A. 幼兒各領域教育要求匯報小班藝術領域目標及要求小班 中班 大班
將藝術領域教育的總目標制定如下：
1．初步學習感知周圍環境和藝術作品中的形式美和內容美，具有對美的敏感性。
2．積極投入藝術活動並學習自由表達自己的感受，發展審美情感的體驗和表達能力，促進人格的完善。
3．初步學習多種工具和材料的操作以及運用造型、色彩、構圖、節奏、旋律等藝術語言表現自我和事物的運動變化，發展審美表現和創造能力。
根據上述藝術教育的目標，我們分別制定了大班音樂教育目標與美術教育目標。
(一)大班音樂教育目標
1．根據不同的合作歌唱的要求，控制、調節自己的歌聲；學習領唱、齊唱以及簡單的兩聲部輪唱、合唱；學習使用不同咬字、吐字及氣息斷連方法表現歌曲的不同意境；在集體歌Ⅱ昌活動中建立默契感，體驗配合默契的快樂。
2．能比較准確地按照音樂的節奏，做各種稍復雜的基本動作、模仿動作和舞蹈動作組合；進一步學習如何更有效地豐富自己的動作表達語匯；能使用已經掌握的空間知識，進行創造性的獨立動作表現和人際動作交流與配合；能為不同的舞蹈表演選擇不同的道具和服裝。
3．學習使用更多種類的打擊樂器的基本演奏方法；為求得新穎的音色而探索熟悉樂器的不同演奏方法；學習製造簡單的打擊樂器，並按照音樂的性質提出配樂的建議；學習即興指揮，並按照他人即興指揮的手勢迅速、准確、積極熱情地作出演奏反應。
B. 說說在藝術領域中教師如何激發幼兒想像力和創造力
當代幼兒是未來社會的主人，是21世紀的棟梁，是未來世界的創造者。他們要適應未來科技、知識高速發展的社會，最重要的就是必須具有較強的創造力，能夠最大限度地發揮自身的創造潛能。近年來科學研究表明，每一個發育健全的人都有不同程度的創造潛力。所謂創造力，是指主體在創造性的活動中表現出來、發展起來的各種能力的總和，這種能力受知識、經驗、能力、條件所限制。在日常生活中，幼兒因年齡所限，知識、閱歷、經驗較少，表現出來的創造力是初級層次的，與他們自身能力相吻合，對他們自己而言是前所未有的，但不一定具有較高的社會價值。甚至有時候這種創造性表現常常與錯誤、缺陷、頑皮、任性等相聯系。即常以逾越常規、不守規則、鑽牛角尖、提怪問題等形式表現出來。這使得一部分幼教工作者受傳統教育思想影響，將幼兒的這種探索行為看作淘氣、搗亂、有意破壞而在言語上、行動上不自覺地壓抑甚至扼殺幼兒創造性的萌芽。繪畫教學是培養幼兒想像力、創造力的必修課，但相當一部分教師和家長在教學中只重視幼兒怎樣依樣畫葫蘆，循規蹈矩、一板一眼地按照老師的示範摹仿，偏重以技法為主，不了解繪畫教學對幼兒想像力、創造力和認識事物能力的培養作用。實踐證明如果一味偏重技法摹仿將會挫傷幼兒學習的積極性和限制創造性能力的培養和發展。我國著名的教育家陶行知先生早在本世紀三四十年代就提出「兒童是新時代的創造者，要解放兒童的創造力」，那麼如何在繪畫教學中培養幼兒的創造力呢?
一、教師應注意對自身創造性素質的培養
繪畫教學中促進幼兒創造力發展的因素很多，有的來自於教師本身創造性素質，也有來自家長和幼兒方面的。其中起決定性作用的還是創造性教育的實施者——教師。應當首先增強對教師自身創造性素質的培養。德國著名心理學家戈特弗里德?海納指出：「倘若把創造力作為教育的目標，那麼實現的前提就是創造型的教師。」幼兒大都喜歡摹仿教師，他們常有意無意地採取與教師相似的行動，從而學到教師的某些行為和思維方式。創造型的教師在教法，傾向於採取「建設性的行為」來發展幼兒的創造力。這些富於創造性的言傳身教，就成為幼兒進行創造性活動的良好刺激和榜樣。因此，有必要加強教師創造性素質的培養，最大限度地給予幼兒表現創造力的機會。同時，教師要樹立現代的教育觀，側重幼兒的思維能力、表現能力和創造能力的培養，只有具備這種觀念的教師才會自覺地改革傳統教育中束縛幼兒創造力發展的做法，不至於把前面所說的幼兒的各種創造性探索行為看作淘氣、搗亂、有意破壞而加以限制。如在一次繪畫課上，讓幼兒畫小朋友坐滑梯的場景。我在示範畫上添加了太陽公公、小草、小花等。有一名小朋友沒有按照我的畫法做，卻將太陽公公的胡須畫得很長很長，成了一座小滑梯，小朋友們順著太陽公公的長胡須滑上滑下，一個個動態可掬的幼兒栩栩如生。我問這個小朋友為什麼要這樣畫，小朋友說：「這多有趣呀!」當即我在全班幼兒面前表揚和鼓勵了這名幼兒。此後，這個小朋友畫畫的勁頭更大了，總是能想出好多新穎、獨特又極富童趣的作品。
二、增強幼兒的自信心是培養和發展幼兒創造力的基礎
對兒童自信心的培養極為重要，他們能否大膽地表現自己的想法，大膽地描繪世界，與他們自信心的強弱有著密切的關系。自信心強的幼兒，他們的畫面表現力較強，想像奇異豐富，線條生動流暢，構圖飽滿，色彩鮮明。自信心較弱的幼兒多在繪畫中表現出膽小、謹慎，畫面空洞，線條呆板生硬，缺乏生動性。對這些自信心較弱的幼兒，老師和家長切不能因此而批評嘲諷，否則幼兒會變得越發膽小，更加不敢動筆，久而久之會逐漸喪失學畫的興趣。在幼兒遇到困難和出現錯誤時，老師和家長應幫助他們找出問題的所在，鼓勵他們多注意觀察描繪對象的典型特徵，爭取能有所提高。當幼兒有所進步時，應及時加以表揚，或者向其它幼兒展示以提高其自信心。家長也可以在幼兒的房間布置小畫廊，把幼兒的好作品裝上鏡框，擺在顯眼位置，讓家人欣賞。還要經常把幼兒初學的作品拿出來和近作加以比較，讓幼兒自己去評判是否有所進步。逐步樹立幼兒的自信心和畫畫的興趣。
三、對幼兒好奇心、想像力的支持和保護對創造力的培養有較大作用
在教育實踐中，我們發現，許多教師和家長對幼兒繪畫的指導方法不很妥當。總是一味要求幼兒按照教師的範例進行摹仿，不允許有絲毫的變動。比如，一次畫菊花，我的范畫用了橘紅色和黃色，有的幼兒想換幾種顏色，旁觀的家長馬上制止：「你看清楚老師用的什麼顏色，別弄錯了。」也有的家長大聲斥責孩子：「又弄錯了，今天不畫好就別回家。」根本不注意保護幼兒的自尊心，限制他們的想像力和創造力的發展。許多老師和家長很注重繪畫技法的訓練和知識的灌輸，一味求全責備：「你看你畫的就不圓，小馬的眼睛怎麼會那麼大呢?」有一次，我班繪畫能力較強的小朋友模仿老師畫了一個小朋友後又在旁邊加了一團黑色。她爸爸馬上皺起了眉頭：「這是什麼亂七八糟的東西?」「這是小朋友的
C. 成長手冊成長記錄怎麼寫藝術領域發展目標
咨詢記錄 · 回答於2021-12-22
D. 藝術的發展方向有哪些
一、黑格爾與「藝術終結論」
1817年，黑格爾在海德堡的美學講演中提出了「藝術終結論」，在他之前已經出現了有關藝術終結問題的片段式的言論，但他卻是第一個從哲學理論高度談論這個問題的人。理解黑格爾的「藝術終結論」應該從他的哲學意識出發，因為這一論斷正是從他的理論體系中演繹出來的。同時，也必須看到黑格爾對他所處的時代的不滿，市民社會對藝術的侵害威脅著藝術的生存，這也正說明黑格爾的「藝術終結論」並不認為藝術會消失，而是旨在言明藝術轉化為哲學是一種必然。
黑格爾提出「藝術終結論」的時代，現實中的藝術實踐欣欣向榮地發展著，可見他所謂的「藝術終結」並不是藝術現實的終結，而是表明藝術應該向觀念轉化，形成一種新的藝術哲學。在黑格爾看來「就它的最高的職能來說，藝術對於我們現代人已是過去了的事。因此，它也喪失了真正的真實和生命，已不復能維持它從前在現實中的必需和崇高地位。」也許以往人們可以通過藝術直接認識世界，但如今的藝術已經不能帶領人們認識世界的真理，因此藝術也就不再具有崇高的地位，這顯然是要把絕對精神從現實世界中剝離出來。
在黑格爾的理念學說中，他將絕對精神的發展分為三個階段：藝術、宗教和哲學。這三者都是人類認識絕對精神的方式和手段，但只有哲學是認識絕對精神的最高手段、是藝術發展的最高形式，藝術的終結實質上是藝術讓位於哲學。黑格爾將世界藝術發展的類型分為三種，分別為象徵型藝術、古典型藝術和浪漫型藝術。美是理念的感性顯現，在黑格爾心目中，真正的藝術理應達到內容與形式的高度統一。因而在黑格爾那裡，只有古典型藝術達到了內容與形式、感性態勢和絕對精神的完美和諧。象徵型藝術是物質超越精神，而浪漫型藝術的精神內容超出了物質形式，進一步的發展必然導致主體的精神和客體的形式之間的分裂，而這種分裂也會導致藝術本身的解體。藝術必須尋找更高的形式以求得生存，因此藝術讓位於哲學獲得了邏輯上的合理性。
回到社會現實，黑格爾認為他所處時代的藝術不能滿足時代精神，而時代精神又抑制了藝術的發展。「每種藝術作品都屬於它的時代和它的民族，各有特殊環境，依存於特殊的歷史的和其他的觀念和目的。」時代發生了變化，反映時代精神的藝術也會隨之發生變化，一個時代的終結必然會導致一時代藝術形態的終結。黑格爾眼中最完美的古典型藝術以古希臘雕塑為代表，雕塑以人的形貌表現了神的靜穆與崇高，既是一種理想精神的呈現，又揭示了人的主體意識的覺醒。這與當時探索世界，發現自我的時代精神協調一致。黑格爾所處的市民社會在工業浪潮影響之下偏重理性，而當時以繪畫、音樂和詩歌為代表的浪漫型藝術則推崇主體性原則，專注於絕對的內心生活和情感沖動，以抒情性為基本特徵。時代與藝術之間的錯位，也成為黑格爾「藝術終結論」的有力例證，因此他明確地指出，「藝術確已實在不能再達到過去時代和過去民族在藝術中尋找的而且只有在藝術中才能尋找到的那種精神需要的滿足……我們現時代的一般情況是不利於藝術的。」
藝術、宗教和哲學都屬於意識形態的范疇，但卻具有各自的社會功能。黑格爾在其哲學體系內，剝奪了藝術的獨立性與自律性。雖然進行終極追問，啟迪人智是藝術不可推卸的責任，但喪失了審美性的藝術也就失去了存在的意義。審美性決定了藝術在內容和形式上都具有獨特的性質和特徵，也表明藝術不可能脫離感性認識與感性形式，成為絕對的觀念。而且結合現實來看，藝術也沒有因為對物質材料依賴的減弱而消失，相反某些現代藝術卻在內容與形式的關繫上回歸為象徵關系，似乎是對以往藝術形式的「重現」，這正表明「藝術終結論」不會兌現。
二、丹托的「藝術終結論」
阿瑟・丹托提出的「藝術史的終結」可以看做是對藝術自律性危機的一次預演。丹托在藝術史進入現代視野之後，在黑格爾「藝術終結論」的基礎上，對「藝術終結論」進行了一次重新思考。黑格爾就整體歷史談論藝術會終結，而丹托單就藝術的歷史來談論。在丹托這里，藝術的發展歷史就是藝術不斷認識自我、探索本質的歷史，而藝術的自律性卻使藝術從內部消解了自身，失去了發展方向。
黑格爾認為藝術在表現絕對精神方面具有局限性，而隨著藝術形態由象徵型、古典型發展到浪漫型之後，精神內容極大地超越物質材料，藝術進行自我解體，在否定自身中轉化為哲學。但哲學仍然在歷史范疇之內，所以藝術的歷史沒有終結，藝術成為了一種異化的哲學。丹托在現代視野下，結合豐富多彩的現代藝術實踐，認為藝術在20世紀實現了它的最終目標，藝術和歷史開始向不同的方向發展下去，藝術的歷史走到了終點。「或許歷史會以我稱之為後歷史的樣式繼續存在下去，但它的存在不再具有任何歷史意義。……藝術是否會重新踏上歷史之路，或者這種破壞的狀態就是它的未來：一種文化之熵。由於藝術的概念從內部耗盡了，即將出現的任何現象都不會有意義。」由此可見，黑格爾和丹托雖做出了相似的論斷，但二者的立場卻不同。黑格爾立足於藝術表現絕對精神的局限性，而丹托立足於藝術的自律性；黑格爾著眼於歷史整體，而丹托在藝術史內部談藝術。因此，在黑格爾那裡，藝術終結於哲學，是作為哲學在歷史中發展下去；丹托則將藝術史從歷史的各種現實語境中隔離出來，認為藝術的概念與創造力從內部被掏空耗盡，藝術實踐沒有了動力與新的可能，藝術不會隨著歷史往同一方向發展，而是不得不重復過去歷史上已經出現過的各種形式，藝術的歷史走向了終結。
藝術從內部被耗盡源於藝術的自律性。在康德的審美自律理論之下，藝術開始建立具有自身特色的一套原則和標准，這對於界定藝術和規范藝術具有一定的積極作用。但是隨著審美自律性對藝術控制的加深，藝術家開始「為藝術而藝術」，脫離社會現實和時代語境，玩弄藝術的概念，只在藝術的形式上精雕細刻，使藝術在狹小的范圍內固步自封。這表明藝術的自律性與藝術終結之間存在內在的聯系。丹托看到了這一點，他促使我們思考藝術為什麼不能自律地存在。藝術主要是通過感性方式把握世界，通過藝術形象傳達藝術觀念，而感性認識有時是不可靠的，感性形象的表現范圍和思考空間也是有限的。這些特點表明藝術不能像數學、物理學一樣，通過抽象概念認識真理，而只能在有限的時空下表現精神和理念。藝術的本質在於它始終不能脫離現實語境，始終需要在感性認識與抽象邏輯間尋求平衡，一旦脫離了適當的語境，藝術也就失去了解釋的合理性。杜尚的《泉》無疑是最具爭議性的藝術品之一，丹托承認了它的哲學意義，卻對它的藝術意義持有悲觀的態度。杜尚將一個現成的小便器命名為「泉」，其本身就是對概念的一次玩弄，是對藝術哲學化的一次實踐，因為不管從哪個方面看，小便器都沒有美的屬性，它之所以具有審美的價值就在於它所蘊含的哲學思考，《泉》不具備美的形式，卻具有美的觀念。「杜尚作品在藝術之內提出了藝術的哲學性質這個問題，它暗示著藝術已經是形式生動的哲學，而且現在已通過在其中心揭示哲學本質完成了其精神使命。現在可以把任務交給哲學本身了，哲學准備直接和最終地對付其自身的性質問題。」丹托最終又回到了黑格爾那裡，也正式地提出藝術將終結於哲學。他雖然克服了黑格爾忽視藝術自律性的弊端，但仍認為藝術會在喪失自身規定性之後被哲學取代。丹托的結論不禁讓人失望，他提出藝術要有歷史感，卻又沒有為藝術找到一條正確的發展道路，而是用哲學剝奪了藝術，不僅忽視了現實對藝術的意義，更將藝術發展為一種觀念，這些都是有待重新思考的。
三、後現代視野下藝術的重生
後現代社會的到來決定了藝術必須向現實敞開，藝術的本質成為了一個蘊含多種可能性的、開放的領域。藝術的本質具有了無限性，藝術形態也就具有了無限種可能，各種後現代風格的藝術流派也獲得了生存的土壤。從自律到開放，藝術的發展似乎從一個極端走向了另一個極端。
在現代化進程中，我們生活的世界發生了深刻的變化：一方面科學技術不斷發展創新，人類文明發展程度不斷加深；另一個方面科學技術與工具理性也造成了人與自然的對立，唯理性、唯技術不僅使人們的精神生活日益貧乏，使藝術存在的社會基礎變得搖搖欲墜，更改變了藝術品在社會中的定位。本雅明在《機械復制時代的藝術作品》中提出了「光暈」1的概念，它表明藝術品天生有標准，並且應該是獨一無二的、權威的，而沒有「光暈」的藝術品不是真正的藝術品。但在工業社會中，在機器與技術的操縱下，藝術品的生產變成了大規模的機械復制，從而失去了獨一無二的權威性。同時，藝術品也從殿堂中走出，成為大眾都可以獲得的消費品。這樣的一個必然結果就是藝術的非藝術化。也就是說在後現代語境中，藝術又回到了什麼都是藝術、什麼又都不是藝術的最初狀態，藝術變得無處不在了。「藝術的終結」表明藝術不會消失，而是走進了大眾的日常生活之中。
這樣看來，當藝術的自律被整體打破以後，藝術又遭受著新的審美危機，而這種危機產生於我們所生活的時代。但是，這種危機卻不會使藝術走向終結，相反，藝術將在與時代的對抗中獲得重生。後現代的「祛魅」使日常生活審美化成為必然的趨勢，藝術的生產和接受方式都發生了極大的變化，那麼藝術自救的道路也應該是回到日常生活之中。一時代應有一時代之藝術，大眾社會中的藝術首先需要對自己重新定位，重新的探索與界定自身的概念與本質。其次，藝術自身需要一些不可動搖、安身立命的標准。藝術需要在與工具理性的對抗中，為自身樹立權威。同時，走向生活的藝術要始終處在歷史語境與現實語境中，在精神內容與物質形式上求得統一與和諧。藝術不可能脫離社會而獲得獨立的歷史，「為生活的藝術」將取代「為藝術的藝術」。未來藝術將發展成什麼樣子是難以預測的，但藝術不會終結卻是肯定的。一時代的藝術形態必將隨時代的離去而消失，但藝術整體卻不會終結，藝術始終是在否定之否定的規律中揚棄傳統，發展自身。
E. 一日生活哪些環節能發展藝術領域目標
摘要 大班美術：繪畫：在幼兒觀察物象的形狀、 顏色、結構等的基礎上，培養他們用繪畫 和手工（泥」二紙工、自製玩具等）充分 表現自己對周圍生活的認識和情感。逐步 培養幼兒對美術的興趣以及大自然、社會 生活、美術作品中美的欣蓄力。發展幼兒 的觀察力、創造力、發展手部肌肉的協調 性、靈活性，初步掌握使用美術工具及材 料的技能。
F. 藝術領域包含哪幾個方面的學習與發展目標和教育建議
（一）感受與欣賞 目標1、喜歡自然界與生活中美的事物 教育建議：和幼兒一起感受、發現和欣賞自然環境和人文景觀中美的事物。 目標2、喜歡欣賞多種多樣的藝術形式與作品 教育建議：創造條件讓幼兒接觸多種藝術形式和作品。
（二） 表現與創造 目標1、喜歡進行藝術活動並大膽表現。 教育建議：創造機會和條
件，支持幼兒自發的藝術表現和創造。 目標2、具有初步的藝術表現與創造能力 教育建議：尊重幼兒自發的表現和創造，並給予適當的指導。
G. 如何有效開展藝術領域活動的研討
一、認清開展藝體教研活動的目的
明確目的，才能進行合理規劃，制定切實可行的校本研修計劃。
1.通過教研活動能有效提升教師學科專業素養和專業能力。
2.通過教研活動能快速提升教師學科課堂教學效能，有效促進學生學科素養發展和能力提升。
3.通過教研活動能有效營造團隊研修氛圍，提升團隊研修水平，形成團隊研修文化。
二、拓展藝體教研活動的內容與形式
要以全國學校體育、衛生、藝體教育發展規劃》和《學校體育、
衛生、藝術教育工作規程》為依據，結合學校藝體工作中長期規劃和學校藝體工作現狀來制定學期藝體教研工作計劃。我校藝體教研工作可以從以下幾個方來思考：
1.各學科教師如何上好自己的專業課。
通過校內示範課、研究課、匯報課、重建課等多層次多形式的課堂教學實踐，在團隊教師的幾天參與下，通過課前磨課、課堂實踐、校內外名師引領、課後總結反思、課堂重建等環節，來推進教師上好自己的專業課；與校外學校或協作體聯合打造精品課、示範課活動等，來推進教師上好專業課。
2.如何提升教師的學科素養，主要指所教學科的教育教學理念與理論修養。
通過同學科教師共讀一本與自己學科相關的教育教學專業書籍並與共讀者與教研組教師一起分享學習成果，分階段性分最好；校內藝體骨幹教師引領。可通過對校內藝體學科的深入調研，找准切入點開展有針對性的專題講座，提升講座的針對性與實效性；也可通過邀請進修校老師或區內外相關學科教學名師到校就學校藝體學科教學與教育研修中的難點、熱點、困惑進行專題指導，及時了解學科教育最新教育教學動態，推進學科理念不斷更新，為提升教師課堂教學理念更新助力；鼓勵教師走出去，參與市外、省外學科教學交流、培訓，並注重事後的校內匯報、分享、討論與吸收。
3.開展不同藝體學科的教學成果匯報，全面宣傳藝體教育教學成果，推進學校藝體學科建設與發展，形成良好的藝體工作氛圍。
利用升旗儀式、大課間活動、下午第三節素質教育活動課等時段，開展學生聲樂才展示、師生書法與美術作品展、各種特長訓練小組對抗賽等。
H. 幼兒園藝術目標領域有什麼要點
1、引導幼兒接觸周圍環境和生活中美好的人、事、物，豐富他們的感性經驗和審美情趣，激發他們表現美、創造美的情趣。
2、在藝術活動中面向全體幼兒，要針對他們的不同特點和需要，讓每個幼兒都得到美的熏陶和培養。對有藝術天賦的幼兒要注意發展他們的藝術潛能。
3、提供自由表現的機會，鼓勵幼兒用不同藝術形式大膽地表達自己的情感、理解和想像，尊重每個幼兒的想法和創造，肯定和接納他們獨特的審美感受和表現方式，分享他們創造的快樂。
4、在支持、鼓勵幼兒積極參加各種藝術活動並大膽表現的同時，幫助他們提高表現的技能和能力。
5、指導幼兒利用身邊的物品或廢舊材料製作玩具、手工藝品等來美化自己的生活或開展其他活動。
6、為幼兒創設展示自己作品的條件，引導幼兒相互交流、相互欣賞、共同提高。
I. 現代西方藝術是如何發展的
美術和音樂是西方人文化生活的重要組成部分。進入20世紀以後，美術和音樂領域有了進一步的發展，出現了許多體現現代精神的新風尚和新流派，令人眼花繚亂。美術界出現了野獸主義、立體主義、表現主義、未來主義、行動繪畫和色彩抽象繪畫、歐普藝術、波普藝術等流派，音樂界產生了印象主義音樂、表現主義音樂、新古典主義音樂、電子音樂和爵士音樂等新流派。這一時期現代西方藝術的流派呈現出反傳統，弘揚個性，反映現實的特點，風格和流派更加多元化，且變化頻繁，藝術的中心逐漸由歐洲轉移到美國。
20世紀西方現代美術發展的新潮流20世紀的西方美術是現代主義思潮占統治地位的時期，其突出的特點是反傳統，從形式到內容都顯示出一種叛逆者的姿態。在技法上，大都反對傳統的寫實主義，追求新奇，空間結構錯亂，色彩配置隨意，點線紊亂，缺乏透視；在創作主旨上，都主張強調自我，表現個人情感和內心世界。出現這一趨勢的原因主要有：一是科技的影響。現代科技的發展改變著人類社會生活的面貌，也改變著人們的審美情趣。照相術和電影的發明對繪畫的沖擊最大，這兩種新技術使運用機械手段准確無誤地記錄客觀形象成為可能，從此意義上來講，傳統繪畫技巧所完成的不過是照相機所做的記錄事物表面的光反射反應而已。畫家們再也不能以描繪事物的表面形狀來引起觀眾的共鳴了，他們只能轉向用表現精神領域裡面的東西來打動人。二是現代哲學思想的影響。20世紀初出現的現代主義哲學思想為人類進一步了解精神領域的活動提供了前提，尤其是弗洛伊德的精神分析法和法國柏格森的「心理時間」觀念等理論為藝術家從事創作提供了有力的思想武器，他們逐漸從描繪客觀世界的「外向藝術」轉向描繪主觀世界的「內向藝術」，藝術的社會職能也相應地由社會和教育功能轉為滿足人類普遍精神需求的「泛功利主義」。三是古代美術遺產和東方文化的影響。進入近現代以來，考古學家陸續在各大洲發現了一些原始土著文化的藝術品，這些古樸稚拙卻又形象生動的藝術品給藝術家帶來了創作靈感。東方文化藝術品的西漸，尤其是中國的水墨山水畫、印度的石窟藝術等從各種途徑傳到了西方，這些與西方寫實風格相異的新風格為西方藝術界帶來了一股清新之風。沒有繼承，無以創新；沒有創新，無以發展。20世紀一批富有創意的藝術家正是站在歷史巨人的肩膀上才攀上了一個新的藝術高度。
20世紀的西方各種美術風格流派並存多變，且與商品化的聯系更加密切。二戰前，美術界出現了眾多的現代流派。二戰後，新的風格和流派像走馬燈一樣交錯更迭，變異得更快、更頻繁，資本和資本的邏輯也已滲透其間。
二戰前的現代派美術流派第二次世界大戰前，野獸主義。立體主義、表現主義、未來主義、達達主義、超現實主義是影響較大的流派。
野獸主義是20世紀初出現最早的一個現代主義繪畫流派。1905年，在法國巴黎舉辦的秋季沙龍畫展中，展出了馬蒂斯、弗拉芒克、馬爾開、杜飛等一批青年藝術家的作品。因其技法一反常規，被評論家稱為「野獸般的藝術」，野獸派由此而得名，馬蒂斯為該派的代表人物。野獸派各個畫家風格不盡相同，但他們都強調在創作中用大色塊和豪放不拘的線條，來表現個人的主觀感受和自由意志，畫面一般都缺乏透視感，具有裝飾性很強的圖案效果。
亨利·馬蒂斯（1869—1954年）是法國著名的現代派畫家。二十多歲正式學畫，他繼承了許多著名畫家的優良傳統，並汲取了東方藝術的特點，逐漸形成了自已的畫風，創作了大量刻意求新的作品，在美術界產生了廣泛的影響，並成為野獸派中成就最高、影響最大的畫家。馬蒂斯的名言是「准確描繪不等於真實」。這句話成了現代藝術的綱領。他的主要作品有：《生活的快樂》。《藍色的裸體》、《紅色的和諧》、《打開的窗子》和《戴帽的女人》等。
立體主義是1907年在法國藝術界出現的一個新的藝術流派，主要代表人物是西班牙的畢加索和法國的勃拉克等，其中貢獻最大的是畢加索。該畫派主張把一切形象解體成最簡單的幾何形塊，按畫家的意願組合起來。在他們的畫中，一切物體、風景、人物和房子變成了幾何圖形和方塊，既能看到物體的正面。側面，還能看到其背面。立體派給人一種新的觀察世界的方法，即多視角地觀察世界，它盛行西方世界達半個世紀，20世紀二三十年代為其最繁榮的時期。
巴勃羅·畢加索（1881—1973年）是20世紀影響最大的畫家之一。他7歲開始學習繪畫，一生創作了數以萬計的作品。最重要的貢獻是創造了立體主義。1907年創作了震驚歐洲畫壇的《亞威農少女》，畫面上五個人物的形體，尤其是臉部、正面、側面、斜側面全合到一起，完全違反了人的視覺所看到的形象。這幅作品被認為立體派的開端。他熱愛和平反對戰爭，繪制過《和平鴿》，1937年繪制的反法西斯名畫《格爾尼卡》轟動世界。
表現主義產生於第一次世界大戰前的德國，其代表人物是挪威的蒙克、德國的基爾希奈、馬爾克、俄國的康定斯基等，其宗旨在於表現內心世界感受到的一切，通常總是將現實的東西加以變形，使畫面呈現激烈的、粗糙刺目的、悲愴的、恐怖的氣氛。
未來主義產生於1909年的義大利，其代表人物是馬利奈蒂、波菊巴。巴拉等。他們主張在繪畫中要表現感情的爆發，表現飛速運動的力，在一個畫面上表現抽象的動態美。
達達主義誕生於1916年瑞士的蘇黎世城。該派隨便從字典上撿出一個兒童語匯「達達」作為本派的名稱，他們以虛無主義態度否定一切，否定理性和傳統文化，認為藝術可以不受任何限制，藝術可以是任何藝術家隨心所欲的產物。達達主義的代表人物馬塞爾·杜桑的作品可以說是達達派的典型之作。使他一舉成名的《下樓的裸女》，是一連串如機器人一樣的重疊圖畫；帕行車車輪》是一隻現成的自行車車輪倒豎在一張木凳上；《泉》是一個釘在木版上的小便池，更是驚世駭俗。
超現實主義是1922年前後從達達主義內部分化出來的一個新流派。該派在弗洛伊德學說影響下，力圖系統研究如何表達人的「潛意識」。代表人物有西班牙的達利和米羅等。達利的《記憶的靜止》，勾畫了一個產生錯覺的痛苦世界成內戰的預感》描繪了戰爭給人帶來的恐懼。米羅的代表作為《海灘上的女人》等。
二戰後的現代派美術流派第二次世界大戰並未使藝術發展本身的趨勢得以中斷，自20世紀初出現的各種現代主義美術流派，在戰後依然顯示著它們的創造力。但戰爭和社會的變遷畢竟還是會對藝術的發展帶來了重要影響，出現了一些新的流派。其中比較著名的有行動繪畫和色彩抽象繪畫、歐普藝術、波普藝術、照相現實主義等。這一時期，現代主義藝術運動的中心從法國的巴黎逐漸轉移到美國紐約。
行動繪畫和色彩抽象繪畫是五十年代在紐約產生的最為風行的一個美術流派，它屬於抽象表現主義藝術，在戰後西方藝術史上有著重大的意義。行動繪畫又稱「滴畫」，最著名的畫家是傑克遜·波洛克，他用在畫布上滴濺顏料的方法，開創了繪畫活動與下意識活動相結合的新途徑。畫家沿著畫布邊走邊滴，他自身的運動與滴色動作相協調，由此來反映畫家的繪畫行動，所以得名為「行動繪畫」。這種隨意性極大，不受任何繪畫技巧理論的支配，最終出現何種效果連畫家本人都難以預料的方法，是與繪畫中一切傳統形式相背離的，它只關注於繪畫材料本身和繪畫語言，去追求色彩的的偶然效果。色彩抽象繪畫，亦稱「大色域繪畫」。五十年代，以美國的馬克·羅斯科為該派的代表。他的畫往往是由簡單的形狀、彩色的方塊、粗粗的線條組成，構成了一種抽象的空間，似乎表達了某種信仰或精神要素，常人往往是看不懂的。
歐普藝術又稱「光效應藝術」或「視幻藝術」，興起於六十年代的歐美。這一流派的藝術家運用各種黑白或彩色幾何形體排列、組合、對比，或重疊，『或交錯構成復雜的圖像，給人造成視角的錯亂，形成變形、顫動等幻覺。該流派在英法意美等國頗為流行，拉丁美洲的阿根廷等國也出了一些名家。其代表作有：英國女畫家賴利的《羽紋》、《三場暴雨》、《領悟》，法國畫家瓦薩萊利的《索拉塔—T》，阿根廷的萊帕克的《三棱鏡視幻作品》等。由於這種藝術的商業廣告效應很好，因此，被廣泛用於裝飾藝術品的設計。
波普藝術是20世紀六十年代最典型的具象藝術。波普是大眾的意思，所以，波普藝術又叫做「大眾藝術」。1952年，一批英國的年輕畫家、雕塑家、建築師以及藝術評論家聚會，成立團體，倡導關注大眾文化，由此掀起了一股波普藝術熱。以後，在美國這種藝術流行起來。美國人羅伯特·勞申堡成為該派最著名的代表人物，他用照片、剪報和各類印刷品拼裝起來，再用油彩畫上幾筆，構成一幅作品，後來，乾脆用一條薄棉被作底，加一個枕頭上去，再潑上顏料任其流淌下去，構成作品。這種作品與原來意義的畫不完全相同，既有畫的成分，亦有雕塑品的成分，還帶有實物裝拼的成分。
照相現實主義又稱超級現實主義，是六十年代後期出現的繪畫流派，也是高科技時代出現的一個新流派。該派的基本方法是攝影的放大和臨摹。在題材選擇方面比較廣泛，往往藉助於一張好看的照片或幻燈片放大作畫，通過極端瑣碎的細節臨摹，以期達到比照片更真實的視覺效果二他們認為「逼真」和「酷似」才是藝術的要素。該畫派最有影響的代表人物是查克·克洛斯，其代表作是《裸女》、《約翰》、《自畫像》等。
20世紀西方現代音樂發展的新潮流20世紀西方音樂藝術進入了一個前所未有的復雜時期，多樣性、復雜性和多變性是其明顯的特點，多種多樣的風格和流派層出不窮。它們互相並存，互相影響。一方面它們和其他藝術形式一樣也具有典型的20世紀特性，即掙脫傳統束縛，主張標榜自我和反理性。另一方面，又有唯理性和反浪漫主義的一面。認為音樂是抽象的，除了自身。它不能表現任何東西。現代音樂與傳統音樂相比在技巧上出現了許多新變化，如調的概念與和聲概念的變化，樂曲節奏和旋律的變動，電子音樂的出現等。目前，隨著科學技術的發展、傳播技術的進步和交通的發達，各國間文化交流日趨增多，音樂的國界正在逐漸消失，流行的速度與頻率也日益加快。20世紀主要的音樂流派是印象主義音樂、表現主義音樂、新古典主義音樂、電子音樂和爵士音樂等。
印象主義音樂、表現主義音樂和新古典主義音樂印象主義音樂出現於19世紀末期，其影響主要產生於20世紀，其代表人物是法國作曲家德彪西。印象派音樂大師德彪西，被認為是20世紀音樂界承前啟後的天才，他結束了一個時代，並把那個時代的成就推向高峰，同時又為一個新的時代開辟了道路。
德彪西出生於巴黎近郊，家庭沒有任何音樂背景，11歲入巴黎音樂學院學習，不斷探索音樂的表現手法，1884年獲羅馬大獎。在19世紀九十年代，開創了音樂史上的印象派。作品多以詩、畫、自然景物為題材，著意刻畫人物的感情，揭示人的精神世界，在調式、和聲、音色等方面逐步形成獨特的藝術個性，並以嶄新的音樂語言開拓了現代音樂的發展道路。在他創作的音樂中，人們可以領略到一種朦朧、飄忽、空幻、幽靜的意境。他先後寫成的管樂序曲《牧神午後》、歌劇《佩利亞斯》、管弦樂《夜曲》。《火海》以及鋼琴曲《月光》等，都是印象主義的代表作。
表現主義音樂是19世紀末20世紀上半葉西方現代派音樂的一種重要流派，它同印象主義音樂觀點相反，印象主義音樂重在反映外部世界，強調客觀性；表現主義音樂重在表現內部世界，強調主觀性。表現主義音樂的主要代表人物是勛伯格及其弟子貝爾格和威伯恩。
勛伯格生於維也納，一生中沒有受過多少正規音樂教育，幾乎是自學成才，1908年後，在表現主義思潮影響下追求無調性等現代派創作手法，創造了無調性音樂。這種音樂總是處於緊張狀態，刺激人的聽覺，適合於表現處於緊張狀態的20世紀的「人」。二十年代他創造了十二音體系，並按此體系寫了大量樂曲。所謂十二音體系，就是摒棄傳統的調式、調性與和聲體制，將半音音階中的十二音體系任意排成一個音列，然後以倒置、進行等技法加以處理。為了避免任何一個音成為主音。在十二音未全部出現之前，其中任何一個音不得重復。十二音體系對70世紀音樂產生了巨大影響。他的學生貝爾格和威伯恩以後對十二音體系進行了創新和發展。勛伯格的作品主要有：弦樂六重奏《升華之夜》、歌曲《摩西和艾倫》、大合唱《華沙倖存者》。
新古典主義音樂是在兩次世界大戰期間興起的。一些作曲家把18世紀古典主義原則與20世紀新文化結合在一起，簡化樂曲的素材、形式，大大壓縮樂隊的編制，使音樂風格簡潔、冷靜而富於理性。主要代表人物是斯特拉文斯基。
斯特拉文斯基（188—1971年）生於俄國，1934年加入法國籍1945年取得美國籍。他的作品種類多，風格變化大，幾乎涉及所有的重要現代流派。其著名的作品有：芭蕾舞劇《火烏》、《春之祭》、歌劇《浪子的歷程》等。
電子音樂和爵士音樂電子音樂就是運用電子技術與設備製作出來的音樂。20世紀科技發展迅速，音樂與科技相結合成為現代派音樂的一大特色，一些作曲家不滿足傳統的樂器音響，開始大膽創新，嘗試電子音樂。1951年，西德科隆廣播電台首創電子音樂製作室，並於1953年生產第一件作品。1956年左右出市。電子發聲器裝置」，把各種發聲器和聲音變化器結合到一起．由統一的系統進行控制，使電子音樂的製作過程大為簡化。六十年代出現半導體技術後，合成器更加完善和小型化，並能參加現場演奏。隨著電子計算機進入音樂領域，人們通過編制好的程序復制出特定風格的音樂，製作者運用電子技術可以任意組合各種奇異的音響，隨心所欲地按照自己的想像進行創作。電子音樂開辟了一塊新的領地，開拓了無窮無盡的聲源，發展前景為音樂界人士看好。
爵士音樂是19世紀末叨世紀初在美國密西西比河下游的新奧爾良產生的一種全新的音樂流派，十幾年後風靡美國，迅速傳遍西方世界。它最初多數為新奧爾良黑人樂隊演奏，當地黑人的祖先多數源於西非洲，因此，爵士樂具有強烈的西非洲音樂風格。
黑人處於美國社會的最低層，處處受到歧視和壓迫，他們想擺脫現實生活的苦悶，因此在勞動、社交場合唱的歌曲中探合了白人的其他音樂，造就出了深含憂郁的歌調，被稱為「藍調」，這是爵士音樂的前身。後來當地一些樂隊和黑人歌曲進一步合流，不久形成了最初的爵士樂。爵士音樂是一種喧鬧、狂熱的音樂。這種音樂以即興演奏為基礎，節奏感強，富於變化，適合表現現代生活。美國作曲家格仁文的《藍色狂想曲》是現代最著名的爵士音樂作品。爵士音樂對以後出現的「搖滾樂」、「迪斯科」音樂等產生了深刻影響。