解开艺术家思维的密码是什么

‘壹’ 艺术思维的特征有哪些

艺术设计审美是一种积极主动的价值取向活动或者说价值实现活动，是对美的事物和现象的观察、感知、联系、想象，乃至理解、判断等一系列思维活动，其内涵是领会事物或艺术品的美。艺术审美需要具备一定的审美能力，艺术通感又是审美能力中非常重要的一个环节。艺术通感在艺术的创作和欣赏过程中，好比"桥梁"一样，使艺术之间相互沟通，相互转化。使人的视觉、听觉、嗅觉、触觉等多种感觉互相沟通，互相转化，也使艺术之间互相影响、互相交流、互相启发。它对各种艺术的触类旁通，甚至融会贯通起着桥梁的重要作用。
认识艺术通感
艺术最大的特点是具有互通有无的特点，艺术审美的实质就是把握艺术通感。从审美统觉的角度来说，艺术通感就是一种在艺术活动中以审美统觉为其基本心理机能，以感情为其心理动力，表现创造主体人格、心境、意绪的一种统觉性、整体性、创造性的审美力。所以，艺术通感应当是一种艺术创造的能力。对于一个艺术家而言，艺术通感的能力越强就越能敏感地把握形象的特征，领悟感觉之间的艺术通感点，从而作艺术真实的描绘，创造无限的艺术想象空间；对于艺术接受者而言，其艺术通感能力越强，就越能在接受过程中与作者达到心灵的沟通，领会作者创造的意义，从而建构自己的艺术人格。所以，艺术通感能力的提高是审美能力提高的一个重要标志和体现。
艺术通感又称通觉、联觉、移觉或连带感觉，是指在各种艺术符号的流动中，从感知、表象到意象的各种感觉挪移、转化、渗透、互通审美体验的心理过程。它是不同感觉的相通与挪借，是社会生活实践经验积累的结果；运用通感，可突破人的思维定势，深化艺术思维，可化无形为有形，化抽象为具体，创造生动感人的艺术形象及艺术境界：通感有"感觉直觉联想"和"情感态度联想"的方式。在艺术审美中艺术通感是使艺术符号流动起来，并产生高层次审美体验的关键之一。
人对世界的感觉要靠眼、耳、鼻、舌、身五种感官，由此形成了视、听、嗅、味、触五种感觉。从"通感"的角度讲这五种感觉是相互贯通、相互渗透、相互联系的。"通感"在审美教育中有着极高的价值。它要求人们，不仅观其形，更要见其神， 即从外在的形象中看到内在精神，从情感起伏中体会到它的深刻含义。因此，我认为单一感官的发展不能形成真正的艺术能力，在审美培养中应充分调动多种感觉，即用"通感"丰富心灵的审美体验，用艺术通感在各种艺术间建立审美沟通的桥梁。艺术通感不仅仅发生在感觉层，它是更高级的心理活动。其间要注意"统觉"对人的意识所进行的统一整合方面的独到作用。统觉将分散的感觉刺激调动到一个整体集合内，各类不同刺激在整体作用下产生了关联。统觉的综合作用是依据关联和联想，由统觉的综合作用而产生集合观念，并引起两种统觉分析：一种叫想象，一种叫悟性。统觉中正是有了关联和联想才产生了集合观念--整体性认识。
艺术的审美特征
在文艺学中，根据各种艺术形式塑造形象的媒介手段和方式的不同，分别把它们叫做造型艺术、表演艺术、语言艺术、综合艺术。文学是语言艺术。在艺术审美中，艺术审美特征是通感审美的基础，艺术家和鉴赏者必须在各种艺术审美特征中找到一个切入点，并在相互间建立联系，才能使通感审美在各种艺术间自然流动。因此利用艺术通感进行审美，必须对各种艺术的审美特征有所了解。下面便对各类艺术的审美特征做简要分析：
一、造型艺术的审美特征。造型艺术是指使用一定的物质材料（如颜料、绢、布、纸张。石、金属、木、竹等），通过塑造可视的静态形象来表现社会生活和艺术家情感的艺术形式。它包括绘画、雕塑、摄影、建筑、工艺美术等具体的艺术形式。其主要审美特征是直观具象性；瞬间永恒性；空间表现的差异性；凝聚的形式美。
（一）直观具象性，是指造型艺术具有运用物质媒介在空间展示具体艺术形象的特性。造型艺术运用物质媒介创造出的具体的艺术形象，直接诉诸人们的视觉感官。这种直接具体的形象蕴含着丰富的艺术意蕴，把具体可视或可触的形象直接呈现在观众面前，引起观众直观的美感。造型艺术也可以把现实生活中某些难以显现的无形事物，转化为可以直观的具体视觉形象。
（二）瞬间永恒性，是指造型艺术具有选取特定瞬间以表现永恒意义的特性。造型艺术是静态艺术，难以再现事物的运动发展过程，但它却可以捕捉、选择、提炼、固定事物发展过程中最具表现力和富于意蕴的瞬间， "寓动于静"，以"瞬间"表现"永恒"。比如摄影艺术，摄影画面瞬间的表达，往往抓住即将抵达高潮之前的瞬间，给人的想象留下无穷延伸空间。
（三）空间表现的差异性，是指造型艺术各门类内部在空间表现上具有彼此不同特性。如中西绘画运用不同的透视方法在二维平面上营造虚幻的三维立体空间，在西方油画中是用"焦点透视"，中国画则运用"散点透视"。
（四）凝聚的形式美，是指造型艺术具有在艺术形象中凝结和聚合形式美的特性。形式美法则对于造型艺术各门类都具普遍性，因而运用形式美法则对物质媒介进行加工，便可以整合出凝聚着形式美的艺术符号。形式美多种多样的法则（如对称、均衡、节奏、韵律、对比、比例、主从、尺度、明暗、虚实、多样统一等）在各门类艺术的具体运用中，又凝聚成美的千姿百态。比如比例的匀称、变化的节奏韵律、明暗对比、多样统一、虚实相生等，都是形式美法则在各种门类艺术中的集中呈现。
艺术分类并非绝对的、无条件的，相反，各门类艺术之间的界限具有非绝对性和有条件性，它们之间在审美感受、表现手段、相互汇通等方面既存在区别，又有联系，相互转化，共同发展。它们的审美特征也有很多共通之处。实现艺术通感的审美体验，必须紧紧把握各种艺术之间的相同与不同之处，并通过感觉之间的相通与挪借，使这些审美特征在各种艺术间的审美感受中相互沟通

‘贰’ 艺术家创造力的核心是什么

创造性思维是艺术家创造力的核心。创造性思维是指有创见的思维。从广义上讲，凡是没有有效的方法可供直接利用，不存在确定的规则可以遵循的思维都属于创造性思维。它除具有思维的一般属性外，还具有求异性、发散性、普通性、逆向性、独立性、批判性等特点。

‘叁’ 赖声川的创意学丨艺术家的创意是这样来的

一人，一生，一艺术。

真正的大艺术，就是我们的人生。

在《赖声川的创意学》中，赖声川引用了吉美钦哲仁波切的一段话：“最伟大的创意就是在改造自己。大部分艺术家都只是在搅起或倒出一些习惯性的东西，并无新意。真正的创意在于自我的转化。”

如果在日常生活中，我们带着觉知和智慧去生活，那么多少年后，当我们回顾自己的人生，就会像是在欣赏一件动人心魄的艺术作品。

赖声川，台湾非常有名的导演。代表作话剧《暗恋桃花源》、《如梦之梦》，前者自1986公演以来常演不衰。他从事舞台剧、电影三十余年，爱好广泛，学识庞杂，对音乐、佛学、建筑都有研究。他将自己的创作经验和感悟加以总结，写就了《赖声川的创意学》。

关于艺术家有两个神话：一个是甘于清贫，在艰苦的环境下如何坚持创作，其实太穷的人心灵是紧张枯竭的；二是文思如泉涌，实际上创作过程瓶颈不断。

这种神话把艺术创作者归类于一种敏锐的天才，创意来源于有如神助的灵感。然而，赖声川认为： “创意是可以练习的，灵感可以被有意培养。”

创意是一场人生的修行。

如何在生活中让自己更有创意？借助艺术家的思维方式。艺术没有标准答案，蕴含着无穷尽的可能性。 有艺术思维的人，在生命中有更多可能性。

用现实解决现实问题，是没有办法跳脱生活方式的。而 不按现实状况解决问题，在极少的可能性中创造可能性时，这就是在用艺术家的思维方式。

跟艺术相关的学习，必须是在艺术以外的场域发生。

作者说：心中没有创意，生活和生命也没有创意。

①创意来自基本的生活需求。比如，远古人类思考如何通过制造工具让族群过得更安全方便、舒适，那就是创意在闪烁；如何寻找方法管理每天的琐事，如何更有效的去解决日常生活中不断出现的难题，这都是创意。

②创意还来自于更深的需求和好奇，也不断解决生而为人内心深处、精神深处好奇的出口。比如，我们为什么在这里？我们即将去到哪里？

作者说： 人类的创意作品涵盖了我们所有的希望，所有的恐惧，所有的需求，所有的欲望，所有的思维、情感和疑惑。

当我们内心还有这些情绪起伏时，请为它去欢庆，因为创意会随之出现。

周星驰说： 如果有一个没有了梦想，跟咸鱼还有什么区别呢？

我们如何成为一个有梦想有创意的人，如何把自己的一生活成一件艺术品呢？

赖声川认为， 要有一个灵感的仓库。 不断储备更多的素材、灵感，需要时运用它们，重新组合搭配，成为解题方式。

爱因斯坦有句名言： 直接领悟的心，是上天给予我们的神圣的礼物，理性思考是它的忠诚仆人，我们的社会居然把这一切荣耀归于仆人，却忘了礼物的存在。

内心是最重要的宝藏。 心的力量可以创造出无限的力量。

电影《夺冠》中，80年代的中国女排训练环境艰苦，美国的教练已经将计算机技术应用到训练中了，而中国的女排姑娘们还在简陋的竹棚馆中训练。陈中和说：“那时候我们什么都没有，但是我们心里什么都有。”正是有冲出亚洲的这股劲，让他们排除万难，站上了巅峰台。

无心无力，有心就会有力。当你迷茫、无力时，就去看一下自己的内心，它会唤起你很多的力量。夺冠，是因为战胜了心魔，释放内心的力量。心的力量，可以创造无限荣耀。只要有心，就会有力量。

宫崎骏说，他在奇幻电影中的人物灵感，都来自于生活中。

当灵感发生的一刹那，之前所看到、听到、感知到的素材，都重新串联了起来，灵感经验来自于看似无用的东西串联在一起。

个人创意的仓库，就是生活档案库。 所以我们要创造更多条件，多看、多听、多闻、多触摸、多体验。可以把这种方式传递给孩子，让孩子拥有更多的解决问题的素材，见识广的人更有可能解决大麻烦，可以更好的解决生命中问题。

创意的一个重要点是：百无禁忌，天马行空，不要阻碍自己。

李欣频老师说过： 创意是一种概念，一种个性，一种实验。创意生活是一个实验室，每一次换不同版本的剧情，你会发现截然不同的创意体验。 拥有多种思维方式，我们可以随心所欲地整合，创造想要的生活。

艺术家有魅力的地方是，把生命中的智慧结晶成了眼前的艺术作品。

书中提到，钢琴家傅聪在看了钢琴大会中的表演后说，现在年轻的乐手手指头太厉害了，可问题是音乐在哪里呢？他们没有洞察音乐真正的智能，没有真正感动听众。 好的音乐，有大的智慧在内。

作者说： 当思考怎么活的时候，就是一个人培养自身智慧的开始。我们被困在一种奇特两难的困境中，没有人教我们怎么活，也没有人认为谁该或谁能教谁怎么活。怎么活是培养智慧的开始，没有这个就不用提培养创意。

所以请问一下你自己要怎么活？你的活法是什么？怎么表达独一无二的自己？

电影《夺冠》中，郎平在训练女排姑娘们时，这样告诉她们：“姑娘们，我希望你们能够好好地享受体育本身，开心地去打球，过去的包袱由我们这一代的人来背。”80年代中国女排的使命是通过吃苦，完成集体力量的崛起；2000年后中国女排姑娘们的使命是淋漓尽致地活出自己，享受作为人的生命的本质。

作者说：内在经过金字塔底端上升、吸收、提炼，从金字塔顶端吐出创意的作品。 每个人内心深处有源泉，链接着全人类的文化智慧结晶。每个人都有不可思议的创作的能量，包含了个人才华等待被开发被发掘，同时个人源泉直通人类共通的源泉，在人类 共通 的源泉中隐含着人类一切的创意。

生命中的智慧是：要知道生命中什么能做，什么不能做。能做的坚持下去，把它打磨成艺术品。

作者在书中说：知识是信息的累积，智能是知识的妥善运用。进一步说， 智慧是觉知的能力，能让我们洞察人事物的真面目以及其中所有的关系。 当你在觉知的时候，智慧会升起。创意的智慧必须在生活中累积。

为什么有的人把创意运用自如，有的人却没有创意表达？作者提到了一个词：“屏障”。

有的人屏障稀薄，才华容易喷泉而出；有的人屏障厚，没法喷出才华。

屏障稀薄的人被视为有才华有创意的人，更容易让涉密的源泉随时泛滥出来，形成潜意识和意识之间的顺畅流通，这样的人内心空间大，想象力丰富，当然胡思乱想的能力也会更大。对于这样的人来说， 没有太多禁忌、限制、界定，思考不需要在特定范围内进行，甚至生活也不需要在规定范围内约束下进行，他的整个人是开的，开向那神秘的源泉。神秘的源泉是我们的内在财富，在神秘的源泉之内，一切都有可能，一切都可肆意生成、自由组合，想得到的，想不到的，都在这里面。 但是大部分人却建立了厚实的屏障，封闭了创意源泉，这也是过度重视理性的现代工商时代的必然现象。

真正的艺术是一场修行。所以，破除屏障，随心所欲做自己，百无禁忌做自己，勇敢做白日梦吧。

艺术是上帝和艺术家之间的合作，合作中，艺术家做的越少越好。 创意中，艺术家只要连通自己的心，创意自然而来，作品自然形成。 个人才华指数跟他与内在的链接指数、屏障指数相关。 达芬奇除了画家，还是解剖学家、发明家、科学家、军事家、建筑师等，他内心没有界限，没有屏障，没有业力，和他的心毫无阻碍在一起，从而在各个领域获得很大成功。

人生和艺术相通。去掉内在束缚和自我攻击，去掉屏障，去掉我执，我们可以无限接近原本自我。

书中说： 即兴演出的真谛是在于演奏到忘我的境界，好的即兴演奏绝对不能按计划进行，必须是要赤裸裸的，在忘我的境界中，艺术家所表现出更深刻、更真实、更赤裸的自己，这个关键时候心灵贫乏的乐手不仅是技穷，更是心穷。

《乐队的夏天》中，五条人就是经典的即兴演出，第一场比赛时，等到幕布拉起时，灵感来了，他们临时决定演奏哪一首，所以出现了史上第一次临时换歌的状况。但是这样的五条人却被大家爱得死去活来。他们的人和音乐是融合在一起的，因为人是鲜活的，他们的鲜活跟音乐是融合在一起的。

即兴的背后是和生命在合作。 让我们在生活空间中多点即兴吧。听从内心，有时想要去吃什么就去吃吧，想要买什么就买吧，想要去到哪里就去吧，想见某个人就去见吧。愿你更多的和鲜活东西在一起。但是，很多人生活中有足够的理性，理性到没有即兴和任性空间的存在。

作者说：中国的书法也一样， 书法家写草书的时候，真正进入忘我的境界，就难以抵挡心灵的绽放。绽放了什么呢？会看的人全都看得到。

电影《夺冠》中，郎平说：“明天的比赛，你们应该打出你们自己的排球，你们应该振作起来，放心去打，放开去打，豁出去打，我会和你们在一起。”一旦畏手畏脚，说明内在的小我还在，因为害怕才会畏手畏脚，但是豁出去放手一搏，忘掉失败会带来的伤害，你的内心会绽放。运动员在赛场上如何进入忘我的境界，全部绽放时的英姿勃发的状态，奋力拼搏时的运动精髓，会看的人全部看得到。

心的内容就是艺术的内容，观看的人所看到的事实就是创意人的心，而智慧是人心直接的体现，放掉自己，心灵完全绽放的人，欣赏者看到的是满满的智慧。 创意人在生活中下了多少工夫，会直接反应在成品中，这是无法避免的。内心有多少料，画布中、音符中、表演中最多也只能出现那么多料，临场需要智慧，多少钱也买不到。 最大的艺术是人生。

和即兴艺术家的奔放、忘我相比，一般人的工作生活反而会成为一种格式。

格式化是创意的最大敌人。 上班族的世界，朝九晚五成为很多人向往的模式，却不知道不知不觉掉入固定的格式，人生被分割为工作与休闲、上班与度假。所有格式建立似乎在加强某种安全感，这一切不利于创意，也未必有利于智能的学习。 创意是一种跨越界限的能力，智慧是看到更多可能性的能力。 如果我们活在既定的模式中，这两种能力都会受限，智慧没有空间展开，创意没有机会施展。

所以，亲爱的伙伴们，释放一点内在野性，打破规律化的生活吧。因为艺术让人活得更像一个人。生活中需要有些艺术家的思维方式，帮助我们去破除业力，去除屏障，走出鬼打墙的模式。

艺术家的思维方式可以去除固有的经验、固有的习性、旧有的动机，就像去除佛法中的“贪嗔痴”。如何让自己在生命中有更多鲜活东西，从这三个方面攻克，不要重复累积同一种经验。

尼采说： 你的灵魂中必须充满混乱，才能生的出一颗舞动的心。

杂乱是艺术家的朋友。 井井有序，意味着你把一切都归整得很好。同时，需要知道的是：所有的经验都是旧有的东西时，你会规整的很好。如果内在有很多的秩序感，我们应该输入新的、未知的、让我们恐惧的东西。那些从小到大都不变的习惯，可能就是让我们变得毫无创意的主要因素。习惯也是有毒性的，一旦习惯，就不愿接纳新的可能性。 习惯会影响我们一切的作为，习惯让我们快速跳到结论。 生活中是如此，创意中也是如此。

不要由着惯性，自动驾驶。希望我们可以把365天过成365天，而不是每天过重复的版本。学会去接受不喜欢的东西，接触了解陌生、不习惯的、不熟悉东西。

如何去掉业障、屏障？我们要去觉察做事的动机。

人为什么创作，真正回答这个问题的人，才能真正走向创意之路。

我们可以经常问自己，为什么做这件事？真正的目的是什么？找到这个动机，这个动机可以让你看到内在的真实需求，从而放弃正在做的事情，去做真正想做的事情。

电影《夺冠》中，郎平发给女排姑娘的问卷上有这样一道题：你热爱排球吗？想要找出打排球的真正动力，就必须明白排球对于自己的意义究竟是什么。有人说是很荣耀，有人是为了爸妈，有人不知道为什么，有人在这个过程看到自己真正的需要是上大学，所以退出了国家队。

“你为什么打排球？”郎平这样问朱婷。朱婷说，她出身农民家庭，做运动员是养家的需要。但郎平不这么想，“如果是这个原因的话，你永远打不好排球。”朱婷后来说，“我打球是为了成为你。这样行了吧。”郎平说，如果是这个原因，你依然打不好。

当一个人认清自己的动机后，才能真正去做到这件事。

“中巴大战”前夜，朱婷接到了郎平的短信：“朱婷，你是我见过最棒的球员，包括老外。我为你骄傲， 你不用成为我，你只要成为你自己 。”朱婷肩上的压力，郎平都懂。看过短信的朱婷痛哭了一场，也在泪水中卸下了包袱。

所以，我们在做每件事时需要思考，这是我想要做的吗？这是我想要活成的样子吗？这是我想要的品质吗？这些问题会帮助我们修正自己的内心距离，与心链接在一起，当回答这些问题时，智慧涌现时，就会有更多的创意，创造更多的可能性。

但愿本书能成为你打开潜在创意、改造自己的一把钥匙。

愿每个人都能活成自己生命的艺术品。

‘肆’ 艺术思维中的形象思维和抽象思维是遵循什么来相互转化

艺术家传达具体现象描述事物的的前期是形象思维阶段，通过观察、体验把握事物，进入创作阶段本质上是对直接存在的具体展示与描绘，既有抽象思维同时也有形象思维，通过抽象思维将现实或想象进行艺术的再现化（艺术创造）。形象思维就是寓于形象的思维 ，即用形象来思 考 。抽象思维是运用概念 、判断 、推理等思维式对客观现实进行间接 、概括的反映的过程 ，是属于理性认识阶段 。艺术思维中的形象思维和抽象思维是遵循什么来相互转化的呢？我认为：它们之间相互转化唯一遵循的是自然规律。艺术家在观察和体验生活的过程，是一个了解和认识的过程，自觉或不自觉的都必须遵循自然规律，不管是形象派还是抽象派创作其表现形式是形象的，但艺术的形象表现中都意蕴着客观自然的规律。

‘伍’ 画家，作曲家等艺术家的形象思维能力和抽象思维能力，

画家和艺术家形象思维能力会比较强
形象思维是借助于形象塑造去揭示真理，因而作家，艺术家的思维活动，除了遵循认识的一般规律之外，还始终离不开具体可感的物象形态，并且要饱含着感情、发挥着想象，把思想、感情、想象和物象形态有机地揉合在一起来进行艺术思维。“满纸荒唐言，一把辛酸泪!都云作者痴，谁解其中味?”曹雪芹就是掌握了这种思维方法才写出了感人至深的《红楼梦》。形象思维还受作者世界观的指导和支配，也受制于作者对生活的理解熟悉程度，还决定于作者的艺术素养和对艺术技巧的掌握。
作曲家抽象思维能力会强一些

‘陆’ 艺术创作的思维方式

艺术家思维方式和常人有哪些与众不同的地方 艺术思维方式包括：形象思维，抽象思维，灵感思维。

‘柒’ 为什么艺术家的思维常人很难理解

何为艺术家的思维，普通人的思维？ 普通人的思维定式是按照常理来说的，比如雨伞，在常人的眼里只能是遮日 避雨的工具，艺术家的思维是没有定式的，他们属于创造性思维，就是把两个不相关的物体组合起来，雨伞在他们眼中就不是工具了，或者说只看重雨伞的某些地方，所以一把崭新的雨伞在他们手中也会变的破烂不堪，不是他们不爱惜，而是把这件物品的价值提取出来，组合到另外一些物体上面去了，价值观不一样。

‘捌’ 达芬奇的艺术成就

成就

科学

最初，人们学习科学知识也只是学习像《圣经》一样的亚里士多德理论，只相信文字记载。达·芬奇反对经院哲学家们把过去的教义和言论作为知识基础，他鼓励人们向大自然学习，到自然界中寻求知识和真理。他认为知识起源于实践，应该从实践出发，通过实践去探索科学的奥秘。

他说“理论脱离实践是最大的不幸”，“实践应以好的理论为基础”。达·芬奇提出并掌握了这种先进的科学方法，采用这种科学方法去进行科学研究，在自然科学方面作出了巨大的贡献。他提出的这一方法，后来得到了伽利略的发展，并由英国哲学家培根从理论上加以总结，成为近代自然科学最基本的研究方法。达·芬奇坚信科学，他对宗教感到厌恶，抨击天主教那些掌权的为“一个贩卖欺骗与谎言者”。他说：“真理只有一个，他不是在宗教之中，而是在科学之中。”达·芬奇的实验工作方法为后来哥白尼、伽利略、开普勒、牛顿、爱因斯坦等人的发明创造开辟了新的道路。

天文

达·芬奇对传统的“地球中心说”持否定的观点。他认为地球不是太阳系的中心，更不是宇宙的中心，而只是一颗绕太阳运转的行星，太阳本身是不运动的。达·芬奇还认为月亮自身并不发光，它只是反射太阳的光辉。他的这些观点的提出早于哥白尼的“日心说”，甚至在当时，达·芬奇就可能在幻想利用太阳能了。

物理

达·芬奇重新发现了液体压力的概念，提出了连通器原理。他指出：

在连通器内，同一液体的液面高度是相同的，不同液体的液面高度不同，液体的高度与密度成反比。

15世纪，他最早开始了物体之间的摩擦学理论的研究。他发现了惯性原理，后来为伽利略的实验所证明。他认为一个抛射体最初是沿倾斜的直线上升，在引力和冲力的混合作用下作曲线位移，最后冲力耗尽，在引力的作用下作垂直下落运动。

还预示了物质的原子原理，形象生动的描述了原子能的威力：“那东西将从地底下爆起，使人在无声的气息中突然死去，城堡也遭到彻底毁坏，看起来在空中似乎有强大的破坏力。”

力学

达·芬奇强调力学和数学同样是自然科学的基础，并研究过许多力学问题。他根据实验和观测得出：重物沿它和地心相连的直线下落，下落的速度同时间成正比。在静力学方面，他严格确定了力矩概念：杆上街体的平衡“由它们的重量和距支点的距离决定”，由此总结出计算几何体重心的一般法则。他已知道力的平行四边形法则。在用这一法则研究重物沿斜面运动中，他正确地得到摩擦力的定义。他在观察笔记中写道：物体“都不能自己运动……每个物体在其运动方向上都有一个重量”。物体运动时“对空气的压力等于空气作用于其上的力”。在流体力学方面，他总结出河水的流速同河道宽度成反比，井用这一结论说明血液在血管中的流动。他还运用力学和机械原理设计了许多机器和器械，参加了运河、水利和建筑工程的设计和施工。他通过对鸟翼运动的研究，于1493年首次设计出一个飞行器。

机械

对机械世界痴迷不已。水下呼吸装置、拉动装置、发条传动装置、滚珠装置、反向螺旋、差动螺旋、风速计和陀螺仪……达·芬奇将他无数的奇思妙想呈现在世人面前。故事的开头不得不说起达·芬奇初到佛罗伦萨学画的经历。事实上，这段经历开启了艺术家达·芬奇的大门，也开启了科学家达·芬奇的大门。

佛罗伦萨圣母玛丽亚大教堂是文艺复兴建筑的开端。达·芬奇在安装穹顶灯塔上的巨型铜球时，亲眼目睹了三速提升机等机械装置的效率，深感其中的神奇。

1460年达·芬奇随父亲来到佛罗伦萨，开始了他的学徒生涯，同时开始学画。学画的达·芬奇参与安装佛罗伦萨圣母玛丽亚大教堂穹顶灯塔上的巨型铜球，由此接触并感受到了各式各样机械系统的神奇。

由此，布鲁内莱斯基的机械系统设计理念对达·芬奇产生了很大影响。当时一批锡耶纳工程师对达·芬奇的科学世界也产生了重要影响。工程师们设计了一种外形像船的河道淤泥挖掘机，用来清除浅水口的沙砾和淤泥，还有一种能够提高装载量又加快行驶速度的桨叶船。这些锡耶纳工程师的发明，让达·芬奇对机械的魔力产生了巨大的兴趣。

密码筒

看过《达·芬奇密码》的人大概都知道达·芬奇密码筒。而事实上在当时的社会，人们也越来越重视文件的保密工作。达·芬奇设计的这种密码筒造型古典，内涵着文艺复兴特质，设计优雅，符合达·芬奇的睿智风格。按照故事情节，密码筒里藏匿着关于郇山隐修会乃至整个基督教最大秘密的莎草纸。达·芬奇设计的密码筒内有一个装着醋液的容器，如果强行砸烂密码筒，醋液就会流出溶解莎草纸。

要打开密码筒，必须解开一个5位数的密码，密码筒上有5个转盘，每个转盘上都有26个字母，可能作为密码的排列组合多达11881376种。

机器人研究

设计出初级机器人。最为奇妙的是，达·芬奇还设计了一套方法以做心脏修复手术。

达·芬奇曾称自己没有受过书本教育，大自然才是他真正的老师。为了认识自然，认识自己，这位文艺复兴时期的天才不遗余力地探索着。为了认识人类自身，达·芬奇亲自解剖了几十具尸体，对人体骨骼、肌肉、关节以及内脏器官进行了精确了解和绘制。

令人惊讶的是，当年达·芬奇连人体循环系统工作机理的概念都没有。更为神奇的是，2005年一名英国外科医生还利用达·芬奇设计的方法做心脏修复手术。不过，解剖学的研究在当时并没有给达·芬奇带来声誉，而是遭到了无数的诽谤。

不过，就是有了对人体的这种深入了解，达·芬奇才在手稿中绘制了西方文明世界的第一款人形机器人。

达·芬奇赋予了这个机器人木头、皮革和金属的外壳，而如何让机器人动起来，才是让达·芬奇大伤脑筋的。他想到了用下部的齿轮作为驱动装置，由此通过两个机械杆的齿轮再与胸部的一个圆盘齿轮咬合，机器人的胳膊就可以挥舞，可以坐或者站立。更绝的是，再通过一个传动杆与头部相连，头部就可以转动甚至开合下颌。而一旦配备了自动鼓装置后，这个机器人甚至还可以发出声音。

原来，500多年前，就已经有了机器人的雏形。

机械车研究

点燃现代机动车发明灵感之火。达·芬奇长达1万多页的手稿（现存约6000多页）至今仍在影响科学研究，他就是一位现代世界的预言家，而他的手稿也被称为一部15世纪科学技术真正的网络全书。

很早，达·芬奇就对当时的四轮马车不满。在他的科学世界中，早就有了机动车的影子。事实上，点燃现代机动车发明灵感之火的正是这辆“达·芬奇机械车”。

既然是机动车就要考虑动力问题，达·芬奇在机动车中部安装了两根弹簧以解决这个问题。人力转动车的后轮使得各个齿轮相互咬合，弹簧绷紧就产生了力，再通过杠杆作用将力传递到轮子上。

那么怎么控制车速呢？达·芬奇也想到了。他在车身上安装了一个圆盘装置，圆盘表面设置了很多方形的木块，和每个轮子连接的铁杆的另一端与圆盘相接，这就是用于控制车速的装置。圆盘上放置的木块数量越多，与铁杆之间的摩擦就会越大，阻力也越大，轮子的运转速度越慢，行驶的距离越长。

当然，达·芬奇也想到了刹车装置。位于齿轮之间有一个木块，拉动绳索将木块卡在齿轮之间，车就可以停止。不过，这辆汽车不能载人，因为仅靠弹簧的动力根本无法行驶很长的距离。

同时，达·芬奇还将弹簧巧妙地运用在了钟表设计上。后来大型钟表采用的原理，就是出自达·芬奇的设想。只是在这个设想中，弹簧的弹力被物体的重力所代替，物体向下的重力通过众多齿轮咬合作用被均匀传递，钟表便得以保持匀速运动。

此外，乐器、闹钟、自行车、照相机、温度计、烤肉机、纺织机、起重机、挖掘机……达·芬奇曾有过无数的发明设计，而这些发明设计在当时如果发表足足可以让我们的世界科学文明进程提前100年。

医学

达·芬奇在生理解剖学上也取得了巨大的成就，被认为是近代生理解剖学的始祖。他掌握了人体解剖知识，从解剖学入手，研究了人体各部分的构造。他最先采用蜡来表现人脑的内部结构，也是设想用玻璃和陶瓷制作心脏和眼睛的第一人。

他发现了血液的功能，认为血液对人体起着新陈代谢的作用，并认为血液是不断循环的。他说血液不断的改造全身，把养料带到身体需要的各个部分，再把体内的废物带走。达·芬奇研究过心脏，他发现心脏有四个腔，并画出了心脏瓣膜。他认为老年人死因之一是动脉硬化，而产生动脉硬化的原因是缺乏运动。后来，英国科学家哈维证实和发展了达·芬奇这些生理解剖学的成果。

考古

虽然他已经逝世了将近500年，但我们还记得在这个典型的文艺复兴时期的人，他的兴趣之一是化石的研究。在新的期刊论文 Palaios，安德烈Baucon表明他是一个有“体化石研究的先驱，”或曾经生物遗骸，与“遗迹化石，如脚印”。

建筑

在建筑方面，达·芬奇也表现出了卓越的才华。他设计过桥梁、教堂、城市街道和城市建筑。在城市街道设计中，他将车马道和人行道分开。设计城市建筑时，具体规定了房屋的高度和街道的宽度。米兰的护城河就是他设计和监工建造而成的。1502年达芬奇离开桑蒂西马·阿努佳塔后，就曾在声名狼藉的罗马教皇亚历山大六世之子凯撒·波吉亚手下担任过军事建筑师及工程师。

军事

达·芬奇的研究和发明还涉及到了军事领域。他发明了簧轮枪、子母弹、三管大炮、坦克车、浮动雪鞋、潜水服及潜水艇、双层船壳战舰、滑翔机、扑翼飞机和直升机、旋转浮桥等等。2008年4月26日，在瑞士西部城市帕耶讷，36岁的瑞士人奥利维耶·维耶提-特帕使用由达·芬奇设计的金字塔型降落伞从距地面600米高的直升机上成功跳下。

水利

达·芬奇对水利学的研究比意大利的学者克斯铁列早一个世纪。为了排除泥沙，他作了疏通亚诺河的施工计划。他设计并亲自主持修建了米兰至帕维亚的运河灌溉工程。由他经手建造的一些水库、水闸、拦水坝便利了农田灌溉，推动了农业生产的发展。有些水利设施至今仍在发挥作用。

地质

达·芬奇根据高山上有海中动物化石的事实推断出地壳有过变动，指出地球上洪水的痕迹是海陆变迁的证明，这个思想与300年后赫顿在地质学方面的发现颇为近似。并且在麦哲伦环球航行之前，他就计算出地球的直径为7000余英里。

艺术

创作

说到艺术创作，在文艺复兴时期当数达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔的成就最高。他们的艺术成就达到了西方造型艺术继古希腊之后的第二次高峰，仅绘画而言，则达到了欧洲的第一次高峰。其中尤以达·芬奇最为突出，恩格斯称他是巨人中的巨人。在艺术创作方面，达·芬奇解决了造型艺术三个领域——建筑、雕刻、绘画中的重大问题：

解决了纪念性中央圆屋顶建筑物设计和理想城市的规划问题；

解决了15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的问题；

解决了当时绘画中两个重要领域——纪念性壁画和祭坛画的问题。

达·芬奇的艺术作品不仅能像镜子似的反映事物，而且还以思考指导创作，从自然界中观察和选择美的部分加以表现。壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。这三幅作品是达·芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。

《蒙娜丽莎》的原型是威尼斯公爵夫人，当时威尼斯公爵请达·芬奇为其夫人画一幅肖像，而当这幅画作完成之后，达·芬奇因为太喜欢这幅画，不舍得交工，就连夜打包，和仆人一起逃跑了。蒙娜丽莎的右手更被称为“美术史上最美的一只手”。

《最后的晚餐》绘制在米兰格雷契修道院饭厅的墙壁上。达·芬奇一改前人绘制“最后晚餐”围桌而座的布局，让所有人物坐成一排面向观众，而耶稣基督坐在最中间。

研究

他的人物肖像画画的和真人最为接近。他说，“绘画是自然（这里的自然是指万物）的唯一模仿者，绘画包罗自然的一切形态在内，它能够将自然界中转瞬即逝的美生动地保存下来” 绘画能比语言文字更真实更准确地将自然万象表现给我们的知觉。

多奇妙的科学呵！你生动地保存了人们昙花一现的美，使它比那些随时光而变易，并且终于老朽的自然创造物还要经久，这样的科学和神圣的自然的关系，犹如它的作品与自然作品的关系，因此受人钟爱。天生丽质的美，将随年月的消逝而迅即磨灭，除非有画家把它画下，方可保存永久。绘画容易保存，使它经得起岁月的磨蚀。绘画保存了美，否则它将被自然和时间磨灭。我们靠绘画保存了名人的相貌。铜匠作品比绘画作品还要耐久，他们的作品比之你们或我们的作品更经得起岁月的磨蚀。但是他们缺乏想象”。

在照相机和电视发明之前，绘画无疑是自然的唯一模仿者。知识是建立在真实之上的，绘画是传播知识的最好桥梁（这是指在没有照相机和电视机之前）。

画家应以现实世界（即自然）为对象来作画，这样画出的画才是真正有用的画。也就是说画家画的东西应该是真实（即现实世界真正存在的事物）的。

绘画作品有两个作用：第一是传播知识；第二是让人能欣赏到美。达·芬奇是人类历史上第一个真正意识到绘画的这两项作用的人。而且达芬奇的绘画作品，完全起到了这两个作用。达·芬奇说 ，“绘画是一门科学。绘画科学的第一条原理：——绘画科学首先从点开始，其次是线，再次是面，最后是由面规定着的形体。物体的描绘，就此为止。事实上，绘画不能越出面之外，而是依靠面以表现可见物体形状的。

绘画的第二条原理——绘画第二条原理涉及物体的阴影，物体靠此阴影表现。我们将阐明阴影的原理，而后进一步阐明阴影如何使画面具备雕塑一样的凹凸感。

绘画科学包含什么内容？绘画科学研究物象的一切色彩，研究面所规定的物体的形状以及它们的远近，包括随距离之增加而导致的物体的模糊程度。这门科学是透视学（即视线科学）之母。

透视学分为三部分。第一部分单研究物体的轮廓线。第二部分研究距离增加时色彩之淡褪。第三部分研究物体在不同距离处之模糊程度。

单研究物体轮廓线的第一部分叫素描，也即勾勒物体外形的学问。于是由此发源了另一种专门研究光线与阴影的学问——明暗学，这是一门需要长篇阐述的科学。而视线的科学产生了天文学，天文学诠释视线和锥体截面，所以是一种简单透视。”他是欧洲文艺复兴时期，象征人类智慧的意大利画家、科学家，原名：Leonardo di ser Piero da Vinci，他给后人留下了众多不朽名画，以及其它科学领域的研究成果。达·芬奇主张绘画不仅要求形似，而且更要求神似；要求画像在比例、透视等方面都正确，更要求它们的动态能表现出他们“心灵的意向”。

思想

在达·芬奇看来，人类对艺术与科学的认识过程同样“要以感性经验为基础，而且是以最高贵的感觉——视觉为基础”，“我们的一切知识来源于知觉”，“绘画的确是一门科学，并且是自然的合法的女儿”。由此可见，达·芬奇对美的认识不仅建立在朴素唯物主义认识论的基础之上，且带有先于笛卡尔“经验主义”认识论的某些性状，而这种美学思维，也使他在理性与经验中间作了准确的定位。达·芬奇认为，“科学是将领，实践是士兵”，“画家的心应当像什么——画家的心应当像一面镜子，将自己转化为对象的颜色，并如实地摄进摆在面前所有物体的形象”。这表明他对艺术创作的预备阶段持经验主义认识论的观点。但同时，达·芬奇又主张“画家与自然竞赛，并胜过自然”。这表明他已经认识到艺术理想化与典型化的问题。此外，达·芬奇也反对抛弃理性而专注经验的艺术实践，“热衷于脱离科学而专搞实践的人，正如一个水手，登上了一条没有罗盘、没有舵的船，永远拿不准船的方向。实践必须永远建筑在坚实的理论之上。”这句话正是达·芬奇对理性与经验关系的最好注脚。

将科学与实践、理性与经验辩证地统一起来，达·芬奇为文艺复兴以降的美学理论研究提供了一种全新的科学方法和艺术实践观，这是他对于美学的贡献之一。

达·芬奇 （欧洲文艺复兴时期的着名人物、画家）

达·芬奇是列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇 （意大利文原名：Leonardo di ser Piero da Vinci）的简称，出生于儒略历1452年4月15日（公历4月23日），毕业于意大利理工学院，1519年5月2日逝世，是意大利学者、艺术家。

欧洲文艺复兴时期的天才科学家、发明家、画家。现代学者称他为“文艺复兴时期最完美的代表”，是人类历史上绝无仅有的全才，他最大的成就是绘画，他的杰作《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》、《岩间圣母》等作品，体现了他精湛的艺术造诣。他认为自然中最美的研究对象是人体，人体是大自然的奇妙之作品，画家应以人为绘画对象的核心。

他是一位思想深邃，学识渊博、多才多艺的画家、天文学家、发明家、建筑工程师。他还擅长雕塑、音乐、发明、建筑，通晓数学、生理、物理、天文、地质等学科，既多才多艺，又勤奋多产，保存下来的手稿大约有6000页。他全部的科研成果尽数保存在他的手稿中，爱因斯坦认为，达·芬奇的科研成果如果在当时就发表的话，科技可以提前30-50年。

达·芬奇少年时已显露艺术天赋，15岁左右到佛罗伦萨拜师学艺，成长为具有科学素养的画家、雕刻家。并成为军事工程师和建筑师1482年应聘到米兰后毕业于意大利理工学院成为意大利着名建筑师、画师，在贵族宫廷中进行创作和研究活动，1513年起漂泊于罗马和佛罗伦萨等地。1516年侨居法国，1519年5月2日病逝。小行星3000被命名为“列奥纳多”。最着名的作品是《蒙娜丽莎》现在是巴黎的卢浮宫的三件镇馆之宝之一。

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