之中。後來霍默在紐約全國美術設計學院接受了正規的藝術教育。霍默的藝術是典型的美國藝術。他早年的作品表現美國人民愉快的生活，中年的作品則是戰爭時代的記錄，晚年在緬因州海岸畫的反映漁民生活的畫面，氣勢磅礴，感情深厚，成為美國精神的象徵。

霍默又是美國第一代風俗畫家。他早期從事版畫製作，主要描繪美國人民樂觀的性格，充滿了生氣，在構圖與造型上都有一種臨場效果，動作的隨意性、構圖的不完整性為其特徵，這與當時版畫的新聞性有關，運用於油畫中則成一種新風格。南北戰爭成為霍默藝術的轉折點。他作為美術記者隨軍采訪並根據戰地速寫畫了一批反映戰爭生活的油畫，如《前方來的俘虜》。戰後大批青年人赴歐學畫，民族畫派受到冷落，霍默有些失意，於是轉向水彩畫創作，在偏僻的鄉村探索自己對自然和生活的感受。他畫海洋瞬息變化的氣候，用筆有一種自然力量。其作品1890年獲得巴黎國際博覽會金質獎章。代表作品有《海流》（1899）等。

托馬斯·伊肯斯（Thomas Eakins，1844—1916）是美國著名的現實主義畫家。伊肯斯生於賓夕法尼亞，最初就學於賓夕法尼亞美術學院，1866年從費城到巴黎，在學畫過程中受馬奈影響很大。隨後又到西班牙，受委拉斯貴支繪畫的影響。1870年，伊肯斯回到費城任教於賓州美術學院附中，開始探索現實主義的教學方法，主要畫日常生活題材，包括家庭風俗畫、戶外運動場景和肖像畫。他的代表作品有《格羅斯病院》（1875）等。伊肯斯早先的人物畫多表現行動中的人，構圖較復雜，包含自然的與人文的形式，如橋、帆船、賽艇等，在《轉過標樁》和《游泳池塘》等畫中作為基本的因素組合在構圖中。室外場景畫也包括外光、色彩和氣候等復雜因素，最後的室外題材《荒野上的牛仔》是他所有作品中色彩最響亮和最單純的。他的後期創作主要是肖像畫，他的肖像畫不是組合形式的，而是單一的靜態人物，通常襯以樸素的、無物體的背景，這是一種中心形式的構圖，強化了造型感。伊肯斯是第一個接受當代美國都市生活的重要藝術家，並從中創造出有表現力的藝術，他使美國的現實主義傳統走向成熟。

卡薩特（Mary Stevenson Cassatt，一1926），1844年生於美國賓夕法尼亞州的阿勒格尼城，曾隨父母游歷於歐洲。1861年她不顧家人的反對考取了費城的賓夕法尼亞美術學院，開始了藝術生涯。但她對此院的教學感到不滿，教條式的學院課程使她的創造力和自由受到壓抑，於1866年夏天來到巴黎。除了臨摹盧浮宮的先輩大師作品外，她也到巴黎沙龍學習同時代藝術家的作品。1867年她參觀了庫爾貝和馬奈的畫展，對馬奈作品很有興趣。1872年春，卡薩特向巴黎沙龍送的第一件作品《狂歡節日之前》被接受，其後兩年她都送作品參加沙龍的展覽。1874年，她的一幅中年婦女肖像畫在沙龍展出，受到德加的高度評價。1879年，應德加的邀請，卡薩特參加了印象派畫展，直到1886年這段時間，她始終是印象派的活躍成員。1879年展出的《藍色扶手椅中的小女孩》和作於1883年的《穿黑衣的婦女》是她的代表作品。前者用筆豪放，傳達出的卻是一片寧靜、安逸的氣氛；後者則表現出東方藝術對她的影響，尤其是背景上的扇子，具有濃郁的東方風味。1886年以後她的作品進入新的風格階段，開始追求簡潔、穩定的構圖，注意力多放在母親和孩子的題材上。她的《埃米和她的孩子》（1899）用筆流暢，但避免了過分闊大的筆觸，認為那是印象派的標簽，可見她這時在內容和手法上都體現出與印象派不同的風格。1890年在日本版畫的影響下，她創作了一套十色凹版畫，包括《洗澡》、《梳洗》、《書信》等。1900年後，卡薩特的創作進入後期，這也是她多產的時期，作為母於題材畫家的聲望日益提高，在歐洲局勢動盪不安的情況下，人們能從她的畫中感受到一種親切的懷舊之情。

約翰·辛格·薩金特（John Singer Sangent，1856—1925）生於義大利的佛羅倫薩。童年隨母親漫遊歐洲各地，1870年到1874年在佛羅倫薩美術學院接受系統的教育，1874年定居於巴黎，考人卡羅勒斯一杜朗（Carolus—Duran）的畫室學習。卡羅勒斯是一位肖像畫家，運用著嚴格的現實主義手法，薩金特很快成了他最得意的學生，同時也將自己的才能集中到肖像畫上。1877年薩金特的一幅畫被沙龍接受。1878年他根據海景及漁民生活的速寫創作的油畫《坎卡爾的拾牡朗者》為他贏得名聲，標志著他在職業藝術界的第一次成功。1879年，薩金特到西班牙旅行，臨摹了許多大師的作品，其中受委拉斯貴支的影響很大，並完成第二幅大畫《埃爾·傑莉奧》。此後他作為一名肖像畫家名重一時，《卡羅勒斯一杜朗肖像》、《波依特的四個女兒》等都是這時期的代表作。在英國皇家協會展出的《維克三姐妹》、《少女和玫瑰》和《亨利·懷特夫人》體現了他敏銳的觀察力及卓越的技巧，畫面富麗典雅。到了80年代，薩金特的作品越來越精彩，他特別喜歡用光的效果來突出質感和面料的感覺。1884年在沙龍展出了《高特魯夫人》肖像。1885年移居英國後，他對外光景色發生了興趣，畫了不少速寫，並創作了《康乃馨、百合花及玫瑰》。整個90年代是薩金特事業的頂峰，1897年他被選人紐約全國美術設計學院、倫敦皇家藝術學院和法國勛級會。他後期的肖像畫代表作有《河格紐夫人》及《溫德姆三姐妹》。1899年，他接受美國波士頓公共圖書館的建築裝飾設計及壁畫設計的任務，此間還畫了《埃及少女》。風景畫是薩金特的另一主要成就，1905年以後水彩成為他旅行寫生的工具，創作了許多優秀作品，如《修帆》（1905）、《阿拉伯馬廄》。晚期他還創作過兩幅以第一次世界大戰為題材的壁畫。20世紀以來，現代派潮流沖擊歐洲畫壇的時候，他始終堅持了現實主義藝術道路。

艾伯特·賓漢姆·賴德（Albent Pinkham Ryder，1847—1917）是美國19世紀最重要的浪漫主義畫家。他出生於馬薩諸塞州的新貝德福德。雖然他一直住在紐約的貧民區，但他的繪畫題材大都是海景和其他風景。他的繪畫充滿了怪誕與夢幻，色彩奇麗，用筆厚重。雖然他訪問過歐洲，但沒有受歐洲繪畫的影響，而是始終在探索自己的內心世界。賴德留下的重要作品有《阿登的森林》（1888—1900）《海上月光》和《白馬上的死神》（約1910）等。

『貳』 你認為中西方現代藝術是怎樣的人交融的

你認為中西方現代藝術是怎樣的人交融的？命苦破會YY

『叄』 中國的文化藝術博大精深，美國有什麼文化藝術

近代的流行音樂。還有藝術塗鴉，電影製作。籃球。都是美國的強項。。美國是個新生不久的國家。沒有什麼文化底蘊。。但是他能夠吸引人才。而且民風 比較散漫瀟灑。。富有創意。敢於施行。所以現在控制了現代的各種先端的文化。並且揚長避短。突發科技。將幻想變作可能。。突破前衛突破極限是他們國家的宗旨。中國的話。是幾千年以來不斷的在前人的基礎上教授技藝思想才使得中國源遠流長。不至於像古巴比倫一樣消亡。又不至於像古埃及那麼閉塞。又不至於像印度那麼刻板。美國的藝術在新。在創。中國的精華在改，在承

『肆』 現代西方藝術是如何發展的

美術和音樂是西方人文化生活的重要組成部分。進入20世紀以後，美術和音樂領域有了進一步的發展，出現了許多體現現代精神的新風尚和新流派，令人眼花繚亂。美術界出現了野獸主義、立體主義、表現主義、未來主義、行動繪畫和色彩抽象繪畫、歐普藝術、波普藝術等流派，音樂界產生了印象主義音樂、表現主義音樂、新古典主義音樂、電子音樂和爵士音樂等新流派。這一時期現代西方藝術的流派呈現出反傳統，弘揚個性，反映現實的特點，風格和流派更加多元化，且變化頻繁，藝術的中心逐漸由歐洲轉移到美國。

20世紀西方現代美術發展的新潮流20世紀的西方美術是現代主義思潮占統治地位的時期，其突出的特點是反傳統，從形式到內容都顯示出一種叛逆者的姿態。在技法上，大都反對傳統的寫實主義，追求新奇，空間結構錯亂，色彩配置隨意，點線紊亂，缺乏透視；在創作主旨上，都主張強調自我，表現個人情感和內心世界。出現這一趨勢的原因主要有：一是科技的影響。現代科技的發展改變著人類社會生活的面貌，也改變著人們的審美情趣。照相術和電影的發明對繪畫的沖擊最大，這兩種新技術使運用機械手段准確無誤地記錄客觀形象成為可能，從此意義上來講，傳統繪畫技巧所完成的不過是照相機所做的記錄事物表面的光反射反應而已。畫家們再也不能以描繪事物的表面形狀來引起觀眾的共鳴了，他們只能轉向用表現精神領域裡面的東西來打動人。二是現代哲學思想的影響。20世紀初出現的現代主義哲學思想為人類進一步了解精神領域的活動提供了前提，尤其是弗洛伊德的精神分析法和法國柏格森的「心理時間」觀念等理論為藝術家從事創作提供了有力的思想武器，他們逐漸從描繪客觀世界的「外向藝術」轉向描繪主觀世界的「內向藝術」，藝術的社會職能也相應地由社會和教育功能轉為滿足人類普遍精神需求的「泛功利主義」。三是古代美術遺產和東方文化的影響。進入近現代以來，考古學家陸續在各大洲發現了一些原始土著文化的藝術品，這些古樸稚拙卻又形象生動的藝術品給藝術家帶來了創作靈感。東方文化藝術品的西漸，尤其是中國的水墨山水畫、印度的石窟藝術等從各種途徑傳到了西方，這些與西方寫實風格相異的新風格為西方藝術界帶來了一股清新之風。沒有繼承，無以創新；沒有創新，無以發展。20世紀一批富有創意的藝術家正是站在歷史巨人的肩膀上才攀上了一個新的藝術高度。

20世紀的西方各種美術風格流派並存多變，且與商品化的聯系更加密切。二戰前，美術界出現了眾多的現代流派。二戰後，新的風格和流派像走馬燈一樣交錯更迭，變異得更快、更頻繁，資本和資本的邏輯也已滲透其間。

二戰前的現代派美術流派第二次世界大戰前，野獸主義。立體主義、表現主義、未來主義、達達主義、超現實主義是影響較大的流派。

野獸主義是20世紀初出現最早的一個現代主義繪畫流派。1905年，在法國巴黎舉辦的秋季沙龍畫展中，展出了馬蒂斯、弗拉芒克、馬爾開、杜飛等一批青年藝術家的作品。因其技法一反常規，被評論家稱為「野獸般的藝術」，野獸派由此而得名，馬蒂斯為該派的代表人物。野獸派各個畫家風格不盡相同，但他們都強調在創作中用大色塊和豪放不拘的線條，來表現個人的主觀感受和自由意志，畫面一般都缺乏透視感，具有裝飾性很強的圖案效果。

亨利·馬蒂斯（1869—1954年）是法國著名的現代派畫家。二十多歲正式學畫，他繼承了許多著名畫家的優良傳統，並汲取了東方藝術的特點，逐漸形成了自已的畫風，創作了大量刻意求新的作品，在美術界產生了廣泛的影響，並成為野獸派中成就最高、影響最大的畫家。馬蒂斯的名言是「准確描繪不等於真實」。這句話成了現代藝術的綱領。他的主要作品有：《生活的快樂》。《藍色的裸體》、《紅色的和諧》、《打開的窗子》和《戴帽的女人》等。

立體主義是1907年在法國藝術界出現的一個新的藝術流派，主要代表人物是西班牙的畢加索和法國的勃拉克等，其中貢獻最大的是畢加索。該畫派主張把一切形象解體成最簡單的幾何形塊，按畫家的意願組合起來。在他們的畫中，一切物體、風景、人物和房子變成了幾何圖形和方塊，既能看到物體的正面。側面，還能看到其背面。立體派給人一種新的觀察世界的方法，即多視角地觀察世界，它盛行西方世界達半個世紀，20世紀二三十年代為其最繁榮的時期。

巴勃羅·畢加索（1881—1973年）是20世紀影響最大的畫家之一。他7歲開始學習繪畫，一生創作了數以萬計的作品。最重要的貢獻是創造了立體主義。1907年創作了震驚歐洲畫壇的《亞威農少女》，畫面上五個人物的形體，尤其是臉部、正面、側面、斜側面全合到一起，完全違反了人的視覺所看到的形象。這幅作品被認為立體派的開端。他熱愛和平反對戰爭，繪制過《和平鴿》，1937年繪制的反法西斯名畫《格爾尼卡》轟動世界。

表現主義產生於第一次世界大戰前的德國，其代表人物是挪威的蒙克、德國的基爾希奈、馬爾克、俄國的康定斯基等，其宗旨在於表現內心世界感受到的一切，通常總是將現實的東西加以變形，使畫面呈現激烈的、粗糙刺目的、悲愴的、恐怖的氣氛。

未來主義產生於1909年的義大利，其代表人物是馬利奈蒂、波菊巴。巴拉等。他們主張在繪畫中要表現感情的爆發，表現飛速運動的力，在一個畫面上表現抽象的動態美。

達達主義誕生於1916年瑞士的蘇黎世城。該派隨便從字典上撿出一個兒童語匯「達達」作為本派的名稱，他們以虛無主義態度否定一切，否定理性和傳統文化，認為藝術可以不受任何限制，藝術可以是任何藝術家隨心所欲的產物。達達主義的代表人物馬塞爾·杜桑的作品可以說是達達派的典型之作。使他一舉成名的《下樓的裸女》，是一連串如機器人一樣的重疊圖畫；帕行車車輪》是一隻現成的自行車車輪倒豎在一張木凳上；《泉》是一個釘在木版上的小便池，更是驚世駭俗。

超現實主義是1922年前後從達達主義內部分化出來的一個新流派。該派在弗洛伊德學說影響下，力圖系統研究如何表達人的「潛意識」。代表人物有西班牙的達利和米羅等。達利的《記憶的靜止》，勾畫了一個產生錯覺的痛苦世界成內戰的預感》描繪了戰爭給人帶來的恐懼。米羅的代表作為《海灘上的女人》等。

二戰後的現代派美術流派第二次世界大戰並未使藝術發展本身的趨勢得以中斷，自20世紀初出現的各種現代主義美術流派，在戰後依然顯示著它們的創造力。但戰爭和社會的變遷畢竟還是會對藝術的發展帶來了重要影響，出現了一些新的流派。其中比較著名的有行動繪畫和色彩抽象繪畫、歐普藝術、波普藝術、照相現實主義等。這一時期，現代主義藝術運動的中心從法國的巴黎逐漸轉移到美國紐約。

行動繪畫和色彩抽象繪畫是五十年代在紐約產生的最為風行的一個美術流派，它屬於抽象表現主義藝術，在戰後西方藝術史上有著重大的意義。行動繪畫又稱「滴畫」，最著名的畫家是傑克遜·波洛克，他用在畫布上滴濺顏料的方法，開創了繪畫活動與下意識活動相結合的新途徑。畫家沿著畫布邊走邊滴，他自身的運動與滴色動作相協調，由此來反映畫家的繪畫行動，所以得名為「行動繪畫」。這種隨意性極大，不受任何繪畫技巧理論的支配，最終出現何種效果連畫家本人都難以預料的方法，是與繪畫中一切傳統形式相背離的，它只關注於繪畫材料本身和繪畫語言，去追求色彩的的偶然效果。色彩抽象繪畫，亦稱「大色域繪畫」。五十年代，以美國的馬克·羅斯科為該派的代表。他的畫往往是由簡單的形狀、彩色的方塊、粗粗的線條組成，構成了一種抽象的空間，似乎表達了某種信仰或精神要素，常人往往是看不懂的。

歐普藝術又稱「光效應藝術」或「視幻藝術」，興起於六十年代的歐美。這一流派的藝術家運用各種黑白或彩色幾何形體排列、組合、對比，或重疊，『或交錯構成復雜的圖像，給人造成視角的錯亂，形成變形、顫動等幻覺。該流派在英法意美等國頗為流行，拉丁美洲的阿根廷等國也出了一些名家。其代表作有：英國女畫家賴利的《羽紋》、《三場暴雨》、《領悟》，法國畫家瓦薩萊利的《索拉塔—T》，阿根廷的萊帕克的《三棱鏡視幻作品》等。由於這種藝術的商業廣告效應很好，因此，被廣泛用於裝飾藝術品的設計。

波普藝術是20世紀六十年代最典型的具象藝術。波普是大眾的意思，所以，波普藝術又叫做「大眾藝術」。1952年，一批英國的年輕畫家、雕塑家、建築師以及藝術評論家聚會，成立團體，倡導關注大眾文化，由此掀起了一股波普藝術熱。以後，在美國這種藝術流行起來。美國人羅伯特·勞申堡成為該派最著名的代表人物，他用照片、剪報和各類印刷品拼裝起來，再用油彩畫上幾筆，構成一幅作品，後來，乾脆用一條薄棉被作底，加一個枕頭上去，再潑上顏料任其流淌下去，構成作品。這種作品與原來意義的畫不完全相同，既有畫的成分，亦有雕塑品的成分，還帶有實物裝拼的成分。

照相現實主義又稱超級現實主義，是六十年代後期出現的繪畫流派，也是高科技時代出現的一個新流派。該派的基本方法是攝影的放大和臨摹。在題材選擇方面比較廣泛，往往藉助於一張好看的照片或幻燈片放大作畫，通過極端瑣碎的細節臨摹，以期達到比照片更真實的視覺效果二他們認為「逼真」和「酷似」才是藝術的要素。該畫派最有影響的代表人物是查克·克洛斯，其代表作是《裸女》、《約翰》、《自畫像》等。

20世紀西方現代音樂發展的新潮流20世紀西方音樂藝術進入了一個前所未有的復雜時期，多樣性、復雜性和多變性是其明顯的特點，多種多樣的風格和流派層出不窮。它們互相並存，互相影響。一方面它們和其他藝術形式一樣也具有典型的20世紀特性，即掙脫傳統束縛，主張標榜自我和反理性。另一方面，又有唯理性和反浪漫主義的一面。認為音樂是抽象的，除了自身。它不能表現任何東西。現代音樂與傳統音樂相比在技巧上出現了許多新變化，如調的概念與和聲概念的變化，樂曲節奏和旋律的變動，電子音樂的出現等。目前，隨著科學技術的發展、傳播技術的進步和交通的發達，各國間文化交流日趨增多，音樂的國界正在逐漸消失，流行的速度與頻率也日益加快。20世紀主要的音樂流派是印象主義音樂、表現主義音樂、新古典主義音樂、電子音樂和爵士音樂等。

印象主義音樂、表現主義音樂和新古典主義音樂印象主義音樂出現於19世紀末期，其影響主要產生於20世紀，其代表人物是法國作曲家德彪西。印象派音樂大師德彪西，被認為是20世紀音樂界承前啟後的天才，他結束了一個時代，並把那個時代的成就推向高峰，同時又為一個新的時代開辟了道路。

德彪西出生於巴黎近郊，家庭沒有任何音樂背景，11歲入巴黎音樂學院學習，不斷探索音樂的表現手法，1884年獲羅馬大獎。在19世紀九十年代，開創了音樂史上的印象派。作品多以詩、畫、自然景物為題材，著意刻畫人物的感情，揭示人的精神世界，在調式、和聲、音色等方面逐步形成獨特的藝術個性，並以嶄新的音樂語言開拓了現代音樂的發展道路。在他創作的音樂中，人們可以領略到一種朦朧、飄忽、空幻、幽靜的意境。他先後寫成的管樂序曲《牧神午後》、歌劇《佩利亞斯》、管弦樂《夜曲》。《火海》以及鋼琴曲《月光》等，都是印象主義的代表作。

表現主義音樂是19世紀末20世紀上半葉西方現代派音樂的一種重要流派，它同印象主義音樂觀點相反，印象主義音樂重在反映外部世界，強調客觀性；表現主義音樂重在表現內部世界，強調主觀性。表現主義音樂的主要代表人物是勛伯格及其弟子貝爾格和威伯恩。

勛伯格生於維也納，一生中沒有受過多少正規音樂教育，幾乎是自學成才，1908年後，在表現主義思潮影響下追求無調性等現代派創作手法，創造了無調性音樂。這種音樂總是處於緊張狀態，刺激人的聽覺，適合於表現處於緊張狀態的20世紀的「人」。二十年代他創造了十二音體系，並按此體系寫了大量樂曲。所謂十二音體系，就是摒棄傳統的調式、調性與和聲體制，將半音音階中的十二音體系任意排成一個音列，然後以倒置、進行等技法加以處理。為了避免任何一個音成為主音。在十二音未全部出現之前，其中任何一個音不得重復。十二音體系對70世紀音樂產生了巨大影響。他的學生貝爾格和威伯恩以後對十二音體系進行了創新和發展。勛伯格的作品主要有：弦樂六重奏《升華之夜》、歌曲《摩西和艾倫》、大合唱《華沙倖存者》。

新古典主義音樂是在兩次世界大戰期間興起的。一些作曲家把18世紀古典主義原則與20世紀新文化結合在一起，簡化樂曲的素材、形式，大大壓縮樂隊的編制，使音樂風格簡潔、冷靜而富於理性。主要代表人物是斯特拉文斯基。

斯特拉文斯基（188—1971年）生於俄國，1934年加入法國籍1945年取得美國籍。他的作品種類多，風格變化大，幾乎涉及所有的重要現代流派。其著名的作品有：芭蕾舞劇《火烏》、《春之祭》、歌劇《浪子的歷程》等。

電子音樂和爵士音樂電子音樂就是運用電子技術與設備製作出來的音樂。20世紀科技發展迅速，音樂與科技相結合成為現代派音樂的一大特色，一些作曲家不滿足傳統的樂器音響，開始大膽創新，嘗試電子音樂。1951年，西德科隆廣播電台首創電子音樂製作室，並於1953年生產第一件作品。1956年左右出市。電子發聲器裝置」，把各種發聲器和聲音變化器結合到一起．由統一的系統進行控制，使電子音樂的製作過程大為簡化。六十年代出現半導體技術後，合成器更加完善和小型化，並能參加現場演奏。隨著電子計算機進入音樂領域，人們通過編制好的程序復制出特定風格的音樂，製作者運用電子技術可以任意組合各種奇異的音響，隨心所欲地按照自己的想像進行創作。電子音樂開辟了一塊新的領地，開拓了無窮無盡的聲源，發展前景為音樂界人士看好。

爵士音樂是19世紀末叨世紀初在美國密西西比河下游的新奧爾良產生的一種全新的音樂流派，十幾年後風靡美國，迅速傳遍西方世界。它最初多數為新奧爾良黑人樂隊演奏，當地黑人的祖先多數源於西非洲，因此，爵士樂具有強烈的西非洲音樂風格。

黑人處於美國社會的最低層，處處受到歧視和壓迫，他們想擺脫現實生活的苦悶，因此在勞動、社交場合唱的歌曲中探合了白人的其他音樂，造就出了深含憂郁的歌調，被稱為「藍調」，這是爵士音樂的前身。後來當地一些樂隊和黑人歌曲進一步合流，不久形成了最初的爵士樂。爵士音樂是一種喧鬧、狂熱的音樂。這種音樂以即興演奏為基礎，節奏感強，富於變化，適合表現現代生活。美國作曲家格仁文的《藍色狂想曲》是現代最著名的爵士音樂作品。爵士音樂對以後出現的「搖滾樂」、「迪斯科」音樂等產生了深刻影響。

『伍』 美國藝術留學需要注意些什麼

藝術生申請美國留學需注意的事項：

1. GPA成績很重要，學士學位也是必須的。申請人要提供大學本科成績單(GPA)和學士學位。

2. 要有藝術作品。這是申請美國大學藝術專業最重要的部分，也就是說你申請某個藝術專業，要有這個專業相應的藝術作品，申請時把自己的藝術作品編成集寄過去，這樣對申請會更有幫助。

3. 個人陳述和推薦信。個人陳述和申請其它專業的都差不多，推薦信要由教過你的教授或者專業人士來寫，一般三封或四封，具體看學校要求。

4. 標准化考試。申請美國大學藝術專業一般只需提供TOEFL成績即可，GRE的成績一般不需要除部分學校明確要求提供外，但是有GRE成績當然更好。

很多院校對於學生的GPA都是比較看重的，能充分的體現學生是否有能力完成學業，而藝術生留學除此之外藝術作品的質量是體現其專業水平最直接的東西，有打算去美國留學深造藝術專業的同學平時一定要多注重這些，為自己的申請添彩。

『陸』 為什麼美國的娛樂文化，影響力這么大，比如，好萊塢，美國大片，美式英語，NBA，拳擊，WWE，嘻哈音

美國本來就是流行文化的重鎮，他們的文化產業建立在一個大浪淘沙的成熟市場上，都是幾十年篩選出來的成果。其實最主要的就是美國人重視現在與未來，文化作品大都靠攏現代思維，並想像未來如何發展。所以他們的產業既鞏固了現在，又為以後打好了基礎。他們的市場很殘酷，競爭非常激烈，經過幾十年相關管理條例和法律都很健全，沒有我們這樣的市場亂象，所以發展的很順。更何況我們有個很大的限制，你們都懂的……

美國人歷史太短，創作上不會受到傳統思維太大的束縛。別說流行文化是垃圾沒有發展的價值，那是借口！沒有哪個民族會一成不變，而且這也不符合人類本性，你不創造別人也會去創造的。就像當年他們用我們的火葯造出了大炮，轟開我們的國門一樣，這種規律就是如此冰冷。
他們不會固守老祖宗留下的東西，而是會進一步的擴展它們，這個過程中又會衍生出其他全新類型的作品。他們每代人都以自己當下的生活環境、世界格局和自己視角來創作，因此作品才會這么有創造力也更符合現代審美，畢竟大部分人還是活在當下嘛。古典結合流行是個世界難題，無法強求的。還是應該量力而行，在自己的領域做到最好，讓市場來選擇吧。

說文化侵略，既是也不是…… 文化藝術這種東西人類本來就無法抗拒它們。就算老外不推給我們，我們也會主動去跟他們要。早期就是感興趣的人主動去接觸，當那批人學會後會融入自己的理解，慢慢形成自己的風格，然後在自己的國土上傳播開來。歐美向的人都非常清楚一件事，其實我們正規引進他們的東西是非常少的！大部分都是網路上粉絲之間的傳播和交流。WWE、NBA、好萊塢、美劇只是一方面，超級碗就沒能在我們國家熱起來，比起美漫國人也更偏愛日漫。所以這也是一種選擇，用「侵略」有點太過了，算是某種特殊的「壟斷」吧，我想不出其他形容詞了。

『柒』 西方經典藝術的特點是什麼

中西方藝術差異的比較

要談中西方藝術的差異，首先必須分析中西藝術的各自特點。我個人認為，藝術作為一種人性的表現方式，它的主體是人，是人作用於客觀事物而產生的行為。因此，要談藝術的差異，必須首先從的人的差異入手，而這里就牽涉到中西方的文化差異。文化差異造成人的認識上的差異，而藝術創作的主體是人，因此，人的意識差異便導致了藝術的差異。
先從古希臘談起，這是西方藝術創作中的一個代表時期。中國在當時，正是儒家思想產生並盛行的時期。這也是比較中西文化一個比較有代表性的時間起點。談到藝術，必然要談到文化。中國人歷來都是以含蓄為美，這是中國人的美德，也是一種文明，是屬於人性的東西。而西方人則恰恰相反，他們在一些行為舉止上面往往都表現得十分直接，西方人打招呼喜歡擁抱、接吻就是很好的證明，他們不像中國人異性之間握個手都覺得有點像在耍流氓。這是中西方文化上的差異，人作為這種文化產生的主體，表現出了這樣的外在行為特徵的差異。而藝術作為人作用於客觀事物的表現手法，它是直接反映人的主觀意識的。通過人的感觀認識客觀事物，獲得最初概念，再經過人的主觀意識對客觀事物進行再認識，最後結合了各自獨特的表達方式，對客觀事物進行二度創造。這就是藝術形成的過程，這個過程是客觀事物與人的主觀意識的結合，達到完美，產生藝術。藝術可以說是一種概念，是人們對藝術家創作的認同。藝術之所以成為藝術，也恰恰是它符合了人性的特點，不在單純地表現客觀事物本身，它是結合了人對客觀事物的看法，從人性的角度表達客觀事物。而這種表達，往往是和藝術家的個人思維方式相關聯，所以，才造成了藝術差異性的存在。這里要談中西方藝術的差異性更需要從文化的角度去看，去思考人性特點的差異。
前面談到的中國人含蓄，西方人直接，這是中西方藝術在表現形式上最大的差異。讓我們再把時間追溯到古希臘時期，當時西方的大部分建築、雕塑、油畫等等的藝術作品中，我們可以很相似地找到藝術家們所喜歡的一個認識客觀——人體。在西方建築雕塑中，人體作為認識客體，被認為是一種美，而一再地被歌頌著，直到今天藝術家們追求的都是一種更加直接的方式去表達人體的美，因此在西方的藝術表現中，他們的藝術風格是更為直接的。人體藝術是近代才傳入中國的，至今還是很難被國人接受。當然，這里舉人體藝術只是一個例子來證明，中西方藝術特點的差異。中國藝術中講究一種意境美，它是朦朧的抒情的，往往更多的是在表達藝術家的主觀意識本身，客觀事物僅僅是表達的載體，比如詩歌，文字和語言都是載體，而藝術家融入了個人的感情，表現出來了。中國藝術的含蓄特點，我們可以從中國的國畫作品中找到證據，有人說國畫其實是在寫詩，這點我很贊同，它和中國古詩一樣講究一種意境美，它們更側重於表達作者的意識。國畫不像西方油畫那麼直接生動地去描寫，它的風格較為含蓄，往往是加入個人感情因素，化靜為動，變動為靜，在花蟲草木中尋求情感寄託，重在藉助客觀事物含蓄委婉地表達個人感情。比如古詩詞中的一段「感時花濺淚，恨別鳥驚心。」花不會濺淚，鳥也不會驚心，不過是詩人把自己的感情轉移到了所認識的客觀物體上面，是一種含蓄的表現手法，關乎的是一種意境。而西方藝術則更偏中直接去贊美客觀事物，他們更關心美的存在形式，偏重表現認識客體，而不在於表現認識的主體——人的情感因素。當然，當情感作為了認識的客體，他們就會充分地去關注並且表達它，就此，我想舉貝多芬這位偉大的藝術家，他的藝術作品《命運》就是一個很好的例子，它所表現的客體是貝多芬個人的感情，所以表現得十分到位，令人驚嘆！就單純的排除人的感情作為認識客體來談，西方藝術家是更在乎如何更加生動地表現客體本身的，不同的也只是在表現手法上的不同，內容是一致的。這是與中國藝術一個很大的區別，而這樣的區別完全來自於中西方的文化差異。

『捌』 好萊塢如何做到商業與藝術的平衡

個人覺得好萊塢出的片子都談不上藝術，真正有藝術高度的片子並不一定有人去看，必鏡懂藝術或追求藝術的人少之又少，好來塢之所以能做大做強，是因為他抓住了觀眾的心理，大眾看電影都是看過癮，看刺激。單靠個別從藝術角度去欣賞電影的人，是沒有市場的。換局話說就是藝術和商業的價值取向是矛盾的，反之就是炒作。但可以肯定的是，藝術與商業效果都很好的片是有的，只不過很難得擺了。

『玖』 美國藝術留學怎麼擇校

藝術類專業一直是美國留學的熱門選擇之一，想去美國留學讀藝術專業，首先要對美國藝術類留學以及美國大學的藝術專業有一個全面的了解。

對於想要申請美國藝術留學的高中生和大學生來說，往往不知道怎麼去定位，該怎樣選擇適合自己的大學，是就讀綜合性大學，還是純藝術類學院？而且對於語言分數不高的學生，能不能打開美國藝術留學的大門呢？

那麼今天就請跟隨小編來深入了解一下美國留學中的藝術圈。也許你會找到屬於你的美國藝術圈留學的通行證哦！

為什麼要選擇去美國學校修藝術專業?

1、美國是一個世界文化聚集的國家,它允許多種不同形式的文化,藝術進行交融，所以能為更多的藝術類型提供強大的支持。

美國之所以能夠包容並集合各種文化、藝術，是因為美國本身就是一個多民族，多種族構成的獨特國家，集合了猶太、高加索、中國、非洲裔、拉美裔等等，眾多種族，這就為各個種族、民族的藝術提供了融合和發展的大舞台。

紐約不僅僅是美國的藝術中心，更是世界的藝術中心：在這里不經意就會發現一個身穿中國京劇戲服的花旦卻被一個非洲裔署名的藝術家用油畫的形式完美的描繪，卻又融入了前所未有的中西混融的藝術元素，沖擊著行人的視覺。這種多文化多元素的藝術沖擊與震撼在紐約卻是隨處可見。擁有如此具有張力的藝術氛圍，難怪留學生對於美國藝術留學會如此的推崇和嚮往了！

2、「文理教育」Liberal Arts Ecation 和「職業教育」Professional Ecation的理念。

怎麼理解這兩個詞呢？簡單的說文理教育就是培養一個人如何涉獵更多的知識，比如你是一個藝術學生，你並不是只限於發展你的專業技術，畫畫的就畫畫，設計汽車的就設計汽車。美國的教育希望你會畫畫，但也要學藝術史，這樣你才知道為什麼要畫畫，古代人的畫畫和現代人的畫畫有什麼不同。當然更寬泛的文理教育是把你培養成一個會交流，國際化，懂得人文，自然科學，社會學並且熟知邏輯推理的有道德的綜合學生，這樣才能使你更好的融入社會，並且為你打下堅實和廣闊的學術及工作基礎，以後從事什麼都有了可能。

「職業教育「理念，比如你學一門設計課，你要深入的研究技術的原理，技術運用，並且要和實踐結合你的所學進行項目的設計。學校提供的實習機會，保證你有充分的實習經歷去獲取工作。而且，很多學校和各大業界公司以及機構建立了合作關系，更加保證了學生職業發展的可能性。

正是這個「一廣一深」的教育讓美國總能保持領先和卓越的基礎，從而傲視國際教育舞台。相對於其他國家的保守教育理念和教育形式手段的落後，美國的教育更能吸引那些「愛學」和「不愛學」的學生，任何靈魂都可以有創造藝術的天賦！

3、美國強大的經濟基礎是藝術產生的搖籃。

二十世紀，美國經濟一直突飛猛進並處於世界領先地位，已經解決溫飽的美國才有能力去發展藝術事業。

無論美國的基金會體制，博物館體制，藝術組織體制，還是展覽商業行為都促進了傳統藝術的發展，並且隨著20世紀初期的國際動盪和變革，美國吸引和接納了大部分的歐洲藝術家，世界藝術中心已經從歐洲轉移到了北美，准確的說是美國。

雖然亞洲和兩河流域，愛琴文明，羅馬帝國以及歐洲大陸諸國都有著早期卓越的藝術成就，可是隨著時間的變遷，世界經濟重心的轉移，藝術的發展也有了很大的改變。我們今天看到的動畫片90%來自美國和日本，這正說明了經濟和藝術發展的直接關系。

美國藝術類專業概覽

藝術概覽

1、藝術留學

指出國讀純藝術、設計類、音樂類、舞蹈類專業本科、研究生或博士學位。

2、藝術類專業分類

A.設計類――實用藝術

視覺傳達

平面設計、交互設計、攝影、插畫

產品類

工業設計、產品設計、傢具設計

時尚類

服裝設計、珠寶設計、紡織品設計、櫥窗展示設計

建築類

建築設計、室內設計、景觀園林設計（環境藝術）

影視類

電影、特效與多媒體、動畫

B.純藝術――造型藝術

繪畫、油畫、雕塑、陶瓷、裝置藝術、行為藝術

如何選擇院校？

美國的高校設置有不同類型的藝術院校。藝術類的學校中包含有純粹藝術類的專業院校，而綜合性大學下也設置有藝術學院或者藝術系。所以到底該選擇哪種院校就讀，也是留學生關心的首要問題。

純藝術類院校

羅德島設計學院、紐約視覺與藝術學院、薩凡納藝術設計學院、加州藝術學院、克利夫蘭藝術學院等等，這一類的院校都屬於純藝術類院校，因為是專業研究藝術類專業，所以在專業設置上會比綜合性大學的藝術專業設置更加細致，選擇專業的時候會更清晰。

但是留學費用一般會比綜合性大學高一些。因為藝術類院校並非綜合性大學，相對於綜合性大學有著名的USnews綜合排名的關注度，中國留學生和家長可能對於純藝術類院校並不是特別熟悉，所以選擇學校時可以參考藝術類專業排名，例如USnews的「平面設計專業排名」這種專業限定下的排名來參考。

綜合性大學下的藝術學院或藝術專業

對於美國綜合性大學，因每年都有USnews的排名，所以被學生和家長所熟知。

其實綜合性大學在藝術類專業的排名中也不遜色於純藝術類院校，比如耶魯的藝術類專業排名都非常高，fine art排名耶魯就排在全美第一；平面設計羅德島設計學院排名第一，耶魯排名第三。

綜合性大學相對於純藝術的學院將來以後的發展可能是更加多元化一些，可以選擇工程類去修想要結合的專業領域，而且在人脈上會比藝術類院校稍微多元化些。

但選擇上因為並不是所有的綜合性大學都有藝術類專業，排名和專業的設置還需要經過一番研究再做選擇。

好啦！今天就說這些啦！不確定要選哪所院校，就來深圳琥珀教育問問吧！咨詢免費哦~

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『拾』 在藝術領域,20世紀的美國藝術家們有沒有做出什麼革新

20世紀40至50年代之前，美國藝術史學和藝術批評，與藝術創作情況一樣，是籠罩在歐洲傳統的影子里的，國內學界對這方面的情況了解和介紹都比較少。近些年來，大家的注意力多集中在50年代之後成名的美國藝術史家和批評家身上，比如邁耶·夏皮羅、阿爾佛雷德·巴爾、詹森、格林伯格、麥克·佛萊德等人，而事實上，20世紀初到20至30年代，是美國藝術史和批評崛起的關鍵時期，牽涉到美國藝術史和藝術批評是如何在歐洲思想傳統與本土經驗的碰撞與交融中孕生出新的學術話語形態，乃至成為戰後西方世界的中心問題。了解這段歷史，對於我們全面准確理解和把握美國藝術史和藝術批評發展的學術景觀及其在整個西方藝術史和批評史中的地位，都具有重要意義。
在美國，早期藝術批評主要受英國批評家約翰·拉斯金影響，他的著作1847年出版後，很快成為美國藝術批評寫作的參照標准。20世紀最初的10年到40年代，介入批評活動的人各色各樣，包括專業批評家、歷史學者、哲學家、前衛藝術家、收藏家和作家等，討論的問題也是五花八門，諸如：傳統學院藝術與前衛潮流孰是孰非，再現與抽象的關系是什麼，藝術的社會性與「為藝術而藝術」的觀念的沖突，如何看待美國藝術的民族性與現代藝術的國際性，美國藝術與西方普遍觀念之間存在什麼不同等，其中一個比較核心的問題是：美國的藝術和文化中是否包含了一種特殊的精神態度。這些討論大都是在歐洲美學、藝術史和批評理論，尤其德國理論之上生發出來的，當時比較出名的批評家和藝術理論家是羅伯特·亨利、斯蒂格里茨，他們兩人影響了紐約的一大批藝術家和批評家，並且形成了兩個活動圈子；此外，杜威哲學和美學思想及德國移民藝術家漢斯·霍夫曼的表現主義理論也對促進美國早期前衛藝術思想的發展，乃至形成一種現代藝術創作的美國精神態度的自覺意識，起到了推動作用。
專業藝術史在美國的發展和壯大是在進入20世紀之後，之前的美國藝術史教育和研究活動主要與藝術品的收藏、鑒賞、基督教藝術考古學及市民的道德和文化素養培養等聯系在一起。帕諾夫斯基在《美國藝術史30年：一個歐洲移民的印象》中談到，20世紀20至30年代美國藝術史呈現的活躍景象和取得的成果，已彰顯出新穎的學術形態，並對德語國家乃至整個歐洲藝術史的主導地位構成了挑戰。他提到的當時已成名的美國本土藝術史家艾倫·馬爾庫德、查爾斯·盧夫斯·莫里、佛蘭克·J·馬瑟、阿瑟·金斯利·波特、霍華德·布特勒、保羅·薩茨等人，在學術傾向上，多表現出對特定門類的研究對象的「實物全集」的意識，致力於物證工作。除雕塑、建築、繪畫之外，各種工藝裝飾、鄉鎮教堂的粗拙雕刻、素描底稿等，都納入他們的調查和研究范圍。他們總是盡力搜尋和記錄這些零散的和正在銷蝕的東西，並了解它們的原初存在狀態。正如杜威所說的，只是在造物的層面上，「創造者的真才與接受者的真保持一致。」也只有在確鑿的造物事實上，才能醞釀和發展作為人文學科的藝術史研究的各個方向的專業實踐原則。
構成20世紀早期美國藝術史的另一支力量來自於30年代初受納粹政治迫害或為躲避歐洲戰爭威脅而移居美國的歐洲移民藝術史家，尤其是德國的移民藝術史家群體。這些學者初到美國，主要落腳在紐約大學藝術學院、普林斯頓大學和哈佛大學。曾經在紐約大學工作過的德國藝術史家包括帕諾夫斯基、沃爾特·佛里德蘭德爾、理查德·克勞塞默爾、理查德·艾丁豪森、卡爾·魯曼、朱利斯·海德等人；在普林斯頓工作的德裔藝術史家主要有帕諾夫斯基、保羅·佛蘭克爾、查爾斯·德·托內、庫爾特·威茨曼；在哈佛大學及其所屬的福格藝術博物館工作的有雅各布·勞森伯格、斯瓦岑斯基、奧托·本內施等。德國移民藝術史家與美國本土藝術史學所形成的碰撞和交融，對美國後來的藝術史及相關專業學科發展產生了極為深遠的影響，也為二戰後美國成為國際藝術史學術研究和教育中心奠定了重要基礎。