如何理解艺术类

1. 怎么理解,现代艺术设计

【如何理解现代艺术设计】
20世纪初，在欧洲和美国相继出现了一系列的艺术改革运动，特别是在1907年到两次世界大战期间，发展的有声有色，如火如荼，结果是从思想方法、表现形式、创作手段、表达媒介上对人类自从古典文明以来的传动艺术进行了全面的、革命性的、彻底的改革，完全改变了视觉艺术的内容和形式。对这个庞大的运动浪潮，我们往往笼统地称之为“现代艺术”（modern art）。这个运动浪潮的影响是极其深远的，它不仅改变了艺术的内容，比如艺术的目的、艺术的价值观、艺术服务的对象和艺术的思想内容，它同时还完全改变了艺术的表现形式。 20世纪有辆次巨大的艺术革命，世纪之初到2次大战前后的现代主义运动是其中的一次，影响深远，并且形成了我们现在称为“经典现代主义”的全部内容和形式。另一次是19世纪以来以“波普”运动开始的当代艺术远东，这个运动的结果是混乱的，到底这个运动浪潮给人类文明带来什么结果迄今依然不分明，但是，我们可以比较明确的说当代艺术运动的结果之一就是没有结果，这个浪潮绝对是个人主义发展的结果，与战前的现代艺术运动讲究群体性完全不同，因此，战后的当代艺术远东浪潮造成了艺术评论的混乱，在评论上毫无标准可言，或者称为评论标准的多元化，艺术创作的绝对个人化，思想上的泛政治化；艺术本身对社会的完全脱离；艺术逐渐变的难以收藏、甚至无法欣赏，因而，失去了艺术活动的支持基础。 现代艺术远东的产生时间争议很大，有人认为始于文艺复兴时期，也有人以法国的印象派为开端，但是，如果从它与传统艺术的关系来看，应该说这个庞大的远东是在20 世纪初期开始于欧洲的。现代艺术的核心是对以往艺术内容的改革和对传统艺术的表现方法、传统媒介的改革。从思想上来看，传统艺术的目的是宗教性和道德性的训诂，再现性和装饰性的视觉取悦，表现方式则是写实性的。文艺复兴以来，在艺术创作上越来越多的强调艺术家自身的感受，但是逼真的写实技法、艺术受社会哦道德伦理的控制、艺术受资助力量却基本一成不变。文艺复兴发展了3种新的逼真再现的技法；透视、人体解剖、色彩，都被吸收用于同样的创作目的。法国的法兰西美术学院是欧洲17、18世纪集大成的美术中心，艺术服务于国家和皇室，粉饰太平达到了登峰造极的水平，在这段洪流中，有一些艺术家希望表现自我，但只能在这些目的的外衣下，偷偷表现自我。到19世纪，艺术服务的对象是富裕的资本家，操纵艺术市场的是画廊和艺术沙龙，艺术家在广阔的市场中有自己更大的选择，因此，出现了新艺术的探索。1860前后的“印象主义”首先在题材的技法上改良，同时也利用光学发展的成功，改变陈旧的固体颜色体系，动摇了色彩的传统根基。更重要的是他们把个人的感受带入了艺术创作，刺激了艺术的进一步发展。19书记末，个人表现越来越成为艺术家希望传达的内涵。梵高、高更、挪威的爱德华.蒙克等人都以绘画表现自己的心理感受和恐惧；欧洲也出现了一批以回哈象征某中观念或个人心理的象征主义派别；还有的艺术家对原始的艺术、非洲艺术、棉件艺术有浓厚兴趣，摒弃传统艺术方法，尝试新的原创性的表现方法。如19世纪末法国的“野兽派”就是这种尝试的结果。 到20世纪初，艺术上的个人主义发展达到了高潮，个人表现的欲望强烈，产生了1904年在德累斯顿的德国表现主义集团“桥社”，1907年在巴黎出现的立体主义集团，1911年在慕尼黑出现的另一个德国表现主义集团“蓝骑士”，象征着现代艺术运动正式发展起来。新的时代，出现了许多新的视觉刺激和精神的因素，现代技术对于生活方式的冲击，工业的急剧发展、都市的膨胀、城市生活的复杂化、贫富悬殊的扩大、阶级关系的紧张、阶级斗争的日益尖锐化，新的政治思想--马克思主义、无政府主义、民族主义、军国主义层出不穷，这些前所未有的意识形态、思想的、物质文明的因素，都成为新艺术的刺激。 1900年以来，欧洲的艺术基本沿着两条不太相同的路径发展。一条是强调艺术家的个人表现，强调心理的真实写照，强调表达人类的潜在意识。受弗洛伊德的试验心理学影响，从表现主义，到超现实主义，一直到战后在美国发展起来的抽象表现主义基本是属于这一路的，这一体系的发展，反对一切存在的文明结果，包括语言、文字，是艺术上的虚无主义和无政府主义的反美学发展，但是，它对于人类自我感觉的强调，对于人的想象、感受的表象的强调，则为现代艺术的进一步发展提供了重要的基础；另外一路，则力图在形式上找到所谓“真实的”，代表新时代的方式。立体主义、构成主义、荷兰的“风格派”，直到战后美国发展起来的“大色域艺术”、“减少主义”、“光效应艺术”等等，都属于这一路的发展。在这两个探索的途径之间，存在着广阔的“灰色地带”，也就是说有一些艺术运动，是包含有两个方面内容的，比如达达主义，一方面是通过无政府主义的方式，表达对于第1次大战的厌恶和抵制，而在形式上，则探索平面上的偶然性、自发性、随意性组合；意大利发展起来的未来主义，意识形态上是企图表达对工业化的顶礼膜拜，对机械美学的推崇，对所有过去的传统文化的虚无主义否定，而在形式上是在探索如何表达4维空间，表现机械的美。这些众多的艺术运动中，有不少对于现代平米哦按设计带来相当程度的影响，特别是形式风格上的影响。其中以立体主义、未来主义的思想观念、达达主义的版面编排、超现实主义对于插图和版面的影响最大。它们或是在意识形态上提供了现代平面设计的营养，或是在形式上提供了改革的借鉴，对于现代平面设计总体来说，具有相当重要的促进。

【怎样才能称之为现代艺术设计】
现代设计，现代主义设计，通常被称为“功能主义设计”，又称为“技术美”，或“机器艺术”。现代主义建筑是指20世纪中叶，在西方建筑界居主导地位的一种建筑思想。这种建筑的代表人物主张：建筑师要摆脱传统建筑形式的束缚，大胆创造适应于工业化社会的条件、要求的崭新建筑。因此，具有鲜明的理性主义和激进主义色彩，又称为现代派建筑。

2. 高洁：如何看待“艺术”是本质

高洁：是的。一个这样泛的问题能够得到这么一个确定的回答是非常罕见的。也由此可见差异真的是比想象的还要巨大。 一般而言艺术家是比较开放而活跃的，他们穿越很多文化和国界，中国和欧洲的人们能够面对很大数量的相同的艺术家。所以印象的不同源自大众的文化背景，无论是褒义或贬义的区别，能够去探讨的仅仅是大众的文化问题。这个问题与艺术家基本无关了。 问题中“人”这个单位是极度复杂的，不同的人看待艺术家的态度自然是不同的，不能一概而论。而且在全球化比较普遍的今天，国内与国外的差距比以前小了很多，有双重身份和双重文化的人也越来越多。虽然如此，令人吃惊的是，在对艺术家的认识方面，整体的差异比想象的巨大得多。 在西欧大众对艺术家的态度是一种比较正常的接触，他们参加一个展览的态度接近中国人在下班后打开电视机。（相对，西欧人不那么喜欢打开电视机）。一些非艺术类工作的人，愿意周末在自己的客厅里举办一个小型的展览，邀请认识与不认识的朋友来参加。这是他们的生活方式，大部分情况下艺术家和大众是融为一体的。无论文化程度如何，他们普遍接受并有足够的知识去欣赏比较前卫的当代艺术。这点与国内的大众有着非常显着的不同。从许多方面来看，包括心态与艺术知识，一般西欧发达国家大众对于当代艺术作品的理解程度普遍超越国内的大部分“专家”。而中国的普遍大众对于艺术家是完全漠视的。他们听到的信息最多也就是某人的作品每平方的价格，听到的故事仅仅是价格翻番的好莱坞式的发财梦。而艺术作品在中国，仅仅出现在少量的几个大城市几个特殊的角落，基本就没有进入中国普遍大众的视线内。 大众的文化背景是一个太过复杂而庞大的问题，这些难以相信的差距在缩短中，但本质上依旧南辕北辙。 首先不可调和的是艺术教育问题，在巴黎，我们可以在罗浮宫看到幼儿园的小朋友在上课，在奥赛博物馆，我们可以看见初中的课程，而当代艺术则是高中的必修课程，文化艺术和其他科目一样重要，一样是他们的成绩考核标准。因而他们几乎无人完全缺乏对当代艺术的历史文化知识，这种氛围形成了他们当代艺术的土壤。而中国大陆连最基本的文化教育都必须彻底地为中，高考成绩让路。传统与当代的文化的匮乏现象严重，而我也很无奈地看到，在将来的几十年内，在精英理念，应试教育的环境里，文化教育方面没有什么发生本质性改善的可能。 其次几个方面是中国等级社会造成的金钱至上的现实环境，中国大众统一的政治经济学的世界观，哲学的缺乏，政府对艺术政治性的评判与阅读方式，管理层对员工的精力的压榨程度，艺术评论者的生态状况，艺术收藏方面，展出策划方面等等问题，这许多问题都会长期地使中国与西欧发达国家文化状况差异巨大。 虽然我批评了很多，仿佛我对中国的艺术环境深恶痛绝，但实际上中国的艺术环境有其它方面的优点。大众的文化差异并不是所有艺术家都在乎的，大部分中国艺术家都更愿意在中国生活。我在此码了这么许多字，自然是源自对中国大众文化环境改善的热切希望。希望更多的人去拥有足够的文化艺术知识来获得那溶入了当代艺术的生活方式。 搜狐文化：您认为艺术家的社会责任是什么？ 高洁：不能一概而论，“艺术家”有很多类型。 谈艺术家的社会责任，则必须从艺术家的艺术创作理念出发。有的艺术家的创作与政治事件，社会现实密切相关。而有得艺术家则只向内挖掘，思考内心与形而上的问题。 只有那些想要拥有社会责任的艺术家在社会文化方面拥有社会责任。而其他艺术家则可以尝试更多的可能，甚至在法律范围内拥有反人类的权利。这些都视艺术家的创作理念而定，这就是一个什么是“艺术”的问题。不同的答案，拥有不同的哲学逻辑，不同的理解拥有不同的态度。 似乎在中国，“艺术家的社会责任”因社会环境对艺术家存在价值的缺乏而被强调出来。虽然国内有着非常普遍的过多的体现政治与社会现实的艺术创作，但其中有部分艺术家创作理念的社会性仅仅是出自于艺术家发展自身国际影响力方面的考虑，或者仅仅是模仿成功的艺术家，甚至只是迎合他人的收藏口味。缺乏真诚的思考与体验。这些创作的社会价值就如同他们的思考一样做作，一样人云亦云。它门的社会价值仅仅是一种表象，反对“宣传”，却拥有“宣传”的思考方式。我怀疑地审视中国文化环境中的那种普遍存在的义愤填膺的“正义感”是表象还是真实？是否展示的是艺术家独立的思考所得？这些作品是否真正包含有艺术方面的研究思考？并不是所有的艺术家在创作中能拥有这些，我们不需要所有的人都假装立志拯救地球。 对于我个人而言，就必须还是回到如何看待“艺术”这个问题上。 吉尔�6�1德勒兹有一段很有趣的讲述。他讲述的是他的哲学观，也提到了他的艺术与科学观。他认为哲学、科学和艺术是平等且本质地具有创造性和实践性的。在此前提下，科学是功能的创造，艺术是感觉的创造，哲学是概念的创造。 我很喜欢他的解读方式，德勒兹展示了他所理解的哲学、科学和艺术的本质。以德勒兹的概念作为我们讨论的逻辑基础：科学的社会价值是让我们拥有更多的能力，比如拥有在家里看戏的能力（电视机），从而在功能上使我们的生命能拥有更多的能力；哲学的价值是让我们拥有更多的概念，比如讲述“乌托邦”，从思想上让我们的生命拥有更多的思维领域；艺术的价值是让我们拥有更多的感觉，比如使用“印象派”的观察方式去欣赏美景，这在印象派之前是难以拥有的，“艺术”使我们的生命拥有更多的观察与感觉，感知能力。这三点对于人类意义重大，他让我们的生命区别与类人猿。我们的大脑比类人猿大一些，生命的领域也大一些。 “艺术”的社会价值在于拓展人类的“感觉”领域。因而“艺术家”就是在宇宙边缘的探索者，他们的工作价值在于稍微尝试着去拓展一丁点人类的“感觉”，拓展的领域大小，决定了他的伟大程度。 对我个人而言，“艺术家”的社会责任是： 去创造或着去系统再现出一种前人所未曾真正认识的“感觉”。 搜狐文化：艺术家是特殊群体吗？ 高洁：对，就如同大厦玻璃清洁从业人员，蜘蛛侠等漫画英雄，八零后，蒙古人，金枪鱼，一个品牌产品，一个星系的人，一个哲学流派的人，崇信一种宗教的人一样特殊。每一种解读方式所归纳出来的群体都有其特殊性，谁也不比谁普遍。 搜狐文化：让大众认识艺术家有什么样的作用? 高洁：这如前面的问题一样是一个必须区分对待才能回答的问题。 从艺术创作的角度说。 如果一个艺术家的创作更重视作品本身，那么他可以认为吃蛋不需要认识鸡。你可以不认识雷诺阿，但你的眼睛一样可以使你爱他。 如果一个艺术家认为其生活就是他的作品，那么你不了解他就不能解读他到底想说什么，他可以认为他的作品其实并不如他本人那么重要。如果不阅读有关马塞尔杜尚的文字与记录，我很难理解你会喜爱杜尚的作品。 从我们对艺术家的思想理解这一角度来说。 就一般情况而言，有关对艺术家理解问题上，在历史知识方面的普及是不够的。我们对创作者的关注一般不足以完全解读艺术家的创作心路，继而有可能理解困难或产生误读。 但与此同时，历史是不断被强奸的。那些充满野心的思想家，一再地从他的角度去重写历史，虽然历史未变，但所得历史总结却总是合情合理并天差地别。 认识艺术家么，见仁见智。我们需要的仅仅是用更开放的心态去自然地接触艺术，这才是一切讨论的前提。 搜狐文化：为何在中国公众的观念中艺术家通常会与怪诞、癫狂、傲慢、孤独之类的词语联系在一起? 高洁：这又是一个非常庞大的问题，高敬你似乎想在五个问题里穷尽对艺术的普遍认识。 一般而言艺术家之间是不可能讨论这类问题的，好像并无可说之处。这类问题和艺术家的思维范畴没有交集，一般艺术家会立即把这个无聊的粗鲁想法驱逐出耳朵。正巧我在巴黎与一个社会学博士争辩过这个问题，因为他认真地向大家阐述了类似的观点。 总体而言，西欧发达国家里，他人总是可以和艺术家们正常接触的，没有必要如何区别看待。非艺术工作者比艺术家看起来要怪诞的比比皆是。我认识的浑身穿孔，或吸毒酗酒的人大部分都是其他行业的人。想反，例如着名艺术家黄永砅，沈远等人，不吸烟不喝酒，无任何不良嗜好，接触起来也没有任何怪异之处。为什么艺术家要显得怪异？艺术家的工作在于修养，在于思考。有少量艺术家显得很特殊，这与他们的创作哲学与文化背景有关，是特殊的个人选择，就如同“同性恋”一样，我认为不妨害他人，就无需非难。 国内公众如果有对于艺术家的奇怪的成见，很可能是因为他们根本就没打算有所了解。 艺术家是有可能“傲慢”的，有些艺术家比较不会世故地与人接触，因而难以交往些，或不愿一再地进行重复的自我讲解。“傲慢”有可能是双方共同产生的，一个巴掌拍不响。“孤独”则是必然的，越是真诚地运用一个独有的系统去生活并思考一切，越缺少同伴，也就越孤独。 一般而言，“艺术家”是一个更加正视自己，更加关注真诚感觉的“职业”（用引号是因为艺术家不是“职业”我只是想强调一人群的工作）。这一“职业”的工作特性，使他们必须更加敏锐地认识自己，或更加深入地认识社会与他人。他们更加真诚地生活，更多地思考如何面对真实。 作为艺术创作者，我觉得自己和别人并无区别。要有的话，就是在知识面上有所侧重，我对生命与感觉等问题思考的更多一点。这一点也不奇怪，每个人都对自己的专业更多些了解。 在面对问题时，我认为艺术家会更忠于自己的真实感受，会更多的选择重视那些生命中更应该被在乎的事，而不是人云亦云地盲从于社会上流行的普遍观点。 逻辑上说，一个好的艺术家是不会怪诞、癫狂的，他更忠实于自己。而不得不被社会规范控制的人很有可能无法知道自己想如何活着，继而没有思考过有关“怪诞、癫狂”之类的问题，也就没有必要去评价什么。没有思考过，说出来的自然是废话。 所以，如果你对艺术家有着怪诞、癫狂、傲慢、孤独之类的认识，就说明你在一个真诚面对自己，并以观察为职业的人面前有着怪诞、癫狂、傲慢、世故之类的形象。要知道，负面的评价总是相对的。被鄙视的双方都会被嘲笑，这些评价对一个不太在乎世俗认识的人身上虱子多了不痒，而这些如“呆板”“愚昧”的评价放在一个不能经常从生命本质的角度审视自己的人身上就比较可信，也比较可悲。

3. 高考的艺术类都包括哪几种

艺术类高考大致分为几类：

一、服装表演、模特专业

二、美术专业

三、表演专业

四、音乐专业

五、播音主持、编导专业

1.服装表演、模特专业

设计师根据自己对自然,生活的感悟从而设计出各种各样的款式的服装，选择适合的布料和款式进行裁减和定做，让模特在T形台伴随音乐有节奏的进行表演，从而展示其创造的主题和设计师所传达的理念。

模特，最早源于英语“Model”的音译，主要是指担任展示时尚产品、辅助宣传媒体广告、服务大众审美需求、表现摄影艺术理念等等相关工作的职业人士。

2.美术专业

美术专业为美术史论、美术教育领域培养教学和科研，美术评论和编辑、艺术管理和博物馆等方面的高级专门人才，学生毕业后能从事美术教育、美术研究、文博艺术管理、新闻出版等方面的工作。

3.表演专业

表演专业属于一级艺术学科，表演专业旨在培养具有一定的基本理论素养，并具备和掌握表演艺术的基本理论和基本技巧，能够在戏剧、戏曲、电影、电视和舞蹈等表演中独立完成不同人物形象创作的高级专门人才。

该专业学生主要学习戏剧、戏曲、影视、舞蹈、音乐等方面表演艺术基本知识、基本理论和基本技能，接受有关理论、发展历史、研究现状等系统教育和从事专业工作所需业务能力的基本训练。

4.音乐专业

音乐可以分为声乐和器乐两大类型，又可以粗略的分为古典音乐、民间音乐、原生态音乐、现代音乐（包括流行音乐）等。

在艺术类型中，音乐具有抽象性，音乐从历史发展上可分为东方音乐和西方音乐。东方以中国汉族音乐为首的中国古代理论基础是五声音阶，即宫、商、角、徵、羽，西方是以七声音阶为主。

音乐让人赏心悦目，并为大家带来听觉的享受。音乐能提高人的审美能力，净化人们的心灵，树立崇高的理想。我们通过音乐来抒发我们的情感，使我们的很多情绪得到释放。

5.播音主持、编导专业

播音专业目标是培养具备广播电视新闻传播、语言文学等能力，能担任广播电视播音与节目主持工作的复合型应用语言学高级专门人才。

广播电视编导是为适应广播电视媒体的发展而设立的一个比较新的专业。编导涵盖的范围很广，既不同于普通纸媒体的编辑，又不同于电影电视剧的导演工作。

(3)如何理解艺术类扩展阅读：

1.基本条件

拥护四项基本原则、热爱祖国，遵纪守法；具有高中毕业文化程度或同等学历，身体健康、未婚。（现大部分专业不再有年龄限制）报考表演、编剧、作曲、导演、史论专业，年龄不超过30周岁，婚否不限；报考其他专业，年龄不超过25周岁。

有特殊贡献与才能的公民，经所在单位推荐，报考各专业的年龄可适当放宽、婚否不限。符合上述条件的国家和集体企事业单位的职工，经所在单位批准，可以报考。

中等艺术学校的应届毕业生、军队战士经大军区级政治部批准、非艺术类中等专业学校和技工专业的毕业生工作满两年者，经所在单位批准可以报考。

2.身体条件

报考美术院校(专业)要求考生：身体健康，除符合教育部、卫生部《普通高等学校招生体检标准(修订)》外，无色盲、色弱。报考史论专业的考生。年龄可放宽到30周岁，婚否不限。有特殊贡献与才能的考生，由所在单位推荐并经省招生办公室批准，年龄可适当放宽，婚否不限。

报考音乐、影视类院校(专业)要求考生：年龄在22周岁以下的未婚青年可以报考表演、演奏专业；25周岁以下的未婚青年可以报考其他专业；报考作曲专业的考生。报考播音主持专业，男身高不低于172厘米，女身高不低于160厘米（严格按照身高限制）。

4. 大家对艺术设计的理解

创意是必需的 创意来自哪儿呢 就来源于自己的心 用心去审视这个世界 让它变得独特；简单而不简约是好的作品常踩的路 跟着直觉走 尽快完成 不要拖得太久 因为在创作的途中自己的心境会渐渐发生 如果心境变得杂乱创作出来的作品就没有存在的价值。这是我在学校搞创意板报设计得出的经验 希望对你有帮助

5. 怎样理解艺术类招生不分文理

就是艺术生最终的分数分为两部分，一个是艺术分，一个是跟普通文理科一样的考试内容，艺术生要选择文或理，只不过个大高校文科文科艺术生的名额较多，理科艺术生的名额特别少，而且分数高

6. 人类命运同体视角下艺术类高职学生对艺术表达的理解的含义

美的产生需要人的参与，没有人的参与就无从谈美。同样，人的生存也离不开美，离不开艺术。艺术与美是在人生土壤中滋生出来的，没有它们人生也将了然无趣。
另外，艺术和美最重要的功能就在于弥补人生的缺陷，
使人超越自然的限制和实际人生的牵绊， 从而获得心灵的自由和解放， 实现生存的艺术化。
人生本来就是一种较广义的艺术。每个人的生命史就是他自己的作品。这种作品可以是艺术的，也可以不是艺术的，正犹如同是一种顽石，这个人能把它雕成一团伟大的雕像，而另一个人却不能使它“成器”，分别全在性分与修养。知道生活的人就是艺术家，他的生活就是艺术作品。

7. 如何理解艺术与设计

小引我们正迅速接近有理性的和有意识的构图的时代，到了那时，画家将自豪的宣称他的作品是构成的①。 设计和艺术从历史的溯源看本是同源，都是造物文化的分合离散所致。因此，他们之间存在着亲密关系是不言而喻的② 关于艺术与设计的概念反映 偶然在《苏大艺苑》报上阅读了一篇艺术是我，设计是他的文章②，其中所表示的观点在一定程度上阐述了艺术与设计两个概念的区别和含义。从而也使我部分的明确了作为艺术和设计的模糊认识。早在几年前(或者说一直延续到现在)，我国的艺术工作者已经针对这两者之间关系有所争执，到底设计是不是艺术，设计和艺术能否同一而论的观点一直也是人们所关注的焦点。《美术观察》也曾经围绕这一问题作了的讨论。综观几十年来，国内工艺美术界对装饰、装饰艺术、工艺美术、实用美术、艺术设计等概念的逐步过渡和划分，体现了时代的变革和社会对艺术与设计的认识不断深化发展的过程。有人说设计本身就是问题，而艺术不需要解决问题。这个两者之间的联系与分歧，与艺术是我，设计是他有同工之妙。那么两者之间的关系究竟在何方呢?又该如何深入认识和重新定位艺术与设计的关系呢?在这篇文章中，本人斗胆谈一下自己的认识，虽然有兔子谈论死亡的嫌疑，但还是要敬请各位老师批评指正。 首先，本人就三个概念：艺术设计、设计艺术和艺术与设计谈一谈看法。在英文中我们很难看到ArtDesign或DesignArt，而ArtandDesign倒是用得很多，如芬兰赫尔辛基艺术与设计大学(UniversityofArtandDesign)，美国哥伦布艺术与设计学院(ColumbusCollegeofArtandDesign)等。如果照国外的说法应该是艺术与设计较为准确。由此看来国际上将艺术与设计并列而立，体现了两个学科领域既相互联系、又各不相同的特点。在这里，艺术涵盖了美术、建筑、戏曲、影视和音乐等等的大艺术范围，设计则包括了从手工艺到工业设计的所有设计范围。这样的名称涵盖较广，也比较合理。而且在英文中Art与Arts也有微妙的解释，西方院校名称中采用的大都是ArtandDesign，而不是ArtsandDesign，实际上在英文里Arts体现的是手工艺而不是艺术的多种类。当然，中国自有中国的国情，也不必一切都要以直接翻译过来为准。(参考：《关于艺术与设计的思考》，蔡军) 对目前我国对艺术设计的说法，主要有两种解释，一种是对艺术与设计的简称或模糊化思维，省略了其中的and，这种方式比较概括，但对于艺术和设计的关系表达不明确。一种则是在当前中国特定阶段，设计教育者们对设计的国情化解释。所谓国情化解释，是在人们还停留在工艺美术的概念上，对设计的定义缺乏全面理解的情况下，在设计前面加注艺术二字，使人们更容易接受这一概念。然而在艺术设计一词中，艺术只是定语，它本身成了对设计的装饰。同时艺术设计还是对过去装饰概念的最好演绎，比如过去的室内装饰系就改名为环境艺术设计系。从更深层看，这一概念反映了中国当代一批工艺美术界学者们对设计的认识。过去一些学者认为只有工艺美术，没有设计，所谓设计只不过是现代工艺美术。虽然这一观点随着时间的推移产生了变化，但认为工艺美术是艺术的一部分，要将其纳入设计范围还不如称其为设计艺术为好。 这只是从单独层面上划分，对直截了当的采用设计这一概念具有严重的妥协态度。忽略了设计艺术基因在艺术发展过程中的催化和促进作用。设计艺术与艺术设计，虽然常常被当作同义术语即使在一些正式的学术讨论中也常被交互使用，但要研究设计艺术，首先要追寻即成事实的真相，但在我国的文化含义中，设计艺术有相对的界限，那界限可以涵概精神的艺术和物化的艺术的领域。从文化发展的观点来看，设计艺术是艺术发展过程中一个从原料加工程序到成品之间的关系问题，也正是由于这种关系的规定性形成了一种特殊的、现实的存在方式，他同人的视觉思维、审美观点、生理需求一样，贯穿于艺术作品创造的始终。从古到今，从原始到成熟，在发展形式上，属于时间维的纵向状态，趋向于潜伏期。与设计艺术相区别，艺术设计更多属于现状的研究范畴。属于空间维的横向状态。趋向于爆发期。可以说当设计艺术处于空间维的横向发展机会中关注的越多，受重视的程度就越大，那么潜伏期也就相应的爆发，其实目前我们所处于的中西文化的碰撞，正是设计艺术的发展爆发期，也正是为什么会产生艺术与设计的争论的原因之一。

8. 艺术设计是什么专业

艺术设计专业是大学一门独立的艺术学科。

1、艺术设计是一门独立的艺术学科，它的研究内容和服务对象有别于传统的艺术门类。同时艺术设计也是一门综合性极强的学科，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素，其审美标准也随着这诸多因素的变化而改变。艺术设计，实际上是设计者自身综合素质（如表现能力、感知能力、想象能力）的体现。

2、艺术设计专业:包括平面设计专业、环境艺术设计专业、电脑艺术设计专业、装潢艺术设计专业、工业设计(艺术类)、动画专业 服装设计，展示设计等。

3、主干课程

设计素描、设计表达技法、平面构成与设计、色彩构成与设计、立体构成与设计、工业设计导论、工业设计史、模型制作、工程制图、工程力学、机械设计基础、机械制造基础;平面设计、产品形态设计、多媒体设计表达、技术美学；产品设计程序与方法、产品计划与价值分析、产品创新设计、计算机辅助产品设计、计算机辅助工业设计、产品设计原理等。

4、课程设置

主干学科:艺术学、历史学、哲学

主要课程:艺术设计概论、艺术设计美学、中国艺术设计史、外国艺术设计史、中国工艺美术史、外国工艺美术史、艺术考古学、艺术设计基础等

5、专业要求

艺术设计专科的基本要求：具有从事艺术设计相关工作的职业道德修养，掌握艺术设计的基本理论、基础知识和基本技能；具有一定的运用专业知识实际操作的能力。同时，根据高等教育自学考试的特点，强调实用性，强调考生实际能力的培训，注重考生对基本理论，基本知识和基本技能的掌握，培养考生运用所学知识分析问题、解决问题和实际操作的能力。

9. 如何理解艺术设计是知识创新体系的一部分

“知识创新”本身是为了满足人们日益增长的物质生活和精神生活的需求；
“艺术设计”的创新，主要是为了满足人们日常的审美需求；
“艺术设计”本身也是人类知识体系中的重要组成部分；
一件“创新产品”，没有“艺术设计”的参与，便不可谓“完美”；
书籍需要“装帧”；汽车需要“车型”；门面需要“装潢”；建筑需要“造型”；房子需要“装修”；理发需要“发型”；居家需要“家具（涉及）”；吃饭需要“餐具（设计）”——人们的生活，哪一样也离不开“艺术设计”。因此，“知识创新体系”亦然！

10. 美术专业认识和理解

从我个人的经历,看一看往年的天津的一些高校的优秀考绻，他们的风格应不是央美国美的，应该是像现在的王磊，古枫等画家的风格，我这不是说只会像我说前面的大师的风格才去考天津的大学美院，而是说你用前面的大师的风可能会用易得高分，这不否定国美风格的就不去考天津的大学美格院，只要一画的好就不怕不过线。