如何理解藝術風格

❶ 怎樣理解杜詩沉鬱頓挫的藝術風格

這是杜甫的詩歌特有的特點，解釋如下：
一，簡介：
"沉鬱頓挫"本是杜甫《進雕賦表》評揚雄、枚乘辭賦的詞語，後人以之指杜詩的風格特色。何謂"沉鬱頓挫"?清人吳瞻泰說:"沉鬱者，意也;頓挫者，法也。"(《杜詩提要》)一般認為，所謂"沉鬱"，主要指詩歌內容深廣，意境雄渾，感情深沉;所謂"頓挫"，主要指詩歌表情達意抑揚跌宕，音調聲情起伏迭變。沉鬱與作品的主要意境有關，頓挫則與作品的表現技巧有關。
二、詳解：
文學史上一般指杜甫的風格特徵。沉鬱頓挫的風格的基調是悲慨。杜甫詩歌取得成就的主要原因在於感情的強烈，這種強烈的感情是杜甫最能打動讀者的所在。就杜甫的詩歌藝術成就而言，其感情的強烈是第一位的。他的詩，蘊含著一種厚積的感情力量，每欲噴薄而出時，他的仁者之心，儒家涵養所形成的中和處事的心態，便把這種噴薄而出的感情抑制住了，使他變得緩慢，低沉，回環起伏。幾欲噴薄而出，但又不得出，緩急回環，跌宕起伏，是為沉鬱頓挫。
三，補充解釋：
文學史上一般指杜甫的風格特徵杜甫是一位繫念國家安危和生民疾苦的詩人。動亂的時代，個人的坎坷遭遇，一有感觸，則悲慨滿懷。他的詩有一種深沉的憂思，無論是寫生民疾苦、懷友思鄉，還是寫自己的窮愁潦倒，感情都是深沉闊大的。他的詩，蘊含著一種厚積的感情力量，每欲噴薄而出時，他的仁者之心、他的儒家涵養所形成的中和處世的心態，便把這噴薄欲出的悲愴抑制住了，使它變得緩慢、深沉，變得低回起伏。個人的悲痛變成了對於百姓苦難的深沉憂思，留下了無窮韻味。沉鬱頓挫，是杜詩的主要風格。沉鬱，是感情的悲慨壯大深厚；頓挫，是感情表達的波浪起伏、反復低回。
沉鬱是指其作品思想內容的博大精深，題材的嚴肅，感情的深沉、深摯。
頓挫是指其表現手法的沉著蘊藉，出語謀篇的曲折、變化的多端、轉換穿插的波瀾壯闊以及韻律變化等。
清人吳瞻泰《杜詩提要》雲：「沉鬱者，意也，頓挫者，法也。」即是此意。「沉鬱頓挫」可說概括了杜甫詩歌的基本特徵，如《詠懷五百字》：「杜陵有布衣，老大意轉拙。許身一何愚，自比稷與契，居然成濩落，白首甘契闊，蓋棺事則已，此志常覬豁。窮年憂黎元，嘆息腸內熱，非無江海志，瀟灑送日月，生逢堯舜君，不忍便永訣……」等，可謂是沉鬱頓挫的典型。

❷ 怎樣理解哥特式風格

首先要了解什麼是「哥特」。
哥特，是來自中世紀的蠱咒。
關於「哥特」的解釋也有很多種，從字面上來解釋，它包含了三種意義：
第一，在建築上的歌特式建築如大教堂(cathedral)，其最大的特色就是高大的樑柱和尖拱形的天花板與結構；
第二，在文學上歌特是用以形容那些以黑暗寂寞地點(如荒廢城堡)為背景的奇異、神 之冒險故事；
第三，歌特也代表一種字體相當華麗的印刷或書寫風格。
還有另一種解釋，人類學意義上的哥特，古代歐洲的一個民族；藝術風格，出現於十二世紀晚期，主要體現在建築與繪畫上，起源於法國的巴黎附近； 恐怖的、黑暗的、怪誕的、野蠻的，這也影射了哥特小說的哥特的涵義，例如17、18世紀流行於英倫，描寫發生在陰森恐怖的哥特式城堡中的復仇或志怪故事的小說，按美國人的說法，哥特小說已經延伸到了安妮·賴斯的吸血鬼系列小說，如《夜訪吸血鬼Interview with a Vampire》，甚至還包括了斯蒂芬·金的恐怖小說。
在人類學意義上，哥特是所謂的蠻族之一；而在藝術風格上，哥特風格則上升激盪，同時又優雅纖細；哥特式作為恐怖、黑暗的代名詞則成為小說這種敘事藝術中的一種風格——當然這種風格也只是一種批評術語。從上個世紀70年代末80年代初，同樣在英國，一類沉湎於人類黑暗陰郁感情的音樂，也逐漸被人們稱為哥特音樂，他們的音樂悲傷、緩慢，他們在今天似乎又掀起了新的復古運動，把哥特風格引入音樂，歌唱著死亡、恐懼、黑暗，偶爾也會蹦出一個宗教主題，或者用死亡金屬的暴烈和鬼氣森森的聖詠女聲這種兩極並置，對騎士國王的時代來一個懷舊的回望。
哥特音樂從誕生之日起，其文化背景就決定了它與搖滾其它分支的明顯差異。作為根植於浪漫戲劇藝術和十八世紀哥特式文學的音樂風格，它對黑暗壓抑、死亡美學、宗教情結和對唯美主義近乎邪惡的追求，使得很多人避而遠之。而相應的，也有許多對藝術尤其是後現代藝術敏感的人欣喜若狂地接受它。相比較其他的音樂形式，哥特更容易產生深刻而廣泛的影響力。這種影響不局限在音樂方面，可以上升到藝術觀念甚至價值體系的層面。哥特音樂往往取材於挖掘和放大的人類感情世界，並在創作的過程中提升了這種自發的感性體驗，所以當它再作用於受眾時，常會引發進一步的審美情感和思考空間。
哥特音樂追求的是黑暗和死亡美學，這種與經典哲學觀念格格不入的理念使得它久久徘徊於主流文化和嚴肅藝術的大門之外。然而桀驁不遜的哥特對此絲毫不以為意，也許體系龐大、頹廢叛逆的地下文化反而更適合它的發展。哥特音樂慣用的表現手法是：男聲主唱極盡壓抑與爆發之所能，把暗夜裡的絕望掙扎表達的淋漓盡致；背景中聖詠式的女聲往往帶有濃厚的悲天憫人的氣質，而器樂則是黑夜中嗚咽的風聲、月影里的狼嚎和鮮血滴落在泥土裡的聲音。哥特音樂還有另外一個特質，那就是它所崇尚的死亡美學。他具有具備天生的悲劇性，而弗洛伊德在談論《李爾王》的時候就曾經提到，悲劇旨在教導我們「放棄生命，放棄愛情，而與死亡的必然性交上朋友。」 尼采由悲劇藝術引伸出來的悲劇世界觀則是「肯定生命，連同它必然包含的痛苦和毀滅，與痛苦相嬉戲，從人生的悲劇性中獲得審美快感」。尼採的悲劇理論是給悲劇和死亡賦予美的少數幾種悲劇理論之一，它把悲劇看成是燦爛輝煌的，一種「形而上的安慰的藝術」。為了闡述「悲劇性」的實質，叔本華和尼采都轉向了音樂。由此可見，哥特音樂作為一種 「形而上的絕望」的載體來表現死亡美學，有其必然性。
哥特音樂的死亡美學不僅表現在音樂風格上，也體現在其視覺效果和行為藝術上。慘白的面孔，誇張的五官，麻木的表情，凌亂的長發，復古的著裝和冰冷的金屬裝飾，這些都已是哥特族的經典特徵。從哥特樂隊的演出可以看到，他們對生命的絕望和對死亡的迷戀已經深入骨髓，沉鬱壓抑與自我毀滅的情緒展露無遺。即使是激烈的吼叫也絕不同於朋克、金屬的怒吼，他們根本就不準備抗爭、顛覆什麼。那隻是歇斯底里的吼叫，是人在窒息前最後的嘶吼。不是運用聲帶，而是用肢體在吼叫，在掙扎，在呻吟。這種極端的表現手法極具視覺震撼力，連同陰暗神秘的舞台設計一起傳達了一種強烈的理念——死亡之美凌空出世，震撼一切！而在這種近乎宗教儀式的氣氛渲染下，觀眾很難不被感染。
表現在現代都市中，便又是主流社團追逐的一種形式化的標新立異。真正的哥特族總會有一雙迷人的大眼睛，眼神中總是透露出說不清道不明的沉鬱壓抑與自我毀滅。哥特音樂不單是一種音樂型態，和所有的藝術形態一樣它更是一種生活態度，哥特是一個可以讓人逃離現實而進入的幻想世界，一個黑暗而浪漫的世界。

然而談到「哥特電影」，「哥特電影」其實這是一個不正確的術語。即便是在大英網路全書中我們也根本找不到這個詞條。之所以在這里使用它是為了指代那些以哥特文化為背景或表達死亡和痛苦等主題的黑色風格的電影，顯然這類電影和哥特文學以及哥特音樂有著密切的聯系。它們總是以一種非常人的視角去透視著我們生活的世界，去剖析和表達著那種陰郁、痛苦和空虛的感情世界。大量的有關吸血鬼的電影被看作哥特式風格電影的典範。這完全歸公於Ann Rice等的吸血鬼題材的小說在世界范圍的流行。

建築上哥特式風格是對羅馬風格的繼承直升的線形，體量急速升騰的動勢，奇突的空間推移是其基本風格。窗飾喜用彩色玻璃鑲嵌，色彩以藍、深紅、紫色為主，達到12色綜合應用，斑斕富麗精巧迷幻。哥特式的彩色玻璃窗飾是非常著名的，家裝中在吊頂時可局部採用，有著夢幻般的裝飾意境。

❸ 理解藝術家的風格

文藝復興的藝術有一個顯著的特點：現實與人文。文藝復興所有的創作大都圍繞著這個主題。這包括了人的感觀，人的信仰，人的性慾，以及人的世界觀。這時期的作品都要求打破封建神權，打破封建的禁慾主義。打破封建制度對人精神甚至是肉體的封鎖。這時期有很大部分的作品以宗教為主，許多評論說是借宗教作為盾牌。我反對這種說法，對西方世界稍有認識的人都知道，宗教信仰在西方是占據著他們很大一部分的生活。文藝復興時期的宗教藝術，歸根究底可以說是一種人的宗教藝術，而不是封建制度下教會的宗教藝術。這一點要首先明確。

而文藝復興時期藝術技法上的特點，主要體現在以寫實傳真為首務，開創了基於科學理論和實際考察的表現技法，如人體解剖和透視法則等。在風格和技法上更注重色彩的協調和自然，不拘一格。在建築藝術方面，它以恢復古典建築傳統為首任，同時著重探討建築美感的理性法則。

文藝復興的分期及其主要代表人物：

義大利文藝復興的開端（13世紀末－14世紀上半葉）：這一時期是藝術家們對新的藝術精神和元素的探索階段。這時的藝術還不成熟，尚未形成理想化的規范，卻能體現出藝術家們對新的藝術技法的追求。如何更真實地反映畫面上的內容？成為當時義大利藝術家所關注的核心。於是他們開始著手研究古代雕刻，研究希臘羅馬的繪畫風格，形成了嶄新的寫實風格。對這種新風格起決定性影響的人，是佛羅倫薩畫家喬托(Giotto di Bondone1266—1337)；其代表作有：《逃亡埃及》、《猶大之吻》等。喬托被視為西方繪畫的開創性大師，他是第一個把寫實風格和明暗遠近法結合起來的藝術家，邁出了繪畫中關鍵性的一步。此外，他還把優美的敘事同忠實的觀察結合起來，使繪畫不再是文字的簡單圖解，具有了獨立的意義。但無可否認，喬托作為文藝復興初始期的探索者，其對構圖的空間關系，對色彩的處理，甚至對明暗對比等等技法仍然是比較幼稚的，但作為開創歷史的先河，喬托對後世的影響還是受到世人的肯定的。

義大利早期文藝復興的美術（15世紀）：義大利早期文藝復興美術的進展構成了非常錯綜復雜的場景。這是一個許多地域性藝術流派誕生與繁榮的時期折射一個各種思潮積極地互相影響與展開斗爭的時期。在這個百花爭研的時代，注重空間透視表現和人物堅實造型，以及善用線條則是他們共有的特色。其中最著名的三位大師是建築師布魯內萊斯基、雕塑家多納太羅和畫家馬薩喬。這里主要介紹畫家馬薩喬。馬薩喬Masaccio（1401—1428）， 其代表作《出樂園》和《納稅錢》等；馬薩喬的藝術成就標志著義大利文藝復興時期繪畫的繁榮期的到來。是文藝復興時代繪畫中現實主義的奠基者。馬薩喬以科學探索的精神，將解剖學、透視學的知識運用於繪畫。它的人物較之喬托的更加真實有力，同時他也是文藝復興畫家中第一個掌握透視法的人，第一個能在衣紋之下隱顯人體結構的人和第一個廣泛運用明暗對比手法的人。馬薩喬還把風景放進他的構圖，使風景具有壯麗的、概括的、真實的性質，他藉助於風景來擴大畫面范圍，賦予畫面以遼闊的空間感。他的貢獻，其一在於以科學的態度對畫面（人物）進行更真實的描寫與刻畫，其二在於把風景與人物互相配合，相得益彰。這為文藝復興高潮的到來奠定了堅實的基礎。

義大利文藝復興盛期的美術（16世紀上半葉）：盛期文藝復興是義大利文藝復興的全盛時期，這時由於種種的社會及政治原因，藝術家們已不再滿足於個人技巧和手藝，競爭激勵他們在自然科學和文化藝術各領城中廣泛探索，力爭獲取更大的成就。他們在前輩藝術家探索的基礎上進行了概括和總結，使藝術在16世紀初達到了高度成熟完美的境界。不但題材從宗教內容擴大到現實生活，而且對自然景色也開始加以觀注，他們塑造的形象更完美，更具有復雜的個性和心理待點。如果說早期文藝復興藝術家主要探索透視、解剖等科學法則，那麼盛期大師在把握了這些法則後不再受其限制，而是更強調視覺效果，探索作品的戲劇性和新的藝術語言。可以說，盛期的美術是藝術與科學的完美結合。這時期出現了許多經典的大師，如達．芬奇、米開朗基羅、拉斐爾、布拉曼特、提香等等。他們不但把美術技法發展到前所未有的高度，而且對於美術理論的建設，也建下了不朽的功勛。這里選取畫家達·芬奇（Leonardo Da Vinci 1452-1519） 作為主要介紹的對象，其代表作有《蒙娜·麗薩》和《最後的晚餐》等等，達·芬奇的天才不限於藝術，在數學、機械工程、醫學、地質學等方面也有所反映。在美術方面，達·芬奇總結了15世紀藝術家的研究成果，在繪畫構圖、明暗、透視、色彩等方面都有所建樹。他最獨特的藝術語言是運用明暗法創造平面形象的立體感。，達·芬奇曾說過：「繪畫的最大奇跡，就是使平的畫面呈現出凹凸感。」他使用圓球體受光變化的原理，首創明暗轉移法(亦稱明暗漸進法)，即在形象上由明到暗的過渡是連續的，像煙霧一般，沒有截然的分界，《蒙娜麗莎》是這種畫法的典範之作。而《最後的晚餐》的驚艷之處，更在於大師在畫面中對人物表情的掌握，這是歷史的創舉，過去的美術作品，無論構圖或畫面的技巧如何，但對人物的表情刻畫總顯得僵硬呆板，大師作出這種歷史性的創舉，正是得益與大師對人體解剖學的深厚認識，對人體面部表情肌活動的掌握，以及對人體解剖及人體比例的深厚功底。此外，達·芬奇在美術理論方面也有許多卓越的見解。他認為：繪畫優於其他任何藝術，因為它包容了世間的一切，畫家的心就象鏡子一樣能真實地反映這個世界，把普遍的自然變為第二自然。可以說，達·芬奇不僅是整個文藝復興時期最卓越的代表人物之一，也是世界美術史最卓越的代表人物之一。

此外還有另一個偉大的藝術家：米開朗基羅 (Michelangelonaroti 1475-1564年)。 過往在諾貝爾文學獎得主羅曼羅蘭的《巨人三傳》中，對米開朗基羅的人生有過深刻的描寫。作為一個文藝復興鼎盛時期的大師，他除了擁有絕頂的天才，超卓的成就，其與眾不同之處，正是他生命中的悲劇色彩（這在羅曼羅蘭的《巨人三傳》 中自有詳述，此處不再多提）。他經歷人生坎坷和世態炎涼，使他一生所留下的作品都帶有戲劇般的效果、磅礴的氣勢和人類的悲壯。其雕刻方面的代表作有《大衛》、《摩西》等等，繪畫的代表作有《創世紀》、《末日的審判》。在他的兩幅經典壁畫中，人物的繁多、磅礴的氣勢是一個顯著的特徵。但既便如此，每個人物所表達的故事仍然錯落有致。充分表現了人物本身的性格特點，多而不亂。

❹ 如何理解夏加爾的藝術風格

一、夏加爾油畫的藝術特色
從夏加爾的油畫作品中可以一窺他的藝術特質，概括地說，他的作品中透露出神秘而夢幻的視覺愉悅感，同時還帶有民族文化氣息的人性化繪畫視角。色彩的靚麗多姿、斑斕與夢幻的效果具有極強的觀賞性。那充滿著率意與天真的氣質以及濃郁熱烈的情感的畫面吸引著人們無窮的遐想。天才的色彩感覺給夏加爾以無限的想像空間。在他的藝術世界裡充滿了神聖的、原始的、神話的以及個人童年記憶和無意識中的象徵意味。畫面洋溢歡悅的、思鄉的、憂郁的等多種氛圍，展露出神聖的意味。下面從構圖、色彩兩方面概括分析夏加爾的繪畫語言特色。
1、夏加爾油畫中的構圖
構圖是指畫家在有限的空間或平面里，對自己所要繪畫的形象進行位置、大小、形狀等的組合調配、布局構成，以期達到自己想要的畫面效果。在夏加爾早期的作品當中，由於受立體主義風格的影響，多用流暢的細線描繪輪廓，從而起到切割畫面的作用，有著一種空間幾何的韻律，裸女是藝術家非常熱衷的繪畫形象之一，夏加爾也不例外，他畫中的裸女處理，與其他任何事物如花、樹、蘋果等無異，都要符合美學的形式，他筆下的女人形象代表著純潔和愛，並不以服飾的性感為主題，對女人沒有半點淫亂感。夏加爾後期的繪畫作品構圖顯得非常自由和隨意，在一般人看來毫不相乾的形象任意搭配在一幅畫面中。比如他的作品《我與村莊》中，巨大的羊的頭像和巨大的人的頭像分別占據畫面大部分空間，在他們的對視中你似乎在感受到他們的對話，大綠、大紅、天藍色的色彩搭配，使整個畫面充斥某種神秘的鄉間情懷。另外在他的畫面中常常會呈現許多的人物零零散散的分布在各個角落。乍看去似乎並沒有構圖的規律可循，可確實他的構圖風格，深深地打上了他個人的標簽，他的構圖風格已然形成。在夏加爾的筆下既可看到立體主義的影響也能見到納比派色彩的影子。甚至平面裝飾性繪畫的特點以及抽象化的造型在他的作品中隨處可見。
2、夏加爾油畫中的色彩
夏加爾對色彩的理解達到了超越時代的地步，同時代以及以後的藝術家在色彩方面的成就與之相比大為遜色。沒有哪位畫家能夠達到夏加爾對微妙色彩的透徹理解，也沒有任何畫家能夠具有像夏加爾那樣的對光線的感受。夏加爾無疑是運用色彩與光線的大師，他的繪畫，不管是表現什麼題材，在那異常絢麗的色彩上總是籠罩著微妙顫動著的四處散射的光，在這方面，夏加爾無疑是受到了印象派、野獸派的影響。夏加爾色彩特質的形成有一個循序漸進的過程。當你駐足於夏加爾的油畫前，如同進入童話般神聖而略帶詩意的、愉悅與夢幻的殿堂。

❺ 怎樣理解《西遊記》藝術風格

浪漫主義。
想像大膽，語言生動有韻律，在神話的虛幻故事的背景下反映了對時代的指責，表現出作者的理想。

❻ 什麼是藝術風格

藝術風格指文藝創作中表現出來的一種帶有綜合性的總體特點。風格這一概念被用於文藝批評，中國起於劉勰的《文心雕龍》，西方起於法國布封的《風格論》。

風格具有多種含義，如作品風格、作家風格、時代風格、民族風格等，一般多指文藝家的風格。一個文藝家由於世界觀、生活經歷、性格氣質、文化教養、藝術才能、審美趣味等的不同，在題材選擇、主題提煉、情節安排、人物形象塑造、結構布局、語言運用等方面。

常呈現出與眾不同的特色，形成不可重復的風格。風格是文藝家精神特性的印記，它不是體現在一些作品中或某些藝術因素方面，而是體現在全部創作的內容與形式統一中。

風格是文藝家成熟的標志。並非每一個作者都具有自己的風格，只有那些刻苦探索、獨辟蹊徑、勇於創新的文藝家，才有可能形成自己的風格。

(6)如何理解藝術風格擴展閱讀：

正因為藝術風格根植於深層的美學精神，所以，消化西方戲劇的美學和吸收中國戲曲的精神是並行不悖的探索。

尋找傳統戲曲美學精神進入當代戲劇的路徑，自然也是探索話劇中國風格的路徑。顯而易見，這種探索不僅僅是在劇本創作上，更多的是探索用什麼樣的舞台呈現方式，用什麼樣的表演方式，表現當代中國人的形象和故事。

遺憾的是，由於各種各樣的原因，現在還大量存在著對於戲曲表達方式以及傳統美學的概念化圖解。面對厚重的歷史傳統，創作時一句「以現代人的觀點重新闡釋」顯得太過輕飄，在舞台實踐中將戲曲的一些表演方式簡單直接移植，也顯得過於草率。

實際上，當代話劇要在舞台上實現戲曲的美學精神，需要的是細膩的轉化而不是概念的挪用和形式的拼貼。

「細膩」包含細致和精確兩層意思，需要長久的實踐，需要一點一點地拓寬思路。在近些年的話劇舞台上，我們還是看到了很多嚴肅有益的實踐。比如導演林兆華在《老舍五則》中，讓演員們以一種靜止的姿態存在於「空」的舞台上。

這種靜止不是純粹的靜止，而是如同中國水墨畫，靜中蘊藏著動，以動來凸顯靜。

比如導演田沁鑫在其話劇近作《青蛇》中，與兩位有著戲曲功底的年輕女演員共同創造了一種舞台表演的新方式，不露痕跡地將戲曲身段運用到表演上來。觀眾不一定會感覺到戲曲身段，但一定會感受到一種熨帖的美。

❼ 藝術風格名詞解釋

基本解釋： 作家、藝術家在創作中表現出來的藝術特色和創作個性。取決於作家、藝術家所處的時代的社會和文化狀況，以及本人的思想傾向、生活經歷、藝術素養、個性氣質等主觀因素。獨特藝術風格的形成，是作家、藝術家在藝術上成熟的標志。

詞語分開解釋： 藝術 : ①通過形象塑造來反映社會生活，表現作者思想感情的一種社會意識形態。因表現手段和方式不同，通常分為：表演藝術(音樂、舞蹈)，造型藝術(繪畫、雕塑)，語言藝術(文學)和綜合藝術(戲劇、電影)。 ②富有創造性的方式、方法：說話得講究點藝術。 ③指獨特優美而豐富多采：這房間布置得挺藝術的。
風格 : ①氣度；作風：～高ㄧ發揚助人為樂的高尚～。 ②一個時代、一個民族、一個流派或一個人的文藝作品所表現的主要的思想特點和藝術特點：藝術～ㄧ民族～。

❽ 如何看待藝術風格的功能和作用

目前的大眾美術消費，大多屬於「嵌入式」，即一般市民購買純粹美術品的不多，但在日常生活包括服裝、綠地、裝潢、包裝、建築、美容、展覽、環境、音像、書刊等許多方面，已經在消費大量的美術附加值，這是由市民的欣賞能力和購買能力所決定的，面對這樣的態勢，更多的美術工作者在追求藝術創新的同時，也要運動延向市場，形成產業，這就不能消極等待，自比「酒香不怕巷子深」，而要適時應變，三箭齊發。

第一，要尋找美術和大眾消費的最佳結合點，美術創作的發展規律是不斷突破既有模式的局限，以原創性的實驗為突破口，尋找新的審美天地，而大眾消費的發展有一種「排浪式規律」，它總是隨著人們收入的增加和消費品的更新，象波浪一樣從一個低級階段，進人一個比較高級的階段。這兩者的進程並不完全重合，所以，美術要進入大眾生活必須主動尋找和大眾消費的結合點，充分顯示自己引導大眾審美情趣，豐富社會人文景觀的巨大作用。自1997年以來，我國文字出版物中越來越豐富的「圖文並茂」潮流，就是一個重要的信號，過去書籍中的插圖僅僅是「點綴」和「說明」，現在則越來越成為書籍內容的主體，如《插圖本中國文學史》、《中華文明史》、《少兒網路全書》等的插圖以其豐富的想像和創造性的造型，體現了美術家對歷史、科學和人生的獨特理解，極大地豐富了書籍的內容，受到社會廣泛的好評。有出版家預測：10年後，我國出版物中圖文並茂者所佔的比例，將增加3—4倍。這正是美術家大有作為的領域之一。

第二，要尋找和大眾傳播媒介的最佳結合點。美術作品也是一種信息產品，如果說印刷術等紙質傳播載體的發明，使美術作品可以大量復制，是傳播美術作品的第一次革命，那麼電視錄像等電子傳播載體的發明，跨越了時間和空間的限制，成為第二次美術傳播的革命，著名畫家為電視連續劇《水滸傳》所作的人物造型，不僅成為電視劇人物造型的藍本，而且引發了無數觀眾對梁山好漢們的觀賞熱情，為突破1998年高達40％的電視劇收視率作了貢獻，成為「畫以劇傳，劇以畫傳」的一段佳話；而互動式電視、電腦網路和傳播技術的普及，使無數觀眾不僅成為美術信息的點播者和觀賞者，而且成為美術製品的製作者和傳播者，比如專業和個人網頁的製作，就使大量美術作品以最便捷、最廉價、最普及的形式進人了千家萬戶，誘發了人們對美術作品的好奇和喜愛。現在海外許多現代美術畫廊和博物館，甚至一些畫家個人，都花大力氣製作了精美的網頁，教你如何去欣賞他們的作品，如何注意作儡的細節和藝術語言，對引導觀眾欣賞美術作品起了有效的作用。這種對傳播手段的高度敏感和孜孜追求，恰恰是上海不少美術家的一個缺門。

第三，要尋找和現代生產方式的最佳結合點。大眾消費的特徵是大量和快速的復制，大規模的推廣和消費。如果不和現代生產方式相結合，美術就無法走向市場，走向產業。國外的美術創作重視「移植」，就是利用現代生產方式的一個重要經驗。畢加索名畫上的兩只鴿子被移植到了流行的女性服裝上，又通過時裝發布會和電視傳播，一時問做到家喻戶曉。優秀女畫家創作的白玉蘭花卉圖，被製作成為精美絕倫的玻璃雕刻屏風，陳列在八萬人體育場的貴賓廳，成為貴賓和遊客們流連忘返的一道風景；江南周庄的名勝古橋，通過優秀畫家的作品走向了海外，再通過紀念封、郵票和其它藝術品，在聯合國大廈和世界的各個地方進行大量銷售，同樣是成功的例子，要看到：信息的基本特點就是可壓縮、可轉換、可貯存、可傳輸、可移植，每一種美術作品的移植，同時也是一種「背叛性再創造」，它從一種載體轉換為另一種載體，從一種形式轉換為另一種形式，從而使原創作品更接近大眾的欣賞趣味，也更接近現代的生產方式，獲得更大的傳播空間，值得我們認真研究，推廣實踐。

縱觀美術史上的眾多藝術大師的藝術成就,最富魅力的就是他們的藝術風格,通過其藝術風格來體現自己與眾不同的藝術個性。每個藝術時期的藝術風格的轉變,都起源於藝術家審美趣味的轉變。因此,對於藝術風格的研究,不僅是美術史家研究的重要課題,也是我們美術教育工作者必備的藝術理論修養。一、從美學的角度闡述藝術風格的演變史十九世紀下半葉的歐洲,藝術家們也都以進化發展的角度解釋藝術風格的演變,並且將哲學中的美學作為藝術批評的理論基礎。1.十九世紀及二十世紀初,西方美學中最有影響的是德國古典美學理論,其中最偉大的理論家之一黑格爾…

❾ 你如何理解現代的藝術風格啊

如果說如何理解，現代藝術的風格的話，應該就是感覺現代藝術的話比較好。