如何看待书画艺术

❶ 中国画作为中国的古典艺术，它到底有什么魅力

一幅好的书画作品，都是从生活中而来，离不开对生活的观察。在传统书画中，书画对于客观事物的观察，采取小观大、以小见大的观察方法，其中还包括子在活动中观察、客观认识事物、直接参与真实事物，从而达到对真实事物的全面、客观的认识，而不是只看到局部。

总结：中国文化是实用型文化，是一种巨大的财富，关键在于我们现代人要好好研究，合理利用，造福人民，好日子！

❷ 浅谈书法欣赏的意义

书法欣赏的意义，也就是书法欣赏活动的价值问题，这项活动究竟有没有做的必要，书法欣赏到底有些什么作用，究竟会产生什么样的效果，这是我们需要从理论上弄清楚的问题。对此，我们不妨从两个方面，从书法学习与书法欣赏的关系、书法欣赏的作用特别是区别于其它艺术的独特作用两个方面来分析书法欣赏的意义。

据此，我认为，书法欣赏的意义主要有四点：

第一、书法欣赏不仅能够培养我们的审美鉴赏能力，而且还是我们提高书写水平的前提条件。

我们之所以要从书法学习与书法欣赏的关系这个角度来看书法欣赏的意义，是因为现在常见的书法教学模式往往把“写”作为书法教育的全部内容，即使提到欣赏的问题，也只是轻描淡写地提一提而已，从其篇幅的比例不难看到这一点，完全忽视了它与书法学习(写)的内在联系。

要写好字，要学习书法，我的主张是必须先学会欣赏，这是前提条件，不会欣赏，眼睛不会看，如何去指挥手?会看才可能会写，不会看是不可能写好字的。

也就是说，学习书法，炼眼第一，练手第二。

第二、书法欣赏是重要的审美教育形式，是中华文化认同教育的重要内容之一。

我们之所以要从书法欣赏的作用，特别是区别于其它艺术的独特作用这个角度来看书法欣赏的意义，是因为现在常见的书法教学模式很少认识到，或者根本就没有认识到书法教育对于培养学生(学习者)的中华审美能力的现实意义——

对于国内，作为审美教育的书法欣赏，它是中华民族的审美认同教育，它是中华文化的认同教育，是少数族群对中华民族的重要认同方式，是中华民族建设的需要，是现代国家建设的需要。

对于世界，作为审美教育的书法欣赏，它是传播中华审美、中华价值观念的重要形式。只要你稍微留意一下就不难发现，当今世界除书法而外，还有比书法与思想价值观念联系更紧密的艺术形式吗?没有啦。

所以我们要说书法、书法欣赏在世界的推广，对于发挥中华文化的影响力具有十分重要的作用，我们应当从国家对外文化传播的战略高度来认识对待这件事情。

这一点主要是从社会层面来看的，从欣赏者的角度来看的，反过来，也要求艺术的创造者要有责任意识，艺术不是玩弄技巧的事，也不是纯粹表意抒情的事，艺术家是有社会责任的，艺术家必须明白，艺术的目的是助教化，移风易俗，所以诸如西方现代艺术之流那种表现颓废、病态、疯狂、玩世不恭、邪恶的做法，都是与艺术的目的相违背的。对此，我们的先哲早就有非常深刻的认识。随举几例：

《乐记》：“凡音者，生于人心者也;乐者，通伦理者也。是故知声而不知音者，禽兽是也;知音而不知乐者，众庶是也。唯君子为能知乐。是故审声以知音，审音以知乐，审乐以知政，而治道备矣。是故不知声者不可与言音，不知音者不可与言乐。知乐，则几于礼矣。礼乐皆得，谓之有德。德者，得也。是故乐之隆，非极音也;食飨之礼，非致味也。《清庙》之瑟，朱弦而疏越，壹倡而三叹，有遗音者矣。大飨之礼，尚玄酒而俎腥鱼，大羹不和，有遗味者矣。是故先王之制礼乐也，非以极口腹耳目之欲也，将以教民平好恶而反人道之正也。”

“人生而静，天之性也。感于物而动，性之欲也。物至知知，然后好恶形焉。好恶无节于内，知诱于外，不能反躬，天理灭矣。夫物之感人无穷，而人之好恶无节，则是物至而人化物也。人化物也者，灭天理而穷人欲者也。于是有悖逆诈伪之心，有淫泆作乱之事。是故强者胁弱，众者暴寡，知者诈愚，勇者苦怯，疾病不养，老幼孤独不得其所，此大乱之道也。是故先王之制礼乐，人为之节。衰麻哭泣，所以节丧纪也;钟鼓干戚，所以和安乐也;昏姻冠笄，所以别男女也;射乡食飨，所以正交接也。礼节民心，乐和民声，政以行之，刑以防之。礼乐刑政，四达而不悖，则王道备矣。”

“乐者天地之和也，礼者天地之序也。和，故百物皆化;序，故群物皆别。乐由天作，礼以地制。过制则乱，过作则暴。明于天地，然后能兴礼乐也。”

“乐者，非谓黄钟、大吕、弦歌、干扬也，乐之末节也，故童者舞之。铺筵席、陈尊俎、列笾豆，以升降为礼者，礼之末节也，故有司掌之。”

《论语·阳货》：“子曰：礼云礼云，玉帛云乎哉!乐云乐云，钟鼓云乎哉!”

伊川曰：“推本而言，礼只是一个序，乐只是一个和，只此两字，含蓄多少义理。”

唐·司马贞《乐书述赞》：“乐之所兴，在乎防欲，陶心畅志，舞手蹈足。舜曰箫韶，融称属续，审音知政，观风变俗，端如贯珠，清同叩玉，洋洋盈耳，咸英余曲。”

唐·张彦远《历代名画记·叙画之源流》：“夫画者，成教化，助人伦，穷神变，测幽微，与六籍同功，四时并运，发于天然，非繇述作。古先圣王受命应箓，则有龟字效灵，龙图呈宝，自巢燧以来，皆有此瑞，迹映乎瑶牒，事传乎金册，庖牺氏发于荥河中，典籍图画萌矣，轩辕氏得于温洛中，史皇苍颉状焉，奎有芒角下主辞章，颉有四目仰观垂象，因俪鸟龟之迹，遂定书字之形，造化不能藏其秘故天雨粟，灵怪不能遁其形故鬼夜哭。是时也，书画同体而未分，象制肇创而犹略，无以传其意故有书，无以见其形故有画，天地圣人之意也。”

“按字学之部，其体有六：一古文，二奇字，三篆书，四佐书，五缪篆，六鸟书，在幡信上书端象鸟头者，则画之流也。颜光禄云，图载之意有三：一曰图理，卦象是也。二曰图识，字学是也。三曰图形，绘画是也。”

“又周官教国子以六书，其三曰象形，则画之意也，是故知书画异名而同体也。洎乎有虞作绘，绘画明焉，既就彰施，仍深比象于是，礼乐大阐，教化繇兴，故能揖让而天下治，焕乎而词章备。”

第三、书法、书法欣赏在我国艺术教育中具有特殊的作用。

书法欣赏，当然不能仅仅局限于欣赏，是艺术教育的重要内容。近代以来，由于我国照搬西方艺术体系，在艺术门类中没有书法的位置，致使书法艺术长期游离于“艺术”之外，导致了我们长期以来对书法艺术的忽视，导致了我们艺术教育中的良莠不辨、舍近求远、舍本逐末。对此，我们要认识到艺术教育的重要作用，并进而看到作为艺术的书法在我国艺术教育中的特别的重要意义。

艺术教育是完整的教育体系不可缺少的部分，是培养创新能力的素质教育。艺术教育在人才培养和人类智力开发方面有着科学教育无法替代的作用。

说到艺术教育，我们应当提到美国哈佛大学的“零点项目”。

这个项目的提出，其直接的诱因就是前苏联在1957年首次发射人造卫星成功后，引起了美国朝野的震动，纷纷呼吁要从教育上寻找落后的原因。十年之后，学者们得出了比较一致的结论：美国尽管科学教育比前苏联先进，但是艺术教育却落后于前苏联，没有前苏联那一整套从幼儿园到大学的完整的艺术教育体系，所培养出来的科技人员缺乏必要的文化素质和艺术修养，影响了科学技术的提高，从而导致空间技术在竞争中失败。此后，美国对艺术教育一直很重视，1994年，美国参众两院在通过的《2000年目标：美国教育法》中，更是将艺术教育(包括音乐、视觉艺术、舞蹈和戏剧艺术)增列为“核心学科”，这在美国乃至世界都是首次以法律的形式将艺术教育提到空前重要的地位。因此，美国目前已有70%以上的高等学校设立了艺术系或音乐系，不少大学还设定了艺术学院或音乐学院，要求本科学生要用四分之一的时间学习艺术和人文学科，其中麻省理工学院要求学生选修的艺术课程占七十三分……

20XX年，南京艺术学院冯健亲教授提出——《我国应尽早启动“艺术教育零点工程”》。为什么要以“零点”命名呢?哈佛大学用“零”表示他们对艺术教育认识上的空白，以示从头开始的决心。从学校艺术教育的科学性和先进性看，我国确实有不少值得重新认识和从头做起的事情要做，取名“艺术教育零点工程”，可以产生积极的警示作用。(见《南京大学学报(哲学人文科学版)》20XX年第一期)

试想，当今社会无论是高科技的竞争，还是国与国之间综合国力的竞争，都将集中体现在人才素质与教育水平的竞争上，因此，教育没有理由不加强素质教育，教育没有理由不加强创新能力的培养。

因此，学生不管是学什么专业的，都要有一些文化艺术方面的修养，这是现代社会的需要。一个没有艺术的社会和民族是不可想象的，而缺乏艺术的教育就是不完整的教育。

书法在我国艺术教育中有什么特别的重要意义呢?

先来关注一个全球都在关注的重要理论。XXXX年，美国加尼伏尼亚大学斯佩里教授获得了诺贝尔生物医学奖的理论——“左右脑分工理论”。

斯佩里教授对人类大脑两半球功能研究的实验结论显示：

左半脑主要负责逻辑理解记忆、时间、语言、判断、排列、分类、逻辑、分析、推理、抑制等，思维方式具有连续性、延续性和分析性。因此左脑又称为意识脑、学术脑、语言脑。

右半脑主要负责空间形象记忆、直觉、情感、身体协调、视知觉、美术、音乐节奏、想象、灵感、顿悟等，思维方式具有无序性、跳跃性、直觉性等。右脑的存储量是左脑的100万倍。右脑像万能博士，善于找出多种解决问题的办法，许多高级思维功能取决于右脑。所以右脑又称作本能脑、潜意识脑、创造脑、音乐脑、艺术脑。

也就是说，人的左脑主要从事逻辑思维，右脑主要从事形象思维，是创造力的源泉，是艺术和经验学习的中枢。

那么，这项理论研究成果意味着什么呢?

这项理论研究成果揭示了一个令人吃惊和遗憾的事实——现实生活中95%的人，仅仅只是使用了自己的左脑，具有几乎无限潜能的右脑至今还“沉睡”着。

自然，这项研究成果引起了世界的震动。日本学者品川嘉也指出：“人实际上有两个大脑，这就是操纵语言，具有逻辑思维功能的左脑和具有非逻辑思维功能的，产生直观、形象、联想思维的右脑。当今，左脑功能的大部分——例如计算、书写、装配机器等——工作，正在被以微型计算机、办公计算机为主要设备的计算机所代替。在这种情况下，人若不能在那些计算机无能为力的领域，如产生新的设想，进行直观综合判断等方面使用右脑，那就会成为无用的人。”

“成为无用的人”，品川嘉也实际是在说，再不开发右脑，人就会被飞速发展，充满创造精神的新世纪所抛弃，因为人的创造性智能来源于右脑，完成于左右脑的配合，右脑不开发，社会就难以发展。这是1992年12月16日《中国体育报》刊发的特稿《唤醒沉睡的右脑》一文的介绍。相关的研究报道还很多，再举一例：

《光明日报》XXXXX年11月25日刊登了天津医学院附属医院神经生理研究室陈世骏教授就如何发展我国右脑开发事业提出的一些希望和建议。陈教授认为：

1、应该把我国正在进行的教育改革与右脑开发结合起来。

2、希望在广大教师中普及右脑知识和开发右脑智力的方法。

3、为了培育出具有右脑意识的新型教师，最好在师范院校(包括幼师、中专和大学)的教材中增加右脑智力开发方面的内容，以提高未来教师的素质，促使他们改变自己的思维方式。

4、开发右脑智力是一项艰巨的任务，需要各相关学科的专家密切配合，一手抓科研，一手抓普及。

看了这些介绍，了解到了斯佩里教授的“左右脑分工理论”，我们肯定会心生几分感慨，开发右脑，这是多么重要的事情!这个理论虽然不是由我国科学家首先提出来，但是他们能够跟踪世界科学研究前沿成果，为引进消化工作积极建言献策，其精神依然可敬。

不过，需要指出的是，在面对西方人“先进的”“科学研究成果”的时候，近代一百多年，我们很多人只满足于做西方人先进科研理论的系列实验者，对西方的一切往往都是不假思索的赞美，先进、先进，似乎我们自己只有亦步亦趋永远追随西方人的份，这种心态是有问题的。

对此，我们是否想过，西方人为什么要提出开发右脑的命题呢?斯佩里教授“左右脑分工理论”所揭示的现实生活中95%的人，仅仅只是使用了自己的左脑，右脑至今还“沉睡”着的令人吃惊的事实，在中国也是令人遗憾的事实吗?——中国人的右脑是“沉睡”的吗?

对此，我们必须得说一下文字与大脑的关系问题。

西方科学家的研究成果表明，大脑左半球既有口头语言功能，也有书面语言(阅读书写文字)的功能，而大脑右半球则只能对少数一些写出的单词有一定理解能力。

这说明什么呢?

这说明一个重要的事实——西方人的拼音文字是偏向左脑的“单脑文字”。因此，西方拼音文字的阅读和书写都无助于右脑的开发。

那么汉字呢?

我们知道，拼音文字是通过语言“声音”的中介来表达意义的，汉字表达意义的方式就不限于声音，它不仅“以声示义”，还“以形示义”，汉字是形音义的结合体。“声”作用于左脑，“形”作用于右脑，汉字本身就是左右脑复合的产物，汉字是左右脑协调活动的“复脑文字”。

下面我介绍一项重要的证据。

上海师范大学心理学系郭可教教授和上海医科大学华山医院神经科合作，从XXXX年以来为揭示汉字与大脑两半球的关系，进行了八个方面的实验，取得了重大科研成果。

这里我们选取一个例子来看一看。X年以来，郭可教教授他们对六例分裂脑病例的研究。这些病人都是为治疗严重的癫痫病而将联结左右脑的胼胝体大部切断。按照西方科学家对相应病例的研究结果，这六例病人应当出现左手失写症状，左手不能写字。但是，手术后多次检查结果表明，右手和左手写字均没有异常变化。这表明两半球均具有汉字书写功能，揭示了汉字同大脑两半球的关系，说明汉字是“复脑文字”。

郭可教教授他们的这些研究，从脑科学等现代科学的角度深刻揭示了汉字与拼音文字的区别：西方的拼音文字是“单脑文字”，是用左脑认知的，右脑被长期闲置了。汉字是“复脑文字”，是左右脑并用的，使用汉字的中国人不存在右脑被闲置的问题。

因此，对于斯佩里教授的“左右脑分工理论”，对于西方人“开发右脑”的理论，我们应该理性地看待，正确地对待，不能盲目跟风，要有主见。西方科学家“开发右脑”的理论，对于使用拼音文字的人们来说，是有非常重要的意义的，但是，把它夸大为面向全人类的模式，说全人类的右脑都被长期忽视而遭闲置则是错误的，是对无与伦比的汉字的无知。

通过上述介绍，我们看到了汉字在右脑开发中的独特性，中国人大脑思维因为汉字而形成的特殊优势。那么，试想一下，以汉字为表现对象的书法，与每一个中国人都离不开的汉字书写活动相联系，加上与中华思想价值观念的结合，其结果是什么?是更加光大了汉字的优点。

所以，我们要特别指出——书法艺术是对每一个中国人都具有亲和力的艺术形式，是对不同年龄阶段、不同文化层次、不同职业的人们都适应的艺术形式。

所以，我们要说无论是从艺术教育，还是从开发右脑的角度来看，书法教育都是不能忽视的。书法在我国艺术教育中具有无可替代的重要意义。

第四、通过书法欣赏与书写的训练，可以养成一种高雅的修身养性的生活方式。

作为审美教育的书法欣赏，它的适应范围很广，适合于不同年龄、不同文化层次、不同文化背景的欣赏者。它的作用独特，可以调节身心，陶冶情操，益智延年。

这一点主要是从个人的层面来看的。道理也不难理解。平常一般的识字写字都是左右脑的协调活动训练，艺术的、美化的阅读与书写，其作用自然非同一般。欣赏过程中的手摹心追，与平常反复的临帖练习，面对的是一幅幅的艺术作品，犹如面对自然的美景，自然使人心旷神怡。而通过对法帖气象在笔画、体势、章法方面的逐一体会，如笔画粗细中反映的轻重力度，牵丝映带中反映的行笔迟涩节奏等等，天长日久，就会自然而然地调节我们的身心节律，陶情怡志，颐养天性。

❸ 如何欣赏中国古代书画

然而，在现代教育模式下，课程的安排没有强调中国古典哲学观念的教育，这使得欣赏中国画受到了一定的障碍,加之我现在的知识结构也还很欠缺,所以只能浅析历代的“画论”和各个时期的“评画标准”来作为的主要依据和基本理论。第一章 中国画的现状与文化背景随着科学技术的不断发展，社会文明的不断进步，使得人们的生活节奏也在不断的加快，生活之余的内容更是丰富多彩，因此，现在喜欢画的人多，真正懂画的人少，加上改革开放的今日，中西文化的碰撞加剧，无论是作画还是欣赏画，理论上都有一定的混乱和误导。 在生活中当面对一幅国画作品时，能否看懂作品并拿什么作为评判标准呢？对于一般人来说，首先要看作品表现的是什么内容？画家所表现这种形象的意境是什么？如果都能回答出来了，便认为是看懂，反之，则是看不懂，这种方法就是一种传统的“讲故事”方法；但，相对来说，国画工笔的作品中因为是具体的、真实的，还是容易欣赏；而写意作品呢，笔墨奔放，意到笔不到，甚至于泼墨画作品就更难看懂了，因它形象不具体，加上手法夸张、抽象，一般从作品表面是很难读到画者的寓意。 当然，这种方法只能作为一般人的欣赏方式，因为画得好，看得明白，才容易引起人们更多的联想，产生共鸣。但我们必须明白，一幅中国画的好坏，却不是简单的以表面上的形象来衡量的。
回想自己在大学的四年时间里，深深的体会到作为国画专业的学生，要欣赏好一幅中国画，首先要深入了解中国画的历史文化背景、表现方法以及语言理念等。
中国画，（简称“国画”），它是以墨为主，以色为辅，以水作为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和锦帛为载体的具有中华民族特色的画种，它植根于华夏民族上下五千年的文化沃土中，历经萌芽、发展、成熟、创新和再发展的诸多不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系，与西方的油画形成了两座并峙的艺术高峰。
中国画从内容上看，可分为花鸟画、山水画及人物画三大类，而从表现形式上来看，国画又可分为工笔、写意。 工笔画即精工绝伦、一丝不苟，十日画一水，五日绘一石，积年累月画成一幅图画。 而写意则笔画简略而又不拘小节，大笔一挥，笔收意在，顷刻而成。 如唐朝天宝年间，唐玄宗因爱四川嘉凌江沿岸三百余里的风景，而要人在大同殿壁上把其画出来；李思训画了几个月方成，而吴道子只用了一天，便画好了。唐玄宗给他们的评语是：“李思训数月之功，吴道子一日五迹皆极其妙”。今天看来，吴道子，李思训当年所作的壁画已经不存在了，但从画论上我们可以知道，吴道子以线条的雄浑流畅见长，下笔如疾风骤雨简略而迅速；李思训的风格以金碧辉煌的重色山水着名，需要较长的时间去描绘才能完成，他们的绘画风格是各有特色，各有千秋。
之上所述，无论是花鸟画、山水画还是人物画，写意或工笔之类，只不过是其内容与表现形式不同而已，不同的画家有不同风格的表现，当我们面对着同一题材而不同风格，或是不同题材而同一风格的各种作品时，我们又如何去欣赏呢。第二章 谢赫的评画标准等观者在欣赏一幅国画作品时，首先要碰到如何品评这件作品的优劣问题，这就需要一个标准。最早提出绘画品评标准是五世纪末谢赫的“气韵生动”，“骨法用笔”，“应物象形”，“随类赋彩”，“经营位置”，“传移模写”等①。首先提出作品要“气韵生动”，是指人物画要有生动的艺术形象，把对象的神情风貌，性格特征，内心世界表现出来。
谢赫等其他文艺批评家认为：艺术作品中活跃的生命力与整个宇宙中的生命力一样，是“气”遍布太空,是生命之“气息”，是一种动力,渗透、滋养、刺激着世间万物。这里谢赫特别提到“气”：表现物体客观的“壮气”、“气候”或“气力”。 “气”，另一种说法就是作品中的出气孔或者透气的元素，一幅好的中国画，画面是不会使人感觉到“闷”和“烦”，这是因为画面中有着恰到好处的透气点，虽然作者在画面中将自己的情绪发泄出来，使观者受到了一定的感染，但是因为作品中有着透气点，就让你再纵观画面时就不再是“闷”和“烦”的感觉，大有通过透气点跳出画面。 而“韵”又是六朝时期文艺批评中常见的另一个字，这里面就包含艺术品完成的和谐之感及韵味，好的、感人的作品，必定给人以无限的回味和不尽的遐想，给观者以身临其境而又从中联想绵绵的高于其中。当然，由于欣赏者的修养、水平不同，将会有更多、更丰富的理解。 谢赫等用“气韵生动”来表明一幅作品完成之后，必须在 “气”、和谐度、生动性及充满活力等方面皆生机盎然。如唐代阎立本的《步辇图》描绘的是贞观十五年，唐太宗接见吐蕃使者禄东赞来迎文成公主入藏的情景，画面上乘步辇的唐太宗威严而和睦，禄东赞精干而恭敬，礼官肃穆、宫女顾盼，气氛亲切融洽②；
又如魏晋时期顾恺之的《洛神图》，画面人物之间的情思不是依靠面部表情来显露，而是通过人物之间相互关系的巧妙处理展现出来。画中洛神含情脉脉，若往若还，表达出一种可望而不可及的惆怅之情③。 其二的“骨法用笔”，是指用笔上的动力，描绘形象要注意笔致变化，讲究线条的形式与动感之美。可以说，线条的优美将会给作品带来锦上添花之功，也可以说气韵生动的最终体现是离不开骨法用笔。 比如吴道子的《送子天王图》中的线条：将净饭王的衣纹画得遒劲挺直，王后的衣纹则柔韧而圆转流畅，既表现出衣服的质感不同，也衬托出男女的性格各有差别。前面伏地的鬼神，线条更为崩流豪放，大有“毛根出肉，力健有余”之感，夸张的造型表现出神怪的非凡力量，拂地的飘带，行笔飞舞，卷舒自如。
“骨法用笔”在传统的中国画绘画当中，它还融合了汉字的书法中的用笔规律，美学原则，体现出线条的力度、质地和美感等；通过不同的线条去体现出笔墨的动态、势向、韵律、节奏。 如魏晋时期顾恺之的《女史箴图》图卷中的一系列动人的形象，非常注重用线条来造型，作品中以连绵不断、悠缓自然的线条形式，体现出节奏感，线的力度略有控制，正如“春蚕吐丝”、“春云浮空、流水行地”一样，具有疏密、长短的变化④。 中国画以点作画，易于零散、琐碎；以面作画易于模糊、平板；而用线作画易捕捉物体的形象及动感，是最适宜于发挥毛笔、水墨、宣纸、绢帛的特性；可以说线条是中国画家情有独钟的艺术语言，它是国画的灵魂，是作者在抒情达意中的宣泄和表诉。 所以，千百年来，中国画家伏案笔耕，利用不同的笔法书写着粗细、曲直、刚柔、毛涩、疾徐、虚实、顺逆、繁简等不同质地，不同感受的线条。并以这些含情线条的渐变、排列、交搭、分割、呼应等，在画上构成了形态各异、情变万千的诸多造型来，表达着一份份爱国之情，表达着一幕幕悲欢离合，表达着一颗颗赤子之心。
诚然，我们在欣赏国画作品时还应注意到，用于表现中国画的线条要有生命力，它的抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿无不显现着画家的才思、功底。国画大师黄宾虹先生把绘画的点线用五个字概括：“平”、“圆”、“留”、“重”、“变”。“平”，如锥划沙，笔锋与纸保持在一个水平上，运压力与提浮力相衡；“圆”，如折钗股，指用笔圆浑有力，浑厚、不露锋芒，富有弹性；“留”，如屋漏痕，笔在运行中感觉有阻力，在与纸摩擦的阻力中艰涩前行；“重”，如高山坠石，用笔要用劲，要有力度，使之大有力透纸背的感觉。特别是打“点”，要象高山掉下的石块那样有分量；“变”，笔画形成多样性的对比，有变化，不雷同。如他的《山中坐雨》、《青山红树》等作品就体现了其山水画用线的特点⑤。
无论古代的，还是近代的；无论是奔放的，还是抒情的；也无论是高昂的，或是低沉的，都特别强调笔法的力与气韵的结合，有气为活笔无气为死笔；笔断意连，形断气连，迹断势连均有气接，因而作品才能气势逼人，情动理明。所以我们在欣赏国画作品时，应注意作品中作者的运笔与气韵的结合，通过笔法来表现画面形象的神貌。如南朝西善桥画像砖《竹林七贤图》中，衣褶行线以刚劲为主，刚中有柔，与顾恺之“春蚕吐丝”式的线描相近，生动的刻画出这些人的特征和颓废、空虚的精神面貌⑥。
其三的“经营位置”，是画家在作画时对物象的安排和组织。如“经营”二字，内涵就十分丰富，它包含着思考、分析、研究、推敲等一系列思维活动。这里的“位置”不仅是画面上物象安置的处所，还包括整个画面的结构安排，格局布置，讲求“疏可跑马”、“密不透风”等。这就是说画家要完成一件作品，决非随随便便一挥而就，是要经过苦心孤诣地思考、探求，精心慎密地选择取舍、匠心独到地组织、安排，最终成功的作品才得问世。 如北宋范宽的《溪山行旅图》融汇了“三远”法（即“高远”、“深远”、“平远”）为构图方式，主峰采用“高远”法（从山脚往山顶望，称之“高远”），高耸而挺立中又略带向前倾斜，气势宏伟壮观，大有一种向你直面扑来之感，使你不觉间意识到自己的渺小，同时显示了作者写山绘水之功是何等的高以及构图之妙；主峰两旁采用“深远”法（自前向后渐渐深远，称之“深远”），既衬托了主峰之气概，又能充分的表现群山连绵之意境，同时体现作者对大自然的向往之情及认识之全面；前景以“平远”法（自近景而层层叠进到远景，称之“平远”），前景奇石异树，石之形貌变化无穷，树之品种繁多，造型各异，给人以无限的向往及惊叹作者对大自然之观察力、想象力及表现力。可见中国画家在不断的探索和实践中十分注重构图的研究，他们总结了一系列的规律与法则。 比如早在东晋时代，顾恺之就提出了“置陈布势”的构图原理，其后历代画家不断的探索，建立了具有民族特色的完整的中国画构图体系：“宾主”、“呼应”、“虚实”、“疏密”、“藏露”、“开合”、“取舍”等。这些规律符合辨证法中的对立与统一；只有符合对立与统一规律的作品，才能经久耐看，才有吸引力。反之，美的因素就会不同程度地大打折扣。所以说构图的来源是生活，是眼界，是修养，是格调，是将生活的每一个很小的场面、片段、景象推向了高于生活的境界。
另外，构图还有极大的自由性和灵活性，就如同生活中，家具的摆设，格调的布局，青绿淡雅，随之任之。它不受时间和地点限制，不求物体现象，只求构思和形象入“理”。之上所述，欣赏国画作品的优劣主要是以六法中的“气韵”、“骨法”、“构图”为主要切入点，顺理便成章，无气便失势，无骨便失力，无虚实便失意趣，无呼应便失统一，无宾主便平铺散漫，无疏密便均齐刻板，有露无藏便失含蓄之雅，有开无合便失承接照应。 因此，可以说“六法”是一个评画整体，它的出现表明我国绘画理论已上升到一个有较完整体系的阶段，它是魏、晋、六朝画家艺术实践的总结；还有五代荆浩在《笔法记》中，也根据山水画的要求和创作实践提出，画有“六要”，来作为评画标准，即“气”、“韵”、“思”、“景”、“笔”、“墨”，他说：“气者，心随笔运，取象不惑；韵者，隐迹立形，备仪不俗。”这两点仍是指内容和形式的统一问题。“思”，是指剪裁取舍、立意构思；“景”，是要求画山水应根据不同的时令与具体的环境描绘，要“搜妙创真”才能为山水传神写照；“笔”与“墨”便是中国画的重要技法。到了宋代，刘道醇在《宋朝名画评》里，又提出了“六要”与“六长”。他说：“识画之决，在乎明六要而审六长也。所谓六要，即“气韵兼力”、“格制俱老”、“变异合理”、“彩绘有泽”、“去来自然”、“师学舍短”；所谓六长，即“粗卤求笔”、“僻涩求才”、“细巧求力”、“狂怪求理”、“无墨求染”、“平画求长六”；其中“六长”是根据中国画形式美方面的对立统一法则，较有价值；“粗卤求笔”，意思是奔放粗旷之画，讲求笔墨技法；“僻涩求才”，创作中描绘一些生冷僻见的题材时也得讲求法度，不得糊写乱画；“细巧求力”，是指精工细匠的作品中，表现力量要强，不要纤弱柔软；“狂怪求理”，作品中如造型狂野怪异的，要合乎情理；“无墨求染”，其意与“计白当黑”相同，即空白处并非真的“空”，而是表现了丰富的含义。
综上述，是自己平时学习及欣赏中国画的一些粗浅体会、认识及看法，给一些爱好国画及在欣赏国画的同时，能基本上了解中国画的特点及风格。毕竟，中国画有着数千年的历史文化背景和丰富而又具有独特的表现形式，观察认识，形象造型等。 在对客观事物的观察和认识中，采取以大观小、小中见大的方法，并在活动中去观察和认识客观事物，甚至可以直接参与到事物中去，而不是做局外观，或局限在某个固定点上，它渗透着人们的社会意识，从而使绘画具有“千载寂寥，披图可鉴”的认识作用，又起到了“恶以诚世，善以示后”的教育作用。即使山水、花鸟等纯自然的客观物象，在观察、认识和表现中，也自觉地与人的社会意识和审美情趣联想有联系，借景抒情，托物言志，体现了中国人“天人合一”的观念。第三章 欣赏国画的思维方式国画欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造的三个重要阶段；这就是要求我们直观的去观察、认识审美对象，即作品本身的意境、色彩、线条、描绘等；在这基础上进行审美、理解、思考，把握作品的意味、意义、内涵以及对作品的艺术形式、艺术技巧、表达主题、时代背景的理解等。 这样，才能给欣赏者有更多的想象余地，作品的内容怎么去表现及所采用的艺术手段等，同时，我们也可以从作品的画面、情调及意境等，去猜揣作者的心思，是热情地歌颂还是辛辣的讽刺，是深沉的表诉还是豪放的抒怀，再结合作者的创作特点和所处的时代背景进行分析，并通过自己多年积累的审美经验、文化知识、生活阅历等惊醒丰富的联想，升发开去，必能将作品所表达的寓意展现出来。
就拿宋代王希孟的《千里江山图》（长卷）为例：王希孟，生平画史失载，据卷尾蔡京文可知他原为画院学生，后入宫廷文书库，徽宗曾亲自指授其画艺，十八岁时画成此卷呈进，现仅存《千里江山图》长卷；此卷采用长卷的构图方式，布置以“六比四”把天空与景物一分为二，这使得景象空旷深远，能更好地表现江山的壮观；画中群山错落连绵，江河环绕，楼亭其间，茅舍相衬，舟渔繁忙，嘉树、飞瀑点缀等，表现出作者对理想化社会的憧憬和对多彩自然的向往，充满丰富的感情，其间也不乏肯定人对自然的改造，以及生活在祖国美好山河中的自豪；大青大绿着色，染天染水，富丽细腻，代表了画院青绿一体的精密不苟，严守格法的画风；笔法以勾勒为主间以没骨法画树干，用皴点山坡，丰富了青山绿水的表现力；人物衣褶无勾勒，虽小如豆，而形态、服饰各异，动态活泼，体现出宋代山水画经过北宋早期荆、关画风的高度成熟，中期的唯李成、范宽是举，以致烂熟的状况，晚期在“复古”思潮的影响下，提倡以古为新的思想，综合唐宋，创造出独具一格的熔李思训、李昭道及水墨山水成就为一体的画风。这种思想影响到后世，如董其昌等的以“复古”为表，实含创新的思路。结束语 欣赏中国画的过程不仅需要对作品本身作认真的分析、研究，还需要对国画的文化背景以及作者的创意有所了解，这就得需要具备一定的相关知识才能更好的把握国画作品的优劣。特别在现代的文化背景里，很多学习中国画的人都在大呼“崇尚传统”、大搞“创新”，如果对传统没多少了解，甚至连传统的东西还一窍不通，又怎么去创新？

❹ 对中国古代书画的理解和认识

一、独特的历史价值

艺术品的价格是经济价值的具体体现，而经济价值是由其历史价值、艺术价值、科技价值和欣赏价值所决定的。人们收藏艺术品，实质是在收藏历史、文化、技艺、情感和生活。而中国古代书画正是历史的写照，其中所蕴藉的历史沉积、文化遗韵、沧桑感、厚重感和文化艺术的多样性，都是现代书画所不具备的。如把存世的古代书画按年代排序，无疑会在视觉艺术领域中向人们展示出中国美术和中国历史众多发生、发展的物证，具体、生动、形象地描绘出中华民族从古至今的漫漫征程。这正是古代书画最可宝贵之处。

二、丰富的文化内涵

就时间而论，除去近现代书画的100多年，清以前2000多年均为古代书画的存世期。汉简的朴拙，晋书的风韵，唐画的富丽，宋画的精细，明清书画的千姿百态——都争相辉映，汇集成光彩夺目的绵长画卷。就类别而论，人物、花鸟、山水、写实、写意、院体画和文人画——都争奇斗艳，各领风骚。就书画家而论，无论是“黄荃富贵”，还是“徐熙野逸”，无论马远、夏圭的“残山剩水”，还是八大、石涛的“白眼向天”，“搜尽奇峰打草稿”——可谓大师林立，群星璀璨，充分反映了时代特征和鲜明的个人风格。如此博大精深、丰富多彩的文化内涵，在世界上也是首屈一指。

三、深厚的笔墨功力

中国书画艺术是用笔用墨，指挥线条的艺术。笔墨功底怎样，线条律动如何，是能否充分表达书画家思想情感以及使其作品成败的关键。黄宾虹说过，“气韵生动，舍笔墨无由知之矣”。

在古代书画整个存续期间，“万般皆下品，唯有读书高”的儒家思想始终占据社会主流。而“琴棋书画”则历来是有知识、有学养人士必备的才能。书法绘画既是“童子功”，也是立身应仕的手段。笔墨功夫成为许多人毕生的追求。书法有王献之的“墨池”、怀素的“笔冢”；绘画有郑板桥的“四十年来画竹枝，日间挥写夜间思，冗繁写尽留清瘦，画到生时是熟时”……如此种种，古人融生命于笔墨，所下的功夫，实非今人能比。

四、稀缺的存世数量

中国历史虽然久远，但由于不断改朝换代，沧海桑田，天灾人祸，再加上近百年的外来侵掠，古代书画历经磨难，大量损毁流失，保存至今的已十分稀少。徐邦达先生《重订清故宫旧藏书画录》共收古代书画3540件，仅为齐白石存世书画的十分之一，加上台湾和国内外其他博物馆所藏，数量也极其有限。民间收藏载籍入典书画家的作品，无论大名家还是小名头，也大多以几幅、几十幅计，这与现代书画家动辄几十、几百甚至几万幅的存世量，实不可同日而语。“物以稀为贵”的交易法则至少在目前古代书画价位中没能显现出来，但这也正是它的潜力所在。

❺ 书画艺术未来的发展前景如何

有分析认为，随着人们生活水平不断提高、物质生活越来越丰富的同时，对精神生活的要求也越来越高。特别是80后、90后这批受过高等教育的新一代年轻人，他们是今后社会经济和消费者的主流。今后中国的家庭将会更加注重文化和艺术的元素来装点生活，那么艺术品和书画作品必将需求量很大，书画艺术投资进入正当时。

❻ 怎么理解书画书法绘画

书，即是俗话说的所谓的字，但不是一般人写的字，一般写字，只求正确无讹，在应用上不发生错误即可。倘若图书馆和博物馆把一般人写的字收藏起来，没有这个必要。图书馆和博物馆要保存的是字中的珍品。历史上有名的书法家写的真迹，在写字技巧上有很多创造或独具一格的，我们称之为书法艺术。书法艺术价值很高的，才有资格进入图书馆和博物馆。我国的书法是一种富有民族特色的传统艺术，它伴随着汉字的产生和发展一直延续到今天，经过历代书法名家的熔炼和创新，形成了丰富多彩的宝贵遗产，今天图书馆和博物馆保存它，鉴别它，其目的是使来者更好地继承和发扬这份遗产，以期达到更高的艺术水平，创造出更新的艺术风格，尽快地在书法艺术园地里开放出更多更美好的花朵，焕发出它的绚丽的青春。
书法和法书是不同的两个概念。书法是指毛笔字书写的方法，主要讲执笔、用笔、点画、结构、分布（行次、章法）等方法。如执笔要指实掌虚，五指齐力；用笔要中锋铺毫；点画要圆满周到；结构要横直相安，意思呼应；分布要错综变化，疏密得直，全章贯气等等。主要是讲写汉字的方法，如李慎言的《书法概论》一类的书。进一步说，就是书写汉字的文章诗句使之成为艺术作品的方法。而法书是指有一定书法艺术成就的作品，与名画是对称的。常见的书法艺术作品的字体有五：楷书、行书、草书、隶书和篆书。这五体只要有高度的艺术价值，可供临摹取法的，都可以称之为“法书”。书法与法书虽说是两字的颠倒，其含意的广狭却有所不同，一个属于理论，一个属于实践，且两者又是相辅相成的。
中国画在世界美术领域中自成体系，既有悠久的历史，还有优良的传统。是指用笔、墨、颜色在帛、布、绢、纸、绫等上面画的东西。不是一般人画的，而是历史上有名的画家们画的。有些画虽不是名家画的，但年代较早，具有文物性的，我们也要保存、整理。
书法作为一种艺术形式，不仅是记事的工具，也具有丰富的形象特征，和图画一样，它是用线条来表现的，有“书画同源”的说法。书法家充分发挥毛笔等书写工具的性能和书写技巧，就能创造出各种风格的作品来，给人以艺术享受，达到良好的艺术效果。
当今书法艺术都是从古代书法艺术中发展变化的，许多书法家都是继承古人书法的优秀传统而又有所创新。想要欣赏书法艺术，必须具备一些书体和书法源流的知识。
和其他艺术形式不同，书法艺术和人们的生活贴得最紧，从儿童上学的第一天就要学写字，写字漂亮美观不仅便于学习、生活，还能反映一个人的品行修养和素质，故前人有“字如其人”的说法。书法源于写字练习，又高于一般实用性的写字。其中的讲究和文化内涵十分丰富。它是中国文化乃至东方文化的一种典型的表现形式。日本人在吸收了中国书法艺术的传统之后，在书法研究和学习方面投入了持之以恒、锲而不舍的精力。为了提高世人对书法的重视，日本人称书法为“书道”，将古代中日书法家的名帖碑刻精印出版，早在本世纪初就出版了多卷本的大型书法集《书道全集》，我国不少当代书法家还是从中获益者。近些年来各类书法字帖、大型法帖、书法工具书、速成字帖、各体书法字典，层出不穷，为书法爱好者提供了许多方便。
中国自有文字以来，书法便受到重视。汉末魏晋时出现了以艺术教育为主的诸侯贵族学校，书画艺术成为主要的学习内容，对书法艺术的提高起了重要的推动作用。隋唐之后，开科取士，选贤用能，考试考察内容主要是身（形体）言（语言表达）书（书法）判（推理）四大项。而且唐代的皇帝大都注重书法，这不仅推动了书法艺术创作，还为书法人才的培养创造了良好的环境和入仕升迁之途。宋元以后，书家辈出，碑帖众多，一般的人也有条件研读古人书法，要读书作官，就必须先练出一笔好字。渐渐“馆阁体”风行，书法得到了极大的普及。但在这一时期，书法的实用性在一定程度上超过其艺术性。
中国的绘画艺术，是中华民族传统艺术中起源最早的艺术形式之一。从现在所能见到的资料看，早在新石器时代就已经有表现力很强的绘画问世了。比如在西安半坡村出土的彩陶上，就绘有互相追逐的鱼、奔跑跳跃的鹿，不仅形象生动，而且有一定的艺术意境。这说明我们中华民族的先人，远在原始社会就已具有相当高的审美意趣和高超的艺术创作才能。

❼ 如何评价国画

相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。

中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。

从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。

中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。

在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。

中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉未，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。

以上谈的中国画的特点，主要是指传统的中国画而言。但这些特点，随着时代的前进。艺术内容和形式也随之更新，并不断地发生变化。特别是“五四”之后，西洋画大量涌入，中国画以自己宽阔的胸怀，吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了中国画的表现力。但是，不管变化如何，中国画传统的民族的基本特征不能丢掉，中国画的优良传统应该保持并发扬光大，因为中国画在世界美术领域中自成独特的体系，它在世界美术万花齐放，千壑争流的艺术花园中独放异彩。中国画是我们民族高度智慧、卓越才能和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富。

❽ 用意识及其相关理论，怎样看待艺术作品（书画、文学作品）

艺术作品源于生活而高于生活，这是由人们的意识行为特点所决定的。
人在生产生活过程中，认识到世界上的真善美，假恶丑，产生了要把这种意识表达出来，分享给其他人的愿望，这样便促进了书画等艺术作品的产生。但在创作过程中，作者并不是完全按照这一事物的生活原型来创作，往往会融入了创作者的主观感受，以及对它的前途的希冀与期许，这样创作出来的艺术品必然使人们似曾相识，但又高于生活。
只有符合这一规律的艺术品才是好的艺术品，割裂了生活和艺术品的辩证统一关系，难以产生真正的艺术品。方方日记在作者本人的意识中可能是写实主义的，别人批评她她还觉得很委屈，其实就是人为割裂了艺术与生活的关系，没有看到生活中积极向上的因素，没有认识到弘扬抗疫精神的现实意义和长远意义，从而犯了拘泥于现实不能自拔悲观失望的错误。充其量只能算是照相机拍出来的照片，连摄影艺术都是严重欠缺的，光与影不协和，影响也是有限的。

❾ 画师和画家是如何看待艺术的

我个人觉得画师看待艺术比较的直接和洒脱，而画家看的艺术相对来说有自己的观念，而且他们很执着，也有很多的理想主义。