文化領域怎麼才能拍攝的好

1. 基本拍攝常識

1.曝光度越大，照片越亮，反之越小。就是說，如果環境比較暗，就要調高曝光度
2.光圈：大光圈的鏡頭非常適合低光量的環境，因為它可以在微亮光的環境下，擷取更多的現場光，讓我們可以用較快速的快門來拍照，以便保持拍攝時相機的穩定度。也就是說，環境暗，要調大光圈。
3.快門：是鏡頭前阻擋光線進來的裝置，一般而言快門的時間范圍越大越好。秒數低適合拍運動中的物體，某款相機就強調快門最快能到1/16000秒，可輕松抓住急速移動的目標。不過當你要拍的是夜晚的車水馬龍，快門時間就要拉長，常見照片中絲絹般的水流效果也要用慢速快門才能拍出來。也就是說，物體運動越快，越需要快的快門。夜景要用慢速快門。

普通數碼相機大多都是自動調節，少數的可以手動調節曝光。只有專業的相機才需要全部都手動調節，所以，你買了普通相機，不要擔心，它會自動調節的，類似以前的傻瓜相機。

2. 學攝影需要具備哪些條件

學攝影需要具備認真的態度、一定的審美觀、家庭經濟條件不錯、熱愛學攝影等條件。攝影專業對學生基本的要求是熱愛，熱愛攝影、電影、傳媒專業。缺乏對攝影的熱愛就難以拍出好的、高質量的作品 。
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攝影專業學習階段需要購買一些器材、耗材，這就要求考生家庭有穩定且較為殷實的家庭收入，能夠負擔大學四年的學習、生活費用。
最重要的是要具備攝影技術基礎、豐富的人生閱歷以及較為深厚的文化修養。單反相機各種功能操作和使用；個人藝術天賦，有自己的審美方式，最好學過美術，意識超前，技術嫻熟。你要有一雙發現美的眼睛，從不一樣的角度去發現美，如果你缺少天賦，也不要緊，後天的模仿，學習也可以有很大的提升。如果一定要找第三個提升方法的話，那就是攝影後期了。
可以選擇專業正規的培訓機構可以提高學習效率，更好更快地掌握這門技術。天琥採取線上+線下相結合的教學模式，線下面授教學，線上點評作品，線下講師一對一輔導，讓學員對重點難點理解得更加透徹，線上可以與全國78家校區同台競技，增進學習積極性。

3. 如何提升攝影的藝術觀賞性

攝形作為一種視覺平面藝術，具有非常顯著的藝術觀賞屬性，其藝術氛圍的營造和詩情畫面的表達，不僅需要一定的藝術感悟能力，並且必須有比較堅實的攝影技術和畫面的構築能力。攝影是攝影技術、構圖能力、藝術感悟和審美意識的綜合表現。

一、符合大眾審美取向

藝術具有個性，也具有共性，大眾的主流審美意向是攝影創作中不可忽視的重要因素。要實現與廣大觀眾在審美意識上的共鳴，首先要盡量在構圖上符合主流圖片的基本要求：有規矩，有章法，畫面干凈整潔，有比較優秀的畫面質量等。其次，在攝影作品的意境和思想性上做到主體明確，主體突出，簡約明快，傳達比較時尚的主流審美觀念。這不僅是攝影圖片必須具有共同審美屬性，也是攝影構圖的最基本要求。

(超近距離拍攝以誇張的透視強化被拍主體，含苞待放的花蕾因此顯示出極大沖擊力和立體感，釋放出內在的生命活力來感動觀者，同時也張揚了拍攝者個性。)

4. 漢責文化是如何拍攝的

用攝影機拍攝。漢責文化傳播有限公司注冊地址為上海的浦東新區，主要從事文化藝術交流於策劃，從事教育科技領域的技術開發、技術咨詢、技術服務等。他們公司拍攝的視頻都是以上海為背景使用攝影機拍攝的。

5. 怎麼學好攝影

1、練習捕光捉影的能力

很多照片都因為有了光影的加入而變得出彩，生活中常常會有好看的光影，但常常會被人忽視，或者說因為太常見了所以懶得拍 。我們永遠不要被各種法則限制，只要有光影就大膽地拍攝，因為任何光影都獨具魅力！

2、學會拍攝背影

比利時攝影師Etienne Buyse最常拍的就是背影，他用獨特的視角記錄下了在車站前等車的行人，他鏡頭下的背影非常朦朧，把他的照片連起來看，就像一部短片。帶著相機去街上搜羅，總有那麼幾個背影能讓你產生拍攝的沖動 ，拍出的背影，說不定也會很有詩意。

3、了解攝影發展史

你要知道法國人約瑟夫·尼埃普斯是世界上第一幅永久性照片的成功拍攝者。1826年的一天，尼埃普斯在房子頂樓的工作室里，拍攝了世界上第一張永久保存的照片。要知道斯蒂格利茨是美國攝影史上的一位巨匠式人物。

4、為身邊家人拍照片

家人就是你最好的模特，一是熟悉，二是方便，隨時隨地都可以拍照。可以拍組照也可以拍單人照，他們溝通的成本最低，你的意圖他們也更容易理解。可以擺拍也可以隨意偷拍，反正就是要多拍。

5、走到街頭拍攝

對很多攝影初學者而言，街頭無疑是最適合拍照的地方！這里有形形色色的人，每天都有不同的故事發生。可以選取一個固定的背景，拍攝來來往往的行人，也可以邊走邊拍。街頭拍攝的魅力在於，永遠不知道下一秒進入你鏡頭的人是誰。

6. 如何養成較好的攝影藝術修養

淺析攝影的藝術修養 攝影藝術從它誕生以來，經過了一百六十多年的發展，演變已經逐漸形成一個品種多樣、形式豐富的獨立的造型藝術門類。這是攝影藝術發展的必然，也是其成熟的標志。我們在欣賞攝影藝術作品時，一方面為照片揭示的深刻內涵所動，表達的真摯情感所感染，另一方面也為攝影藝術所帶給我們的審美享受和啟迪所陶醉。 攝影創作必須以真實的形象為依託，它與被攝對象必須共處於同一個時間和空間，不僅要求作者要有與其他藝術家同樣深刻的思想、敏銳的觀察、生活的積累、廣博的知識，而且必須親臨現場去創作，離開直接的形象，攝影藝術將寸步難行。為了在藝術上的不斷創新，有新的意境、新的角度、新的構圖等，不僅別人走過的路要走，就是別人沒走過的路也要不斷去探尋。「讀萬卷書，行萬里路」是一個攝影師的最高追求，作為攝影藝術家來說，讀書是思考，行路也是思考，讀書是從文化藝術修養上來充實、提高自己，從其他姊妹藝術中分析借鑒來充實自己；提高自己，而行路是另一種方式的思考，是來自生活最基層的第一感受的思考，是原發性創作的思考。事實證明，攝影師的許多優秀作品，並不是在家裡憑空「想出來的」，而是靠在現實中四處奔波，探索發現，靠腳走出來的。 攝影的功能不僅僅是客觀真實地記錄下事物的存在和情景，也不是一些人所理解的僅僅是機械與化學功能的體現，作為一種藝術，它不僅是客觀存在的反映，最主要的是攝影藝術家表達自己思想感情的一種影像圖式語言，客觀世界萬物本身紛繁萬千、豐富多彩，攝影師所抓住的每一個瞬間都是攝影師此時此刻對這一情景的某一種理解、想法和特別感受的反映，正是在對這種特定時間、特定空間、特定場景的選擇來寄託自己的感情表達自己的思想的。每一幅照片，都寄託著攝影師濃濃的情感，都是攝影師真切的心聲反映。 攝影藝術抓住的瞬息萬變的活動形象，在拍攝前就應當制定周密的拍攝計劃，對拍攝對象作詳盡的調查研究，了解它們的文化歷史、習俗、地理氣候、交通、背景材料，做到了解全局，掌握重點，然而在拍攝過程中往往會發生一些意外的變化，這種情況下，是最能考驗攝影師的應變能力，也往往能出精彩不同一般精彩鏡頭的時候，攝影師具有直覺反映能力，具有靈感思維能力，具有豐富的想像力，他就能處變不驚，而且能夠敏捷地做出「快速反應」，准確地捕捉住這難得的珍貴精彩瞬間；如果攝影師反映遲鈍，思想僵化，循規蹈矩，他就只會眼睜睜地看著精彩的鏡頭從自己眼皮底下滑過去或者連錯過了最佳時機都茫然不知。對於攝影師來說，隨機應變看來有一定的偶然性，但是「成功」機遇的偶然性，來自自己勞動創造的必然性。 淺析攝影的藝術修養 我們在欣賞一些優秀的攝影作品的時候，常常會為作品完美的藝術形式深邃的思想內涵所折服，那麼干凈利落的畫面，那麼輕松自如，那麼隨意灑脫，的確這一張照片都是攝影家以歷史的、哲學的，文學的眼光來分、觀察和捕捉的形象，都蘊藏著深刻的社會含義，給人以深刻的印象。攝影藝術表現的是萬千世界的一個點，漫長過程中的一個瞬間，變幻無常的情緒波動中的一個表情，紛紜繁雜的社會中的一個橫切面，是空間的截取與時間的凝固，其精髓在於精煉。攝影在表現精彩的瞬間，在讓人們仔細品味其魅力方面起著不同替代的作用，瞬間是攝影藝術的要求和局限，但是這恰恰是攝影的特長，必須在時間與空間的一瞬間敏捷、准確、果斷地抓住事物的關鍵和本質，抓住動作過程中的高潮，抓住神態表情中的最佳點，展現出一種絕無僅有的精煉之美，凝固之美。 從色彩紛紜的世界中提煉出清純的黑白世界，驗證了單純就是偉大的哲理，要求攝影師要有敏銳的觀察力，觀察到物體的結構美；要求攝影師具有深刻的辨析力，能夠避開撩人心扉的細節，看到物體的體質美；要求攝影師從事物的紛雜繁瑣的交織中，看到物體的影調美，黑白攝影用黑、白、灰來表現世界，色調愈簡，概括力愈強，單純的黑白，留給人們是更多的遐想和再創造的餘地，使人們得到更多的視覺沖擊或得到更多的視覺享受，並升華為種種不同的審美感受，越是單純的東西越是能夠引發人們不同的豐富想像。 淺析攝影的藝術修養 色彩是大自然的恩賜，是最能調動人們情緒的催化劑，色彩直接影響到心靈，色彩，憑色調的冷暖，色彩的鮮明，色階的強弱來抒發感情的顫動，它們是一種提煉是一種體念，作者憑心靈的感受來表達，觀眾也只能憑感受來體會，這是一種概念的傳輸和接近，在攝影藝術中，色彩是重要的藝術語言，色彩的安排和處理是攝影師必須高度重視的重要課題，可以通過構圖、角度、光線、特技及後期等手段來控制色彩，在畫面中建立起良好的色彩秩序，色彩的美感並不在於單一的色彩，而在於色彩的互相組合，互相映襯和對比。 攝影是通過光與影來紀錄物體，抒發感情的攝影本質是光，攝影師就是這樣善於駕馭各種光線，變幻出各種不同的畫面抒發出他們心中各種不同的感情，光起著造型作用，也起著取捨作用和透視作用，同時光也可以起到美化作用。 在攝影家眼中，世界萬物皆由點、線、面組成，攝影藝術中對點、線、面的畫面，構成形式美的組成是由攝影師在取景框中瞬間決定的，是從立體的世界空間和時間的長河中果斷截取的。攝影師面對的是一個豐富多彩，不斷運動。優秀的攝影師猶如一位高明的指揮家，將點、線、面等造型元素有機的結合在一起，各司其職，又融為一體，把攝影畫面交織成為一曲優美動人的交響樂章。 勇敢的探索者們不斷沖破前進道路上的障礙，為尋找攝影自身的藝術語言和藝術特徵不懈努力，逐步形成了攝影藝術自身的美學規律和創作原則，其表現手法表現技巧、創作觀念，更有扎實的科技依託，攝影是一門包含多個學科，涉及多個領域的綜合性藝術，蘊含著極其豐富的內容。 攝影 既是歷史的見證，又是現實的記錄。 攝影 既是感情的宣洩，又是理論的引喻。 攝影 既是純美的載體，又是「野蠻人」的樂園。 攝影 既是文化的積淀，又是生活的縮影。攝影 既是逸情的寄託，又是財富的源泉

7. 什麼是人文攝影

分析如下：

人文指人類社會的各種文化現象。

人文攝影顧名思義就是以人或人的活動為拍攝對象的攝影。

目前通常是藝術性的攝影活動才用到這個名詞。人文攝影，顯然是指能體現人類文化中的先進的、優秀的、健康的內容的作品。這些作品能觸及讀者的心靈深處，使讀者在愛、關懷、崇敬等情感上能與作者引起共鳴。

拓展資料

靜物攝影

靜物攝影與人物攝影、景物攝影相對，以無生命（此無生命為相對概念，比如從海里捕撈上來的魚蝦、已摘掉的瓜果等）、人為可自由移動或組合的物體為表現對象的攝影。多以工業或手工製成品、自然存在的無生命物體等為拍攝題材。

在真實反映被攝體固有特徵的基礎上，經過創意構思，並結合構圖、光線、影調、色彩等攝影手段進行藝術創作，將拍攝對象表現成具有藝術美感的攝影作品。這就叫靜物攝影。

靜物攝影在選材方面有廣闊的天地，在擇好素材之後，就可以隨心所欲的處理這些對象，因為被攝物體是無生命的，可以任憑擺布，多角度移動以達到創作意圖。靜物攝影具有兩大優點：首先，它是進一步體會藝術視覺的深化過程。

當一些很平常的物體被拍成引人入勝的照片時，實際上也就是深入學習觀察這些物體的過程。其次，拍攝靜物能獲得更多的實際攝影知識。對攝影者來說，靜物攝影的難處在於它的畫面構成具有獨到之處。

當布置好被攝物體之後，必須選擇拍攝角度，在用光方面發揮創造性，進而把從靜物攝影中學習到的實際攝影知識、基礎原理應用到日常攝影中去。

人像攝影

人像攝影與一般的人物攝影不同：人像攝影以刻畫與表現被攝者的具體相貌和神態為自身的首要創作任務，雖然有些人像攝影作品也包含一定的情節，但它仍以表現被照者的相貌為主，而且，相當一部分人像攝影作品只交待被攝者的形象，並沒有具體的情節。

而人物攝影是以表現有被攝者參與的事件與活動為主，它以表現具體的情節為主要任務，而不在於以鮮明的形象去表現被攝者的相貌和神態。這二者之間的重要區別，在於是否具體描繪人物的相貌。

不管是單人的或是多人的，不管是在現場中抓拍的還是在照相室里擺拍的，不管是否帶有情節，只要是以表現被攝者具體的外貌和精神狀態為主的照片，都屬於人像攝影的范疇。

那些主要表現人物的活動與情節，反映的是一定的生活主題，被攝者的相貌並不很突出的攝影作品，不管它是近景也好，全身也好，只能屬於人物攝影的范疇。

當然，從廣義上來說，人像攝影拍的是人，它也屬於人物攝影。人像攝影以刻畫和描繪被攝者的外貌與神態為自己的表現任務，應人物相貌鮮明。它分作照相室人像、室內特定環境人像和戶外人像三大類。人像攝影的要求是「形神兼備」。

記錄攝影

記錄攝影指以紀錄為第一目的，對客觀事物進行真實影像反映的圖片攝影。

攝影之所以誕生，就是為了記錄的目的。它誕生之後所顯示出來的強大的生命力，也恰恰在於它的記錄功能。這是其他技術或藝術所無法比擬或取代的。

因此，從廣義上說，攝影就是記錄。記錄攝影的結果是影像記錄作品。相應而分，影像記錄作品包括影像新聞作品和影像紀實作品。

記錄攝影目的（可能並不惟一，卻是首要目的）在於記錄；前提是尊重客觀真實；對象是客觀事物的表像；記錄方式是以攝影再現影像。按照紀錄影像的方式和追求的價值不同來劃分，記錄攝影分為新聞攝影和紀實攝影。

藝術攝影

隨著的發展，人們在攝影中不斷地增加藝術的元素，開始產生藝術攝影。它與記錄攝影的區別在於藝術性的多少與高低，而無絕對的界限。

例如：我們去照張像作身份證或留個紀念，一般照相館拍攝的照片，最多有點資料或記錄價值。可是，鄭景康先生給齊白石先生拍的人像，50年過去了，至今仍是世界二十幅最優秀的人像作品之一。其中的差別完全 在於藝術性的高低。

藝術攝影拍出來的效果更唯美，因為這不僅需要技術，還要找准拍攝的時間、地點和角度。

畫意攝影

畫意攝影以其唯美的畫面語言及美好的設計內涵一直是人像攝影的一種重要的表達方式。

十九世紀後半頁，英國攝影家雷蘭達拍攝出了曾被預言為「攝影新時代來臨了」的作品-----《人生的兩條路》，在攝影還被輕視的當時，這幅作品以其勸勉性的主題和油畫式的構圖，受到了維多利亞女王的極高評價。可以這樣說，雷蘭達對推進攝影藝術的發展功不可沒。

從此，畫意攝影也逐漸成為攝影藝術中的一個重要流派。

商業攝影

商業攝影，顧名思義是指作為商業用途而開展的攝影活動。從狹義上講就是商業攝影，廣義上就是為發布商品或者撰寫故等進行的攝影類型，這種類型在時下的攝影活動中是極為重要的一種。

這類攝影是為商業利益而存在的，要按照企業要求進行拍攝，比較拘束。

水墨攝影

和傳統的水墨畫一樣，現市面上出現的水墨攝影作品，按題材，可以分為風景、花鳥和意境，對應國畫中的山水畫和花鳥畫；按手法和意境，可以分為抽象和具象，對應國畫中的寫意和工筆。

水墨風格的攝影照片雖然免不了使用Photoshop等軟體的後期加工，但是這並不意味著可以任意扭曲原照片。好的水墨攝影作品要盡量少的修改原照片，它考驗的更多的是攝影師的構圖和捕捉光影的能力 。

全息攝影

全息攝影是指一種記錄被攝物體反射波的振幅和位相等全部信息的新型攝影技術。普通攝影是記錄物體面上的光強分布，它不能記錄物體反射光的位相信息，因而失去了立體感。

全息攝影採用激光作為照明光源，並將光源發出的光分為兩束，一束直接射向感光片，另一束經被攝物的反射後再射向感光片。人眼直接去看這種感光的底片，只能看到像指紋一樣的干涉條紋，但如果用激光去照射它，人眼透過底片就能看到原來被拍攝物體完全相同的三維立體像。

一張全息攝影圖片即使只剩下一小部分，依然可以重現全部景物。全息攝影可應用於工業上進行無損探傷，超聲全息，全息顯微鏡，全息攝影存儲器,全息電影和電視等許多方面。

攝影流派：

1.繪畫主義攝影

繪畫主義攝影是流行於20世紀初攝影領域的一種藝術流派，它產生於十九世紀中葉的英國。

該派攝影家在創作上追求繪畫的效果，或「詩情畫意」的境界。它大致經歷了這樣三個階段：仿畫階段；崇尚曲雅階段；畫意階段。

繪畫主義攝影家提出，「應該產生攝影的拉斐爾和攝影的提茨安。」

繪畫主義攝影經歷了較長的發展時期，第一個繪畫主義攝影師是英國畫家希路（1802-1870），他擅長人像攝影，作品結構嚴謹，造型優雅。1851年至

1853年，是繪畫主義攝影的成長時期。

1869年，英國攝影家HP羅賓森（1830-1901）發表了攝影的畫意效果一書，他提出：「攝影家一定要有豐富的情感和深入的藝術認識，方足以成為優秀的攝影家。

無疑的，攝影術的繼續改良和不斷發明啟示出更高的目標，因為攝影本身無論如何精巧完備，還只是一種帶引到更高的目標而已。」為該派奠定了理論基礎。

1857年，OG雷蘭德（1813-1875）創作了一幅由30餘張底片拼放而成的、具有文藝復興風格的作品：兩種生活方式，標志著繪畫主義攝影藝術上的成熟。

這一時期的作品，其題材大都富有宗教色彩，含有一定的規喻性。拍攝時，預先打好草圖，然後利用模特兒、道具，組織和安排場面，並通過暗房加工而成。追求照片畫面的繪畫效果。

隨後，繪畫主義攝影的內容有所擴大，但風格仍崇尚古典主義，造型和構圖仍具學院派的法則，因而顯得含蓄、沉穩、典雅。

當該流派發展到畫意階段時，追求作品的情感、意境和形式的美，依舊是它的特點。

由於繪畫主義攝影家強調藝術修養：「如果想要使攝影在藝術上有地位，攝影家就必須首先培養起審美的能力和育實藝術的修養。」所以其歷史功績是把攝影從初期機械地摹寫對象引導到造型藝術的領域中去，促使了攝影藝術的發展。

由於繪畫主義的創作大都脫離現實生活，加上攝影器材的日益改善，人們審美趣味的不斷發展，為「自然主義」所沖擊。盡管這樣，在今天的攝影藝術殿堂中，仍有它的席位。

這一流派的主要攝影家和作品有：普萊期（?-1896）的男爵之宴、魯賓遜漂流記、寶塔情景；羅賓林的當一天工作完了的時候、秋天、兩個小姑娘、彌留、拿著毒葯瓶的朱麗葉、黎明和落日；

雷蘭德洗禮者聖約朝霞之首、伊菲吉尼亞、優迪特與荷羅佛尼斯；金馬倫夫人（1815-1897）的湯姆士卡萊爾和尼達（1820-1910）的彌留之際的囂俄等等。

2.印象派攝影

1899年，英國舉辦了法國印象派繪畫的首次展覽。繪畫主義派攝影家羅賓森在其影響下，提出「軟調攝影比尖銳攝影更優美」的審美標准，提倡「軟調」攝影。該流派是繪畫印象派在攝影藝術領域中的反映。

開始，他們運用軟焦點鏡頭進行拍攝，布紋紙洗印，追求一種模糊朦朧的藝術表現效果。隨著「溴化銀洗相法」和在顏料中混入重鉻酸膠洗相紙法的出現，印象派作品從對鏡頭成象的控制發展到暗房加工。

他們提出「要使作品看起來完全不象照片」，並且認為「假如沒有繪畫，也就沒有真正的攝影。」

在這種理論指導下，印象派攝影家還用畫筆、鉛筆和橡皮在照片畫面上加工，特意改變其原有的明暗變化，追求「繪畫」的效果，如拉克羅亞在一九零零年創作的《掃公園的人》，就象是一幅畫在畫布上的炭筆畫。

印象派攝影家使自己的作品完全喪失了攝影藝術自身的特點，所以有人又把它稱之為「仿畫派」。可以說它是繪畫主義攝影的一個分支。

這一流派的藝術特色是調子沉鬱，影紋粗糙，富有裝飾性，但缺乏空間感。其著名攝影家有杜馬希（?-1937）、普約（1857-1933）、邱恩（1866-1944）、瓦采克（1848-1903）、

霍夫梅斯特兄弟（1868-1943;1871-1937）、杜爾柯夫（1848-1918）、埃夫爾特（1874-1948）、米尊內（1870-1943）、辛吞（1863-1908）、奇里（1861-1947）等。

3.寫實攝影

寫實攝影是一種源遠流長的攝影流派，延綿至今，仍是攝影藝術中基本的、主要的流派。它是現實主義創作方法在攝影藝術領域中的反映。

該流派的攝影藝術家在創作中恪守攝影的紀實特性，在他們看來，攝影應該具有「與自然本身相等同」的忠實性，畫面中的每一個細節，只有具有「數學般的准確性」，作品才能發揮他種藝術媒介所不具有的感染力和說服力。

A·斯蒂格利茨曾說：「只有探討忠實，才是我們的使命。」

另一方面，他們又反對象鏡子那樣冷漠地、純客觀地反映對象，主張創作應該有所選擇，對所反映的事物應該有藝術家自己的審美判斷。著名寫實攝影大師劉易斯·海因就說過這樣的名言：「我要揭露那些應加糾正的東西；同時，要反映那些應予表揚的東西。」

可見他們崇尚藝術應該「反映人生」的觀點。他們敢於正視現實，創作題材大都取於社會生活。藝術風格質朴無華，但具有強烈的見證性和提示力量。

最早的寫實攝影愛好當推英國攝影家菲利普·德拉莫特於1853年拍攝的那些火棉膠紀錄片。稍後，則是羅斯·芬頓的戰地攝影和六十年代末的威廉·傑克遜的黃石奇觀。

1870年以後，寫實攝影漸趨成熟，開始把鏡頭轉向社會，轉向生活。如當時的攝影家巴納多博士就拍攝了流浪兒童的悲慘境遇，而震動了人們。

隨後，寫實攝影家人才輩出，作品都以其強烈的現實性和深刻性而著稱於攝影史。例如英國勃蘭德的《拾煤者》；美國R·卡帕的《通敵的法國女人被剃光頭遊街》；法國韋絲的《女孩》等等，不勝枚舉。

4.自然主義攝影

1899年，攝影家彼得·亨利·愛默生鑒於繪畫主義創作的弱點，發表了一篇題為《自然主義的攝影》的論文，抨擊繪畫主義攝影是支離破碎的攝影，提倡攝影家回到自然中去尋找創作靈感。

他認為，自然是藝術的開始和終結，只有最接近自然、酷似自然的藝術，才是最高的藝術。他說，沒有一種藝術比攝影更精確、細致、忠實地反映自然，「從感情上和心理上來說，攝影愛好的效果就在於感光材料所記錄下來的，沒有經過修飾的鏡頭景象。」

該派另一位大師A·L·帕邱說得更明確：「美術應該交給美術家去做，就我們攝影來說，並沒有什麼可借重美術的，應該從事獨立性的創作。」

由此可見，這種藝術主張，是對繪畫主義的反動，它促使人們把攝影從學院派的桎梏中解脫出來，對充分發揮攝影自身特點有著促進作用。

這一流派的創作題材，大都是自然風光和社會生活。

由於自然主義攝影滿足於描寫現實的表面現實和細節的"絕對"真實，而忽視對現實本質的挖掘和對表面對象的提煉，一句話，不注意藝術創作的典型化和藝術形象的典型性，因而，它實質上是對現實主義的庸俗化。有時會導致對現實的歪曲。

這一派著名的攝影家有德威森（1856-1930）、威爾欽遜（1857-1921）、葛爾（?-1906）、搔耶（1856-?）、薩特克利夫（1859-1940）等。

5.純粹派攝影

純粹派攝影是成熟於二十世紀初的一種攝影藝術流派。其創導者為美國攝影家斯蒂格里茲（1864-1946）。

他們主張攝影藝術應該發揮攝影自身的特質和性能，把它從繪畫的影響中解脫出來，用純凈的攝影技術去追求攝影所特具的美感效果－－高度的清晰、豐富的影調層次、微妙的光影變化、純凈的黑白影調、細致的紋理表現、精確的形象刻畫。

總之，該派攝影家刻意追求所謂的「攝影素質」：准確、直接、精微和自然地去表現被攝對象的光、色、線、形、紋、質諸方面，而不藉助任何其他造型藝術的媒介。

科班1913年送展的俯瞰紐約，就是純粹派中的佳作。

攝影家從高處俯瞰紐約某個廣場，雖沒有任何加工、修飾，但新穎的構圖，獨特的造型，使人耳目一新，再如E斯坦誠的K桑德伯格，則是用多次曝光的手法，了獨幅作品空間、時間的限制，在一個畫面中細膩地刻畫了詩人情緒的轉換，影調的組合和構圖的變化，極有韻律感。

從某個角度說，純粹派的某些主張和創作是形式主義和自然主義的「混血兒」，後來則衍變成「新即物主義」。但該流派在一定程度上曾促進了人們對攝影特性和表現技巧的探索和研究。

這一流派的著名攝影家是斯特蘭德（1890-1976）和F64小組攝影組織中的攝影家，如亞當斯、坎寧安等。

純粹派後期的作品則向線條、圖案和歪曲形象的抽象方面發展，其有影響的攝影家是亞博、史丁納、史脫特文和伊凡思等。

6.新即物主義攝影

新即物主義攝影又稱「支配攝影」、「新現實主義攝影」。為20世紀二十年代出現的一種攝影藝術流派。

該流派的藝術特點是在常見的事物中尋求「美」。用近攝、特寫等手法，把被攝對象從整體中「分離」出來，突出地表現對象的某一細部，精確如實地刻畫它的表面結構，從而達到眩人耳目的視覺效果。

它不考慮藝術的本質在於提示對象的本質，因而其美學思想是屬於自然主義范疇的。例如，攝影家帕邱在一九二三年拍攝的火車頭的回轉軸就是用近攝手法，表現了火車頭回轉軸運轉時的狀態，由於畫面摒棄了其他細部因而給予觀眾的視覺印象是強烈的。

新即物主義的理論先驅是斯特蘭德，他對即物主義藝術特徵作了如下規定：「新即物主義乃是攝影的本質，並且也是攝影的產物和界限。」他認為，攝影「對生命的表現極強，而且需要觀察正確事物的眼睛。

為此，並非根據敷衍的過程和操作方法，而是必須運用純凈的攝影術才行。」新即物主義攝影的創作先驅則是阿傑和斯泰肯。而實際創始者為上面提到的帕邱。

新即物主義攝影家的功績是促使人們對攝影自身特性的研究和探索，把攝影從審美性的虛幻世界中拉回到現實生活中來。但是，由於過分強調了細部物質表面結構的描寫，為後來的抽象主義攝影提供了萌發的土壤。

一九二五年前後，由於出現了大口徑的小型照相機，新即物主義的表現領域有了新的發展，產生了不少人像作品及反映社會生活和自然風光的作品。

新即物主義的著名攝影家有桑德（1876-1964）、勒斯基（1871-1956）、黑葛（1893-1955）、希爾夏（1881-1948）休利曼·霍培（1878-?）、埃夫特（1874-1948）、威斯吞·亞當斯（?-1902）等。

7.超現實主義攝影

超現實主義攝影為達達派沒落時期出現於攝影藝術領域中的一種流派，興起於20世紀三十年代。

這一流派有著較為嚴謹的藝術綱領和藝術理論。他們認為，用現實主義創作方法去表現現實世界是古典藝術家早已完成了的任務，而現代藝術家的使命是挖掘新的、未被探討過的那部分人類的「心靈世界」。

因而，人類的下意識活動，偶然的靈感、心理變態和夢幻便成了超現實主義攝影藝術家們刻意表現的對象。

攝影中的超現實主義者也象達達派攝影家一樣，利用剪刀、漿糊、暗房技術作為自己主要的造型手段，創造一種現實和臆想、具體和抽象之間的超現實的「藝術境界」。所以其效果是奇特、荒誕而又神秘的。

該流派的創始人是英國攝影家絲頓和美國的布留奎爾（1880-1945）。真正完成者為英國舞台攝影家馬可賓（1905-?），他在自己的創作中，把"超現實"的虛和現實中的實揉合在一起，創造了一種既虛幻又實在的境界。

例如，他在一九四六年創作的《馬可賓的自畫像》就是一幅很典型的超現實作品，它是運用四次曝光的手法拍攝出來的－－一次正面，兩次側面和一次一隻眼睛。

這一流派的著名攝影家有從事超現實主義集錦照片的畫家帕爾汗；變形人體攝影家布蘭特；肖像兼宣傳攝影家卡遜以及布魯門塔爾、洛林、哈爾斯曼、賴依、等。

8.抽象攝影

抽象攝影為第一次世界大戰後出現的一種攝影藝術流派。

該流派的攝影家否定造型藝術是以可審視的藝術形象來反映生活、表現藝術家審美感受的這一基本特性，宣稱要把攝影"從攝影里解放出來"。

初期，用無底放大法省略去「被攝體」的細部紋理和豐富影調，製作成僅表現其形狀的「光圖畫」。

後來發展到或運用光線，或剪輯集錦，或中途曝光，或拍攝時震動照相機使被攝體形象在底片中的結象模糊，或多次曝光使之重影，直到改變畫面的表面結構，改變被攝物體的原有形態和空間結構，力圖使用所謂形式、影調（色彩）和素材的「絕對抽象的語言」。

使被攝物體轉變成某種不能辨認為何物的線條、斑點和形狀的結合體。

以表現該派藝術家奉為圭臬的所謂人類最真實、最有本質力量的潛意識世界。在作品中，被攝物體只不過是被藝術家借來隨心所欲地產生表現自身想像和個性「旋律」的音符。

抽象攝影的發軔者為泰爾博（1800-1877）。開始時，作品畫面仍保持一定程度的可辨認性。

至一九一七年攝影家科班（1882-?）用木片和透明玻璃碎片拍攝的《波爾多畫報》就已完全不可辨認了。一九二二年，匈牙利抽象畫家莫荷利納基（1895-?）在曼瑞（1890-?）等人的基礎上加以發展，並從理論上予以確立。

隨後，抽象畫家康丁斯基、克勒等引進了顯微攝影和X光攝影，從而大大擴大了抽象派攝影的表現范圍，豐富了攝影藝術的語言，建立了自己的藝術體系，並風行於歐美等國。

該流派的代表人物，除文中已提及的外，尚有史格特、芬寧格、安真蘭特、佛萊泰、溫隙斯特、格連巴晤、夏德和布留奎爾等。

9.堪的派攝影

堪的派攝影是第一次世界大戰後興起的、反對繪畫主義攝影的一大攝影流派。

這一流派的攝影家主張尊重攝影自身特性，強調真實、自然，主張拍攝時不擺布、不幹涉對象，提倡抓取自然狀態下被攝對象的瞬間情態。

法國著名的「堪的」派攝影家亨利·卡笛爾·布列松說過：「對我來說，攝影就是在一瞬間里及時地把某一事件的意義和能夠確切地表達這一事件的精確的組織形式紀錄下來。」因而這一流派的藝術特色是客觀、真實、自然、親切、隨便、不事雕琢、形象生動而富有生活氣息。

「堪的」派中的攝影家，就其美學思想和創作傾向而言，情況是比較復雜的，雖然他們都崇尚人性世態的表現，且大部分都從事於新聞攝影工作，但有的為自然主義者，有的為寫實主義者。

催生該流派的作品是一八九三年攝影家阿爾弗雷德·斯蒂格利茨的《紐約第五街之冬》，而真正完成者則是德國的攝影家埃利克·沙樂門博士。他用小型相機在一次德法總理舉行的夜間會議結束時拍攝的《羅馬政治會議》，由於它的生動、真實、朴實、自然，而成為該流派名垂攝影史的經典作品。

在攝影美學上，他們認為「以攝影的基本特點為基礎的照片，是畫家或蝕刻家所無法模仿的，它具有它自己的不可分割的我，具有自己特殊的表現力，甚至是用其他媒介不可能表現出來的特性」。

其次，對客觀事物的表現，他們重視和強調獨創性，說：「（攝影家要用）自己的眼光來看世界，不要通過別人的眼光來看世界，而這正是區分照片是平庸還是高明，有價值還是沒有價值的標准。」

該派著名的攝影家有美國的托馬斯·道韋爾·麥阿沃依；英國的茜莉特·摩戴爾；法國的維克托·哈夫門；以及路易斯·達爾·沃爾夫、彼得·斯塔克彼爾·布魯維奇等等。

10.「達達派」攝影

「達達派」是第一次世界大戰期間出現於歐洲的一種文藝思想。「達達」，原為法國兒童語言中「小馬」或「玩具馬」的不連貫語匯。

因為達達主義藝術家在創作中否定理性和傳統文化，宣稱藝術和美學無緣，主張「棄繪畫和所有審美要求」，崇尚虛無，使創作近乎戲謔，因而人們把該藝術流派稱之為「達達派」。

由於達達派攝影藝術作品不符合人們一般的審美趣味和審美要求，1924年以後就逐漸受到有較明確、完整的藝術豆腐和綱領的超現實主義藝術流派的沖擊。但其影響仍可在以後出現的現代派攝影藝術中窺見。

達達派的著名攝影家有菲利普哈爾斯曼、摩根、拉茨羅摩荷利納基和利斯特基等。

11.主觀主義攝影

主觀主義攝影是一種在第二次世界大戰後形成的比抽象派攝影更為「抽象」的攝影藝術流派，所以又稱作「戰後派」。

它是存在主義哲學思潮在攝影藝術領域中的反映。其創始人是德國攝影家奧特·斯坦內特。他認為，「攝影是本來具有發揮自己能力的寬闊領域，也具有高度的主觀能動作用。

但目前卻成了一種機械的寫實主義」。於是提出了「攝影藝術主觀化的藝術主張。極力主張攝影藝術的終極應該是提示攝影家自身的某些朦朧意念和表現不可言傳的內心狀態和下意識活動。」主觀攝影就是人格化、個性化的攝影。

這便是該流派的藝術綱領。主觀攝影的藝術家們極度強調自己的創造個性，蔑視一切已有藝術法則和審美標准。該派理論家公開表示，「主觀攝影不僅僅是一種試驗性的圖像藝術，而是一種自由的不受限制的創造性藝術。」「我們可以任意使用技術手段去創造照片。」

西方人體攝影的嬗變世界藝術史上，在希臘和歐洲文藝復興時期出現過人體藝術的輝煌時期，其後誕生的攝影藝術，在經歷了初期令人震驚的再現客觀現實的藝術表現力後，富有探索精神和創造力的攝影家就開始向人體攝影領域的突進。

1857年瑞典攝影家、後來留居英國的雷達蘭，拍攝了一幅在攝影史上奉為經典之作的《人生的兩條道路》，這幅情節豐富，場面浩繁的畫面，運用了大量的人體作品，主題是觀善懲惡，以白鬢長者為中心，兩邊兩組人物體現了兩種不同的道德觀念、生活理想和人生歷程。

但是它也受到了少數人的攻擊，說它動用那麼多裸女，姿態粗野淫糜，流於色情等等。可見，古今中外，人體藝術無論它有多麼積極的思想意義或高明的藝術處理，都會受到一些人的非難和攻擊，這恐怕已成為一種規律性反應了。

西方人體攝影的發展趨勢是非常明顯的。在發展常規的傳統的人體攝影的同時，也風行表達強烈的主觀感受、現代攝影語言、創造多種流派、風格的作品，以至出現了畸形、切割、重組、神秘、荒誕、醜陋的意境。

如傑瑞·郁斯曼的象徵意味的人體攝影、羅傑·麥丁的《隨意的人體》、托德·窩爾克的原始碩大造型的人體攝影、羅伯特·亨內斯欽及啟德蘇·俄克哈馬等的切割重組的人體攝影、李思麗·克羅娜斯的荒誕意味人體攝影及寧達、康偌道尼·米切爾等的有性感意味的人體攝影等。

8. 你覺得現在社會的攝影文化，究竟是內容重要，還是器材重要

全員攝影時期的來臨，讓每一個人都會有機遇了解到攝影。喜愛攝影的人更甚之，學習培訓攝影有關基礎知識，塑造自身的攝影鑒賞能力，變成一名傑出攝影人，拍出出色的攝影作品。那麼，在攝影作品創作中，什麼叫起關鍵性的作用的呢？

哪些在攝影創作中起關鍵性功效？

在攝影作品創作中，起關鍵性的作用的是人的審美觀洞察力和創新思維能力，是人的人文藝術涵養和刻骨銘心的文化創意積淀，也就是授予攝影作品審美觀的生命。不然，再好的相機也創作出不來經典出色的攝影作品，提升文化藝術藝術涵養是當今攝影人面對的急迫的任務。

攝影是「世界文化」，具備人們一同企業文化的特點。在創新科技乘勢而上的今日，高新科技雖然大國，但公共藝術卻不停的激勵著人，召喚著人，讓人提升精氣神，激起我們的生活魅力，持續的去追尋那美滿幸福的理想，僅有理想才會讓人青春永駐，懷里志向遠大。僅有理想鼓勵著人們為此拼搏，親自把願望變成實際，大家既要快速發展趨勢高新科技科技進步，更要提升中華中華民族的藝術涵養，僅有如此能夠使中華中華民族矗立於全球民族之林，為全世界老百姓所尊敬和欽佩，因此，攝影人提升文化藝術藝術涵養，是攝影領域目前面對的一項極其急迫的每日任務。

9. 如何拍攝出好的微電影視頻

近來收到了很多的問題，小編挑選最多的提問給大家簡單的說一下，希望能夠對大家有所幫助。

據林雨文化的老師們，都會遇到這樣的問題，套系內的內容不僅僅是照片，還有微電影，目前，微電影已經越來越多的讓顧客所接受喜愛。可以說一部好的微電影能帶動整個套系內的銷售。這就要求我們的引導老師和攝影老師們，不僅要會照片構圖，還要會錄制唯美的視頻。

也有越來越多的攝影愛好者，在不斷的錄制生活、藝術視頻片段，嘗試著給自己和家人做一期微電影，留下美好，生動的記憶。那麼微電影製作的好壞，不僅僅是靠我們能熟練使用｛會聲會影｝或｛pr｝等視頻剪輯軟體，就能做好的，更多的還是初期錄制的視頻效果。那麼什麼樣的視頻才是好的視頻，怎麼樣才能拍攝出效果好的視頻呢？

其實，很簡單，我們看以下步驟：

重點1：視頻的穩定性，我們在錄制視頻時，一定要注意鏡頭的平衡，不要有晃動，抖動，前期練習時，可以藉助鏡頭里的固定參照物，如桌子，牆，電線桿，樹木，錄制後，回放視頻，查看參照物的上下浮動點的距離，不斷改進，增強平穩性。老師們可以用自己的方法來增加平穩度，如膝蓋，三角架等。

重點2：外景拍攝時，盡量拍攝全面，不要出現半個身子，多拍攝些全景，如樹林，草地，多給特寫。

重點3：室內拍攝時，要注意畫面出現波紋，給頭部上方多留空間。

重點4：錄制語言時，一定要在安靜的場景，避免後期的吵雜！

重點5：這個是最重要的，錄制時，一定要有情景，整個視頻要有故事情景，有聯動性，有主題，小編每次看到寶貝安靜的坐著看著鏡頭不動的視頻，都會忍不住爆粗口，不想聽時光靜止的美好！只想打人有沒有?

視頻和照片的區別是什麼，難道不說真的不懂？哎，小編每每想到上回審核視頻，一直以為未開始，卻不知道已經悄然過去十分鍾！汗啊！

好了，錄制視頻的基本要求小編就說到這了，真心的希望對各位老師們能有一點點的幫助。

10. 人物肖像攝影，怎樣拍出專業水平照

肖像攝影有別於廣義的人物攝影，它不是以紀實和紀念為最終目的，而且具有較強的審美意圖。從字面上講肖像攝影包含俊俏、俏麗的意思，比較明確的指向肖像攝影的審美意圖，但這種審美意識與人物主體本身的形象特徵沒有關系，從美學概念的層面看，世界上沒有美人和醜人之分。如能在拍攝過程中充分地與被拍者進行交流，尊重被拍者的審美訴求，就更顯完美。

(暗紅的廊柱襯托出旗袍佳人曲挺身姿。)

C、環境與道具。人物肖像的拍攝離不開環境的襯托，巧妙利用環境和道具營造氛圍和意境。作為人物肖像的環境，是為了更好地襯託人物的背景。而自然環境中看似單調的小環境，甚至一片枯黃的荒草，只要巧妙利用都可以營造出別樣的氛圍和詩情畫意來。