静物艺术家是如何表现形式的

㈠ 在静物素描中怎样画才显的写实

素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，铅笔，色粉笔，乌墨褐，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。 轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感，观者从欣赏过程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。 素描是一种正式的艺术创作，可以用单色线条（也可以用两种或两种以上的颜色）或涂抹成面等方式来表现直观世界中的事物，亦可以表达 思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。(大不列颠网络全书) 在西洋美术辞典(雄狮图书公司出版)这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图或其中之一。一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备。 素描是一种用线与面的表现方式来表达的.每一个物体在光照下都有亮灰暗三部分.从最深到最亮依次是:明暗交界线,暗部,反光,灰部,亮部.在作画时,亮部要尽量避免脏,暗部要尽量避免闷(即由于线条太多而没有空隙与反光)。 素描是其他艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻(浮雕)， 另外对平面设计，也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间 的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。 素描的定义(摘自康和教师手册) 法文Dessin--英文Drawing--中文称为“素描”。素描是描绘者在既定的面积或在平面的物质(纸、布……)上--描绘出外在的形体在空间中的位置--并借此训练来掌握物体的明暗层次和基本形象。

首先要明确素描静物的作画步骤1、确立构图：确立构图的安排，使画面上物体主次得当，构图均衡而又有变化，避免散、乱、空、塞等弊病。画出大的形体结构，用长线条画出物体的形体结构(物体看不见部分也要轻轻画出），要求物体的形状、比例、结构关系准确。
2、画出各个明暗层次(高光、亮部、中间色、暗部，投影以及明暗交接线)的形状位置。
3、基本色调要准确到位，这里的色调包括光影和物体的固有色。要注意物体质感和量感的表现，质感就是物体材料的属性。比如它是什么材料做的是金属的，玻璃的，还是陶瓷的等等。量感就是物体在视觉上产生的重量，而不是物体本身的重量（中心主体物不一定是很重很暗的物体）。
4、深入刻画时难免忽视整体及局部间相互关系。这时要全面予以调整(主要指形体结构还包括色调、质感、空间、主次等等)，做到有所取舍、突出主体 ，最后再深入调整完成。
其次就是多练多看好的作品了

㈡ 什么是静物画，静物画的含义

我们在学习绘画的过程当中，静物画是我们的必须课，从艺考的培训到大学绘画专业的训练都把静物画当作重点来看待，那么静物画的具体含义是什么呢？下面就来解释一下静物画的含义。

我们不应该将静物画看成仅仅是初学者入门时画的画，从而有所忽视。静物作为一个画种，在人们审美的心目中已占有相当的位置，许多画家如斯奈德斯、赫达、夏尔丹、塞上、塞尚、梵高等耗费了一生中多数乃至全部精力，在这个领域上进行研究，而且为人类留下了为数不少的极其宝贵的艺术珍品。

㈢ 在绘画艺术中，艺术家是怎样表现画面的虚幻与真实的

任何艺术作品都是用来塑造灵魂的。都是从现实生活升华到现实艺术，从古代生活升华到古代艺术，没有多少人能真正欣赏古希腊的裸体之美。这些有决心的人，真的是脱离了艺术境界，超越了庸俗的欲望。超越了艺术领域更大的生活范围。走进返璞归真、善德归真的境界。这应该是艺术作品的召唤力，是心灵对理性感知的升华。包含更多创作空间的虚幻和真实的天赋节省。它融入了一个更大、更敏感的人类智慧和知识领域。

霍独特的幻影空间在精神表达上的转换是清晰的，就像我们可以很快识别出歌声来自谁，以及声音所传达的各种信息，转换更多的感性因素等等。，这里的性质就会发生根本的转变。因为纯视觉空间的营造会引起类似的视觉转化，所以无论是物理再现还是场景再现，都是以一种富有表情的姿态和意味深长的形式展现出来。基础错觉代表了艺术家的一种特殊体验，会融入更多的主观因素，具有独特性。每个基本错觉都会成为不同的艺术门类，所以也是艺术分类的主要依据。

㈣ 塞尚静物在表现方法上作品属于那类绘画运用哪种语言

塞尚是崇高的艺术家，更是艺术界的变革者。他用艺术解放思想，让画家不再做自然模仿的奴隶。作为“现代绘画之父”，他是一个很少为人所理解的孤独者。他终生用颜料来诠释他的艺术本质和观念。他的绘画一直影响了西方近百年来的现代美术，他更是少有的、几乎影响了每个怀有绘画梦想之人的艺术家。
追求表现结构，色彩造型，塞尚最鲜明的艺术特色体现在他19世纪80年代和90年代的作品中，他对对象采用了变形和几何化的方法

㈤ 油画静物创作主要以什么形式表现

形式要根据内容和你想表达的主旨来。

推荐你可以看一些画然后体会一下。
比如塞尚的静物
国内的画家 郭正善的静物
都很有特色。

画家画什么东西，风格的取向都跟自己的体验和偏好息息相关的。不存在特意娇柔的形式，形式只是表达自我意愿的载体。

㈥ 静物色彩的构图原理

现今高考美术技法课训练大都以应试技法为主，忽视了对学生综合能力的培养。笔者在进行高中美术特色班教学中碰到不少问题，尤其是学生对构图这一过程的理解，好多还处于盲目状态。在本文中笔者就浅谈一下教学过程中碰到的构图问题。 [关键词]构图的认识、概念、目的、重要性、第一印象、原则、方法、要点、样式、训练、综合能力。 [正文]在平时的教学和模拟考中，我发现一个非常多见的现象，好多学生在开始画一张作业时，面对对象根本就不多加考虑，随随便便就开始了，结果经常画到中途才发现构图不好而大面积修改浪费时间，更有甚者半途而费，这样的学生大部分是中等基础和比较差的学生，而基础好的学生也会偶尔发生，一旦发现甚至没办法挽回。我们知道平时养成的习惯，在考场中也会因习惯而发生意外，且每年考生的试卷中由于构图问题而得不到评卷老师的"青睐"而普遍存在，尤其对于基础中等和比较差的学生要想取得比较满意的成绩，此问题就显得尤为重要了。 造成这种现象的原因是学生对构图的认识不够、对构图的含义、目的意义、和重要性不够认识和理解。同时我还发现平时学生在学习过程中普遍存在着一个对绘画概念不完整的认识，即一提到素描、思想意识里便全是局部刻画、体积感、空间感、质感、等技法之类，而提到色彩则是漂亮颜色、体积塑造、笔法笔触等等。可见学生之中普遍存在着重技法而轻基础（构图、比例、结构、明暗、透视）多感性而少理性知识！而美术高考大纲里无论对素描、色彩应试都明确要求构图要完整舒适饱满，轻重得当，主体突出，同时这也是试卷完整性的一个首要因素。 构图的概念：在《辞海》中，谈到"构图"为艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，在一定的空间，安排和处理人、物的关系和位置，把个别或局部的形象组成艺术的整体。在中国传统绘画中称为"章法"或"布局"。这个术语中包含着一个基本而概括的意义，那就是把构成整体的那些部分统一起来，在有限的空间或平面上对作者所表现的形象进行组织，形成画面的特定结构，借以实现作者者的表现意图。概括地说，所谓构图，也就是艺术家利用视觉要素在画面上按着空间把它们组织起来的构成，是在形式美方面诉诸于视觉的点、线、形态、用光、明暗、色彩的配合。 构图的目的：构图的目的是把构思中典型化了的人或物加以强调、突出，从而舍弃那些一般的、表面的、繁琐的、次要的东西，并恰当地安排陪体，选择环境，使作品比现实生活更高、更强烈、更完善、更集中、更典型、更理想，以增强艺术效果。在我们平时训练和考试当中所面对的石膏像及人物、静物组合时主要任务是根据视角安排位置和比例的关系以及适当的灵活变动用运。 构图的重要性：中国传统绘画中又有 "展纸作画章法第一" 因此构图称为画面总要，所谓总要就是纲要、概要的意思，画面构图象写文章一样，做到有章有法，有次有主，相互呼应，虚实对比，藏露隐现，简繁适中，疏密无间等的构图规律，服从于主题表现的要求，同时又要取得整体形式感的完美和谐的统一，可见构图对于画面的重要性。 高考美术试卷的评定与一般美术教学作业评分过程不太一样。高考试卷数量多、水平悬殊；工作量大、时间紧、评委劳累。每张试卷在评委面前只能停留几秒钟，不可能放在远处反复斟酌。评分多采用划分分数段形式。所以，试卷大效果（第一印象）对于成绩的高低往往起着很大的作用。而第一印象则是大效果、自然 包括构图，不了解这一点，很难取得优异成绩。 考生要在四开铅画纸上用三个小时完成一个写生或默写，并非易事。从历年高考美术专业招生考试的卷面情况看，除部分优秀者外，一般都存在这样或那样的问题。其中构图问题则是首要问题和普遍问题。画面构图不当，或画得过大，甚至把对象某些部分挤出了画面；或画得过小，空白过多，主体不突出；或画得过偏，左右失去平衡；或画得过高，顶天不着地；或画得过低，沉地不着天。这些毛病都会损害画面效果和成绩的提高。 下面就简单谈谈高考美术的构图原则和方法、以及在实际教学过程中怎样进行合理有效的构图训练。 构图的两个原则 （1）"完整"要求画面饱满、舒适，形象完整、主题突出。一些考生往往容易把物体对象画的太大或太小；过于集中或过于松散。都不能给人以美感，失去了构图的意义。 （2）"变化统一"变化统一是构图的手段。构图的美学原则主要是既要有对比和变化，又要能和谐统一，最忌呆板、平均、完全对称及无对比关系的画面，因为这将令人感到非常乏味和沉闷。画面如果有聚散疏密和主次对比，有内在的接合及非等量的面积和形状的左右平衡，就会产生生动、多变、和谐统一的画面效果。懂得这一规则，会使我们的构图千变万化，并展现其特有的魅力。 构图原则是对画面内容和形式整体的考虑和安排。同时在构图中还要注意三个要点 （1）画面主体图形的位置。主要部分置于画面中心，将对象整体与边框距离处理得当。同学们要注意，"画面中心"并不是画面的等分中心，它是以人的视觉方式确定的。这一中心，是以黄金分割定律原理确定的位置，即以1∶0.618的比例分割画面，得出画面中的四个相交位置，这四个位置即是接近画面中心的"构图中心点"。我们可以将写生对象的主要部分，置于其中任何一点，即可得到满意的构图形式（见下图）。 （2）非主体图形的位置以及与主体图形的关系。画面的主体中心确定之后，就要考虑次要物体及陪衬物体的定位。主体物可以是一件较大的物体，也可以是几个组合物；次要物体一般在面积上应小于主体物；而陪衬和点缀物的单体面积则应更小一些；衬布的选择与安排应考虑画面的色调联系；画面物体的组织与安排，有了主次、大小变化就能使我们较容易地制造丰富的对比和变化。 （3）画面底形的位置以及与图形的关系。 在三个要点中，第一要点是构图的决定因素，它在画面中的位置决定了画面的样式。 一般来讲人物头像类构图的应用相对简单，而静物、风景类构图的应用则相对复杂一些。考生需要对此进行专题学习和训练，认真掌握好它的操作步骤和方法，以及其表现原则和样式类型。 在平时的训练中老师一方面可以通过对优秀作品构图形式解度和欣赏来让学生理解，另一方面就是通过作业的形式有意识、有针对性让学生进行学习训练，以达到从思想意识和理论认识两方面加深重视程度和理解认识、如何在画面中取景、以何种视角来确立画面；同时还可以让学生自己摆静物、训练组织物体的能力。因为在日常的静物写生训练中，大量的时间是需要考生独立完成写生练习的，所以对静物写生的构图安排，不仅体现在画面中，而且还直接反映在对写生对象的摆设和组织上。特别需要指出的是考生应培养自己的应变组织能力，因为如果是在写生考试中，经常出现的是已确定的内容，而考生的考位是随机和偶然的，这就要求考生能在面对对象的任何角度熟练、合理地组织画面的构图，使它符合构图原则， 构图的样式分为两大类：对称式构图和均衡式构图。 对称式构图：主形置于面面中心，非主形置于主形两边，起平衡作用，底形被均匀分割。对称式构图一般表达静态内容。对称构图的变化样式有：金字塔式构图、平衡式构图、放射式构图等； 均衡式构图：主形置于一边，非主形置于另一边，起平衡作用，底形分割不均匀。均衡式构图一般表达动态内容。其构图的样式有：对角线构图、弧线构图、渐变式构图、S形构图、L形构图等同学可以下面自己找相关资料进行进一步了解，这里就不一一赘述了。 美术高考是测试考生的综合绘画能力，而不是单方面的技法测试，学生再平时的学习过程中，不光光要重视技法训练，更要重视基础性的训练，只有扎实掌握了全面知识与技能，才能在考试中立于不败之地。

㈦ 什么是静物摄影，静物摄影有什么窍门

如果窗外的天气使得无法在户外进行拍摄，那么无需外出就可以创作出漂亮的照片作品。今天我们将在下文提示中讲述如何学习如何拍摄静物照。

从哪里开始

最好的作品灵感始终是好作品的基础。我们复制了文艺复兴时期的图画静物，我们在相机的帮助下实现了它。在这样的工作中，从正确的灯光设置到框架中物体的放置，一切都很有用。问问自己为什么艺术家以这种方式安排物体，分析照明和其他因素，随着时间的推移，你自己将能够在框架中胜任静物。

㈧ 印象派画家塞尚的静物作品为何会成为他标志性的艺术形式

主要他有个观点，就是把所有物体都看成不同的几何体，尤其是静物更加形象直观的体现这一点

㈨ 塞尚的作品《有洋葱的静物》运用的构图原理是什么

塞尚是那样一心一意地献身于风景、肖像和静物各个主题，世界上的艺术家很少有人能比得上他对艺术史的贡献。为了理解这个事实，就有必要弄懂他的主题所包含的共同问题。他参予了所有主题的再创造，或景色、物体和人物的再现。 塞尚的画具有鲜明的特色。他强调绘画的纯粹性，重视绘画的形式构成。通过绘画，他要在自然表象之下发掘某种简单的形式，同时将眼见的散乱视象构成秩序化的图象。为此，他进行了一系列艺术探索。首先，他强调画中物象的明晰性与坚实感。他认为，倘若画中物象模糊不清，那么便无法寻求画面的构成意味。因此，他反对印象主义那种忽视素描、把物象弄得朦胧不清的绘画语言。他立志要“将印象主义变得象博物馆中的艺术那样坚固而恒久”。于是，他极力追求一种能塑造出鲜明、结实的形体的绘画语言。他作画常以黑色的线勾画物体的轮廊，甚至要将空气、河水、云雾等，都勾画出轮廓来。在他的画中，无论是近景还是远景的物象，在清晰度上都被拉到同一个平面上来。这样处理，既与传统表现手法拉开距离，又为画面构成留下表现的余地。其次，他在创作中排除繁琐的细节描绘，而着力于对物象的简化、概括的处理。他曾说： “要用圆柱体、圆锥体和球体来表现自然。”他的作品中，景物描绘都很简约，而且富于几何意味。有人认为，这是由于他不擅长于精细描绘而采 塞尚作品
取的做法。然而，即使这种说法是事实，也说明他具有扬长避短的本领，从而在形式构成方面发挥出创造才能。其三，为了画面形式结构，他不惜牺牲客观的真实。他最早摆脱了千百年来西方艺术传统的再现法则对画家的限制。在塞尚画中，经常出现对客观造型的有意歪曲，如透视不准、人物变形等。他无意于再现自然。而他对自然物象的描绘，根本上是为了创造一种形与色构成的韵律。他曾说：“画家作画，至于它是一只苹果还是一张脸孔，对于画家那是一种凭借，为的是一场线与色的演出，别无其他的。” 塞尚重视绘画的形式美，强调画面视觉要素的构成秩序。这种追求其实在西方古典艺术传统中早已出现。而塞尚始终对古典艺术抱着崇敬之情。他最崇拜法国古典主义画家普桑。他曾说：“我的目标是以自然为对象，画出普桑式的作品。”他力图使自己的画，达到普桑作品中那种绝妙的均衡和完美。他向着这方面，进行异常执着的追求，以致于对传统的再现法则不以为然。他走向极端，脱离了西方艺术的传统。正是如此，他被人们尊奉为“现代绘画之父”