西方藝術特點是什麼

㈠ 西方古典藝術特點是什麼

西方古典文化藝術首先由希臘人開創，羅馬人依據其民族特點並結合自己的創造，在有選擇地光采博收與融合古希臘文化的基礎上，不斷灌注以新的內容，從而使之發揚光大，最終形成為一種別具一格的文化傳統或文化體系。

當然，古希臘文化和古羅馬文化也各有其不同的特徵。早在奧古斯都時代，羅馬著名詩人維吉爾就已經道出了兩者各自的旨趣。他認為，希臘人的天才在於文化藝術領域的創造，而羅馬人則在於以威力統轄天下萬民，在世界「推行和平」。

也正如「希臘可稱為光榮，人類精神自由創造，自由思索，自由信仰之光榮；羅馬可稱為偉大，權利、紀律和一致之偉大。」

這是由各自的民族性格、歷史傳統、社會和自然環境等因素造成的。但是，古希臘、羅馬文化作為一種一脈相承的同質的文化，在歷史的長河中凝聚成了一種有其獨特內涵和體系的文化傳統。

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西方古典藝術的純藝術做到頭了，於是出現了反藝術，再後來，無論是純藝術還是反藝術，大部分問題都提出來了，最多隻能從展開方面做些工作。因此，完全從純藝術和反藝術當中去尋找創造出路，有極大的困難，這才出現了社會學轉向。

古典主義時期，藝術主要是為宗教服務，具有社會學屬性;在純藝術、反藝術出現後，藝術逃離了社會學;現在藝術又要回到社會學。

當然，歸來的方法跟中世紀已經完全不同，唯有這樣，藝術家的作品才更有感染力、更有價值。社會學其實是為藝術加了一個籌碼。

像克里斯托夫婦所做的「包裹」藝術，一開始他們在家裡用塑料布包裹桌子、椅子，後來又把巴黎的一座橋包起來，這都是用非藝術的方式來進入藝術，有反藝術的觀念在裡面，但力度還不夠，直到他們將原柏林帝國國會大廈也包裹起來了，力度才真正顯現出來。

而從社會學的角度看，現在也有很多人類危機需要藝術家去關注。因此，不能說社會學傷害了藝術。

㈡ 東方藝術和西方藝術的區別與特點

以繪畫為例，試論歐洲藝術與東方藝術的主要區別

東方藝術和以歐洲繪畫為代表的西方藝術相比較的話，可以明顯地看到文化的差異和區別。
一、歐洲繪畫
歐洲曾以光輝燦爛的古代繪畫聞名於世，而從19世紀以來，又以色彩繽紛的現代派繪畫驚駭環球。特別是西歐，從馬奈、莫奈、修拉、塞尚、高更、梵高等為代表的印象派出現後，流派日益紛繁，尤其令人矚目。法國以馬蒂斯為代表的野獸派，是大家公認的20世紀現代主義繪畫的最早流派，跟它同時出現的有德國以凱爾希納為代表的表現主義。稍晚一點，畢加索為代表的主體主義、義大利卡拉·博喬尼等為代表的未來主義，康定斯基為代表的抽象主義，在瑞士首先出現的達達主義以及阿爾普、克利等人為代表的超現實主義等，流派一個接一個地出現，藝術運動的高潮一波接著一波，形成了萬態紛呈的局面。這些流派雖出現於1945年前，但在第二次世界大戰後，卻仍然綿綿不絕。首先，這些流派的創始者或骨幹畫家，在當代仍然活躍，並有佳作問世。如馬蒂斯、畢加索等人，在50年代，還保持著旺盛的創作熱情。
十九世紀歐洲繪畫藝術的派別和特點
（1）浪漫派
19世紀浪漫主義的誕生是對當時新古典主義、學院派美術的一次革命。
浪漫主義以追求自由、平等、博愛和個性解放為思想基礎。追求幻想的美、注重感情的傳達，喜歡熱情奔放的性情抒發。浪漫主義藝術以動態對抗靜止，以強烈的主觀性對抗過分的客觀性。浪漫主義在題材上，多描寫獨特的性格，異國的情調，生活的悲劇，異常的事件，還往往從一些文學作品中尋找創作的題材。代表作有《美杜莎之笩》。
（2）現實派
現實派追求所謂超越現實的藝術效果，在室內布置中常採用異常的空間組織，曲面或具有流動弧形線型的界面，濃重的色彩，變幻莫測的光影，造型奇特的傢具與設備，有時還以現代繪畫或雕塑來烘托超現實的室內環境氣氛。
（3）印象派
印象派繪畫是西方繪畫史上劃時代的藝術流派，19世紀七八十年代達到了它的鼎盛時期，其影響遍及歐洲，並逐漸傳播到世界各地，但它在法國取得了最為輝煌的藝術成就。19世紀後半葉到20世紀初，法國涌現出一大批印象派藝術大師，他們創作出大量至今仍令人耳熟能詳的經典巨制。代表作有梵谷的《向日葵》。
（4）後印象派
後印象派，從印象派發展而來的一種西方油畫流派。在十九世紀末，許多曾受到印象主義鼓舞的藝術家開始反對印象派，他們不滿足於刻板片面的追求光色，強調作品要抒發藝術家的自我感受和主觀感情，開始嘗試對色彩及形體表現性因素的自覺運用。
在藝術表現上，後印象派更加強調構成關系，認為藝術形象要異於生活的物象，用作者的主觀感情去改造客觀物象，要表現出「主觀化了的客觀」。他們在尊重印象派光色成就的同時，不是片面追求外光，而是側重於表現物質的具體性、穩定性和內在結構。後印象派的繪畫對現代諸流派的發展有著重大的影響，直接導致了結構主義的誕生。
發展到19世紀印象派之後，在強調主觀精神、表現自我及形式探索等方面，大幅度突破傳統寫實的束縛。到了20世紀，各種流派紛呈，從強調形式到否定形式，從具象到抽象，出現了各持己見的諸種極端見解。
二、東方藝術的主要特點
山水畫一直作為純粹而且重要的精神象徵存在於中國文人藝術家的生活中。古人認為，自然山水在空間形態上豐富多彩、千變萬化，在時間狀態上也是無比生動千姿百態的。從山石、樹木、水澤、雲草中尋找人生存在的道理，寄託心靈、情感，正是中國古代藝術家創作山水畫本源的真實意圖。對於山水畫創作來說，中國山水畫的空間特徵，更接近於一種時空的轉換，畫家不僅考慮的是看見了什麼，更關心人自身內心的變化過程，想到什麼。用生命的狀態表達對象。由於沒有象西方繪畫中光影、質感、透視的約束，中國山水畫更多地依靠虛實、遮擋以及不規范的大小比例關系來暗示行雲、流水、山石、樹木的空間，而使得對自然的表現更加肆意、主觀、淋漓盡致。所謂「 低仰自得,心游太空,心融融於玄境,意飄飄於白雲,忘情勿我之表,縱志於有無之間。」一幅畫可以從山前到山後，從山頂到山腳，一幅長卷可容下一年四季、陰晴、雨雪。它不是特定的山，特定的水。它有明暗、有表情、有靈性、更有生命，可以使欣賞者與之一起喜怒哀樂。這種神奇這種中國哲學文化所獨特的眼光和心靈，你是無法在西方風景繪畫中看到的。
三、東西方繪畫藝術的差別
為了栩栩如生的描繪再現自然，西方繪畫努力發明著種種技巧和手法來實現這一目的，尤其在以人物為題材的繪畫中表現突出。對人類自身的認識及興趣自古希臘起由來已久。古希臘人鍾情於人體的表現，他們對於人體結構的精通、體積空間的塑造，完全在於解剖學、光學、色彩學等各門科學意識的滲透。在健康美麗的人體藝術表現中，飽含著人類的生命力，寄託著對美好生活的強烈願望，是人性的一種自然流露。而這種題材在古代中國畫中絕對少有。此中反映著中西文化深層次的差異。人體與著衣人物畫從文藝復興之時起迅猛發展，除因人文主義精神對人自身價值肯定之外，還有一個因素很重要，就是模特。若無模特，西方人物繪畫單憑記憶想像，也不會有如此高的成就。模特兒為畫家提供了實實在在的創作靈感和依據。但光有模特還不夠。畫家必須深入學習人體解剖，甚至自己動手去研究，隨著西方科學的進步發展，人體透視學與人體運動解剖學進一步幫助畫家創作更具生動性和挑戰性的人物繪畫。對比中國古代人物繪畫在既無人文科學環境的支持，又無內在觀念思想的幫助下，大致我們就可以理解中國傳統人物繪畫中造型不準、解剖不對、不畫人體的原因了。中國人物畫的主要目標和追求是「美」與「惡」的分辨，「氣韻生動」是繪畫所要達到的最終標准，並且形成傳統，彰示後世，中國人物畫的這種追求使得它和西畫表現真實准確的美在造型要求上突顯區別。這里絕無對中西繪畫褒貶評論之意。而只有認識到中西繪畫的各自特點及其產生的原因背景之後，我們會發現，西方繪畫的物質性、再現性，相對中國傳統繪畫的精神性、表現性之間的巨大差異了。
現在看來，中西繪畫比較欣賞有著重要的教育意義，其價值在於，一方面，使受教育者得到美術文化意識的培養。美術的發展歷程體現著一定社會歷史階段物質文明和精神文明的發展進程。美術作為一種文化其外在形式具有物質性，而創造方式和水平又體現著審美的精神性，美術文化所包含的這些東西需要挖掘和揭示。系統的繪畫藝術欣賞教育，一定會涉及美術現象所反映的特定歷史時代的物質文明和精神文明程度，而且會啟發學生深入領悟美術現象的內在文化底蘊，引導了解繪畫與人素質和發展的關系。認識繪畫作品所展現的境界、技能、觀念永遠是人素質的體現。其二，人文精神的陶冶。雖然繪畫欣賞不同於德育課，但以德育和文化成長為中心的人文精神的教育，也是繪畫藝術教育的使命之一。古往今來，在時空長河中，得以積淀的美術作品，必然是人類優秀文化遺產的代表，通過對這些作品的欣賞、挖掘和弘揚，達到揚善、育德、益智的目的。同時，引導學生形成正確的欣賞態度，掌握正確的方法成為一個心理結構健全的具有審美判斷能力的欣賞者。其三，繪畫欣賞的再創造性。欣賞，表面現象上看是一個直觀掌握的過程，實際上一件美術作品之所以流傳，除了作品本身所具備的品質以外，還有一個重要的原因就是欣賞者的主觀態度。它需要想像力、體驗力和感悟力，通過對作品語言的應悟，把作品所包含的內容復顯出來。而這個過程必然滲透著欣賞者個體的人格特徵、心理內涵和精神理解，這種特殊的心理活動，獨特的心理感受和情感意志，甚至欣賞者所處的時代特性，都會使得美術作品本身有新的開拓補充，甚至是重構，從而使藝術形象成為活的有生命的形象。
中西美術最大最本質的區別究竟是什麼呢？不要急於給出答案，實際這是一個非常復雜的問題也非三言兩語可以說清，但它的確是認識和理解中西繪畫不同的關鍵核心。對於有著幾千年歷史、畫種繁多、作品紛呈的中西繪畫，通過對照、剖析、探尋，發掘，相信我們至少可以坦然面對不同文化的沖突，它們的變遷和融合，而學會用更加淺顯、生動、平易、自由的心態，開啟愛美、審美的大門。

㈢ 西方經典藝術的特點是什麼

中西方藝術差異的比較

要談中西方藝術的差異，首先必須分析中西藝術的各自特點。我個人認為，藝術作為一種人性的表現方式，它的主體是人，是人作用於客觀事物而產生的行為。因此，要談藝術的差異，必須首先從的人的差異入手，而這里就牽涉到中西方的文化差異。文化差異造成人的認識上的差異，而藝術創作的主體是人，因此，人的意識差異便導致了藝術的差異。
先從古希臘談起，這是西方藝術創作中的一個代表時期。中國在當時，正是儒家思想產生並盛行的時期。這也是比較中西文化一個比較有代表性的時間起點。談到藝術，必然要談到文化。中國人歷來都是以含蓄為美，這是中國人的美德，也是一種文明，是屬於人性的東西。而西方人則恰恰相反，他們在一些行為舉止上面往往都表現得十分直接，西方人打招呼喜歡擁抱、接吻就是很好的證明，他們不像中國人異性之間握個手都覺得有點像在耍流氓。這是中西方文化上的差異，人作為這種文化產生的主體，表現出了這樣的外在行為特徵的差異。而藝術作為人作用於客觀事物的表現手法，它是直接反映人的主觀意識的。通過人的感觀認識客觀事物，獲得最初概念，再經過人的主觀意識對客觀事物進行再認識，最後結合了各自獨特的表達方式，對客觀事物進行二度創造。這就是藝術形成的過程，這個過程是客觀事物與人的主觀意識的結合，達到完美，產生藝術。藝術可以說是一種概念，是人們對藝術家創作的認同。藝術之所以成為藝術，也恰恰是它符合了人性的特點，不在單純地表現客觀事物本身，它是結合了人對客觀事物的看法，從人性的角度表達客觀事物。而這種表達，往往是和藝術家的個人思維方式相關聯，所以，才造成了藝術差異性的存在。這里要談中西方藝術的差異性更需要從文化的角度去看，去思考人性特點的差異。
前面談到的中國人含蓄，西方人直接，這是中西方藝術在表現形式上最大的差異。讓我們再把時間追溯到古希臘時期，當時西方的大部分建築、雕塑、油畫等等的藝術作品中，我們可以很相似地找到藝術家們所喜歡的一個認識客觀——人體。在西方建築雕塑中，人體作為認識客體，被認為是一種美，而一再地被歌頌著，直到今天藝術家們追求的都是一種更加直接的方式去表達人體的美，因此在西方的藝術表現中，他們的藝術風格是更為直接的。人體藝術是近代才傳入中國的，至今還是很難被國人接受。當然，這里舉人體藝術只是一個例子來證明，中西方藝術特點的差異。中國藝術中講究一種意境美，它是朦朧的抒情的，往往更多的是在表達藝術家的主觀意識本身，客觀事物僅僅是表達的載體，比如詩歌，文字和語言都是載體，而藝術家融入了個人的感情，表現出來了。中國藝術的含蓄特點，我們可以從中國的國畫作品中找到證據，有人說國畫其實是在寫詩，這點我很贊同，它和中國古詩一樣講究一種意境美，它們更側重於表達作者的意識。國畫不像西方油畫那麼直接生動地去描寫，它的風格較為含蓄，往往是加入個人感情因素，化靜為動，變動為靜，在花蟲草木中尋求情感寄託，重在藉助客觀事物含蓄委婉地表達個人感情。比如古詩詞中的一段「感時花濺淚，恨別鳥驚心。」花不會濺淚，鳥也不會驚心，不過是詩人把自己的感情轉移到了所認識的客觀物體上面，是一種含蓄的表現手法，關乎的是一種意境。而西方藝術則更偏中直接去贊美客觀事物，他們更關心美的存在形式，偏重表現認識客體，而不在於表現認識的主體——人的情感因素。當然，當情感作為了認識的客體，他們就會充分地去關注並且表達它，就此，我想舉貝多芬這位偉大的藝術家，他的藝術作品《命運》就是一個很好的例子，它所表現的客體是貝多芬個人的感情，所以表現得十分到位，令人驚嘆！就單純的排除人的感情作為認識客體來談，西方藝術家是更在乎如何更加生動地表現客體本身的，不同的也只是在表現手法上的不同，內容是一致的。這是與中國藝術一個很大的區別，而這樣的區別完全來自於中西方的文化差異。

㈣ 19世紀的西方，文化藝術有什麼特色

19世紀的西方，文化藝術多種多樣，其中繪畫藝術的多樣性是一大特點。分別有：浪漫派、現實派、印象派等。

十九世紀的西方，比較流行新式的建築藝術和特有的西方繪畫藝術。其中建築藝術不再是之前單調的裝修風格，而是一種返璞歸真的新型裝飾風格。西方的繪畫藝術不同於我國的水墨畫。我國的畫作主要是由水墨的調色製作完成，通過層次的不同用單一的色彩繪畫出不同的景物。而西方繪畫主要是以色彩明亮，色彩多元化為主，通過色彩的搭配，創作出不同的畫派風格。

四、後印象派是印象派的一種延伸，它通過作者本身的情感去在作品裡抒發，側重於表現物體的內在結構。後印象派對於西方繪畫技術產生了深厚的影響，並間接導致了結構主義的出現。

㈤ 西方傳統繪畫的主要特點是什麼

西方傳統繪畫有三個特點：古典與反古典、強調描述。

古典的趣味偏重理性，在形式上的特點尤其表現在重視素描而輕視色彩之上，反古典則熱衷與情感，它不像古典主義那樣追求庄嚴、靜穆、單純、和諧的古典意蘊，而是強調自由、放縱的精神和富麗、壯觀的氣勢。

西方傳統繪畫的另一個特點，是強調描述。長期以來畫家們一直是把有效地表現故事和傳說、描繪具體的情節，以表達某種寓意或象徵，當作自己的任務。這種描述性在楊·凡·愛克的《阿爾諾芬尼夫婦像》上也得到了充分反映。

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西方繪畫與現代繪畫差異，還反映在對於所謂再現的不同態度上。對於傳統繪畫來說，再現是其根本所在，也可以說是西方傳統繪畫的基本目標。

中國畫又名國畫，是現代人為區別於西洋畫而對中國傳統繪畫的泛稱。它包括水墨畫、墨筆畫、彩墨畫、工筆重彩畫、白描畫等。現代中國畫是在近百年來引入西方美術潮流的文化環境中發展的，出現了諸多派別、主張和新的探索，名家輩出，在畫壇上佔有重要的位置。

㈥ 西方現代藝術的主要特徵有哪些

西方現代藝術是在物質方面的極大充裕與富足而精神方面極度空虛與無助的現代社會土壤中萌生和發展起來的。
在19世紀末和20世紀初，在西方世界，幾個主要的資本主義國家，如英、美、法、德、俄等已基本形成。這些資本主義國家的形成是在經過了長期的資本主義的工業革命、政治革命、還有各種社會的變革，以及民族、國家的統一斗爭才逐漸形成的。在這場激烈動盪的社會斗爭中，社會的各個階級、隊層的人們，都各有不同程度地付出了沉重的代價，其中包括有年年月月的勞動血汗；無數戰爭、掠奪的血汗；許多青春年華的付出；許多家庭的離散；絕大多數人建立在資本積累上的艱難痛苦的生活等等。這些資本主義國家的形成，並不意味著給社會帶來平安、幸福和穩定。由於新興資產階級對資本積累的貪婪，建立在殖民統治，瓜分世界范圍基礎上的兩次世界大戰正在醞釀和爆發之中，西方現代藝術的萌發正是建立在這樣一片社會生活的土壤之中。
西方現代藝術在1910年前後形成一種完全獨立於自然之外的抽象主義(Abstractionism)藝術。從這時起，抽象藝術某種意義上就變成西方現代藝術的標志。正如某位西方藝術史家指出：「這是一個科學和機器的時代，而抽象藝術正是這個時代的藝術表達。」人們公認，抽象藝術因為其能夠充分體現了工業文明時代的特有精神而成為20世紀西方最典型的藝術樣式。需要指出的是，盡管抽象藝術與寫實藝術是那樣面目迥異，但兩者有著一脈相承的內在聯系。從本質上看，西方寫實藝術與抽象藝術都是理性主義的產物，只不過抽象藝術更加激進，更能體現出近現代西方工業時代的品格。寫實藝術描繪的是看得見的外在的真實，而抽象藝術揭示的是看不見的內在的真實。現代科學（特別是物理學和分子生物學）的發展，不僅使物質世界和人類生活發生了翻天覆地的變化，而且將藝術帶到了一個廣闊的新天地。許多抽象藝術家宣稱他們描繪的是人類肉眼看不見的宇宙的宏觀和微觀世界。這些在工業文明之前人類聞所未聞、見所未見，甚至想都未想的東西，都被現代科學證明是客觀的真實存在，是它們帶來了現代工業文明。以抽象藝術為代表的西方現代藝術與西方現代工業文明是互為因果、相輔相成的，充分體現了工業文明時代的特有精神。
西方現代藝術的特徵有四點：
1.哲學化——這表明西方現代藝術與現實不再發生直接的關系，而表現出藝術自身的獨立；
2.理論化——哲學化與理論化不是一個概念，盡管它們之間有聯系。注重理論表明現代藝術的出現和現代藝術家的努力不是偶然和盲目的，而是有明確的方向和目標的集體趨向；
3.形式主義——即強調美術形式的獨立性，通過形式的極端化和絕對化而提倡美術自身的獨立；
4.創新意識——可以說創新是任何藝術的本質，但西方現代主義藝術卻把創新本身視為藝術的惟一主題。

㈦ 西方藝術特點

西方追求的主要是形體上的美感，不講究對仗，在藝術字這個方面多喜歡連筆，幅度較大，例如古希臘的文字，他就是很典型的現在西方字體藝術
西方推崇上帝，所以繪畫方面多有神的觀念，朦朧美，例如西方一些名畫，像是《最後的晚餐》表現耶穌在餐桌上對眾神說：你們之中將有一個會背叛我。之後眾神所表現出的各種恐慌，發呆，憤怒等的表情。
同時西方多喜歡運用誇張的藝術手法，把藝術家的情感通過作品強烈的表現出來，例如《憤怒的格爾尼卡》，作品描繪了大量殘斷肢體及頭顱，藝術家以此表達自己痛恨納粹，及納粹對人民的傷害
西方不太講究對仗，這也是一大特點，具體說就是作品不非得需要整齊對稱，就像軍隊不需要每個士兵都相同的身高一樣，這點恰恰是和東方相反的。
歸結就是以上幾點，如果想要更深入了解西方藝術，可以到網路或是人民藝術網瀏覽

㈧ 西方現代派的主要藝術特徵是什麼

現代派文學的藝術特徵是：①象徵性。現代派作品為探求人物的內心真實，著重表現難以直接描述的復雜多變的內心活動，藉助意象，用暗喻、烘托、渲染等手法，把思想還原為知覺，使抽象的思想外化。②荒誕性。現代派作家通過非理性的極度誇張的形式，將現實與非現實糅合在一起，寓嚴肅於荒誕。以戰後的計算機工業為標志的「第四次工業革命」把社會結構改組成一個龐大精密的機器，人成了由機器控制的動物。科學對世界和人的統治比過去任何時代都要殘酷無情，人再也沒有主體性可言。科學對人的壓抑使人在生理和心理上都產生分裂，而「荒誕本質上是一種分裂」，當代人由於科學的異化而產生對世界和人的荒誕體驗。荒誕形象具有一種特殊的概括力。③意識流。現代派作家熱衷於挖掘人的潛意識，大量採用「內心獨白」「自由聯想」的手法，表現人物意識「自然」流動狀態，力求開掘人物心理的復雜性，擴大心理描寫的范圍，意識流技巧的目的是要深入人的精神活動，表現那種紛亂飄忽的思緒和感觸，這種思緒和感觸還沒有經過嚴密的整理和組織，常常顯得鬆散零亂，缺乏條理，不合邏輯。④意義的不確定性。由於該時期文學關注的社會准則問題長期陷入混亂，他們感到世界的意識只是部分的、暫時的、...現代派文學的藝術特徵是：①象徵性。現代派作品為探求人物的內心真實，著重表現難以直接描述的復雜多變的內心活動，藉助意象，用暗喻、烘托、渲染等手法，把思想還原為知覺，使抽象的思想外化。②荒誕性。現代派作家通過非理性的極度誇張的形式，將現實與非現實糅合在一起，寓嚴肅於荒誕。以戰後的計算機工業為標志的「第四次工業革命」把社會結構改組成一個龐大精密的機器，人成了由機器控制的動物。科學對世界和人的統治比過去任何時代都要殘酷無情，人再也沒有主體性可言。科學對人的壓抑使人在生理和心理上都產生分裂，而「荒誕本質上是一種分裂」，當代人由於科學的異化而產生對世界和人的荒誕體驗。荒誕形象具有一種特殊的概括力。③意識流。現代派作家熱衷於挖掘人的潛意識，大量採用「內心獨白」「自由聯想」的手法，表現人物意識「自然」流動狀態，力求開掘人物心理的復雜性，擴大心理描寫的范圍，意識流技巧的目的是要深入人的精神活動，表現那種紛亂飄忽的思緒和感觸，這種思緒和感觸還沒有經過嚴密的整理和組織，常常顯得鬆散零亂，缺乏條理，不合邏輯。④意義的不確定性。由於該時期文學關注的社會准則問題長期陷入混亂，他們感到世界的意識只是部分的、暫時的、甚至是矛盾的，而且總會有爭議，這樣的社會已不適宜於明確的定義，因而該時期文學更側重於探究那種混亂的多重復合意義。在藝術表現上他們常採用事實與虛構交織的拼湊、自相矛盾、不連續性、模糊性等方法來表現這個復雜多變、難於捉摸的世界。

㈨ 西方現代藝術的特點是什麼

西方現代藝術從它開始的那天起，藝術的目的就發生了根本性的變化。傳統的藝術目的是再現客觀自然的世界。而現代藝術是表現藝術家們對客觀世界的感受。這種表現，體現在從客觀的外部世界轉向了藝術的內部和藝術本身。並且到了20世紀60-70年代，整個西方的現代藝術就是一種視覺、知覺和語匯標示系統的演變和進化的過程。它以現代主義為主流，不間斷地完成了藝術內部的革命。並逐漸純化了藝術內部的語言過程。而每一種藝術形式語言的變革又都在暗示著潛在性動機的沖動。通俗地講，它就是藝術家干預藝術准則所做出的運動。例如：
印象派畫家莫奈：他的藝術作品所表現的就是外光語匯和色彩相結合的探索，他的藝術目的就是對光與色的探究和表現。 新印象派畫家修拉：他的藝術目的是現代光學的色彩理論進行視覺上的綜述。也就是說，在他的藝術作品中詮釋了現代光學的色彩與理論。 後印象派畫家塞尚：他所表現的是形態在有限的空間中的重新構建，以及對自然物體觀察方法的改變。不是畫什麼，而是怎樣畫。 後印象滿派畫家梵谷：所表現的完全是藝術家的主觀情感，在畫面中毫無保留的精神渲泄。 野獸派畫家馬蒂斯：所再現的是完全對自然色彩在主觀意識上的重新定位。 立體主義畫家畢加索和勃拉克：他們所表現的是意象形態在不同空間環境中變化的可能性。 抽象主義藝術家康定斯基：他們所表現的完全是純抽象符號的確立與變奏。 達達主義藝術家杜尚：所表現是「指鹿為馬」式的確立現成物體為藝術品。 觀念藝術家波依斯： 他的表現更絕，乾脆把藝術等同於生活；使藝術本身得到了解脫。 以上種種例證說明了，現代藝術，無論是哪一個流派或哪一位藝術家個體，他們任何一種藝術風格，無論其作品特徵有多麼頑強，形式有多麼獨特，其本質在藝術上都是只有兩個字，那就是「表現」。由表現帶出郵內容，帶出了精神。說到底，表現是現代藝術家們自我確立中心的一種方式；表現藝術家們對自我意識價值體現的一種肯定。因此，表現的性質，也就成了現代藝術的總的本質。這種本質體現在每一位現代藝術家都認為他們在創造一個全新的藝術世界。 在西方現代社會發展中，現代文化思潮對未來科學技術無限進步的堅定信念，尤其是對於人類進步論的無限信仰，促使了西方現代藝術不斷地被創新、不斷地被越。無論是通常意義上的架上繪畫，還是立體空間中的構成雕塑。都顯示了多層面、多方位地在試驗需求和普遍的時代崇尚。而每一位藝術家也毫無顧忌地在探索和嘗試著多種不同於傳統的藝術語言和造型語匯。所謂「新」之崇拜也就成了現代藝術的主體。而探索實驗性的藝術就成了西方20世紀現代藝術的主流。正所謂一切在嘗試中進行，一切又都在進行中實驗。沒有任何審美的法則；沒有終極目標；有的只是不斷的創新和實驗。所以，實驗性也就成了西方現代藝術的總的特徵。

㈩ 西方古典藝術的主要特徵有哪些

古典風格以莊重典雅、優美和諧為重要特徵。是人文主義、現實主義、理性主義和追求自然與人之和諧的精神在藝術領域的體現。世紀著名的藝術史家溫克勒曼曾作過精彩而恰當的概括，即：「高貴的單純和靜穆的偉大。」
古典藝術在雅典的神廟建築和雕刻藝術中得到最完美的體現，而帕特農神廟則是其中的典範之作。古羅馬人在模仿古希臘文藝方面達到了心領神會的程度。在奧古斯都時代，羅馬藝術家在充分吸收希臘藝術成果（尤其是其中的新古典派）的基礎上所形成的莊重肅穆的奧古斯都風格，就是在帝制的條件下對希臘古典風格的一種繼承。這在奧古斯都廣場和和平祭壇上得到了集中體現。而在帝國前期，古羅馬藝術一方面延續了奧古斯都風格，另一方面則又糅合了希臘化派的因素，從而形成了所謂的新帝國藝術。這在帝國初期的建築、藝術中都有體現。其中，最具代表性的便是眾所周知的「拉奧孔群像」。自文藝復興一直到世紀的理性主義時代，它始終被崇奉古典傳統的無數學者和藝術家視為體現古典藝術理
想的典範之作。溫克勒曼對古典藝術風格的那一高論就是以之為典型依據而做出的。不過，在世紀年代之前，學者們大都將這尊雕像錯誤地歸入希臘藝術行列，但後來的考古事實表明，它恰恰是羅馬帝國初期的作品，並體現了新帝國藝術的特點。這也充分說明，羅馬人對古典藝術精神的理解達到了爐火純青的地步，古希臘和羅馬有著一脈相傳的藝術風格和藝術精神。尤其在建築藝術方面，古羅馬人還將古典傳統風格加以發揚光大，從而創造了「作為世界統治者的世界建築」。古典文藝風格和精神有賴於合理的形式去體現和表達它，因此古典時代的文學和藝術也形成了一套行之有效的並為人們所普遍遵循的富有特色的表現形式，例如建築中的柱式（多利亞、愛奧尼亞和科林斯）和拱柱的組合，藝術中的人體中心（「維特魯威人體」）和人體比例，文學中的史詩和悲劇的規格（三一律）及各種詩詞格律等等。可以說，這些形式或格式與其內容密不可分，從而使古典文藝風格獨步於古代世界文學藝術之林。