艺术商品化有哪些

㈠ 如何认识“艺术商品化”现象

第一，我要说明的事，艺术本身就具有商品属性。所谓商品，就是为交换而生产的劳动产品。它具有。那么艺术是不是商品呢?显然是。第一，艺术是艺术家的劳动产品，伟大的艺术都是经过艺术家经过辛勤劳动所产生的。第二，这种劳动产品是为交换而生产的。你也许会有疑问，艺术家不是为了丰富人们的精神生活而创作艺术品的吗，怎么会是为交换而生产呢？这就要看艺术家为了什么而创作，如果只是纯粹为了自己的兴趣爱好进行绘画、写作、雕塑，当然不能叫商品。因为这时的艺术品只具有使用价值，即具有被欣赏的价值，却没有价值，因为它不是为了交换而生产的具有使用价值的物品。然而，一旦当艺术家准备出卖这些艺术品时，它就具有了价值属性，这时具有使用价值和价值的两重属性的这件艺术品理所当然的也就成为了商品。

这么说也许太过教条，举个简单的例子。看过韩剧《明成皇后》的同学都知道，剧中有个谋略极深的人叫大院韦大人，他不仅从政有方，而且酷爱画兰花，并且花的活灵活现，很多达观贵人都以收藏他画的兰花为荣耀。平时他画了很多兰花，但基本上是馈赠亲朋好友或者纯粹是为了陶冶情操，这时的兰花虽然有欣赏的使用价值却不是以交换为目的，不能算商品。然而，当日寇入侵之时，为了购买些许武器，他将自己画的兰花大量抛售到市场之上，赚得大笔白银，这时这些画儿已经具备了用来交换的目的，当然具有了价值属性，成为了一件商品。 论辩天下 www.lunbian.cn

所以，艺术本身就具有商品属性，这是无庸置疑的。

第二，艺术商品化是对艺术家权利的保障。艺术家为了满足艺术品欣赏者的欣赏需求，投入了社会必要劳动时间，花费了自己的心血。理应得到他本该具有的权利，即他所需要的酬劳。也许你会反驳我说这是对艺术这个神圣行业的玷污。诚然，《共产党宣言》中说道：“资产阶级抹去了一切向来受人敬畏的职业的灵光，把医生、律师、教士、诗人和学者变成了它出钱招雇的雇佣劳动者。”但是，我要说，这句话确切的意义是指资本掌握了一切，改变了一切。艺术家变成了生产劳动者也就成了被剥削者，这是我们必须承认的历史事实。马克思曾说“资本主义生产同艺术和诗歌相敌对”。他以高屋建瓴的角度审视了资本主义这个万恶的东西对艺术家的残害。

打个比方，一个街头卖唱者本来以他动人的嗓音满足了过路人的欣赏需求，而过路人为了答谢他的劳动，给他少许的金钱，比如是10元钱作为酬劳，让他填饱肚子。有谁能对这种交易方式抱有否定态度吗？如果谁有，我将不得不可怜这种人，因为这种人无疑与资本家是一条路上的人。某一天，一个剧院资本家看中了卖唱人的才华，与他签份和约，让他为之劳动，付给他比原来多一点的钱，比如是20元作为酬劳，但是，资本家从观众那里获得的利益可能是几百元甚至几千元，除了他所需支付的场租、工作人员的费用，剩下的钱全部落入资本家的钱包之中。而这部分钱，毫无疑问是剩余价值！我们既然是首都经济贸易大学的大学生，对此也应该明白这部分剩余价值是资本家赤裸裸的血腥剥削！剥削的是艺术家的血汗酬劳！所以《共产党宣言》中的话，是针对万恶的资本主义的，而不是被剥削的艺术家。我们伟大的共产党最终奋斗目标是解放生产力，发展生产力，消灭剥削，消除两极分化，实现共同富裕。 论辩天下 www.lunbian.cn

所以理所当然要保障艺术家的根本权利，而保障的途径就是艺术商品化。对此，我党很早就确定了〈版权法〉，更突显出中国共产党是代表广大人民最根本利益的先进组织！

第三，艺术商品化可以鼓励艺术家更多地奉献自己的力量，为广大人民创作出更多更好的艺术作品。我国曾经实行过“大锅饭”制度，历史证明，这是不可行的。只有按劳分配，多劳多得，少劳少得才是解决问题的根本方法。艺术创作既然是劳动的一种，当然适用这种规律。只有使艺术家的劳动得到与他付出的社会必要劳动时间相等值的酬劳，才能刺激艺术家的积极性，从而创作出更多更好的作品。

㈡ 什么是艺术商品化

艺术品作为艺术家的劳动产物，它符合商品的定义范围，是人们为了审美需求所需要的，所以它具有商品的属性，但没进行商品交换的艺术品不是商品。艺术品一旦进行商品交换，即交易，它就是商品。

㈢ 艺术商品化的利与弊

商业化的艺术，其目的商业利益，而不再是艺术追求，为了达到商业目的，艺术就要成为符合消费者口味的产品，而不再是艺术作品，而从艺术角度来讲，艺术被扭曲了，人们以为那是艺术，不！那是产品，而不是艺术品。真正的艺术本身是没有商业目的的，她永远存在于真正懂艺术的人的心中，谈不上与谁脱离，因为他不是在为了迎合观众口味而创作。艺术商品化后,艺术不再是艺术,而是为商品而作的了,这对于艺术本身就不存在艺术价值了!2\艺术商品化后,人们很容易忽略艺术的真正价值,而只在乎其价钱,把艺术当作充当面子的东西.3\滥造的所谓艺术会更多,贬低了艺术的价值.4\艺术是人的心灵的有感而发,是美丽而神圣的;商品是一种由于交换的东西,是死的个体的.所以艺术商品化是弊大于利的.艺术与其它意识形态的区别在于它的审美价值，这是它的最主要、最基本的特征.当艺术家创作时.是以金钱为导向,而不是以审美价值为目的,他已经背离了艺术本身,所创造出来的作品将变得扭曲.艺术价值极度降低.艺术的商品化会让艺术家们为了利益，变得越来越浮躁，继而影响艺术本身的质量。米盖朗其罗曾长期为罗马教皇朱理叶二世服务，但是，他反抗教皇的态度是连法兰西国王也不敢采取的。当他创作西斯廷天顶组画时，他根本不让雇主教皇插手，甚至在长达数年的创作过程中不让教皇参观，真正独立创造了这个“令世界惊喜”的人间绘画奇迹。当金钱变成艺术创作的目的.越来越多粗制滥造的作品充斥人们的生活.我们都知道四大名着,知道诗圣杜甫,但现在我们拥有什么可以与其相媲美,拿博客王子韩寒的<<长安乱>>还是我们梨花教教主赵丽华的"梨花体"?诸如商业大潮把油画推向市场。市场的需求，使油画创作一度出现令人担心的媚俗倾向，出现了不少迎合市场、带有廉价趣味的作品。一些油画家身上存在浮躁情绪，不能正确处理艺术与市场的关系，为了打入市场不得不降格以求。庸俗廉价的假古典写实和满足于浮光掠影的描绘风情的作品一度充斥市场。纵观那看似热闹的拍卖市场,那些出价最高,关注度最高恰恰还是那些古代艺术作品,这可以从一个侧面反映了.那些用心创作,要将最好的作品展现给世人为目的艺术强于速成的快餐作品,， 曹雪芹“披阅十载，增删五次”，"字字看来皆是血，十年辛苦不寻常”成就红楼经典..现今低俗的港台综艺节目.越来越多的占据孩子们的心灵.而对一些真正的艺术作品,艺术家却是知之甚少,如果艺术一味的商业化,低俗的东西占据原本属于高雅艺术品的主流位置.,长此以往, 我们真正的艺术必将举步为艰,发展迟缓,甚至走向在衰退.通过商品化而发展起来的是艺术市场，而不是艺术。艺术市场里全是化肥催熟的红草莓，大大的，红红的，可是没味儿。商品化就是化肥！很简单。商品化淘汰了缺乏买主的艺术品，扼杀了大批创作途径，长此以往，艺术就要堕落！因为艺术家堕落了！很难想象一个伟大的艺术家能从市场里走向成熟。从前的艺术大师没有走向市场，却走向了艺术殿堂的颠峰。现在的某些艺术创作者向市场，结果始终跳不出“看不见的手”。艺术在堕落！ 今后永远不会有一个能与米开、罗丹比肩的雕塑家出现，也永远不会有一个人画油画超过达芬奇和拉非尔。正如中国的书法、诗词的衰落一样。书法的衰微自晚唐，诗在唐代已被作尽（这不是我说的，是鲁迅）。在下斗胆断言，毛泽东是最后一位书法大家和大词人。旧体诗和古典书法均在清代 回光返照，现在已经一死一衰。 古典艺术已经消亡了，商品化是大方向，市场经济的大潮必将淹没艺术殿堂最后的一方净土（是哪儿我也不知道）。改版艺术应运而生，这是历史的必然，又何必口 口声声、惺惺作态，振振有辞地说什么“利大于弊”哟！ 艺术是渴望，艺术是好奇，艺术是激情，艺术是梦想，让我们在自己的人生道路上谱出美妙的音符，当我们不在年轻的时候，我们会说这是我们年轻时走过的地方。所以说，我们对待艺术要抱以“莫愁前路无知己，天下谁人不识君”的豁达和豪情，要抱以“一叶浮萍飘大海，人生何处不相逢”的洒脱和浪漫。在当今这个物欲横流的社会里，我们无法阻止艺术被商品化的必然趋势，但同时在我们正值青春的年华里，在我们满怀着理想和壮志的季节里，请你，请你们，为我，为我们，为当代的大学生留下一片艺术的心灵净土!

㈣ 简述艺术的商业性

艺术的商业性这取决于你对娱乐的定义。学习也是一种娱乐。我认为纪录片不是起到娱乐的作用，更多的是对世界的思考和了解，这不是游戏，真人秀，它是很不一样的。最有趣最震撼的故事一定是真实的故事。商业性很强的作品不是我所喜欢的类型，但是纪录片也需要多样性。但是对于我个人来说，我如何定义纪录片，我会更倾向于艺术性高的作品。

纪录片是很客观很真实的，是人们生活的一部分，是你理解现在社会的一个途径。就目前的情况来看，娱乐性的题材在纪录片当中的发展会非常迅速，我认为这是非常遗憾的。那些艺术性很高很震撼的作品，不是为了出现在杂志上，不是为了娱乐大众，而是为了呈现真实的社会。但是这种电影越来越少

㈤ 艺术产生的异化现象有哪些如题 谢谢了

一.现代工业社会艺术领域中的异化劳动 现代工业社会的劳动者形式多样，体力劳动者，脑力劳动者以及综合型的劳动者都在为现代工业社会生产各种形式的产品。在艺术领域中，艺术家和设计师同样通过各种劳动形式参与这生产活动，并且同样存在着劳动者生产的产品并不属于自己，反而成为一种异己的东西和力量，存在于劳动者之外。艺术家和设计师的作品也可能会成为一种异己的东西不依赖于他而在他之外存在着，并成为与他相对立的独立力量。这些产品（作品）形式多样，与常规的产品不同的是，不但包含着物质使用功能，也包含着精神层面的功能，它可以是非物质形式的，比如绘画、音乐、舞蹈、电影、广告等等，而介于物质与非物质双重属性的比如产品设计、建筑设计、服装设计等，在前期的设计阶段属于非物质生产，后期的实施阶段则属于物质生产。如建筑设计的前期创意和图纸绘制是非物质的，后期的建筑施工则是物质的。 马克思认为：文化艺术创作有两大方向或意愿，一种是出于自我愿望而耗神费力，是一种天性的能动表现，即人的类本质；另一类是受雇用而产生作品，这是一种社会劳动，这种劳动既可以繁荣社会文化艺术，使资本增值，也同样会起到负面作用。通过马克思的劳动异化论，我们从可以艺术产品生产活动中找出同样的现象，以艺术设计领域为例： 1. 设计师与设计作品的相互分离 理想的设计过程应该是系统的，全程的，这样设计作品从初期创意到后期实现可以保持其完整性。但是在当前设计界存在着职能分工过于细化和管理混乱的现象，越来越多的设计师开始从整个设计过程中分离出来。一方面，从事着纯创意设计的工作的设计师，由于与项目实施不可避免的脱节，从而导致责任心的下降，前期的设计工作结束后设计作品已不再属于设计者本人，所以设计师不再愿意为其倾注大量的心血。异化现象更为严重的是，作为不参与设计创意工作的制图人员，设计作品和他本人没有任何联系，当劳动者通过合同形式出卖自己之后，劳动就不再属于他自己。劳动者的工作不是自觉的、自由的劳动，而是带有强制性的。劳动活动脱离劳动者本事成为外在物。劳动者在自己的劳动中并不能自由地发挥自己的体力和智力。结果工作成为一种重复的机械劳动，这一点和工厂的体力劳动工人没有任何差别，艺术设计产品成为与他完全异己的东西存在着。 2. 设计师创作动机的偏差 大多数设计项目背后包含着巨大的利润，而设计师所创造的价值与其本人得到的价值存在一定的非正比现象，从而产生设计行为与设计师发生异化现象，表现为无原则的设计和唯利是图的设计，设计师失去了创意的主动性，遵从甲方的要求和喜好是为无原则，通过设计想方设法从中赚取额外的利益甚至以此目的作为设计的出发点是为唯利是图。这时设计活动不再是自我愿望，而成为了赚取利益的手段。 以上两种现象最终也导致了设计师目的的消失（类本质与人相异化）和设计项目中甲方与乙方的相对立（阶级分化即人与人相异化）。 在这种条件下，设计师的精神活动及其产物与设计师发生对立，艺术设计产品反过来控制了设计师，设计师的设计目的和行为取决于设计产品，主客体因此相互转换了。 同样，在绘画领域，画家受制于自己的作品也有发生，比如伦勃朗，在他事业发展最顺利的时候，因为《巡逻队》(后因光油氧化使画面变黑被人们称为《夜巡》，1642)一画吃了官司，从此委顿不起，最终潦倒终生：二百多年后，惠斯勒因《黑色和金色的夜曲：降落的焰火》(1870)一画受到污蔑为由，状告罗斯金，虽然最终获胜，但从此再也卖不出画，也是困苦不堪。 ① 二、 艺术领域中的双向异化 现代工业社会的艺术尤其是艺术设计是不可能与经济脱离关系的，因此，有艺术作品的生产者，便有艺术作品的消费者。基于现代工业社会所引发的强制性消费，从而产生了虚假的需求，从某种程度上讲，消费者也因此成为了艺术产品的附庸。 当生产者与产品发生了一系列的异化现象的同时，消费者也与产品相应的发生了一系列的异化现象，这便是双向异化。 1.生产者与消费者同时与产品相异化 在一定条件下，艺术家的艺术作品不再属于自己，反而被制约。同样，艺术品消费者也存在这样的异化现象。鲍德里亚提出的文化符号理论可以说明这种现象，他认为：艺术品的符号价值重新考虑了一种社会关系，毋宁说它就是经济与文化联系的反映。其次，艺术本身的地位同样不容忽视。当艺术品变成符号时，它直接召唤着符号价值的产生。在经济交换中，普通商品的使用价值是构成理性交换的前提。当艺术商品的使用价值被符号价值所取代，一切以意义和身份的获得为目的，消费社会中的透支消费、迷狂追求、时尚诱惑才能得到理解。这种迷狂状态消除了理性，走向极端的非理性状态，这是鲍德里亚所要指出的第一个“颠倒”。另一个“颠倒”则在于，符号价值延伸到了意识形态领域，产生了主客体关系的变化②。后者的“颠倒”就是消费者与艺术品之间的异化现象。 文艺理论家保罗巴特深刻地指出，文学、艺术与各种流行的大众产品不过是一种文化符号和思想幻影。他在提及流行时装时评价道：“流行时装所创意的，是一种经过周密制做和掩饰的语义悖论体系，其唯一目的就是将其所耗资精心制做的意义加以掩饰。……流行时装只能通过其自身来界定，因为流行时装纯粹是一种服装而已，而时髦的服装无非就是由流行所决定的。”③也就是说，这种状态下的服装已经完全独立与人而存在，人只不过是服装的衣服架子而已了。 同样，鲍德里亚对于电视媒体也给与了异化的评价，他认为电视实际上是一个制造大量符号的高科技媒体，电视节目是一群不存在理性逻辑关系的光影符号的任意组合游戏。电视提供的是一种肤浅的参与形式，是没有回应的话语，而非主体与真实世界的交流。在这种局面下，大众在过多过滥的信息符号面前产生了孤立、无助和绝望的情绪，只能以调侃、游戏态度去面对社会、人生以至民主选举。代表民主的公共领域就这样被销蚀于无形。文化从此丧失了本应有的独立性与创造性，沦为资产阶级剥夺大众平民和中产阶级的符号工具。④ 2.被动生产和强制性消费引发艺术产品的创作目的和消费目的同时异化 艺术家由于被雇用和经济利益的不平衡等原因，导致了艺术创作行为目的偏差，从而形成了艺术创作行为本身与艺术家的相异化。另一方面，前面提到，“当艺术产品的使用价值被符号价值所取代，一切便以意义和身份的获得为目的”。在消费文化体系中，作为商品最初意义上的使用价值退居到了较为次要的地位，人们消费商品，主要是消费其符号和意义所带来的“交换价值”。这时经过符号化的物品的意义已经和人们的社会地位联系在一起了，消费已经变得绝不单单是个人的行为。每一种物品的符号及其意义都变成了消费它的人们的品位、社会地位、身份等的代表和象征了，你消费哪一类的物品，你就属于哪个阶层的人。但这种通过消费来达到的所谓“地位”，在很大程度上只是表面的、虚假的、徒具形式和心理上自我安慰性质的，并不具有由财富、权力和声望所带来的真实社会地位的意义。人们这种消费的自我“拯救”，只不过是自欺欺人的、满足自己虚荣心的表面文章。④也就是说，艺术产品的消费行为并不是以满足使用功能为主要目的，而是被迫的为了满足所谓的“精神”功能，这种强制性的消费正是“物的异化”——艺术产品控制了人。 3.生产者和消费者在竖向等级中的异化 当艺术家同自己的艺术产品、自己的艺术创作活动以及自己的类本质相对立的时候，也必然同他人相对立。而艺术品的消费者，由于自身的消费能力不同，在被强制消费的压迫下，也必然的与他人相对立，消费哪一类的物品，就属于哪个阶层的人，阶层不同对立就从而产生。人与人相异化在艺术家和消费者各自的群体中都存在着。 总之，在高度发达的现代工业社会，艺术产品不断的以各种新的形式出现，产品控制人的状况也以不同的表现形式随着社会的发展，涉及的层面和深度在不断变化着，异化也许是无法超越的，马克思认为：只有用暴力手段打碎整个旧世界，人类文明才能找到真正光明的前途，批判的武器代替不了武器的批判，物质的力量要用物质来摧毁。当然，我们都希望有更好的解决方式。 【参考文献】 1. 马克思：《1844 年经济学哲学手稿》 ①马凤林：《艺术经济学，美术作品的验收员——美术学简释之四》《北方美术》2007年3期75页 ②刘玲华：《鲍德里亚的“符号政治经济学批判”》 《江西社会科学》2005年11期 ③《当代法国哲学导论》下卷，680－681页。 ④赵尚：《符号消费的神话——论波德里亚的<消费社会>》

㈥ 艺术商品化的艺术商品化

艺术——用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态。“比现实有典型性”——就是艺术这种来源于生活而高于生活的特性，决定了艺术在社会生活中的地位。而“用形象来反映现实”——艺术的这种功能决定了艺术的价值。于是艺术这一社会意识形态成了人类精神的粮食。从行为学与心理学角度来看，人总是先去填饱肚子，接着定会去填饱头脑与心灵，然后再去填好肚子。如此，一定的物质生活水平一般应有一定的精神文明水平相对应。当今社会人类生活早已达到丰衣足食的水平，世界人民群众的物质生活水平仍在不断提高，于是对精神文化生活日益提出了更高的需求。艺术家犹如资本家拥有物质财富一样，拥有着精神财富。非艺术家本身不但不具有这种财富，而且对精神文化的需求日重一日，那么交换是必然的。有需有应才能形成交换，艺术家为什么愿意交换呢？因为只有交换，艺术家才能获得物质生活资料，用来填饱肚子或填好肚子或为艺术活动谋取更好的创造条件，进而创造更好的艺术。当然这交换形式不是拿大米换书画那么简单。在今天，以货币为媒介的交换形式，艺术必然被商品化，这是社会发展，艺术发展的结果。

㈦ 有人说艺术商品化之后的好处大于坏处，如何反驳对方你怎么看

艺术商品化，看到这个词语我思索了良久，它让我想起电影《让子弹飞》中的一句话——“你是想站着，还是挣钱？”对于这句话也许有些人会浪漫的回答：“我是想站着，还把钱挣了。”浪漫的和电影一样，我也有这种浪漫想法，所以我庆幸，艺术商业化并不是所谓的“跪着”。和平年代也没有没有感情的枪林弹雨。

以上便是本人的浅薄观点，也许较为片面，希望大家可以在评论区交流讨论完善自己的想法与观点。

㈧ 艺术商品化与艺术品商品化有何不同

"艺术商品化与艺术品商品化"：
艺术商品化有争议，艺术品商品化已是不争的事实。
艺术商品化是指艺术整个社会过程即艺术创作、艺术传播、艺术消费的商品化。艺术创作主体的劳动也是商品，这样会影响到艺术创作者的个人创作激情与艺术创意，会更多的考虑消费者的意愿，甚至会出现创作的流行化和标准化。所以艺术创作不可以商品化。艺术商品化的争议在于争论对象的不同：从创作者角度讲弊大于利；从商业（消费）角度讲利大于弊。
艺术品商品化就是仅指艺术作品本身的商品化。正是由于艺术品成为商品，改变了艺术创作的赞助制度，形成了艺术市场，才使得艺术消费得以大众化。

㈨ 什么是艺术商品化

艺术商品化 艺术是劳动生产，是人类精神财富。当今社会经济发展迅速，使人们物质生活水平不断提高，相应的对精神文化的需求也提出了更高的要求，全民素质的不断提高，使社会对艺术的需求量大大增加。艺术也只有达到商品化，才能满足更高品位、更多形式的需求。无论从社会的发展，还是从艺术自身的发展或者从艺术的社会作用来看，艺术商品化都是必然的结果。而且从原始艺术到当代艺术中，更趋向商品化的艺术就更趋向成熟。艺术商品化是必然的也是必要的，它能促使艺术的发展，也能使人类更多也更容易的实现艺术的价值。我们要正视艺术商品化可能出现，将要出现和已经出现的问题，各方面共同努力，保证艺术的商品化健康运行与艺术本身的健康发展。
艺术——用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态。“比现实有典型性”——就是艺术这种来源于生活而高于生活的特性，决定了艺术在社会生活中的地位。而“用形象来反映现实”——艺术的这种功能决定了艺术的价值。于是艺术这一社会意识形态成了人类精神的粮食。从行为学与心理学角度来看，人总是先去填饱肚子，接着定会去填饱头脑与心灵，然后再去填好肚子。如此，一定的物质生活水平一般应有一定的精神文明水平相对应。当今社会人类生活早已达到丰衣足食的水平，世界人民群众的物质生活水平仍在不断提高，于是对精神文化生活日益提出了更高的需求。艺术家犹如资本家拥有物质财富一样，拥有着精神财富。非艺术家本身不但不具有这种财富，而且对精神文化的需求日重一日，那么交换是必然的。有需有应才能形成交换，艺术家为什么愿意交换呢？因为只有交换，艺术家才能获得物质生活资料，用来填饱肚子或填好肚子或为艺术活动谋取更好的创造条件，进而创造更好的艺术。当然这交换形式不是拿大米换书画那么简单。在今天，以货币为媒介的交换形式，艺术必然被商品化，这是社会发展，艺术发展的结果。
一、艺术也是一种劳动生产
虽然人们知道艺术是人类活动的结果，但却不大与其他形式的劳动相提并论。这是人们对金钱的错误否定，对劳动的狭义理解和对艺术的不深入思考所导致的。因为人们潜意识中的劳动是以获取物质资料或金钱为直接目的的活动。而艺术在人们心中是神圣的，有净化心灵的作用，自然与历来被人认为腐蚀人心灵的金钱划上了一道隔离线。以此来纯净艺术，崇尚艺术。
劳动——人类创造物质或精神财富的活动。劳动是人类创造生产活动的总称，是由“创造物质或精神财富”这一过程来决定劳动与否的，而人们潜意识中的以“获取物质资料或金钱”这一动机为准绳，难免会有不尽人意之处。艺术创造就是精神财富创造，毫无疑义的属于劳动范畴。
“金钱，历来被认为会腐蚀人的心灵”，只不过是被认为而已，究竟真假与否，那还不一定。金钱就是货币，用来充当一切商品的等价物，它从一般商品中脱离出来，本质上与其它商品没什么区别。它是商品价值的具体表现形式，使价值由抽象变得形象。“金钱是毒药”之类的话，之所以会常常被人“创造”，不过是为了起到一定的教育意义而夸大其辞的结果。时间是宝贵的，我们今天形象的比喻“时间就是金钱”，间接说明了金钱的地位并不是那么卑微。其实货币一般等价物的身份，决定了“金钱”在社会中的伟大功用。即使金钱有所谓的“毒性”，艺术与之相关联未必会降低其价值。正如，莲藻同出淤泥而有清浊之别，莲可自保其清洁，与是否从淤泥中而出并无直接关系。那么是否与金钱扯上关系，也并不影响艺术的健康发展。经济基础决定上层建筑，并不等于说金钱可以决定艺术。经济基础是社会发展一定阶段上的社会经济制度，而金钱只不过是几张钞票。货币是衡量一切价值的“尺度”，自然可以衡量艺术品、艺术活动的价值。既然艺术与其它生产活动一样可以用货币来表现其价值，其它生产活动是劳动，同样的，艺术活动也不例外的属于劳动。单从艺术本身来看，也不难发现艺术其实就是劳动。“艺”就是技能，具有将事物理想造型化能力的人是艺人。“术”是技艺与方法，一方面指将“艺”系统化、理论化，另一方面指有理论依据的“艺”。艺术的对象是客观存在，艺术的过程是改造旧事物创造新形象。这就是劳动的一般形式。所以说艺术就是劳动生产是毋庸质疑的。那么，艺术活动即是劳动，而劳动的结果艺术家不能自我享受殆尽，这似乎也决定了艺商品化的命运。
二、原始艺术不具备商品化的条件
原始艺术诞生在原始社会这样一个生产力低下，无剩余物质生活资料的社会环境里。生存是第一要务，精神追求是原始人类无暇顾及的，人类生活简陋贫苦，自然灾害严重，而且人们抗拒自然灾害的力量微弱，生产力极其低下，衣不丰富，食不足满，又加以疾病侵害，野兽攻击，使当时人类的平均寿命不足40岁。此时人类一切活动无不与解决基本生活问题有关。
不妨从现今人们基本公认的艺术几大起源来看清这样一个问题。一、模仿说：两千多年前，古希腊哲学家德谟克利特认为艺术是对自然的模仿。他说：“从蜘蛛我们学会了织布和缝补，从燕子学会了造房子……”。二、游戏说：远古人类在获得猎物以后，常常兴奋的高吼或口念“贺词”，并拌以欢快的神情与肢体动作，以示庆贺，逐渐形成诗乐舞为一体的艺术雏形。三、巫术说：欧洲发现的大量史前洞穴壁画，体现出狩猎部落的生活，往往也具有某种神秘的巫术目的。洞穴壁画往往画在黑暗洞穴的深部，显然不是为了欣赏。巫术认为，狩猎之前在洞穴中画什么，人们就会在狩猎中获得什么。鲁迅说：“画在西班牙的亚勒泰米拉(Altamira)洞中的野牛，是有名的原始人遗迹，许多艺术家说，这正是‘为艺术而艺术’，原始人画着玩玩的，但是这理解未免过于‘摩登’，因为原始人没有19世纪的艺术家那么悠闲，他画一只牛，是有缘故的，为的是关于野牛，或者是猎取野牛，禁咒野牛的事。”四、劳动说；个体劳动时为或为了表达兴奋心情或为了排解疲乏等，常会一面劳动一面“歌唱”。集体劳动时或为了鼓舞士劲或为了协调步伐等，常会喊一些劳动号子。
不难看出，所谓的原始艺术其动机是那样的简单与现实，这是当时社会环境决定的。在安稳不足，饥荒有余的生活环境里，人们不可能闲情逸致地去搞艺术。也就是说原始艺术活动并不是纯粹的为艺术而艺术，而是由于人类对生存条件的美好幻想与追求，或是为了生存的更加安全与舒服，而进行的特殊生活活动。而原始人类在进行活动创造的时候，他们不会也不可能考虑其艺术价值的含量，只注重是否切身实惠。因为活动动机中充满着美好幻想与追求，也就使活动结果有了一定艺术性。我们今天统称具有那“一定的艺术性”的人类活动与历史遗迹为现代意义的“艺术”，而原始人类并没有艺术概念。
简言之：一、艺术这一精神物质，在恶劣的人类生存环境中不可能作为生活所需用来交换；二、极其低下的生产力，决定着艺术活动量的有限;三、原始人类不把这所谓的艺术作为一种生存资本，不为换取其它生活资料为目的，而是以解决自己或自己部落内部生存条件问题为目的（比如：原始部落都有自己的巫师，一般只为本部落施行巫术。有较少部落联盟通用巫师，这只作为邦交联盟的手段，用来加深部落间的亲和关系，不以换取物资资料为目的）；四、原始人类的意识中没有艺术的概念，如此更谈不上商品化。由此，所以说原始艺术不具备商品化的条件。
三、古艺术与商品化的“距离”
古艺术是个相对性概念，就艺术成就与发展而言，它介乎于原始艺术与近现代艺术之间。而时间上，是从原始社会后期或者奴隶社会算起，还是从封建社会算起？又止于何时？时间定义上朦胧的。在这里，古艺术只能有所指的认为是相对成熟的艺术。
古艺术的发展成果，反映了社会的进步，物质生活资料的相对丰富。基本摆脱贫苦的人类，开始意识到精神的需求，尤其是宫廷贵族追求奢侈与享受。有需求必有响应。艺术为了满足人的精神需求而被创造，同时得到发展，使艺术走上了为艺术而艺术的光明大道。然而，即使是封建社会，平民百姓的生活也不容乐观，更何况奴隶社会，平民阶层依然迫于生计而不停地忙碌着。虽然有了精神需求的意识却没有精神享受的物质能力。如果艺术不能带给他们温饱，他们也不大愿意参与艺术的创造，除非有人给他们吃的穿的，“让我活着干什么不可以？”这也是他们不可抗拒的命运，于是很多贫民不再是贫民，而是奴隶、仆人。奴隶主或宫廷贵族为了满足自己的精神需求，开始培养“艺人”为己所用。 ­
在欧洲，18世纪初，古典主义时期音乐家的地位开始从“仆人”向“自由音乐家”过渡。美术家、雕塑家又是什么时候获得自由的呢？在中国古代，无论是军队或者显赫家族都有自己的“歌伎”，直到清朝中后期，富贵之家依然有自己的戏班等艺术主体，节庆时用以增添喜气。
这时期的艺术是为满足精神需求而创造生产，艺术的主导动力是为艺术而艺术;而“艺人”的创造生产活动是为了获取生活资料,艺术的次生目的是为物质而艺术。两者统一于艺术活动中才得以艺术的正常发展。艺人为获取生活资料而创造艺术，不等于这时期的艺术已经作为商品进行交换了，“奴隶”与“仆人”是用人身自由、尊严、体力劳动来换取生活资料的。艺术能力只是人本身的一个附属品。艺术创造数量的多少与价值的高低不与获得的生活资料成正向比例。比如：一仆人今天唱一首歌，可能得到一个馒头，那么他唱两首，可能一样是一个馒头。多与少都是仆人应该做的，因为他出卖的是人身自由，而不只是劳动力。很显然，虽然形式上是艺人拿艺术换生活资料，实质上却不是。既然实质上不是艺术的交换，那么这部分艺术自然称不上商品。只有当艺术家有“仆人”变成“自由艺术家”，拥有人身自由和支配自己作品与艺术行为的权利，把艺术创作作为一种资本，个体主观意愿为艺术而艺术地创作，使渴望享受艺术的人，拿钱去平等自由的换取享受，艺术才以商品的身份立足于阳光之下。如此不难看出，艺术的商品性其实反映着，艺术家为艺术而艺术的自由主观意志及对艺术活动和艺术品的自由支配权利，和人们选择艺术享受的自由。
清朝中后期富贵之家依然有戏班之类的艺术主体。但不等于说中国的艺术直至清朝后期仍未商品化。艺术种类不是单一的，各种艺术形式的发展不可能同步，中国书画，西方的建筑都是成熟较早的艺术，也较早的成为了商品艺术在流通。艺术的创造人群也不是单一的，有仆人艺术家，有宫廷艺术家，同时也有民间艺术家。相同的是他们都在创造艺术，不同的是民间艺术家多多少少满足着平民百姓的精神需求，一定程度上推动艺术的商品化。总之艺术的地域性，诞生的先后，社会的需求，生产力的发展等因素，决定艺术商品化的先后、快慢之别。与其说艺术的成熟，艺术家的主观意志与人身自由推动艺术商品化，不如说艺术商品化是成熟艺术的反映，是艺术完善的必由之路。
四、当代艺术的必要性
经济基础决定上层建筑，当今社会经济的繁荣与发展决定了艺术的繁荣与发展。繁荣的经济滋生人们对精神文化的更高需求，繁荣的艺术带给艺术家更加丰富的精神资本。一需一应之力致力吸引，终于艺术如黄河泛滥一般被商品化。现在一幅画、一联字、一首歌、一场舞、一部电影、一座建筑、一篇诗文、一尊雕塑都可以成为商品，通过金钱表现其价值。而且只要有钱就可以轻易选择拥有与享受，因为它们是商品化了的艺术。商品艺术不单指买卖艺术成品，也包括艺术活动。如：演员演电影，建筑师建筑等都是要获得报酬的。 ­
艺术商品化不仅是艺术发展的必然结果，而且现在已经成为了事实。但是艺术商品化一直是个敏感而又有争议的话题。反对或不愿接受这一事实的人认为“艺术无价，真正的艺术家是‘人类灵魂的工程师’，艺术对人类精神文明的意义和作用，都不应该也不可能用金钱来衡量”。更担心把艺术家、艺术品和艺术生产活动商品化后，可能会出现很多问题。比如：拜金主义充斥艺术血脉，用价格评断艺术价值，为适应需求使艺术创造者背离艺术创作的初衷，为追求经济效益精心创作高雅艺术行为逐渐被屏弃。从而导致艺术不纯洁，艺术品位降低。其实这不是只有艺术成为商品才会遇到的问题，而是一种社会市场弊端，其他商品一样会遇到“追求利益至上，重视数量轻视质量”等问题，但是其他商品也并没有因此退出市场，反而是产品更新速度更快，功能更多，这就是商品化的积极结果。艺术也是一种劳动，也可以作为一种商品，而且正在作为商品而存在。并且没有因为上述原因退出市场，是有一定道理的。
商品化可使艺术在竞争的环境中，不断创新优化，健康发展。市场需求性可促进艺术创作领域的扩大；商品化可以为艺术家提供更多更好的创作资料；商品化可以提高全民的文化素质；在流通中艺术可以取长补短；艺术也只有在流通中才能更好地被继承和发扬；最重要的一点是，艺术商品化可使全民自由接触艺术，完成了“艺术属于全人类”的价值使命。而那些不敢正视艺术商品化人，所担心的问题是阻挡不住艺术商品化这一必然发展趋势的。任何一件商品都是价值决定价格的，金钱永远都是价值的表现，而不是价值的判断，一件商品总是要先知道值多少钱，然后才去标榜价格的。艺术也不见得会如担心的那样，因为商品化而降低品位，屏弃高雅创作。郑板桥、齐白石公开悬持笔榜；莫扎特为了摆脱贫困，而与维也纳出版商霍夫曼签约，也并不因此降低艺术品位。因为艺术家本身除了具有丰富的情感、良好的素质、修养、责任外，更重要的是拥有自己的艺术品格；社会有能起到过滤筛选作用；竞争又有优胜劣汰的规律；群众的眼睛又是雪亮的，这些因素也使艺术在商品化环境中正常发展，也只有真正的认识艺术商品化，才能在遇到问题时很好的解决问题。从艺术发展来看，艺术商品化是必要的。
艺术商品化并不是艺术使用形式的最高端、最优良的状态。保证艺术商品化的健康运行，却是使艺术走向完善的重要一步。这需要社会经济的不断支持，组织的正确导向，艺术家的责任创作，批评家的客观评价，审美者的判断识别等各方面的共同协作的结果。

㈩ 商品艺术化的利大于弊，要找“利”的事例，越多越好，网址也行，急需。

艺术商品利大于弊:
1.艺术商品话后艺术品就具备了商品价值,艺术品本身就是艺术家创作的只要流通了就具备了商品的含义(由人类生产,作为等价交换用的流通物品),让更多的人可以了解认识它.而不是让艺术品作为私人物品或博物馆藏匿起来.
2.艺术商品化后人们可以更深入的了解他的价值,(只有真正的艺术品才具有较高的价值)刺激人们更多更深入的了解,并产生对艺术品的爱(许多事情都只是从兴趣开始).
3.艺术商品化可以给更多的艺术家创造良好的环境,有更多的时间和空间去创作.
4艺术来源于生活,而艺术品作为商品流通后又回到简单的生活中,正所谓取之于民,用之于民(可能有点用词不当
自己换句好话做总结吧).