如何看現代藝術

① 如何看待當代藝術

藝術之所以存在是因為人的存在。人類是偉大的動物，造就了各種各樣的形式存在和名詞，藝術便是其中之一，我想正因為人的個體不同，也就使得藝術存在的形式多種多樣，一件藝術品，有的人喜歡，有的人厭惡，那麼我們就不能評價這件藝術品的優劣，這就是為什麼有各種藝術形式之分的原因。

對於當代藝術，人們的看法也不一樣，有人認為藝術也應該順應時代的潮流，有人認為藝術應該秉持自己的風格，其實，創意總是來自 不同的空間，不同的時間，我們還是不能苛求藝術一定要以某種形式發展，我還是贊成當代藝術的多元化，有不同的人才有不同的藝術，同樣，有不同的藝術才能滿足不同的人的精神需要，這是一種緣分。

② 可以從哪些方面辨識西方現代藝術，如何簡單的分辨現代藝術」和「現代主義藝術」這兩個概念。

1 對於藝術的界定一直爭論不休，
有當代藝術，現代藝術，後現代藝術，先鋒藝術等等
比較普遍的認識，現代藝術與現代主義的藝術的區別是
現代人做的藝術都是現代藝術，而基於現代的意識形態，關注當下問題，利用
現代藝術的媒介來做的藝術是現代主義藝術.
其實不要說西方現代藝術，因為這樣會陷入不必要的麻煩之中
其實現代藝術只是某些人的界定，向來只有藝術，只有現代的藝術，沒有現代藝術這樣一個實體。也沒有西方這個實體的概念，西方不是鐵板一塊，不同人的想像中的西方是不一樣的，那隻是一個看似常識的文化想像，不信可以拿著地圖去讓不同的人畫出席方的范圍，結果肯定是不一樣的。說西方現代藝術只是企圖將現代的新的藝術手法與認識拒之門外，這對中國的文化建設是極其不利的，是范歷史反藝術的，使反人類的。如果沒有上面提到的錯誤說法，就不會有後現代的話語之正，什麼後殖民，什麼文化侵略，什麼重大問題，都是不存在的，使我們的稻草人論證。其實法國人也認為他們的藝術和英國人的藝術及其不一樣。德國人也抵制過美國藝術。
這個問題可以關注一下08年的廣州三年展。

2 現在幫你畢業
首先要知道你的老師是誰，支持什麼理論，盡量不要冒險挑戰他
上面說的是較新的理論，我認為是正確的理論（當然很多人也這樣認為，並且不久後大家跟定會一致認為）。不知道和不和你的老師的胃口。那麼
通俗的理解是：現代藝術首先要從時間上區別於當代藝術，後現代藝術，是中間的一個歷史時期。在藝術媒介的運用上，當代藝術主要還是繪畫，而現代藝術與後現代藝術主要的裝置，影像，行為，觀念等等藝術形式（其實這樣的提法有很多問題，如果需要的話QQ）

3 關於現代主義、後現代主義的話語希望你多看看有關方面的書籍，有很多方面的。
關於現代藝術這個定義的由來建議看看現代藝術史

③ 怎樣區別現代藝術與當代藝術

很好區分，當代藝術是觀念藝術，現代藝術是形式藝術。
分析一張作品的出發點是形式還是觀念就大概能判斷了。
比如立體，抽象，表現，原始，野獸等等通過繪畫形式語言表現藝術形式的就是現代藝術作品。
再比如行為藝術，或者一些脫離了傳統藝術審美的藝術品，靠特定一些行為和反傳統藝術表現審美方式表現作者觀念的藝術品就是當代藝術。

④ 如何看待西方現代派藝術

所謂西方現代派美術，是指西方國家從二十世紀初發展起來的現代美術中某些流派--野獸派，立體派，未來派，達達派，表現派，超現實主義，抽象主義，波普藝術的統稱。「現代派」一詞是和某種新的，非傳統的，區別於過去的藝術思想聯系在一起的；現代派美術既不同於以往的傳統美術，也不包括現代的各種現實主義流派，它與現代的西方美術更不是同一概念，它在其中只佔一席之地。

現代派美術發展史 如果說現代派美術引領了西方乃至世界美術，那麼引領現代派美術的無疑是這三個人，法國後印象主義畫家塞尚，高更和荷蘭畫家梵谷。

現代派美術發展史1905年，以馬蒂斯為首，弗拉曼克等人為骨幹力量的野獸派在巴黎誕生。他們從塞尚的作品中得到啟發，在藝術形式深受高更和梵谷的影響，用強烈的色彩，奔放粗野的線條，扭曲誇張的形體，來表現對客觀世界的主觀感受。與此同時，德國表現主義應運而生，他們否定現實世界的客觀性同樣一味追求藝術家本人的主觀感受，但是他們並不注重於純形式的探索，而是把繪畫語言視為反抗社會西安市，宣洩不滿的手段。

兩年之後，以畢加索，布拉克為首的立體派在巴黎出現。它先把一切物象加以破壞和肢解，把自然形體分解為各種幾何切面，然後加以主觀的組合，甚至發展到把同一物體的幾個不同方面組合在同一畫面上，藉以表達四維空間。 自立體派之後，歐洲本土上各種新理論新觀念紛紛湧入，於是，未來派在1909年以前衛的姿態與義大利出現。他們排斥過去作為繪畫手段的情調和預期的趣味，稱頌有獨創性的形式，在主題上也否定老一套的東西，認為重要的應是描繪現代的都市生活，諸如鋼鐵，速度，劇烈的運動等等。

未來派之後，義大利有出現了形而上畫派。在形而上繪畫中，鍾表的指針和塔上的小旗都呈凝滯狀態，一切都是靜止的，籠罩著神秘的沉默，其目的就是要把事物從日常的倫理中分離開。形而上繪畫具有超現實主義的成分。 第一次世界大戰給歐洲各國留下了極為慘痛的創傷。一批青年藝術家出於對社會的強烈不滿，發表了《達達派宣言》。達達派由於對人類原有的一切感到厭惡，所以要否定一切，破壞一切。在藝術上，企圖擺脫一切古代傳統文化藝術，否定一切傳統藝術的造型觀念和造型規律，一怪誕荒謬的形象表現令人難以理解的事物。 1924年，有法國醫生兼詩人，原達達派骨幹分子布雷東出面組織成立了超現實主義派。他們依靠所謂自動記述法，利用圖畫象徵，造型隱喻，改變環境等手法，表現荒謬，混亂的感覺和形象，構造了許多變形，幻想，魔術般的奇異世界。 1901年前後，經過多年僑居德國的俄國畫家康定斯基，荷蘭畫家蒙德里安等人的數年摸索，抽象主義終於形成。藝術家擺脫造型藝術再現視覺感受的傳統，把點，線，面視作自主的表現力願素，使之變成有象徵意義的符號，從而把藝術家的情感傳達給觀眾。二戰後，美國動作畫派的創始人波洛克開始轉向抽象表現主義。他不用筆畫，而是在畫布上亂撒顏料；畫面上沒有任何具體形象和生活內容，只有斑點狀的東西擴散開去，從而超越了有框繪畫的狹小范圍，是畫面具有一種無限空間的感覺。

進入六十年代，抽象表現主義更加趨於形式化，於是有的藝術家反其道而行只，從「極端抽象」轉入「非常具體」——轉向生活中實物。著就是始於英國爾後風靡美國的波普藝術（也稱流行藝術）。 我所要用確立的，是想干什麼就敢幹什麼的權利——高更 高更的這就話可以說是現代派作家最好的註解，現在看來現代派美術在總的傾向上可以說是觀念至上，正因為如此，它很難理解，相當數量的作品畫面模糊，變形，甚至荒誕離奇，令人不可思議，表現了部分流派的唯心主義藝術趣味和頹廢思想。但這也正證實了藝術之所以為藝術的原因所在。假如太容易理解，在一個簡單的水平上被理解之後，藝術的魅力也就消失了，只有在涵義未能窮盡的時刻，藝術才最具有生命力。事實是，無論何種有預見性的理論，都無法窮盡現代派美術費解的存在。最有意義的藝術應該是以觀念為基礎的，理所當然的還應該同時有心理上和情感上的內容。一般而言，時代精神在藝術上的表現主要地反映在內容上，而後才逐漸影響到一些形式。現代派美術中的內容與形式之間的關系更加微妙。

盡管現代派美術多以自我為中心，熱衷於自我表現，但是它在探索人類想像力和創造的無限可能性方面所取得的成績應該值得肯定，單就這種求知的熱情和探索的勇氣來看也值得肯定，因為任何發展方向上的努力都比踏步不前更為可貴。人類整個的藝術發展史業已證明，關於藝術的所有簡單化的決定論都是立不住腳的，現代人雖然並沒有享有完全的藝術創造的自由，但在某種程度上仍掌握著選擇的自由。 正是這些現代派藝術家通過創作體現他們的叛逆性格，強調自身的價值，表現藝術家的主觀心靈，也創造了不少值得我們借鑒的藝術表現方法和新材料。從此美術走入了一個更加個性也更加燦爛的年代。

西方現代派小說中的以丑為美、以惡為善的風格，故意顛覆傳統、深刻探索人類命運的主題在他們的作品中也缺乏真正的表現。

他們為自己的藝術主張奮斗，忠於自我，蔑視傳統，其實這就是他們對這個世界交出的答卷。在西方現代美術中，美與不美，真實與不真實將不再是重點。重要的是每種事物都有存在的理由。世界為什麼必須只有一種美術？於是「現代派」們用自己的作品來加以反抗。創作形式令人眼花繚亂，現代美術形態呈現多元化。這是藝術家對個體精神的追尋與探索。他們通過各種形式顛覆傳統，為的是更好地表達自己。個體在這里得到淋漓盡致地發揮。 雖然世界變得越來越小，但保留自我認同的努力仍然與日俱增。覺得有一句話用來描述西方現代美術的這場探索十分合適，「藝術，記錄時代狀態的最真實的形式，反映著人類對統一性的需求，也反映著對多樣性的同樣巨大的需求。」

因此 在現實生活中沒有合理和不合理之分 只要心中擁有那種思想和信念.擁有對個體精神的追尋與探索的嚮往,就是合理的/ 還是黑格爾的那句話 存在即合理。

⑤ 對現代藝術的看法

現代藝術
第一，「現代藝術」是西方20世紀以來的佔主導地位的藝術形態。從20世紀初開始，隨著西方社會進入現代時期，出現了與古典藝術和近代藝術不同面貌的現代藝術，它的突出特徵是在藝術形式上不再以寫實的風格為主，而是體現藝術家個性的觀念和形式語言，並且形成了許多藝術流派，一個時期以某種藝術流派為主導。如我們比較熟悉的立體派、未來派、超現實主義、抽象主義、波普藝術、照相寫實主義，等等。當然，無論何種藝術形式，其所反映和表現的都是現代社會變化給人們帶來的社會心理特徵，都是藝術家對藝術表現形式的探索。其中的積極成果豐富了人們的審美經驗，開拓了藝術的視覺表現空間；其中的問題是因為缺乏共同的藝術標准和過分的個性化，在藝術上也就良莠不齊，有的脫離公眾，走向極端。

第二，在各國的現代化過程中，都出現與自身社會發展特徵相關的、具有自己文化內涵的「現代藝術」，在內容上反映了社會現代化的進程，在藝術形式上體現了現代精神。由於西方發達國家在現代化進程上的先行，西方「現代藝術」對全球的影響是相當大的，但這並不意味著各國的藝術就是西方的翻版。中國的藝術在20世紀的百年發展中，就有自己鮮明的文化上的「現代性」。
http://..com/question/57918022.html

⑥ 陳詩宇:如何欣賞現代美術

許多人都對現代美術作品感到困惑和憤怒：「為什麼現代美術作品中有那麼多不明所以的隨機圖形?這難道不是畫家隨便亂塗的嗎?這有什麼藝術價值?小孩子也能畫成這樣啊?難道就是因為藝術家有名氣，塗兩筆就是藝術作品了?這有什麼技術含量啊?」
很明顯，提出這樣問題的邏輯是：這么兩三筆，我也能畫出來，那麼畫家和普通人有什麼差距?
而憤怒在於：連我都畫得出來的作品，居然賣價這么高?但是如果是我來畫，就是廢紙一張，這太不公平了!而且這么簡單的畫面，那些畫家一天就能畫好多張，這有什麼意義啊?這不是明擺著搶錢嗎?憑什麼讓這種破爛東西賺錢!這是公然的騙子!這個社會怎麼了?!
這次，我採取一種順應你心情的方式來為你解答。
既然你認為這樣的作品一般人都能畫出來，我建議你完全可以試試，是否能夠完整臨摹一幅抽象派美術作品?臨摹得一分一毫不都差?比如下面這幅蒙德里安的作品。你知道這幅畫價值連城，所以你完全可以仿作一下，來證明自己有沒有製作價值連城的能力。你必須使用和蒙德里安一樣的作畫工具，也就是僅僅是顏料、畫筆和畫紙/布。

蒙德里安的作品
對於一個沒有受過美術訓練的人而言，這顯然非常困難。即便允許你使用標尺畫直線，你也會因拿不準線條起點的位置而猶豫，更因為控制不住畫筆而使顏色總是漫過邊界而傷腦筋。更麻煩的是這種紅色和紫色，可能不在你的顏料管里，你得想辦法去調出這種顏色來。然後你還要花大量時間糾結水和顏料的比例以免讓色彩顯得太單薄。
你開始發現，完成這樣一幅作品肯定不是你原來「想像的那樣簡單」。
如果線條不是這樣規整，你就更抓狂了。你陷入這些你眼中「混亂線條」的定位里，並對准確調出豐富的色彩束手無措。估計你花上一周時間也完成不了下面這張康定斯基的作品，並做到完全一致。
好在蒙德里安和康定斯基也不是你想像中的「一天就能畫好多張」。他們大概用了和你差不多的時間，甚至比你所花更長的時間，去完成這樣一幅作品。

康定斯基的作品
於是你說：嗯，這么說來，這些畫作在技術上還是有些勁道的。好吧，我承認畫家比我會畫直線和曲線。但是這種構圖算什麼呢?就這么幾根線條，幾塊顏色，既不像豬又不像鴨，這畫的到底是什麼呢?要是不拘泥於臨摹，我也能隨便塗幾筆，取名無題，掛在牆上展出了。
如果你真的這樣想，那麼恭喜你，你剛開始學習如何去欣賞藝術作品。
在這里，我要強調的也就是這句話：欣賞藝術作品時，永遠都要思考藝術家為什麼要這樣表達。
我還要澄清你的一個誤解。你以為這些藝術家跟你一樣不會畫畫嗎?並不是這樣的，你可能認為一幅人體素描「很顯功力」，你也看到了有許多人在街邊販賣人像速寫，二十塊一幅。你要知道，你在美術館里看到的任何作品的創作者們的素描功底都不遜於街邊速寫。當然，如果找他們給你畫人像速寫，肯定不止二十塊一幅了。不僅如此，大多數中國美術生在寫實畫作方面也相當扎實。對於一個經過四年美術專業訓練的人而言，畫出一張讓你驚嘆「好像照片啊」的畫來簡直是小菜一碟。
你要相信藝術家們永遠比你要會畫畫。你所能想到的繪畫，大多已經被他們實踐過了。
於是你得思考，既然這些藝術家們能夠去描繪人物、風景、建築等等你所熟悉的對象，為什麼他們不這么做?他們為什麼要採用這樣不同尋常的方式?
藝術不是模仿。這句話在藝術界幾乎是常識，但是你不一定能很快意識到。你喜歡按一般人的認識以及你原來的口味去品評畫作。有時候你會有點個人的審美感，比如你對藍色很敏感，那麼那些以藍色表達為主的作品就會讓你有所思。那麼我們為什麼不把這種思路擴寬，以便我們欣賞更多的畫作呢?我再來告訴你四個常識。
第一，顏色在繪畫里是平等的。
為什麼要偏愛鮮艷的色彩而忽視深色呢?為什麼認為朦朧的淡色無法塑造鮮明的形象呢?為什麼認為白色的空間是毫無意義的呢?有的畫家喜歡在深色區徘徊，在你眼裡是不是就是一團泥巴呢?而且，這樣的畫家很有可能喜愛用褐色畫雲朵，用深到發紫的紅色畫街道，用介於泥巴和煤炭之間的顏色來畫人的面部。你能否看出這些顏色的區別呢?你是否會因為整幅的深色而忽略上面的幾抹亮色呢?或者會因為整個畫面的清麗而抱怨那幾筆難看的深色?
請不要歧視任何一種顏色，更別說是顏色區了。當然許多藝術家會有對顏色的偏愛，但那不是你的權力。既然是你在試圖學習和觀賞藝術家的作品，就請仔細地看深色區和淺色區的區別，請看藝術家偏愛什麼顏色，請看主體色彩之外的環境色，請仔細地觀察。(別只顧著看到那些常色，廣告商才會喜歡用鮮艷色彩吸引小孩子呢!)
一個合格而深刻的藝術家，會為他畫面上的一切色彩負責。並且，抽象派藝術會對此更為負責，因為他們不必順從現實的色彩，只顧著在構建自己的話語世界。如果你真的想問他們：「為什麼這里有一團莫名其妙的黃色?」相信我，如果是一位友善而富於激情的藝術家，他說不定會就此唾沫橫飛地回答半個小時。
第二，線條在繪畫里也是平等的。
你以為這一條與上一條類似嗎?不，並不是。這一條比上一條要困難多了。因為許多人都能說出色彩的不同，卻無法理解和解釋線條的不同。我想說，既然你知道文檔中的加粗是表示強調的意思，你就應該了解繪畫中的線條處理也有各種不同的意義。
再次強調，藝術不是模仿，我們不生產一模一樣的字體。花樣字體本身也是借鑒了一些藝術思維。我們要讓整個畫面表現藝術家眼裡的美感，或者是情緒、思想、事件等等，我們當然要採取不同的線條。這里有幾個問題，你可以在欣賞線條造型明顯的作品時好好思索一下：
為什麼畫面的這個位置有這根線條?
為什麼這根線條這么粗/細?
為什麼這里是彎/直的?
為什麼這跟線條這么平滑/粗糙?
為什麼這根線條是這個顏色的?
為什麼這一塊是用線，而那一塊是用面?
欣賞畫作有時候就是幾個簡單的角度而已，並非許多人想的那樣神秘莫測。有些人看到別人評論畫作時，一會「XX主義」，一會「XX風格」，一會「意境」，一會「符號」，就覺得內涵深刻高不可攀，常人不能理解。我建議，在你開始學習欣賞美術作品時，不妨先從上面這些簡單的問題和回答中累積經驗，過了一段時間，你就能夠摸到那些「XX主義」的門道了。切忌一開始就從「XX主義」或「XX風格」入手，這樣你會錯過太多具體作品的精彩之處了。
一個合格而深刻的藝術家，會為他畫面上的一切線條負責。線條之所以為線條，都是有來源的。我們來舉個例子，中國人非常熟悉的梵高，他的繪畫非常注意線條的使用，他並不是一個熱愛立體面的畫家。下面是他的一副自畫像。你可以觀察到整幅畫幾乎都是由短促有力的線和點組成，圍繞著人物形成一個圈。梵高一生創作過許多自畫像，業內認為這些短促的線條是他精神狀態的一種表現，越是臨近他自殺時的作品，這種線條特徵就越明顯。如果你有幸看過梵高的原作，那麼你就會欣賞到這些短促用力留下的油畫顏料的形狀，像是化石一樣保存了梵高當時的情緒。(是的，你可以想像一下你用筆使勁往畫布上戳的心情)

梵高的自畫像之一
線條十分重要，線與線交錯形成二維面，它是繪畫之所以成為二維藝術的基石。同樣線條也是所有三維藝術的基石，只不過在整體的框架下，面更能影響到三維藝術的大局。如果你看不懂線，你就幾乎與「造型」一詞無緣，於是你便完全搞不懂「這畫的到底是什麼」。
扯一點專業思維，「畫的到底是什麼」就是造型，造型造的是什麼，純粹就是看線條的組合。因此倘若你對具體的線有所觀察，你就應該不至於對這個問題毫無想法。一根線，可能是一根鉛筆、一根樹枝、一條路、一根電線、地平線、牆的轉折線、某行文字的下劃線……線不會來的那樣離譜，如果你的思維更開闊一點，你也能體會到藝術家用線表達的憤怒、沮喪、困惑、恐懼……下面這張最近引起公眾注意的盧西奧·豐塔納的《ConcettoSpaziale, Attese》。畫面非常簡潔，就是在紅色的畫布上有幾道刀割破的痕跡。你可以明顯注意到，整幅畫只有兩個元素：紅色的背景，筆直的黑色的割破線條。這兩個元素代表什麼呢?紅色，可能是激情，也可能是憤怒;割破，可能是一種突破，也可能是一種暴力。割破的角度並不整齊，但也不凌亂，可能具備理性的控制。不管如何解讀，你都能抓到「紅色」和「割破」這兩個明顯的關鍵詞。你沒辦法繞開這兩個元素，這是作品對我們想像的限制，也是給我們提供的空間。

盧西奧·豐塔納的極簡主義作品
網上現有業內對這幅作品的解讀是：
作品的副標題是義大利文attesa和attese，分別是義大利語中的等待和期望的動詞和名詞形式，據說意義是觀者原本「期望」看到一個正常畫面的想像空間，但豐塔納一刀毀掉了這個「期望」。藝術家封塔納(1899-1968)最為人知的藝術貢獻在於其一系列「割破的」畫布。他因此成為極少主義的始祖。1949-1950年間，封塔納開始刺穿其畫布，他說，「打破了畫布的空間，好像在說：自此我們可以自由地做我們喜歡的了。」封塔納同時也將其視為一種喚出的無限，聲稱「我創造了無限的一維。」
第三，藝術家們在創作時幾乎不考慮觀賞者的意見。
剛好近來在知乎上看到一個提問：」為什麼現代詩多半是些表達得不知所謂的語句組合，卻還是那麼多人去寫?「這個問題當然是大膽坦誠地表現了提問者的無知無畏，在許多詩歌愛好者看來應該是很欠揍的。這個問題下面有許多精彩的回答，都可以借鑒到本文開頭那個問題上。鏈接在這 http://www.hu.com/question/20785495/
不過我覺得最需要強調的是這句話：「對於詩人來說，讀者是(最)不重要的。」
同樣，對於現代藝術家們，觀賞者也是最不重要的。你絲毫不用顧慮你的想法會影響到他們的創作。藝術家是一群埋頭描繪自己內心的人，他們創造個人藝術語言，表達自己的情緒思想。當你開始指責他們胡塗亂抹時，很遺憾你又錯過了一次學習新的藝術語言的機會。
說真的，每次我看到那些對現代藝術表示抗拒的人，我都覺得他們個人的表達也真的很程式化。換句話說，沒有絲毫新意，還在不斷抵制新意，表面上是在維護傳統的話語權，實際上是在展現他們的腦子有多麼匱乏。特別是一些作品，在許多人看來早已能夠接受，在另一些人看來仍然如洪水猛獸。比如上面所引用的蒙德里安的色彩構成，已經成為服飾家居建築時尚的流行元素之一，不少人都對其中的平衡美感有所感知，但仍然有些人認為這樣的作品「毫無技術含量」，我便不能不懷疑這些人的審美智商低於平均水平了。
第四，對藝術作品的解讀沒有標准答案。
這句話放在這里，是要警示那些總是對標准答案有強迫症的人。他們有兩種表現，一是特別怯於表達觀點，總覺得自己對作品的看法不夠「正確」，非常擔心自己的看法不符合那幅畫下面的小標牌上的文字;另一種則是特別能指點江山，總覺得一類作品是藝術標桿，無上崇高，而其餘的都很荒謬，荒謬到應該從這個世界上被抹消。
唉，完全不知道這些人在固執什麼。說了嘛，藝術家是完全不會考慮你的想法的，你的想法是完全不會影響藝術家以及藝術產業的。沒人給你的藝術水平打分，你幹嘛那麼在意其他說法啊?你看到什麼，就是什麼。但是也別想著要維護什麼，根據什麼，堅持什麼。如果你有條可理，可以順著一種思路理解。解讀與解讀之間沒有正誤之分，只有高低之別，但是前提是你得真正地表達出你的解讀。
對於平常人而言，美術館是一個學習和提高自己審美水平的地方，是一個做思維訓練的地方。美術館是一個社會教育的場館，一個沒有美術基礎的人進來，應該是跟進入圖書館一樣的心態，絕不應該在沒有仔細閱讀完一本書之前對此擅作評價，不是么?
你最大的固執，應該發揮在對一件具體藝術作品的解讀上。你應該像鑽研一道數學題一樣去解讀一件你中意的藝術作品。你應該堅持採納多方意見，擺脫你對一件作品的困惑，而不是堅持認為「我看不懂這件作品」是一件很高尚的事情。這種自以為是的行為的愚蠢程度就跟諱疾忌醫一樣。
目前看來，大多數人看不懂作品的緣故，只有兩種：一是藝術品有高度，解讀者思維不夠高度;二是藝術品沒什麼高度，解讀者有標准答案強迫症。介於目前國內當代藝術都沒什麼高度，所以第二種情佔了大多數情形。
現代藝術本來就有「藝術生活化」和「生活藝術化」的口號，藝術家們最喜歡的就是把生活和藝術放在一起。欣賞者們也完全可以跟隨這樣的號召，去親近那些被藝術家們從神壇上拉下來的藝術。藝術作品是個人的，從個人到個人，由個人創造，也由個人解讀。所以只要解除你的標准答案強迫症，相信你很快就能開始欣賞現代藝術作品。

⑦ 如何解讀當代藝術傳統與當代應當以各種面貌展現

藝術這個詞所包含的范圍很廣，對於藝術的定義有千千萬萬種，藝術界的學者對於藝術有自成一派的說法，普通群眾對於藝術二字的理解同樣也有著不同的理解，但無論哪種解讀都有其存在的合理性和必然性，因此我們不能一味的用自我的藝術欣賞能力來評價藝術。藝術的歷史淵源悠久，人們對於古時候的藝術與現在生活中的藝術做出了明確的劃分。但無論是傳統還是現代藝術，它們所被展示的方式依舊是通過教育，貿易等。

藝術可以是無拘無束的，但它所發展的方向應該是光明的純潔的，同時也要符合社會價值觀的，我們在受藝術影響的時候，也應當通過創新等途徑對那些將要失傳的藝術進行傳承。