现代艺术到底该怎么发展

1. 中国现代艺术如何发展

中国的现代艺术是向“钱”发展的！
有例为证；一个画家在没有名气时他的作品500元一张，有名了他的作品5000元一张，有“地位”了他的作品50000元一平方尺。
其它的理论都是说故事都是耍嘴皮子......

2. 当代艺术的整体发展趋势有何特点

发展趋势的特点是娱乐化、生活化、世俗化、大众化。

从中国现在的很多艺术作品中我们就能体验到这一发展趋势。在现在中国的电影、电视剧中我们能看到很多的家庭剧，以及一些喜剧很受大众的喜爱。例如在喜剧电影中以周星驰为代表，他的很多喜剧通俗易懂，剧本超脱了以往固定的笑点变得很新奇，还带有一定的科幻色彩这些都很能吸引大众的眼球，也使得他的作品广受大众的喜爱。在电视剧方面家庭剧，如《裸婚》这些描写大众生活中都能感受到的故事，让大众感到很亲切，也赢得的很大的市场。这都是因为=现在大众的物质生活水平不断的提高。所以这些简单化、生活化、大众化的当代艺术更为大众所接受、喜爱，也使得中国当代艺术的发展趋势朝着这方面发展。但是大环境下驱使中国当代艺术朝着这方面发展过于泛滥，因为大众喜欢，也使得一些中国当代艺术发展偏离了自己的轨道，太过泛滥的迎合大众的口味。大量低质量的电影、电视剧的出现，已经不再是中国当代艺术发展趋势中的世俗化、大众化、生活化了，而是走向了粗俗、低俗的发展趋势。这也使得中国当代艺术的发展朝着大众化、生活化方面发展时要注重度的把握，避免中国当代艺术发展趋势偏离了正常的轨道。

3. 艺术的发展方向有哪些

一、黑格尔与“艺术终结论”
1817年，黑格尔在海德堡的美学讲演中提出了“艺术终结论”，在他之前已经出现了有关艺术终结问题的片段式的言论，但他却是第一个从哲学理论高度谈论这个问题的人。理解黑格尔的“艺术终结论”应该从他的哲学意识出发，因为这一论断正是从他的理论体系中演绎出来的。同时，也必须看到黑格尔对他所处的时代的不满，市民社会对艺术的侵害威胁着艺术的生存，这也正说明黑格尔的“艺术终结论”并不认为艺术会消失，而是旨在言明艺术转化为哲学是一种必然。
黑格尔提出“艺术终结论”的时代，现实中的艺术实践欣欣向荣地发展着，可见他所谓的“艺术终结”并不是艺术现实的终结，而是表明艺术应该向观念转化，形成一种新的艺术哲学。在黑格尔看来“就它的最高的职能来说，艺术对于我们现代人已是过去了的事。因此，它也丧失了真正的真实和生命，已不复能维持它从前在现实中的必需和崇高地位。”也许以往人们可以通过艺术直接认识世界，但如今的艺术已经不能带领人们认识世界的真理，因此艺术也就不再具有崇高的地位，这显然是要把绝对精神从现实世界中剥离出来。
在黑格尔的理念学说中，他将绝对精神的发展分为三个阶段：艺术、宗教和哲学。这三者都是人类认识绝对精神的方式和手段，但只有哲学是认识绝对精神的最高手段、是艺术发展的最高形式，艺术的终结实质上是艺术让位于哲学。黑格尔将世界艺术发展的类型分为三种，分别为象征型艺术、古典型艺术和浪漫型艺术。美是理念的感性显现，在黑格尔心目中，真正的艺术理应达到内容与形式的高度统一。因而在黑格尔那里，只有古典型艺术达到了内容与形式、感性态势和绝对精神的完美和谐。象征型艺术是物质超越精神，而浪漫型艺术的精神内容超出了物质形式，进一步的发展必然导致主体的精神和客体的形式之间的分裂，而这种分裂也会导致艺术本身的解体。艺术必须寻找更高的形式以求得生存，因此艺术让位于哲学获得了逻辑上的合理性。
回到社会现实，黑格尔认为他所处时代的艺术不能满足时代精神，而时代精神又抑制了艺术的发展。“每种艺术作品都属于它的时代和它的民族，各有特殊环境，依存于特殊的历史的和其他的观念和目的。”时代发生了变化，反映时代精神的艺术也会随之发生变化，一个时代的终结必然会导致一时代艺术形态的终结。黑格尔眼中最完美的古典型艺术以古希腊雕塑为代表，雕塑以人的形貌表现了神的静穆与崇高，既是一种理想精神的呈现，又揭示了人的主体意识的觉醒。这与当时探索世界，发现自我的时代精神协调一致。黑格尔所处的市民社会在工业浪潮影响之下偏重理性，而当时以绘画、音乐和诗歌为代表的浪漫型艺术则推崇主体性原则，专注于绝对的内心生活和情感冲动，以抒情性为基本特征。时代与艺术之间的错位，也成为黑格尔“艺术终结论”的有力例证，因此他明确地指出，“艺术确已实在不能再达到过去时代和过去民族在艺术中寻找的而且只有在艺术中才能寻找到的那种精神需要的满足……我们现时代的一般情况是不利于艺术的。”
艺术、宗教和哲学都属于意识形态的范畴，但却具有各自的社会功能。黑格尔在其哲学体系内，剥夺了艺术的独立性与自律性。虽然进行终极追问，启迪人智是艺术不可推卸的责任，但丧失了审美性的艺术也就失去了存在的意义。审美性决定了艺术在内容和形式上都具有独特的性质和特征，也表明艺术不可能脱离感性认识与感性形式，成为绝对的观念。而且结合现实来看，艺术也没有因为对物质材料依赖的减弱而消失，相反某些现代艺术却在内容与形式的关系上回归为象征关系，似乎是对以往艺术形式的“重现”，这正表明“艺术终结论”不会兑现。
二、丹托的“艺术终结论”
阿瑟・丹托提出的“艺术史的终结”可以看做是对艺术自律性危机的一次预演。丹托在艺术史进入现代视野之后，在黑格尔“艺术终结论”的基础上，对“艺术终结论”进行了一次重新思考。黑格尔就整体历史谈论艺术会终结，而丹托单就艺术的历史来谈论。在丹托这里，艺术的发展历史就是艺术不断认识自我、探索本质的历史，而艺术的自律性却使艺术从内部消解了自身，失去了发展方向。
黑格尔认为艺术在表现绝对精神方面具有局限性，而随着艺术形态由象征型、古典型发展到浪漫型之后，精神内容极大地超越物质材料，艺术进行自我解体，在否定自身中转化为哲学。但哲学仍然在历史范畴之内，所以艺术的历史没有终结，艺术成为了一种异化的哲学。丹托在现代视野下，结合丰富多彩的现代艺术实践，认为艺术在20世纪实现了它的最终目标，艺术和历史开始向不同的方向发展下去，艺术的历史走到了终点。“或许历史会以我称之为后历史的样式继续存在下去，但它的存在不再具有任何历史意义。……艺术是否会重新踏上历史之路，或者这种破坏的状态就是它的未来：一种文化之熵。由于艺术的概念从内部耗尽了，即将出现的任何现象都不会有意义。”由此可见，黑格尔和丹托虽做出了相似的论断，但二者的立场却不同。黑格尔立足于艺术表现绝对精神的局限性，而丹托立足于艺术的自律性；黑格尔着眼于历史整体，而丹托在艺术史内部谈艺术。因此，在黑格尔那里，艺术终结于哲学，是作为哲学在历史中发展下去；丹托则将艺术史从历史的各种现实语境中隔离出来，认为艺术的概念与创造力从内部被掏空耗尽，艺术实践没有了动力与新的可能，艺术不会随着历史往同一方向发展，而是不得不重复过去历史上已经出现过的各种形式，艺术的历史走向了终结。

艺术从内部被耗尽源于艺术的自律性。在康德的审美自律理论之下，艺术开始建立具有自身特色的一套原则和标准，这对于界定艺术和规范艺术具有一定的积极作用。但是随着审美自律性对艺术控制的加深，艺术家开始“为艺术而艺术”，脱离社会现实和时代语境，玩弄艺术的概念，只在艺术的形式上精雕细刻，使艺术在狭小的范围内固步自封。这表明艺术的自律性与艺术终结之间存在内在的联系。丹托看到了这一点，他促使我们思考艺术为什么不能自律地存在。艺术主要是通过感性方式把握世界，通过艺术形象传达艺术观念，而感性认识有时是不可靠的，感性形象的表现范围和思考空间也是有限的。这些特点表明艺术不能像数学、物理学一样，通过抽象概念认识真理，而只能在有限的时空下表现精神和理念。艺术的本质在于它始终不能脱离现实语境，始终需要在感性认识与抽象逻辑间寻求平衡，一旦脱离了适当的语境，艺术也就失去了解释的合理性。杜尚的《泉》无疑是最具争议性的艺术品之一，丹托承认了它的哲学意义，却对它的艺术意义持有悲观的态度。杜尚将一个现成的小便器命名为“泉”，其本身就是对概念的一次玩弄，是对艺术哲学化的一次实践，因为不管从哪个方面看，小便器都没有美的属性，它之所以具有审美的价值就在于它所蕴含的哲学思考，《泉》不具备美的形式，却具有美的观念。“杜尚作品在艺术之内提出了艺术的哲学性质这个问题，它暗示着艺术已经是形式生动的哲学，而且现在已通过在其中心揭示哲学本质完成了其精神使命。现在可以把任务交给哲学本身了，哲学准备直接和最终地对付其自身的性质问题。”丹托最终又回到了黑格尔那里，也正式地提出艺术将终结于哲学。他虽然克服了黑格尔忽视艺术自律性的弊端，但仍认为艺术会在丧失自身规定性之后被哲学取代。丹托的结论不禁让人失望，他提出艺术要有历史感，却又没有为艺术找到一条正确的发展道路，而是用哲学剥夺了艺术，不仅忽视了现实对艺术的意义，更将艺术发展为一种观念，这些都是有待重新思考的。
三、后现代视野下艺术的重生
后现代社会的到来决定了艺术必须向现实敞开，艺术的本质成为了一个蕴含多种可能性的、开放的领域。艺术的本质具有了无限性，艺术形态也就具有了无限种可能，各种后现代风格的艺术流派也获得了生存的土壤。从自律到开放，艺术的发展似乎从一个极端走向了另一个极端。
在现代化进程中，我们生活的世界发生了深刻的变化：一方面科学技术不断发展创新，人类文明发展程度不断加深；另一个方面科学技术与工具理性也造成了人与自然的对立，唯理性、唯技术不仅使人们的精神生活日益贫乏，使艺术存在的社会基础变得摇摇欲坠，更改变了艺术品在社会中的定位。本雅明在《机械复制时代的艺术作品》中提出了“光晕”1的概念，它表明艺术品天生有标准，并且应该是独一无二的、权威的，而没有“光晕”的艺术品不是真正的艺术品。但在工业社会中，在机器与技术的操纵下，艺术品的生产变成了大规模的机械复制，从而失去了独一无二的权威性。同时，艺术品也从殿堂中走出，成为大众都可以获得的消费品。这样的一个必然结果就是艺术的非艺术化。也就是说在后现代语境中，艺术又回到了什么都是艺术、什么又都不是艺术的最初状态，艺术变得无处不在了。“艺术的终结”表明艺术不会消失，而是走进了大众的日常生活之中。
这样看来，当艺术的自律被整体打破以后，艺术又遭受着新的审美危机，而这种危机产生于我们所生活的时代。但是，这种危机却不会使艺术走向终结，相反，艺术将在与时代的对抗中获得重生。后现代的“祛魅”使日常生活审美化成为必然的趋势，艺术的生产和接受方式都发生了极大的变化，那么艺术自救的道路也应该是回到日常生活之中。一时代应有一时代之艺术，大众社会中的艺术首先需要对自己重新定位，重新的探索与界定自身的概念与本质。其次，艺术自身需要一些不可动摇、安身立命的标准。艺术需要在与工具理性的对抗中，为自身树立权威。同时，走向生活的艺术要始终处在历史语境与现实语境中，在精神内容与物质形式上求得统一与和谐。艺术不可能脱离社会而获得独立的历史，“为生活的艺术”将取代“为艺术的艺术”。未来艺术将发展成什么样子是难以预测的，但艺术不会终结却是肯定的。一时代的艺术形态必将随时代的离去而消失，但艺术整体却不会终结，艺术始终是在否定之否定的规律中扬弃传统，发展自身。

4. 现代美术的历史发展

现代美术的产生和发展是沿着必然规律运行的，西方艺术自远古产生始就注重实用、物质性的再现，经历不同时代的发展和完善，到欧洲文艺复兴时期已达高峰。当照相术发明，再现的写实主义绘画已被摄影部分取代，绘画必然另择其路，由再现走向表现，由写客观物质的形态走向表现画家自我内在精神为追求。绘画自产生起就以为别人服务为宗旨，原始社会为实用，后来为神、为人的生活、为政治斗争等服务。西方艺术家宣称他们不再为谁服务，艺术就是为完善艺术自身而独立存在。因此艺术的价值观与传统决裂了。所有这一切都是随着社会发展、思潮的演变，缓慢地由量变到质变的。 现代艺术是从西方开始的，最先是绘画和版画，然后在19世纪中期扩展到其他的视觉艺术上，如雕塑和建筑。到了19世纪末期，一些对现代艺术有重要影响的运动开始出现：以巴黎为中心的印象派，以及最初从德国开始的表现主义。
现代艺术受到的影响来自很多方面：比如接触到东方的装饰性艺术，尤其是日本版画；泰纳（J. M. W. Turner）和德拉克罗瓦在颜色上的创新；还有像米勒等画家的作品中可以看到有更多描述日常生活的主题。当时对艺术的普遍观念认为，艺术应该精确地描述事物，而且必须企图表现出其理想的样貌。因此当时最成功的画家如果不是接受委托，就是透过举办大型画展来进行创作。政府也会资助画家，并且定期举办展览。 于是跳脱理想化与精确描述的艺术，就不只是一种艺术路线的改变，而是社会和经济状况造成的结果。这些新的运动并不必然将他们自己视为一种进步前卫或者个人艺术的解放。相反地，他们认为他们才是再现了所谓的真实与普世价值。印象派画家说人们并没有看到物体，而是看到那些物体反射出的光，因此画家必须在自然的光线下而非在画室中作画，并且捕捉那些光线带来的效果。印象派艺术家自己组成了一个团体来推广他们的作品，尽管内部关系有些紧张，他们还是能够集结起来举办了一些展览，然后他们的风格又被其他国家的艺术家所接纳。这些因素都促使大家相信这是一个“运动”。从建立起一套艺术方法、逐渐形成一股风潮、到最后获得国际性的接纳，这个过程将在每个现代艺术运动中不断被重复。
画家德拉克罗瓦的《自由引导人民》 1901年-1906年，在法国巴黎，梵高、高更和塞尚的作品，首次大规模公开展览，20世纪的现代艺术发展，约始于1906年，20世纪的第一个十年中兴起的艺术运动有野兽派、立体主义、表现主义和未来主义。
第一次世界大战造成了这一阶段的终止，不过也因此开始了一些反战运动，比如达达主义和杜桑（Marcel Duchamp）的作品以及超现实主义。另外像风格派（de Stijl）和包豪斯学派也影响到日后关于艺术、建筑、设计和艺术教育之间关连的发展。
在1913年的军械库画展（The Armory Show）中以及随着第一次世界大战移民到美国的欧洲艺术家，现代艺术被介绍到了美国。不过要到第二次世界大战结束以后，美国才成为新兴艺术运动的重要地点。1950年代和1960年代出现的艺术运动有抽象表现主义、波普艺术、欧普艺术和极简主义；1960年代和1970年代则出现了地景艺术、表演艺术、观念艺术和照相写实主义。
大约在这个时期，有些艺术家和建筑师开始扬弃“现代”的观念，并创作典型的“后现代”作品。
从后战时期开始，越来越少艺术家使用绘画来作为他们主要的创作媒介，有越来越多人使用大型的装置和表演。从1970年代开始，新媒体艺术（new media art）变成了一个艺术类别，有越来越多的艺术家在实验一些科技媒介来创作，比如影像艺术（video art）。

5. 现代艺术的发展历史和发展趋势

现代艺术的瓦解起源于古代地中海沿岸（埃及、希腊、西亚）的西方艺术到19世纪后期，出现了转变的苗头，这个苗头进入20世纪后，成为西方艺术的主流，这就是西方的现代艺术。
可以把西方现代艺术看成是一座大厦。由各种不同类型的视觉风格组合而成，建造这所大厦的原理，是科学和理性。这是西方数百年来的思想文化核心，也是我们这里比较缺乏的东西，西方人凭借这些在技术和社会管理方面取得飞速进步；但也带来局限，是抑制生命的部分活力，比如男女相悦离不开自然的吸引力，如果只从职位、收入、门第角度考虑和计算，理性态度是有了，但感情会受影响。所以，在涉及人类情感和性灵的地方，不能只听科学的。
现代艺术的创作，与科学思想密不可分，结构主义与立体派，工业技术思想与未来派、风格派，机械制造形式与达达派的机械图纸绘画，弗洛伊德的释梦学说与超现实主义，还有以理性手法表达非理性的抽象表现主义，等等，都是科学和艺术联手的结果，人们把艺术创作看成是一种有规律可循的造物过程，这样，艺术家出图纸，工厂按照图纸生产艺术品，就成了合情合理的艺术创作程序，1960年后的美国就是这个样子。那时，许多艺术家从事各种各样的工业与材料试验，发明新的合成材料，使用机械装置成为作品的动力系统，声光电磁成为新的艺术资源，下面几项艺术活动能说明当时的情况：
（1）光效应艺术（OPArt），这是一种基于光学知识的心理试验艺术，创作者通过精确校正的色彩和几何形制造出有动感的光色效果，代表艺术家是布里奇特·里列（Bridgei Riley）和瓦萨雷里（Vasa-relev）。
（2）极少艺术（nIlnlnlallsn1），突出特征是以工业方式生产艺术品，追求数学的精确性，代表人物是贾德（Donald Judd）,作品通常是相同单元的重复。
（3)“动态雕塑”（Kinetic Art），有许多代表人物，如瑞士人廷古莱(Jean Tit-ian），制作了变体绘画机器，为首届巴黎双年展制作了一台“有香味有声音的变体汽车”；莱里（Len Iye）制作了有微妙平衡的活动雕塑，等等。
(4）灯光雕塑（Lighi Ari）是雕塑的另一发展方向，其形式类似霓虹灯广告。代表人物是青年艺术家弗莱温（Dan Fla-vin)。
（5）1966年纽约军械库举办《艺术和工程》试验展览，展出许多高科技手段设计的艺术品，并由此带动艺术家和科技工作者的紧密合作。随后成立的’艺术和技术试验”组织，有3000人参加。
还有更多的类似活动，频繁地出现在世界各地，形成风潮。如纽约现代美术馆有“机械”展，惠特尼美术馆有“光”展，伦敦有机械“动力”艺术展，洛杉矾有“工业”展，等等。科技力量由介人艺术发展到支配艺术，西方现代艺术在借助科学力量创造新成果的同时，也把自己送上了不归路。
下面这些艺术家是1960年代艺术与工业结合的代表：
（1）色面抽象画家纽曼（Barnetr-man），以近乎不断重复的方式，制作单一色块。
(2）金属雕刻家大卫·史密斯（David SITiith，1906～65），早年在军事坦克工厂做焊接工人，后来就发展出一种钢雕刻，这种雕刻提供给观众的是它的没有实际功能的机械性品质。
（3)行动艺术与色百抽象结合的画家弗兰肯塔拉（Ftankenthaler,1928-）对抽象表现主义资源的再利用,把艺术变成某种物理信息的表达.(4)黑条画家吏泰拉（Frank：tLixlla，1936-），使用铜和铝探讨不同形状的画布造里，以矩形和棱形为多，创作大、规模的色快分割作品。
二、现代艺术的性质有学者把西方美术的历史概括为三个阶段，即：前现代一现代…后现代。这个分期法中，一切艺术都是围绕着“现代”来确定其时段的，“现代”成了划分历史的坐标，这个分期法狠简单，也容易记，我们不妨惜来一用。
旅美日本文学理论家洒井直木（NaOki SakiIJi）在一篇谈日本后现代文化的文章中说："前现代一现代一后现代的序列暗示了一种时间顺序，我们必须记住、这个秩序从来都是同现代世界的地缘政治构造结合在一起的，现在众所周知的是。这种秩序基本上是十九世纪的历史框架,人们通过这个框架来理解民族、文化、传统和种族在这个系统里的位置."历史阶段的划分不是纯然时间性的，而是和空间纠葛在一起的。这意思是说，在同一时间里，不同地域可能分别处在不同的文明阶段；比如同处19世纪，中国是封建帝制国家，而西方早已进入资本主义，因此，有人说凡是当代出现的艺术都是当代艺术：是不对的，现在我们国家展览会中出现的许多美术作品就不具有当代艺术的特征，甚至不具有现代艺术的特征，这正是东西方地域差别的结果。
无论是“前现代”还是“后现代”，都是与“现代”进行比较后才可能产生的看法，弄清什么是“现代”，是进行这种比较的前提。我们可以从两个角度体察“现代艺术”发生转变的原因。
一种是风格和形式的角度，这是一种数量的概念。从理论上说，我们可以计算出西方现代主义阶段创造的视觉形式和风格的数量，这个数量很多，以倍数超出已往任何时代，也是中国已有美术形式和风格的总和也无法比拟的数量。
另一种是价值的角度，所谓价值，是断什么好，什么不好的标准，价值是质的概念，关系重大。不同价值观导致不同的评价结果，比如，用明清文人的价值观看今天的中国画，就会认为今不如昔。
从数量角度看现代艺术，我们会发现西方艺术家们在短短半个多世纪里，以多角度。全方位的探索精神，实践了艺术形式（架上艺术）变革的各种可能性，乃至没给后人留下多少有待探索的空间。革命已经成功，同志无须努力，后来的艺术家只好另辟踝径。
从价值角度看现代艺术，我们会发现它基本上属于精英文化范畴，能坚守高雅艺术的节操，不屑于与凡俗为伍，这种观念就其本性来说，是历史上贵族文化的衍生物，但社会变化了，精神贵族们失去了世袭领地，也只好去尘世中摸爬滚打。
具体说，现代艺术的价值观表现在下列凡个方面：
(1)追求纯粹。现代艺术追求视觉产品的纯粹性，在创作中只考虑形式要素，忽略其他因素，如历史、宗教，文学等内容的介人，因而促成抽象艺术的发展。一般说，追求纯粹是精英化和专家化的思想，有局限性，等于画地为牢。
(2)提倡原创，这是把体育竞技的标准用到艺术上，把艺术创作看成是艺术史上的破纪录竞争，但体育是优胜劣汰，艺术可不是这样，艺术的发展不是进步，是改变。比如不能因为有了毕加索就说伦勃朗差。
(3)引形式至上，重视形式不是现代艺术特有的习性，古典艺术也非常讲究形式感，但古典艺术的形式服从内容表现，或者说，形式隐藏在形象的后边，而现代艺术是为形式而形式，赋予形式以独立价值和功能。
(4)叫自我中心。现代艺术家多闭门造车，表现自我，不考虑观众，还经常通过怪异行为和奇装异服而显示与众不同，因而作品也十分个人化，不容易理解，也因此帮助美术批评家获得了解释此类作品的特权。
（5）整体单调。这是指在现代艺术流行时期，一切非现代的作品，如传统写实手法的、有民族地域特征的、非发达国家的作品，均被排斥，弄得全球艺术家都要使用“跨国界语言”，因而造成了一定程度的全球性艺术语言贫乏症。
从以上几个方面看，我们就能理解，有反对它的力量出现，是件自然而然的事情。
三、后现代艺术的出现反对现代艺术的力量是在1960年代未出现的。
就在科技强权席卷一切，精英化，纯粹化的艺术山穷水尽的时候，新的艺术活动出现了，这些活动与当时的潮流是那么不同，竟然使西方艺术峰回路转，另开局面。下面就是当时新出现的几项艺术活动：
（1）大地艺术（LandArt或Earth Art），可以看成是室内装置作品向户外发展的结果，最早的样式可以追溯到古埃及的金字塔和英国的斯通亨治圆形石柱，而美洲的广阔土地为当代艺术家提供了展示才能的舞台。以沙漠、高山和草原为原始材料，修整出或附加上巨大的几何形式，是大地艺术的早期特色。最有名的作品是罗怕特·斯迈森（Robert Smithson）的《螺旋形防波堤》，这个堤坝宽15英尺，观众可以沿着堤坝走几圈，除此而外没有任何实用功能。
（2）装置艺术（InstallatiOn），是一种由非艺木材料构成。可在室内短暂陈列的立体展品，其中极少部分也会被博物馆收藏，它是一种布置展品的方法而非艺术特色或风格，所以它可以为许多艺术流派服务。最初的装置由弃置传统雕塑材料而来，其主要定义是：“（1）它们是装配起来的，而不是画。描、塑或雕出来的；（2）它们的全部或部分组成要素，是预先形成的天然或人造材料、物体或碎片，而不打算用艺术材料”。早期装置艺术的代表是德国的达达艺术家施威特（Kllrt schw-Itter），他在1920年代用各种材料将自己的住宅堆满。
（3）身体艺术（BodV art），是创作者将自己的身体作为艺术表达的材料，并结合绘画、摄影、录像或其他现场记录手段。形成的一种非戏剧化的表演艺术，“非戏剧化”是指无虚构、表演和做作成分。如勒瓦（Barry Le Va）的作品就是在相隔十几米的两堵墙之间跑来跑去，直到累倒为止。另一位维托·阿康西（Vito Acconci）曾经是个诗人，心理上有受虐倾向，比如他努力去咬自己身体上能咬到的部位，不咬出痕迹不罢休，还在公开场合手淫，并且架上扩音器将声音传播出去，迫使公众成为“窥淫”者，试图以此冲破社会禁忌，还有一位是克里斯·怕登（Chris Burden），这个人更是受虐狂，代表作《5天囚禁》是连续5天将自己关在一个铁箱子里；另一名作《枪击》是让他的朋友在匕英尺外向他的左臂开枪，这种惊世骇俗手法，使他立刻获得了世界声誉。
（4）概念艺术（ConceptuaI Art），来源于1920年代早期的达达艺术，认为艺术没什么神圣和持久的价值，它的本质是思想或者概念，物理形态的具体作品并不重要，所以也叫思想艺术（Ideaart），后物体艺术（Post Object art）或无物体艺术（De-materialized art），用来记录思想的文字材料，或者对一个事件的照相实录，是概念艺术的常见形态。概念主义艺术家探询艺术与思想或者艺术与知识的关系，这种探询的终点是文字的、数学的或美学与哲学的，从道理上说，这种作品实际上不是用来观赏的，传统的展出形式不适用。但既要展示内在思想又要避免外在形式，仍是长久的难题，那些被看成是观念艺术的作品，多是在美术馆和其他公众场合展出一些临时性的装置，例如随便堆放一些木头、砖块或其他杂物，有一个例子是在美术馆中展出一个巨大的鸟笼，里边有些活的鸟和其他物品，另有一个概念艺术团体则是一些从事随笔写作的人。代表人物有约瑟夫·库苏斯（Joseph Kosuth）、迈尔·波施纳（MeI Bochner）和汉纳·道波温（Hanne DarbOven）等人。
（5）过程艺术（Process art），认为艺术的制作过程比事先的构思重要，体验时间流逝胜于观看静止和持久的物体，力图表达瞬间即逝的短暂存在，此种艺术多使用易于体现时间变化的软性材料，最初的来源是波洛克和德库宁在创作中随意滴溅颜料的偶然性，创作过程多是作者对展出材料的任意改变。代表人物是罗伯特·莫里斯（Robert Morris），他的一件作品是在展厅里堆放一些没有任何价值的混杂材料。他每天去改变这些材料的放置状态，到展览结束时就将这些东西收起来扔掉。
有了上面一些活动，此后的西方艺术就出现两种相反的发展趋势，一种是纯艺术，就是让艺术保持独立品性，以区别其池事物。在纯艺术里，什么是绘画，什么是雕塑，有着明确的质的界定，另一种趋势则是混淆艺术与非艺术的界限，尤其是混淆艺术与生活的区别。前一种艺术的所谓“纯”，恰好是后一种艺术所竭力排斥的东西。而排斥的理由则是认为艺术的本质是启发创造性，人为地划分艺术范围是对刨造力的束缚，只有当艺术与生活融为一体时，艺术的创造力才能在最广泛的程度上得以体现。
新的艺术思想传播迅速，到川的年前后，美国的艺术杂志中就不再是满篇塑胶钢和几何型了，天然材料，行动的过程，环境和观众的介人，语义解析，摄影实录，逐渐成为艺术传媒的主要报道内容。至此，现人艺术的观念、方法和形式有了重大改变，人们说的后现代艺术，就是从这个时候开始的，下过，艺术吏的更迭不是军事交接。下会形成截然两端的局面，所谓新与旧，尾声与开场，往往同时存在，只是论述者为了叙述方便，习惯将纠缠在一起的事实分开来说，囚此，我们常会看到学者们对许多所谓流派运动的开端有众多说法，本文论述后现代艺术，因为要刻意寻找时间推移的秩序，就无法同时兼顾空间的划分,这是要请读者注意的。
促成西方现代艺术在1960年代未转变形态的原因很多，通常认为与下列社会背景有关：
（1）美国在越战的失败，导致反对战争的情绪增长，再加上冷成格局下的国际环境，陵人们对于人类社会和现实生活不抱有大多希望，并进一步开始蔑视已有的人类生活准贝1。在文化领域出现反主流和否定永恒价值的倾向。
（2）工业发展的副咋用。工业的进步曾给人类社会展示了美好的前景，但副作用也越来越明显，环境污染，能源紧缺，有毒废料，核武器危险，陵人们认识到，科学技术在解决一些问题的同时，叉带来了新的问题，人们开始清醒地看待工业进步的利弊得失，对科学方法产生了怀疑。
（3）社会问题突出，丰富的物质生活解决不了精神的问题，战后“垮掉的一代”出现。1968年，欧洲和美国都出现了学生运动热潮。
（4）新思想的出现。欧洲j午多哲学家们对当代文化提出了新看法，从而对艺术界产生影响，这些哲学家包括罗兰巴特、福科、德里达、拉康，利奥塔等人，他们对已有的社会抖学理论提出吠疑，关任多种文化形态，引导人们怀疑任何单一的理论框架和终极判断，在艺术领域则是重新肯定具象的价值，从而导致对追求形而上的现代艺术的脱离。
除了上述外在因素，过分理性儿和科技化是促使艺术方向发生转变的内在原因。需知人类的精神世界和自然生态一样，既变化万端又相互平衡，如果其中某仲囚幸过分发展，就会有相反的力量来克服它。如果科学对艺术干预大多，就会有反科学的力量出现。
四、后现代艺术的价值观1980年代以后，以美国为中心，后现代艺术已经风起云涌，成为新的世界性的艺术潮流。综合地看这些艺术现象，可以明显感知新的价值现在成长，它主要表现在以下几个方面：
（1）不求纯粹，当代艺术不局限于视觉形式，语言文字、音乐戏剧、大众传媒。数码影降、声光电化，只要能传达特定信息，就无所不用，绘画超越平面限制，雕塑结台风景和建筑，展出场地也不局限在画廊扣博物馆，在当代西方，所谓视觉艺术已经与其他门类艺术难分准解。
（2）善侍传统。人类有丰富的传统文化资源，弃之如蔑很可惜，当代艺术家不反对传统，而是利用过去以更新自我。在时间和环境改变后，旧符号可能产生新意义，分冰的“天书”，蔡国强的“草船惜箭”。都是这样。
（3）非个人化，在艺术之上，除了19世纪后期到J）世纪中期这段时间，“个人表现”都不是创炸的主要目标，后现代艺术强调社会功能，使艺术走出象牙塔，贴近大众生活，艺术家以天下任为己任，关心社会问题，积极参与社会活动，不再是特立浊行的另类人物。
（4）多种标准，“多元”是当代艺术的核心观念，虽然国际上仍有主流艺术趋势的存在，但却不再用统一的标准判断优劣，比如承认不同国家，民族，地域的艺术的价值，女性艺术、土着艺术，非发达国家艺术受到重视，等等。但也因此出现繁杂混乱的局面，难以系统化。
综合以上的论述，也许我们可以对后现代艺术有个粗浅的认识：它起源于对现代艺术的反叛，发展出表达思想和传递信息的新方法，观念的更迭，技术的转换，以及它所代表的公众意识、多元价值观和自由创造精神，体现了西方当代文化中的发展趋势，但由于地域，文化和体制的不同，中国美术界还不能在短时期内以整体面貌融入这一全球范围的艺术运动，但这并不妨碍新艺术因素的增长，也不妨碍我们从常识的角度去获得西方当代艺术的知识。
五、杜尚的启发在涉及西方后现代艺术的话题时，不能不提到法国画家杜尚（MarceI Du-champ）调池被人们描述成西方后现代艺术之父，理解他的艺术和生活，对理解西方后现代艺术的诸多奇妙现象大有帮助，但理解杜尚是个难题）因为他的作品与生活都与常人相去太远；难以合理解释。
虽然杜尚的艺术实践止于1930年代。而且在1968年去世，但他旱期的短暂艺术活动却在后来产生了持续的影响力。1913年他完成了第一件现成品艺术《自行车轮》表达对传统作品中注重结构的轻视。并暗示艺术创作中最重要的因素是观念而非制作技巧。《巧克力研磨机八号》差不多是杜尚最后一件架上作品，是对学院派油画的嘲弄。1915年后杜尚定居纽约， 1917年完成《泉》是一只小便器；另一件作品是L.II.O.O.Q,（1919），是给印刷品《蒙娜丽莎》添上小胡子。杜尚最重要的作品是《大玻璃》又名《新娘被她的汉子剥得精光》，该作品从1915年开始制作，至1923年仍未完成。192O年后，杜尚对光学和电影的兴趣与日俱增，川年代后他又将兴趣转到国际象棋上。
杜尚最重要的贡献是“现成品”艺术。虽然从世俗的角度看，把现成的工业产品或是其他物品摆到美术展览会上是荒诞不经的，但事实上这却改变了人类对艺术乃至对世界的整个看法，人们开始质疑传统价值观念和艺术创作模式的必要性，至少。在西方后现代艺术中，“现成品”的影响无处不在，并从以下几个方面给人们以启发：
（1）形式与美都不重要。自古以来，艺术家以创造美的形式为天职，并赋予此类工作以崇高的地位和价值。但杜尚认为美并不存在，艺术和创造艺术的人也没什么特别崇高的地方，他告诉人们，普通物品与艺术品没什么区别，果艺术是美的；那普通物品也是美的，如果普通物品不美，那艺术也好不到哪儿去，所谓艺术的审美价值只不过是人们的成见而已。他把那个“小便池”送进展览会，对打破这个成见起了很大作用。
（2）环境和时间比作品更重要，变现成品为艺术品的决定因素是环境和时间。与作品本身无关。这说明，在一定条件下。任何东西乃至行为都可以是艺术；也可以反过来说，当条件改变时，任何东西乃至行为都可以不是艺术，按中国话说，就是此亦一是非，彼亦一是非，由于环境和时间永远在流动扣变化中，所以文艺复兴的经典“蒙娜丽莎”到了20世纪，就可以被画上小胡于，成为笑料；囱行车轮和凳子放进美术馆里，就等于结构主义的雕塑。
（3）引艺术回到自发和天然的状态，人类最初的艺术活动是自发和天然的，无须专门训练，更没有艺术家和非艺术家之别。但后来就有了分工，艺术成了一项专门的工作，也因此有了专门的关于艺术的标准。显然，这种分工和标准是以往制度的产物。有碍于健全的人性发展。如果在社会条件改变的情况下，仍然把这些已有的标准当成至高无上的法则要人们遵守，就太不合理，“现成品艺术”就是完全不把已有的艺术标准乃至文化尺度放在眼里，以一种看似搞笑而实际上相当深刻的思想，嘲笑了人类在文化领域的拘谨和匠气，从而呼唤一个新的富有自由创造精神的时代的到来。
（4）叫取消技术的限制，人们久已习惯将艺术创作看成是一种专门的技术操作这程，所以才有美术学院和专业画家，“现成品”艺术却与作者的个人技术无关，它只需要一种选择的眼光，而选择是一种思考过程，与物质产品的制作技术毫无关系。杜尚在这里告诉人们，艺术的价值在于思想。有思想，任何物质产品都可以成为艺术品。这种将艺术等同于思想的做法，客观上取消了传统意义上的艺术学科，暗含了艺术与艺术史即将终结的理论判断。
美国画家德库宁（De Koonig）说：“杜尚一个人发起了一场运动一一这是一个真正的现代运动，其中暗示了一切：每个艺术家都可以从他那里得到灵感”，以似乎是随手拈出的“现成品”，轻松地扭转了西方艺术发展的方向，是杜尚留给后人的先驱者形象。杜尚之后，反对一切既定的艺术模式和评判标准，以毫无挂碍的自由精神为艺术创作目标，成了西方艺术界的共识。

6. 现在的艺术发展的趋势

现代艺术发展呈多元化的局面，是现代社会的产物，体现着这个社会的特点，具有一些明显的发展趋势，主要体现在两个方面：
其一，艺术走向过程；【现代艺术更看重艺术创作过程中自己得到的感受和体验，而把结果是为其次的东西，这实际上就是所谓的艺术走向过程。例如：美国的抽象表象主义（只注重绘画行为过程而不注重画面结果）。】
其二，艺术走向生活；【艺术的价值就在于不断发现和创造。现代社会发展迅猛且多姿多彩，人们的观念发生了改变，认为让精神享受和物质劳动相结合，鲜活生动的生活也就成了艺术。例如：美国的波普艺术（从生活环境和工商业产品中选择物品和素材进行创造。使艺术与现代文明相互渗透，让艺术成为更为普及的交流手段，并于现代人的生存息息相关）。】
您好，我花了好长时间整理的，很辛苦的~~~您认为回答的行不？加点分吧！(*^__^*) 嘻嘻……

7. 艺术的发展过程

原始社会是一个极其漫长的历史过程。艺术发生也是一个极其漫长的历史过程。作为艺术品，它不仅是人的创造，而且是人的具有审美价值的、蕴含情感的形象创造，而工具仅仅是为了实用目的的创造。生产在艺术发生之前，艺术发生在生产之后，这是马克思历史唯物主义的基本观点。

从工具的产生到艺术的发生，大约历经了三个阶段：第一阶段：纯粹的实用品，它的标志是人类所制造的第一把石刀。第二阶段：既是实用品，又是艺术品，或者说，既不是实用品，又不是艺术品。这就是艺术发生的开始。我们叫做“准艺术”、“史前艺术”或者用黑格尔的话说，是“艺术前的艺术”。艺术发生的过程就是在人制造的产品中实用内涵逐渐下降而精神内涵逐渐上升的过程，也就是从实用产品中逐渐分化出精神产品的过程。第三阶段：纯粹的艺术品，这就是文明社会的艺术。

所谓艺术发生的历史过程，实际上就是“准艺术”或“艺术前的艺术”的发展的过程。

“准艺术”的特点之一就是它的过渡性与发展性。“准艺术”随原始社会经济的发展而发展，随原始社会经济的衰落而衰落。随着新的社会形态的产生，真正的艺术之花在“准艺术”衰落的土壤中破土而生。真正的艺术产生的标志是实用价值下降、渗入等级观念、作为富人饰物或宗教祭器象征的玉器和青铜器艺术的繁荣和狞厉恐怖的艺术风格的产生。

8. 现代艺术的发展阶段

现代艺术的性质有学者把西方美术的历史概括为三个阶段，即：前现代一现代…后现代。这个分期法中，一切艺术都是围绕着“现代”来确定其时段的，“现代”成了划分历史的坐标，这个分期法很简单，也容易记，我们不妨借来一用。
旅美日本文学理论家洒井直木（NaOki SakiIJi）在一篇谈日本后现代文化的文章中说：前现代一现代一后现代的序列暗示了一种时间顺序，我们必须记住、这个秩序从来都是同现代世界的地缘政治构造结合在一起的，现在众所周知的是。这种秩序基本上是十九世纪的历史框架,人们通过这个框架来理解民族、文化、传统和种族在这个系统里的位置.历史阶段的划分不是纯然时间性的，而是和空间纠葛在一起的。这意思是说，在同一时间里，不同地域可能分别处在不同的文明阶段；比如同处19世纪，中国是封建帝制国家，而西方早已进入资本主义，因此，有人说凡是当代出现的艺术都是当代艺术：是不对的，现在我们国家展览会中出现的许多美术作品就不具有当代艺术的特征，甚至不具有现代艺术的特征，这正是东西方地域差别的结果。
无论是“前现代”还是“后现代”，都是与“现代”进行比较后才可能产生的看法，弄清什么是“现代”，是进行这种比较的前提。我们可以从两个角度体察“现代艺术”发生转变的原因。
一种是风格和形式的角度，这是一种数量的概念。从理论上说，我们可以计算出西方现代主义阶段创造的视觉形式和风格的数量，这个数量很多，以倍数超出已往任何时代，也是中国已有美术形式和风格的总和也无法比拟的数量。
另一种是价值的角度，所谓价值，是断什么好，什么不好的标准，价值是质的概念，关系重大。不同价值观导致不同的评价结果，比如，用明清文人的价值观看今天的中国画，就会认为今不如昔。
从数量角度看现代艺术，我们会发现西方艺术家们在短短半个多世纪里，以多角度。全方位的探索精神，实践了艺术形式（架上艺术）变革的各种可能性，乃至没给后人留下多少有待探索的空间。革命已经成功，同志无须努力，后来的艺术家只好另辟踝径。
从价值角度看现代艺术，我们会发现它基本上属于精英文化范畴，能坚守高雅艺术的节操，不屑于与凡俗为伍，这种观念就其本性来说，是历史上贵族文化的衍生物，但社会变化了，精神贵族们失去了世袭领地，也只好去尘世中摸爬滚打。

9. 现代艺术设计发展新趋势

现代艺术设计发展新趋势

艺术设计并不只是审美的一种表象，而是服务于人的一种理念。那么，现代艺术设计发展有什么样的新趋势呢？

摘要：随着人类生活节奏的不断加快，艺术设计在中西方文化的冲突下，呈现出新的格局，“以人为主”是当代艺术发展的核心，只有站在人性化的角度上去发展艺术设计，才能摆脱理想主义的设计束缚，使中国艺术设计走向多元化的发展格局。因此本文将针对现代艺术设计发展趋势进行新的探讨，希望为更多艺术设计者寻找到新的设计方向，创造出更多服务于国人的艺术设计。

关键词：艺术设计;发展;新趋势

当人们物质生活得到满足时，精神需求就会出现新的契机，这种社会现象往往也影响着现代艺术设计的发展，迫使设计者的理念不断创新。因此从某种角度上说，是现代艺术对我们的生活进行了革命性的创造，为我们的生活形式打开了一扇多姿多彩的大门。我们在享受着艺术设计美感的同时，也更应该思考未来艺术的发展道路，只有不断地前进和发展，才能使我国的现代化艺术设计时刻走在时代前端。

一、情感寄托式怀旧设计

随着社会发展的不断进步，新的艺术设计永远都层出不穷，我们将越来越多的新鲜元素融入到了设计之中，本以为会达到意想不到的效果，可是却发现这种文化过盛使人们产生了厌倦情绪。反而是一些古旧设计更受群众推崇，于是，越来越多的设计者在设计过程中感到迷失。觉得如今的艺术设计似乎越来越捕捉不到人们的内心。造成这种现象最主要的原因就是设计者忘记了一句话，叫做“情有独钟”，也可以说这是人们对于青春的向往，这种情感会随着年龄的增长，变得越发珍贵。所以说艺术设计最流行的元素，永远是在人类的情感足迹之中，因此情感寄托式的怀旧设计正符合现代艺术设计的发展趋势。怀旧设计并不是一味的古老化，而是在设计中体现出伤逝的情愫，利用历史与传统文化背景，将一些旧时代元素在新的空间反复应用，让人们在现代的文化生活中，感受传统古老的文化气氛，这会让复古怀旧基调与现代设计形成鲜明的艺术冲突，在这种强烈的对比中，达到意想不到的设计效果。所以说情感寄托式怀旧设计是真正地从人的心底出发，满足了人们对于逝去年华的追求，利用人的遗憾，实现设计的美感，让人们可以在这个物质过盛的年代，感受返璞归真的情怀，这才是真正新趋势下的现代艺术设计。

二、极简主义前卫式设计

传统艺术设计利用繁琐的形式来崇尚美感，这种设计理念在新形势下，已经渐渐地被人们所摒弃。现在人类生活节奏快，因此极简主义这种前卫式设计更符合人们的生活需要。早在19世纪80年代，国外的设计大师就提出了“形式追随功能”的设计理念。[2]这种设计理念随着时代的发展，演变为今天的不只是形式要追随功能，而是我们要用形式把功能体现出来。简单地说就是，设计已经不只是一种美，而是利用设计去方便我们的生活。因此极简主义也可以成为极少主义，这与设计师米斯所提出的“少就是多”的设计理念相同，是当代一种“最低限艺术”的潮流体现。与传统艺术相比，设计师为了烘托个体强烈的艺术风格，而视设计功能于不顾，极简主义则是一种无个性的设计主义，它排斥再现自然具象艺术，在设计中设计师只是利用几何、抽象等简洁的线条，通过这种单一的几何形态反复使用，来优化整体设计的效果，不但看起来简洁大方，用起来也方便快捷。因此说极简主义是站在高水准的现代科技条件下的艺术设计，通过最真实的视觉感受，给予人独特的艺术遐想，是符合人类发展的前卫设计。

三、清新朴素自然的品格设计

有人说艺术是机械化生活的解毒良药，我觉得这句话说得很有道理，尤其是在当今这个机械化的时代，人们在城市的拥挤与躁动下，生活节奏越发紧张，所以有很多时候，不是我们在推动着技术，而是技术在支配着我们的生活。艺术设计不只是单一地追求美，若是人们能在设计中寻求到自然与宁静，那么就可以说这样的艺术设计是存在价值的。因此可以说，清新朴素的自然品格设计是人类天性的需求，是人类想象力与审美能力的结合。这种设计理念，不只是在风格上更加田园化、山水化，而是从材料到制作，所有的工序都能体现出对于天然的追求。这种设计不但能够满足人类对于自然的热切向往，也体现出人类对于天然材料的利用，将一些最简单的事物发挥出最大的价值，这正是现代艺术设计的核心。

四、后现代主义设计

新形势下的后现代主义与传统的后现代主义不同。传统的后现代主义只是单纯地临摹古典元素，而新形势的后现代主义，只是参照了历史的样式，并没有按部就搬，通过利用历史文化之间的隐喻性符号，而展开有关历史关联的想象，然后通过夸张、放大、组合等手法，形成一种视觉形象的象征。可以说，新趋势下的后现代主义不但没有过时，反而是一种超越自我的现代主义设计，它既承接历史的延续性，又批判守旧的传统艺术，是一种吸收式的叛逆设计，通过兼容的态度，展示出设计的特点。因此，这种忽然开始又突然结束的艺术风格，往往让人捉摸不定，可是人们却可以在这种隐喻性的空间中，感受艺术设计的耐人寻味，同时幽默荒诞的风格又让人遐想联翩，可以让人在疲惫的工作环境中，感受后现代设计的神奇魅力，所以说在当代设计中，运用后现代主义，同样符合新时代的发展，只是设计者在设计的过程中，要推陈出新，实现后现代主义的灵动性，让更多人感受艺术设计所带来的乐趣。

五、绿色环保可循环设计

80年代人们消费注重物质的品质与良好的生活状态，90年代以后人们在消费的过程中开始注重环境与自身消费对环境的'影响，而当代人类的消费观念，则绿色意识更高，物质的低碳可持续利用，才是人们消费真正关心的原因。因此现代艺术设计也应该顺着这个发展方向，实现绿色环保可循环设计。在实现绿色设计的过程中，我们需要从当下特定的空间，去选取相应的材料、技巧与方法，而不是不切实际地去寻求那些所谓的超越性技术。也许这样说，会有很多人质疑，但这确实是一个事实，符合时代环境的需求不只是要符合自然环境，也要符合社会环境。因此我们所指的绿色设计，不仅是要保护自然环境的生态平衡与可持续发展，也要注重社会环境的精神需求，未来的艺术设计，不只是要遵循自然环境基本法则，也要用一种健康的理念去强化社会精神文化动向。设计师所设计的作品，不但能够通过绿色设计，使自然环境与社会环境朝着一种健康的趋势发展，也能使作品的本身为艺术设计提供更多的资源空间与发展空间。艺术设计与可循环发展需求并不冲突矛盾，只有能够真正地理解绿色设计，才能在新时期下，实现现代设计的蓬勃发展。

六、结语

综上所述，艺术设计并不只是审美的一种表象，而是服务于人的一种理念。所以说为人民服务的设计，才是最好的设计。我国现代艺术设计，经常会受到世界各种潮流的冲击，我们可以在这种冲击下，抓住适合自己的时尚元素，但却不能在这种冲击下随波逐流，因此从当下形势分析我国现代艺术设计还有很长的一段路要走，这需要设计者共同努力。

参考文献：

[1]周长积，周雅，傅娜.我国建筑室内环境艺术设计的现状与发展[J].山东建筑大学学报，2011(06).

[2]姜海燕.美的蕴育：中国传统文化艺术与现代设计的契合[J].青岛农业大学学报(社会科学版)，2011(01).

[3]黄丹.电脑高科技对现代艺术设计的负面影响——我国艺术设计现状的思考与剖析[J].设计艺术，2013(03).

[4]李文涛，李淼.艺术设计在现代社会的发展趋势[J].科技信息(科学教研)，2013(28).

[5]周海军.可持续发展的现代艺术设计发展趋势[J].无锡商业职业技术学院学报，2016(03)

10. 现代西方艺术是如何发展的

美术和音乐是西方人文化生活的重要组成部分。进入20世纪以后，美术和音乐领域有了进一步的发展，出现了许多体现现代精神的新风尚和新流派，令人眼花缭乱。美术界出现了野兽主义、立体主义、表现主义、未来主义、行动绘画和色彩抽象绘画、欧普艺术、波普艺术等流派，音乐界产生了印象主义音乐、表现主义音乐、新古典主义音乐、电子音乐和爵士音乐等新流派。这一时期现代西方艺术的流派呈现出反传统，弘扬个性，反映现实的特点，风格和流派更加多元化，且变化频繁，艺术的中心逐渐由欧洲转移到美国。

20世纪西方现代美术发展的新潮流20世纪的西方美术是现代主义思潮占统治地位的时期，其突出的特点是反传统，从形式到内容都显示出一种叛逆者的姿态。在技法上，大都反对传统的写实主义，追求新奇，空间结构错乱，色彩配置随意，点线紊乱，缺乏透视；在创作主旨上，都主张强调自我，表现个人情感和内心世界。出现这一趋势的原因主要有：一是科技的影响。现代科技的发展改变着人类社会生活的面貌，也改变着人们的审美情趣。照相术和电影的发明对绘画的冲击最大，这两种新技术使运用机械手段准确无误地记录客观形象成为可能，从此意义上来讲，传统绘画技巧所完成的不过是照相机所做的记录事物表面的光反射反应而已。画家们再也不能以描绘事物的表面形状来引起观众的共鸣了，他们只能转向用表现精神领域里面的东西来打动人。二是现代哲学思想的影响。20世纪初出现的现代主义哲学思想为人类进一步了解精神领域的活动提供了前提，尤其是弗洛伊德的精神分析法和法国柏格森的“心理时间”观念等理论为艺术家从事创作提供了有力的思想武器，他们逐渐从描绘客观世界的“外向艺术”转向描绘主观世界的“内向艺术”，艺术的社会职能也相应地由社会和教育功能转为满足人类普遍精神需求的“泛功利主义”。三是古代美术遗产和东方文化的影响。进入近现代以来，考古学家陆续在各大洲发现了一些原始土着文化的艺术品，这些古朴稚拙却又形象生动的艺术品给艺术家带来了创作灵感。东方文化艺术品的西渐，尤其是中国的水墨山水画、印度的石窟艺术等从各种途径传到了西方，这些与西方写实风格相异的新风格为西方艺术界带来了一股清新之风。没有继承，无以创新；没有创新，无以发展。20世纪一批富有创意的艺术家正是站在历史巨人的肩膀上才攀上了一个新的艺术高度。

20世纪的西方各种美术风格流派并存多变，且与商品化的联系更加密切。二战前，美术界出现了众多的现代流派。二战后，新的风格和流派像走马灯一样交错更迭，变异得更快、更频繁，资本和资本的逻辑也已渗透其间。

二战前的现代派美术流派第二次世界大战前，野兽主义。立体主义、表现主义、未来主义、达达主义、超现实主义是影响较大的流派。

野兽主义是20世纪初出现最早的一个现代主义绘画流派。1905年，在法国巴黎举办的秋季沙龙画展中，展出了马蒂斯、弗拉芒克、马尔开、杜飞等一批青年艺术家的作品。因其技法一反常规，被评论家称为“野兽般的艺术”，野兽派由此而得名，马蒂斯为该派的代表人物。野兽派各个画家风格不尽相同，但他们都强调在创作中用大色块和豪放不拘的线条，来表现个人的主观感受和自由意志，画面一般都缺乏透视感，具有装饰性很强的图案效果。

亨利·马蒂斯（1869—1954年）是法国着名的现代派画家。二十多岁正式学画，他继承了许多着名画家的优良传统，并汲取了东方艺术的特点，逐渐形成了自已的画风，创作了大量刻意求新的作品，在美术界产生了广泛的影响，并成为野兽派中成就最高、影响最大的画家。马蒂斯的名言是“准确描绘不等于真实”。这句话成了现代艺术的纲领。他的主要作品有：《生活的快乐》。《蓝色的裸体》、《红色的和谐》、《打开的窗子》和《戴帽的女人》等。

立体主义是1907年在法国艺术界出现的一个新的艺术流派，主要代表人物是西班牙的毕加索和法国的勃拉克等，其中贡献最大的是毕加索。该画派主张把一切形象解体成最简单的几何形块，按画家的意愿组合起来。在他们的画中，一切物体、风景、人物和房子变成了几何图形和方块，既能看到物体的正面。侧面，还能看到其背面。立体派给人一种新的观察世界的方法，即多视角地观察世界，它盛行西方世界达半个世纪，20世纪二三十年代为其最繁荣的时期。

巴勃罗·毕加索（1881—1973年）是20世纪影响最大的画家之一。他7岁开始学习绘画，一生创作了数以万计的作品。最重要的贡献是创造了立体主义。1907年创作了震惊欧洲画坛的《亚威农少女》，画面上五个人物的形体，尤其是脸部、正面、侧面、斜侧面全合到一起，完全违反了人的视觉所看到的形象。这幅作品被认为立体派的开端。他热爱和平反对战争，绘制过《和平鸽》，1937年绘制的反法西斯名画《格尔尼卡》轰动世界。

表现主义产生于第一次世界大战前的德国，其代表人物是挪威的蒙克、德国的基尔希奈、马尔克、俄国的康定斯基等，其宗旨在于表现内心世界感受到的一切，通常总是将现实的东西加以变形，使画面呈现激烈的、粗糙刺目的、悲怆的、恐怖的气氛。

未来主义产生于1909年的意大利，其代表人物是马利奈蒂、波菊巴。巴拉等。他们主张在绘画中要表现感情的爆发，表现飞速运动的力，在一个画面上表现抽象的动态美。

达达主义诞生于1916年瑞士的苏黎世城。该派随便从字典上捡出一个儿童语汇“达达”作为本派的名称，他们以虚无主义态度否定一切，否定理性和传统文化，认为艺术可以不受任何限制，艺术可以是任何艺术家随心所欲的产物。达达主义的代表人物马塞尔·杜桑的作品可以说是达达派的典型之作。使他一举成名的《下楼的裸女》，是一连串如机器人一样的重叠图画；帕行车车轮》是一只现成的自行车车轮倒竖在一张木凳上；《泉》是一个钉在木版上的小便池，更是惊世骇俗。

超现实主义是1922年前后从达达主义内部分化出来的一个新流派。该派在弗洛伊德学说影响下，力图系统研究如何表达人的“潜意识”。代表人物有西班牙的达利和米罗等。达利的《记忆的静止》，勾画了一个产生错觉的痛苦世界成内战的预感》描绘了战争给人带来的恐惧。米罗的代表作为《海滩上的女人》等。

二战后的现代派美术流派第二次世界大战并未使艺术发展本身的趋势得以中断，自20世纪初出现的各种现代主义美术流派，在战后依然显示着它们的创造力。但战争和社会的变迁毕竟还是会对艺术的发展带来了重要影响，出现了一些新的流派。其中比较着名的有行动绘画和色彩抽象绘画、欧普艺术、波普艺术、照相现实主义等。这一时期，现代主义艺术运动的中心从法国的巴黎逐渐转移到美国纽约。

行动绘画和色彩抽象绘画是五十年代在纽约产生的最为风行的一个美术流派，它属于抽象表现主义艺术，在战后西方艺术史上有着重大的意义。行动绘画又称“滴画”，最着名的画家是杰克逊·波洛克，他用在画布上滴溅颜料的方法，开创了绘画活动与下意识活动相结合的新途径。画家沿着画布边走边滴，他自身的运动与滴色动作相协调，由此来反映画家的绘画行动，所以得名为“行动绘画”。这种随意性极大，不受任何绘画技巧理论的支配，最终出现何种效果连画家本人都难以预料的方法，是与绘画中一切传统形式相背离的，它只关注于绘画材料本身和绘画语言，去追求色彩的的偶然效果。色彩抽象绘画，亦称“大色域绘画”。五十年代，以美国的马克·罗斯科为该派的代表。他的画往往是由简单的形状、彩色的方块、粗粗的线条组成，构成了一种抽象的空间，似乎表达了某种信仰或精神要素，常人往往是看不懂的。

欧普艺术又称“光效应艺术”或“视幻艺术”，兴起于六十年代的欧美。这一流派的艺术家运用各种黑白或彩色几何形体排列、组合、对比，或重叠，‘或交错构成复杂的图像，给人造成视角的错乱，形成变形、颤动等幻觉。该流派在英法意美等国颇为流行，拉丁美洲的阿根廷等国也出了一些名家。其代表作有：英国女画家赖利的《羽纹》、《三场暴雨》、《领悟》，法国画家瓦萨莱利的《索拉塔—T》，阿根廷的莱帕克的《三棱镜视幻作品》等。由于这种艺术的商业广告效应很好，因此，被广泛用于装饰艺术品的设计。

波普艺术是20世纪六十年代最典型的具象艺术。波普是大众的意思，所以，波普艺术又叫做“大众艺术”。1952年，一批英国的年轻画家、雕塑家、建筑师以及艺术评论家聚会，成立团体，倡导关注大众文化，由此掀起了一股波普艺术热。以后，在美国这种艺术流行起来。美国人罗伯特·劳申堡成为该派最着名的代表人物，他用照片、剪报和各类印刷品拼装起来，再用油彩画上几笔，构成一幅作品，后来，干脆用一条薄棉被作底，加一个枕头上去，再泼上颜料任其流淌下去，构成作品。这种作品与原来意义的画不完全相同，既有画的成分，亦有雕塑品的成分，还带有实物装拼的成分。

照相现实主义又称超级现实主义，是六十年代后期出现的绘画流派，也是高科技时代出现的一个新流派。该派的基本方法是摄影的放大和临摹。在题材选择方面比较广泛，往往借助于一张好看的照片或幻灯片放大作画，通过极端琐碎的细节临摹，以期达到比照片更真实的视觉效果二他们认为“逼真”和“酷似”才是艺术的要素。该画派最有影响的代表人物是查克·克洛斯，其代表作是《裸女》、《约翰》、《自画像》等。

20世纪西方现代音乐发展的新潮流20世纪西方音乐艺术进入了一个前所未有的复杂时期，多样性、复杂性和多变性是其明显的特点，多种多样的风格和流派层出不穷。它们互相并存，互相影响。一方面它们和其他艺术形式一样也具有典型的20世纪特性，即挣脱传统束缚，主张标榜自我和反理性。另一方面，又有唯理性和反浪漫主义的一面。认为音乐是抽象的，除了自身。它不能表现任何东西。现代音乐与传统音乐相比在技巧上出现了许多新变化，如调的概念与和声概念的变化，乐曲节奏和旋律的变动，电子音乐的出现等。目前，随着科学技术的发展、传播技术的进步和交通的发达，各国间文化交流日趋增多，音乐的国界正在逐渐消失，流行的速度与频率也日益加快。20世纪主要的音乐流派是印象主义音乐、表现主义音乐、新古典主义音乐、电子音乐和爵士音乐等。

印象主义音乐、表现主义音乐和新古典主义音乐印象主义音乐出现于19世纪末期，其影响主要产生于20世纪，其代表人物是法国作曲家德彪西。印象派音乐大师德彪西，被认为是20世纪音乐界承前启后的天才，他结束了一个时代，并把那个时代的成就推向高峰，同时又为一个新的时代开辟了道路。

德彪西出生于巴黎近郊，家庭没有任何音乐背景，11岁入巴黎音乐学院学习，不断探索音乐的表现手法，1884年获罗马大奖。在19世纪九十年代，开创了音乐史上的印象派。作品多以诗、画、自然景物为题材，着意刻画人物的感情，揭示人的精神世界，在调式、和声、音色等方面逐步形成独特的艺术个性，并以崭新的音乐语言开拓了现代音乐的发展道路。在他创作的音乐中，人们可以领略到一种朦胧、飘忽、空幻、幽静的意境。他先后写成的管乐序曲《牧神午后》、歌剧《佩利亚斯》、管弦乐《夜曲》。《火海》以及钢琴曲《月光》等，都是印象主义的代表作。

表现主义音乐是19世纪末20世纪上半叶西方现代派音乐的一种重要流派，它同印象主义音乐观点相反，印象主义音乐重在反映外部世界，强调客观性；表现主义音乐重在表现内部世界，强调主观性。表现主义音乐的主要代表人物是勋伯格及其弟子贝尔格和威伯恩。

勋伯格生于维也纳，一生中没有受过多少正规音乐教育，几乎是自学成才，1908年后，在表现主义思潮影响下追求无调性等现代派创作手法，创造了无调性音乐。这种音乐总是处于紧张状态，刺激人的听觉，适合于表现处于紧张状态的20世纪的“人”。二十年代他创造了十二音体系，并按此体系写了大量乐曲。所谓十二音体系，就是摒弃传统的调式、调性与和声体制，将半音音阶中的十二音体系任意排成一个音列，然后以倒置、进行等技法加以处理。为了避免任何一个音成为主音。在十二音未全部出现之前，其中任何一个音不得重复。十二音体系对70世纪音乐产生了巨大影响。他的学生贝尔格和威伯恩以后对十二音体系进行了创新和发展。勋伯格的作品主要有：弦乐六重奏《升华之夜》、歌曲《摩西和艾伦》、大合唱《华沙幸存者》。

新古典主义音乐是在两次世界大战期间兴起的。一些作曲家把18世纪古典主义原则与20世纪新文化结合在一起，简化乐曲的素材、形式，大大压缩乐队的编制，使音乐风格简洁、冷静而富于理性。主要代表人物是斯特拉文斯基。

斯特拉文斯基（188—1971年）生于俄国，1934年加入法国籍1945年取得美国籍。他的作品种类多，风格变化大，几乎涉及所有的重要现代流派。其着名的作品有：芭蕾舞剧《火乌》、《春之祭》、歌剧《浪子的历程》等。

电子音乐和爵士音乐电子音乐就是运用电子技术与设备制作出来的音乐。20世纪科技发展迅速，音乐与科技相结合成为现代派音乐的一大特色，一些作曲家不满足传统的乐器音响，开始大胆创新，尝试电子音乐。1951年，西德科隆广播电台首创电子音乐制作室，并于1953年生产第一件作品。1956年左右出市。电子发声器装置”，把各种发声器和声音变化器结合到一起．由统一的系统进行控制，使电子音乐的制作过程大为简化。六十年代出现半导体技术后，合成器更加完善和小型化，并能参加现场演奏。随着电子计算机进入音乐领域，人们通过编制好的程序复制出特定风格的音乐，制作者运用电子技术可以任意组合各种奇异的音响，随心所欲地按照自己的想象进行创作。电子音乐开辟了一块新的领地，开拓了无穷无尽的声源，发展前景为音乐界人士看好。

爵士音乐是19世纪末叨世纪初在美国密西西比河下游的新奥尔良产生的一种全新的音乐流派，十几年后风靡美国，迅速传遍西方世界。它最初多数为新奥尔良黑人乐队演奏，当地黑人的祖先多数源于西非洲，因此，爵士乐具有强烈的西非洲音乐风格。

黑人处于美国社会的最低层，处处受到歧视和压迫，他们想摆脱现实生活的苦闷，因此在劳动、社交场合唱的歌曲中探合了白人的其他音乐，造就出了深含忧郁的歌调，被称为“蓝调”，这是爵士音乐的前身。后来当地一些乐队和黑人歌曲进一步合流，不久形成了最初的爵士乐。爵士音乐是一种喧闹、狂热的音乐。这种音乐以即兴演奏为基础，节奏感强，富于变化，适合表现现代生活。美国作曲家格仁文的《蓝色狂想曲》是现代最着名的爵士音乐作品。爵士音乐对以后出现的“摇滚乐”、“迪斯科”音乐等产生了深刻影响。