科普贴如何欣赏芭蕾的艺术之美

1. 如何欣赏芭蕾舞

“芭蕾”的意思是舞剧，最早出现于文艺复兴时期的意大利，是歌剧演出时的幕间插舞。１８世纪中期，芭蕾舞剧作为一门独立的艺术，走上了舞台。到了１９世纪初，芭蕾舞女演员的舞蹈动作发生了用足尖舞蹈和快速旋转的根本变革。

欣赏芭蕾舞除了对整个舞剧作品所表达的情感和内容的理解，以及整体艺术性方面的欣赏外，还应能欣赏芭蕾舞技巧。

芭蕾舞的舞姿优美，动作轻盈，服饰典雅，规范性和技巧性很强。足尖舞蹈是芭蕾舞的基本特色。另外，单腿原地快速旋转、凌空转、腾越步、跳步、空中倒踢腿、空中交叉步等也都是芭蕾舞的特色动作。其技巧高超、动作复杂当为舞蹈艺术之最。

芭蕾舞剧一般都有完整的故事情节。在观看芭蕾舞剧前，应对剧情有所了解，才能获得更大的艺术享受。

2. 如何欣赏芭蕾

学习背景

芭蕾，欧洲古典舞蹈，由法语ballet音译而来。芭蕾舞孕育于意大利文艺复兴时期，十七世纪后半叶开始在法国发展流行并逐渐职业化，在不断革新中风靡世界。芭蕾舞最重要的一个特征即女演员表演时以脚尖点地，故又称脚尖舞。其代表作品有《天鹅湖》、《仙女》、《胡桃夹子》等。

芭蕾舞是用音乐、舞蹈手法来表演戏剧情节。芭蕾艺术孕育在意大利，诞生在十七世纪后期路易十四的法国宫廷，十八世纪在法国日臻完美，到十九世纪末期，在俄罗斯进入最繁荣的时代。芭蕾在近四百年的持久历史成长过程中，对世界列国影响很大，传布极广，至今已成为世界列国都推崇的一种艺术形式了。女演员舞蹈时常用脚趾尖点地。

观影礼仪

1.观赏者应当提前抵达剧院，在表演开始前入座

演出一旦开始，就禁止观众进场，迟到的人只能在门外等候，直至剧幕间隙方可进入。这样场内的气氛才不会受到破坏，同时更是对演员和没有迟到的观众的尊重。

观众进入演出场所时，着装一定要整洁、大方、得体。男士们可以穿西装，系领带，穿皮鞋或其他正装。女士们可以穿简约的礼服，或典雅的套装，穿高跟鞋，如果对仪表特别在意的话，还可以化妆，携带小巧的手提包。无论男女，绝对不能穿着短裤、拖鞋出席，这样是很不礼貌的。

2.演出进行时应保持安静

这不仅是对表演者和其他观众的尊重，也间接表达了自己的修养。严禁手机铃声干扰，即使把手机设置为振动，也不宜在场内接听，所以最好是关机。避免交谈、打哈欠、咳嗽、清嗓子、打拍子、哼调子，也要避免翻阅节目单时发出的声音，一般来说剧场也会要求观众尽量不要携带容易发出噪音的塑料袋和易拉罐入场。总之，任何惊动场内其他人的言行都是失礼的。另外，请注意演出过程中是不允许中途退场的。

3.演出过程中禁止拍照、摄像

因为闪光灯和按动快门的声音都会严重干扰台上艺术家的表演和周围观众欣赏艺术的氛围。同时，也侵犯了剧团对剧目知识产权的保护。（演出结束阶段的谢幕部分，通常可以拍照留念。）

4.恰当的时候，以适当的掌声表达对表演者的赞赏

在各幕（场）结束和演出终了时鼓掌致意已成惯例；每个舞段之间如果没连续性的音乐连接，人们也会抱以掌声；甚至当演员表演一个高超的绝技，即使整段舞没完，也会激起人们喝彩的欲望这时的掌声对演员来说无异于兴奋剂，会促使他们把下面动作完成的更好。但是，如果演员表演的是深沉抒情的优雅舞段乃至如此场景，把观众带进情绪陶然的静谧气氛，掌声的出现就不大相宜了。演出结束后，不要急于离场，应在演员谢幕后按序退场。遵循礼仪、举止优雅的人，随时随地都会体现出自己的修养及品位。

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3. 芭蕾的审美

脚尖的艺术－－芭蕾
——芭蕾的审美艺术谈

芭蕾舞结合了音乐、舞蹈和默剧等艺术形式来叙述一个故事。诞生于300多年前，最初是作为欧洲贵族家庭的娱乐……

芭蕾，一袭白纱，一双舞鞋，是多少女孩儿时的梦想，或多或少是因为芭蕾舞表现出来的超凡脱俗的美。脚尖鞋的发明将舞者身体的重量支撑"面"缩小成"点"，有效减小与地面的磨擦力，提高旋转的速度，造成风驰电掣的效果、以及如临仙境的幻觉。而脚尖鞋的使用能够将原本修长的舞者肢体线条进一步拉长，以延伸这种特定的美感，加大芭蕾艺术与日常生活的距离，形象生动地体现出"距离即美"的古典美学原则。因此，芭蕾的动作语言最适合表现那种可望而不可及的仙凡之恋的内容，从而完成了形式与内容的高度统一。

下面我们简单地介绍一下关于芭蕾的几个关键词，要成为芭蕾迷，这些知识可一定要具备哟：

芭蕾的起源和历史

芭蕾艺术孕育在意大利，诞生在十七世纪后期路易十四的法国宫廷，十八世纪在法国日臻完美，到十九世纪末期，在俄罗斯进入最繁荣的时期。芭蕾在近四百年的长期历史发展过程中，对世界各国影响很大,流传极广，至今已成为世界各国都努力发展的一种艺术形式了。

芭蕾的历史，最早的起始可追溯自欧洲文洲文艺复兴鼎盛时期的意大利宫廷，及法国南部的贝根弟地方的宫廷里。每当结婚喜庆，接见外国元首，或其他大庆典，即表演这种舞蹈以示祝或助兴。芭蕾发展史上第一部比较完整的芭蕾舞剧——《皇后喜剧芭蕾》上演于1581年，当洛蕾娜（Lorraine）的玛格丽特小姐和凡尔赛（Versaills）的姚幼斯公爵结婚之时，这场芭蕾舞的音乐乐谱迄今仍保存，可算是最古老的芭蕾音乐。

芭蕾至路易十四皇朝（1643—1715）时代而臻极盛，路易十四本人是一位卓绝的舞蹈家，且喜爱芭蕾表演。1661年，路易十四创立了历史上第一所舞蹈学校——法国皇家舞蹈学院，专门教授舞艺。这所学校现在属于巴黎歌剧院。而沿用至今的手脚的五个位置和一些优美的芭蕾舞姿则是1700年在这里得到固定的。在皇家舞艺大师博尚(Beauchamp)和音乐家贝弗(Cambefort)及吕利(Lully)的大力提倡下，法国芭蕾舞在文化和音乐上的重要性大增。于是芭蕾变成了许多新的宫廷舞的来源;诸如:加沃特舞曲(Gavotte)、巴斯皮耶舞曲(Passepied)、布雷舞曲(Boree)、里戈东舞曲（Rigaudon）等。在这些舞曲之中，最重要的要算小步舞曲（Minuet），吕利于年，开始参加法国宫廷的芭蕾活动，而达到高潮。他当时正与莫利哀（Moliere）合力制作戏剧和芭蕾混成的所谓芭蕾喜剧（Comedie Ballet）。1760年发表的《小绅士》(Le Bourgeois Gentilhomme)，可算是这类舞剧最着名的代表作。吕利又把芭蕾应用于他所作的歌剧中，他的两位后继者康普拉(Campra)和拉莫(Rameau)也如法炮制。尤其是拉莫的作品，因夹杂有墨西哥、健康和中国等的外国情调而更富风趣。这当然和他的个性与背景有关。英国方面又创造一种特殊的芭蕾，名之曰“假面舞”（Masque）。到了17世纪后半期，维也纳已成为芭蕾演出的中心。然而当时欧洲芭蕾舞正处在“传统”与“革新”的争论，“严格”与“抒情”间的争论，“纯粹舞艺”与“标题舞艺”的争论，以及“芭蕾”与“近代舞”间的争论中。这些观念在20世纪的今天，多多少少还有它的余波，时而争论不休。

从1789年开始，出现了《关不住的女儿》等一批早期（又称前浪漫时期）芭蕾舞剧的代表作。而到了19世纪，先后在巴黎出现了“浪漫芭蕾”这个芭蕾史上的黄金时代，推出了以《仙女》（1832）、《吉赛尔》（1841）和《葛蓓莉娅》（1870）为代表的传世之作，然后在俄国进入“古典芭蕾”这个整部芭蕾史上的鼎盛时期，留下了以《睡美人》（1890）、《胡桃夹子》（1892）和《天鹅湖》（1895）这“三大舞剧”为首的一大批经典剧目，从而促使人们形成了“舞剧乃舞蹈的最高形式”的观念。这种观念直到20世纪先后诞生出“现代芭蕾”和“当代芭蕾”之后，尤其是舞蹈开始走出“非舞蹈”的误区，竭力回归动作本体，以美籍俄国芭蕾大师乔治?巴兰钦（1904—1983）为首的“纯芭蕾”（即非舞剧式的芭蕾作品，又称“新古典芭蕾”）开始占领主导地位以来，才结束了戏剧芭蕾一统天下的局面。世所公认的一流古典芭蕾舞团有七个：前苏联的基洛夫芭蕾舞团和莫斯科大剧院芭蕾舞团，美国的纽约市芭蕾舞团和美国芭蕾舞剧院，英国的皇家芭蕾舞团，法国巴黎歌剧院芭蕾舞团和丹麦皇家芭蕾舞团。当代芭蕾呈现出空前的普及和繁荣，代表性人物和团体为捷克人伊日·基里安（1947— ）和他的荷兰舞蹈剧院以及美国人威廉?福赛特（1949— ）和他的德国法兰克福芭蕾舞团。

芭蕾分类

1、音乐芭蕾

以展现舞者技巧为主要目的，例如圣桑的"垂死的天鹅"。

2、剧情芭蕾

顾名思义为有剧情的芭蕾舞蹈。

3、 浪漫派

又俗称"白色芭蕾"，女舞者以身着白色钟罩型纱裙着称。例如亚当的"吉赛尔"。

4、古典派

女舞者穿着华丽的短裙，和男舞者以古典舞蹈特有的形式舞出，例如柴可夫斯基之"天鹅湖"。

5、现代派

例如史塔温斯基之"火鸟"。

6、歌剧芭蕾

在歌剧当中穿插的芭蕾舞，例如歌剧"威廉泰尔"当中的芭蕾。

舞鞋

女性芭蕾舞演员的舞鞋鞋尖加硬，使他们能用脚尖跳舞而不会伤害到脚。

肢体语言

所有芭蕾舞开始和结束的动作都用这五种姿势中的一个。这些姿势是在18世纪创造的，是为了达到平衡并使脚显得优美。

传统的古典芭蕾技术建筑在外开、伸展、绷直的审美基础之上的。它包括：脚的5种基本位置、3种基本舞姿：如"阿拉贝斯"（arabesque）、"阿提秋"（attitude）和"伊卡特"（ecarte）；腿部技巧：各种"巴特芒"（battements）－－包括腿的伸展、打开以及rond de jambo（腿的划圆圈）等；各种幅度和舞姿的跳跃；各种旋转；击腿技巧；各种舞步和连接动作；女子的脚尖舞技巧；双人舞的扶持和托举等技巧；以及"泼德布拉"（port de bras）等。古典芭蕾的这些基本动作（元素），就像字母一样，编导运用这些"字母"写出不同角色的个性、身份、情绪以及角色在剧情发展中的地位和作用，把这些元素按特定的结构手法加以编排、组合、组成形象化的舞蹈语汇来表达剧情，创造出各种富有艺术魅力的舞蹈形象。

脚部的五个基本位置：

第一位 : 两脚跟紧靠在一直线上,脚尖向外180度

第二位 : 两脚跟相距一足的长度,脚部向外扭开,两足在一直线上

第三位 : 两脚跟前后重叠放置,足尖向外张开

第四位 : 两脚前后保持一足的距离,两足趾踵相对成两直线,腿向外转

第五位 : 两脚前后重叠,两足趾踵互触,腿向外转

手部基本位置：

1.瓦卡诺娃派(俄国派)

第一位 : 双手在正面的腹前成自然圆

第二位 : 双手在旁侧伸,在视线范围内,手心向内

第三位 : 双手上举在头上方的视线内

2.却革底派(意大利派)

第一位 : 双手垂下成自然圆,手指轻触在大腿旁的位置

第二位 : 双手在旁侧伸

第三位 : 一手在身体前手心向内,另一手在旁侧伸

第四位 : 一手在身体前与横隔膜保持相同的高度,然后同时上举在头的上方.

古典式芭蕾舞衣

裙子的长度，不超过膝盖，是短式的，不过袖子有无袖的，长袖的，灯笼袖等

1、纯白色古典芭蕾舞衣

例如"天鹅湖"中的白天鹅

2、 全 黑 或 鲜 红

前者例如"天鹅湖"中的黑天鹅

3、灯笼袖配背心

例如"柯贝莉亚"第二幕中史瓦妮达所扮演的娃娃—柯贝莉亚

4、长袖配背心，以亮珠刺绣装饰之

5、上下色彩不同的芭蕾舞衣

浪漫派芭蕾舞衣

它的裙子几乎到脚踝附近，成吊钟型，有无袖的，灯笼袖的颜色有白色的，淡色的，淡紫色等。

1、灯笼袖的浪漫派芭蕾舞衣

例如"四人舞""玫瑰花精"。

2、扮妖精时，在手臂上或肩上加薄纱的衣饰 例如"吉赛尔"第二幕，"仙女"舞剧

3、村姑式舞衣

背心加灯笼袖，腹部上面配上可爱的图案，例如"吉赛尔"第一幕，"柯贝莉亚"第一幕，"风流女儿"舞剧。

角色

古典芭蕾舞剧有其特定的结构与形式，经由艺术总监、编舞、舞者、灯光音响、服装、布景……专业的剧场工作人员密切配合，才能完整的呈现在观众面前。

如果我们对芭蕾舞舞台上的型式能有基本的认识，观赏芭蕾演出时必能获得极大的乐趣与共鸣。芭蕾舞剧演出主要由下列三种角色组成：

1、主角：主角是故事核心人物，舞者需有一定水准以上的技巧与体力，最重要是要 有高超舞蹈素养及品格，才能诠释剧中的人物。 古典芭蕾双人舞是整个舞剧重心，大都由男女主角担任，古典芭蕾舞剧双人舞结构 次序是男女主角双人的慢板，然后是男主角独舞，女主角独舞，最后才是终曲 (coda)双人快板，主角艺术素养与技巧水准将于双人舞中呈现。

2、独舞者：具有主角技巧，而能单独或三、四人演出者。

3、群舞者：群舞者虽然舞步较简单，但复杂的画面变化，整场气氛烘拖更是扮演举足轻重的地位，每一位群舞者均非常重要，只要有一人乱了脚步，整体的画面将被影响。

舞蹈术语

一、舞蹈形象： 以舞蹈艺术为手段塑造的人物形象动态形象，技人体的姿态、造型，步法等动作借助音乐、舞台美术、化妆、服饰等艺术因素产生的具有欣赏价值的视觉效果。具有可视性、流动性的审美性的特点，是舞蹈欣赏过程中被感知、认识的主要对象和体现舞蹈艺术审美价值的主体。

二、舞蹈表情：根据现实生活中人的心理活动和流露表情的习惯特点，经过提炼和艺术加工，用不同的舞蹈形式加以概括并表现出的喜怒哀乐等内心情感变化。除了与动作相协调的面部表情外，有节奏的动作、姿态、手势和造型，亦可产生富有艺术感染了的舞蹈表情。

三、舞蹈动作：舞蹈艺术的基本表现手段。源于对人类情感动作和自然界各种动态事物的模仿。主要包括：

1、单一动作，即以人体某一部位为主动，其他部位静止或随动的动作；

2、复合动作，指人体各部位在同一时间按照一定的顺序、规格作出的动作；

3、动作组合。一般指以训练舞蹈技巧为主要目的，有两个以上单一动作或复合动作按一定顺序、方向、速 度和幅度上的结合与变化组成的连续性动作滑步、屈伸、踢腿、跳跃、旋转等等。

四、民间舞（folk dance）：泛指产生并流传于民间、受民俗文化制约，即兴表演但风格相对稳定、以自娱为主要功能的舞蹈形式。不同地区、国家、民族的民间舞蹈，由于受生存环境、风俗习惯、生活方式、民族性格、文化传统、宗教信仰等因素影响，以及受表演者的年龄、性别等生理条件所限，在表演技巧和风格上有着十分明显的差异。民间舞不乏朴实无华、形式多样、内容丰富、形象生动等特点，历来都是各国古典舞、宫廷舞和专业舞蹈创业不可或缺的素材来源。

五、社交舞（social dance）：亦称舞会舞（ballroom dance）泛指欧洲文艺复兴以来流行于宫廷舞会和近代流行于各种社交场所的舞蹈。名称和所用舞曲，以及基本舞步、队形、风格和舞蹈表演顺序多为因循意大利、英国、法国、德国、西班牙等国民间舞蹈的特点。

布朗特、小步舞、加沃特、波洛奈兹、连德勒、波尔卡、马祖卡、加洛普、华尔兹曾先后风靡过欧洲各国宫廷。

法国大革命以后，宫廷舞会的形式已远远不能满足社会各阶层交往的需要，大众化的公共舞厅在欧洲大陆应运而生，并逐渐取代宫廷舞会成为社交活动中的主要场所。

舞步简单易学，形式自由，便于即兴发挥和宣泄情感的舞蹈在公共舞厅备受青睐，社交舞因而很快融入了平民阶层的文化生活。

六、芭蕾（ballet）：法语音译。特指有一定动作规范、技巧、和审美要求的欧洲古典形式；或泛指以人体动作、姿态表现戏剧内容推动情节发展，以及表现一定的情绪、意境、心理状态和行为的舞蹈表现形式。前者有时译作“舞剧”。ballet一词源于古代拉丁语 ballo，原意为当众跳一定样式的舞蹈，并无剧场演出的含义。芭蕾作为舞台艺术形式，始见于文艺复兴时期意大利宫廷盛大的宴饮娱乐活动之中。后来由佛罗伦萨公主——美第奇的凯瑟琳将这一舞蹈形式带入了法国宫廷.1581年,法国宫廷表演的第一部芭蕾《王后的喜剧芭蕾》在欧洲引起极大反响，各国宫廷纷纷效仿，并把芭蕾视为宫廷娱乐的典范，1661年法国国王路易十四在巴黎创建了皇家舞蹈学院之后，又于1669年授权在巴黎成立了歌剧院，从此结束了“宫廷芭蕾”的黄金时代。芭蕾进入剧场之后，先后经历了“喜剧芭蕾”和“歌唱芭蕾”阶段。18世纪中叶，“情节舞”及相关的理论日趋完善，芭蕾才彻底改变了依附于戏剧和歌剧，仅仅在幕间表演插舞的地位，发展为用舞蹈和音乐推动剧情发展，具有严肃社会意义的剧场艺术形式。19世纪初是芭蕾发展史的又一个黄金时代，在内容与题材、技巧与表演及演出形式等方面均有重大突破。脚尖舞技巧逐渐成为女演员的主要表演手段，并积累了一套系统、科学的训练方法。受浪漫主义文化思潮影响，欧洲各国芭蕾的发展更加注重民族精神和气质的表现，形成了意大利学派、法国学派、俄罗斯学派和丹麦学派等不同的风格的芭蕾学派。20世纪以来，俄罗斯取代意大利和法国成为传统芭蕾发展的中心。而在欧美各国的舞台上，不同风格和不同流派的现代芭蕾逐渐显露出蓬勃的发展势头，从而为芭蕾艺术的发展注入了新的活力。

七、情节舞：芭蕾术语。原意指结构形势相对稳定，并与剧情发展有直接联系的舞蹈。浪漫主义时期，情节舞的基本结构形势是：“出场”、慢板双人舞、男女独舞和全体演员参加的的终场群舞。《雷蒙达》《天鹅湖》《睡美人》《舞姬》中的大型双人舞和《爱斯梅拉达》中的舞会场面都是比较典型的情节舞。20世纪以来，情节舞作为与娱乐性舞蹈相对立的概念，泛指一切表达人物心理情绪变化、推动剧情发展的舞蹈。

八、舞剧：（dance-drama）以舞蹈为主要表现手段，并综合音乐、美术、戏剧、文学等艺术形式，表现特定的戏剧内容、意境、人物形象、情绪、心理状态和行为，以及推动情节发展的舞台表演艺术。因剧情需要或时代风貌、人物形象不同，舞剧可选用或综合运用古典舞、民间舞、性格舞、现代舞、宫廷舞、或舞会舞等表演形式，并有编排有序的独舞、双人舞、三人舞、群舞、双人舞、三人舞、群舞、组舞等舞蹈样式组成。中国舞剧历史悠久，发源于奴隶社会的宫廷乐舞。欧洲舞剧与“芭蕾舞剧”在概念上没有明确的界说。

九、群舞：（group dance）舞蹈样式之一。泛指源自民间舞蹈“集体舞”的舞台表演形式，即三人以上、人数不等的多人舞。群舞的画面、构图多变，要求表演者动作整齐，风格统一，配合默契，因而具有丰富的艺术表现力。（1）有独立的内容和主题，情节完整的舞蹈作品。中国舞蹈《摸螺》《草原女民兵》《葡萄架下》，俄罗斯《小白桦树》，朝鲜舞蹈《在泉边》《摘苹果的时候》，美国现代舞《意象》等均为群舞的成功之作。（2）在大型舞作品当中，有时因画面、构图的需要，或为突出主要人物形象和强化戏剧效果，群舞中常常穿插一些独舞，双人舞、三人舞的段落，如《仙女们》《天鹅湖》等芭蕾场面中的独舞和双人舞。（3）舞剧和大型舞蹈中为烘托全局气氛而编排的群舞，如中国舞剧《红色娘子军》中的“女战士舞”、“斗笠舞”，俄罗斯芭蕾《天鹅湖》中的天鹅舞等等。

4. 如何欣赏芭蕾舞艺术

首先，要了解剧情。我们可以借助说明书，来了解舞剧的内容、剧中人物和演员阵容。

其次，要了解舞剧中各种舞蹈的功能和程序。一般来说，一出大型的芭蕾舞剧总是由独舞、双人舞、群舞等舞蹈和美化了的哑剧动作、舞蹈造型结合而成的。

再次，还应当懂得舞剧音乐。一部优秀的芭蕾舞剧，总有鲜明准确的音乐形象，优美动人的旋律。舞剧的音乐构思也往往与戏剧构思融合成一个完美的结晶体。一般来说，一部舞剧都有贯穿全剧的主题音乐，人物也有特定的主题音乐还有描写场景的音乐，与各种舞段相配的舞曲等，这些音乐都是构成一部芭蕾舞的重要因素。因此，有人说“音乐是舞蹈的灵魂”，也是不无道理的。所以我们通过音乐去理解舞蹈艺术，也是欣赏芭蕾舞剧的一个途径。

5. 芭蕾舞的美体现在哪

芭蕾属于视觉艺术，必须通过动作、姿态及表情来让欣赏者观赏到其情感的变化。下面是我整理的一些关于 芭蕾舞 的美体现在哪的资料，供你参考。

一、芭蕾舞对气质培养作用

(一)气质的起源于与定义

1.“气质”的起源。气质是一个古老的心理学问题。早在公元前5世纪，古希腊着名医生希波克拉特就提出了4种体液的气质学说。他认为人体内有四种体液：血液、粘液、黄胆汁和黑胆汁。几世纪以后，罗马医生哈林(Galen)用拉丁语“emperametnum”一词来表示这个概念。这就是“气质”概念的来源。

2.“气质”的定义。气质在《辞海》里释为：人的相对稳定的个性特点和风格气度。指诗文清峻慷慨的风格。本文提到气质是指一个人从内到外的一种内在的人格魅力然后所发挥的一个人内在魅力的质量的升华。所以，气质并不是自己所说出来的。而是自己长久的内在修养平衡以及 文化 修养的一种结合，是持之以恒的结果 。

(二)芭蕾舞简介

芭蕾是法语“ballet”的音译，因其女演员要穿足尖鞋跳舞，所以，俗称“足尖舞”。芭蕾舞起源于十五世纪意大利的盛大宴席活动，素有“西方艺术的结晶”和“舞蹈艺术皇冠之珠”的称谓。法国国王路易十四在位时，就确立了芭蕾舞的脚位、手位。十九世纪初是芭蕾发展史的黄金时代，欧洲各国芭蕾的发展更加注重民族精神和气质的表现，形成了意大利学派、法国学派、俄罗斯学派和丹麦学派等不同的风格的芭蕾学派。芭蕾的发展跨越了几个世纪，先后经历了早期芭蕾、前浪漫主义芭蕾、浪漫主义芭蕾、古典芭蕾、现代芭蕾、当代芭蕾等几个重要发展阶段。芭蕾艺术的足迹遍及全球，成为可以跨越国界、超越民族、超越语言的全球艺术，其技术的严谨性和规范性造就了芭蕾艺术独特的审美价值。

芭蕾舞对气质培养有何价值芭蕾舞对气质培养有何价值

(三)芭蕾对人气质培养的作用

1.塑造端庄姿态。气质看似无形，实为有形。

它是通过一个人对待生活的态度、个性特征、 言行举止 等表现出来的。气质外化在一个人的举手投足之间。芭蕾基本功训练过程中，“开”强调的是身体关节部位的外开，尤其是肩、胸、胯、膝、踝这五大关节。外开可以延长肢体线条，增强动作延伸感。而“绷”是指舞者在舞蹈进行中始终绷直腿部、脚部，以及脊椎、颈椎部位，展示出一种挺拔修长之美。“直”就是要求表演者身体挺拔直立。“立”是指追求“十字架”中心上提且严格保持垂直。这种舒展、挺拔、优美、端庄、的体态既给人以精力充沛之感，又蕴含着极大的艺术魅力。着名芭蕾表演艺术家，侯宏澜增说过：“通过芭蕾芭蕾舞的站姿、形体训练等，使学习者逐步拥有完美的体态，潜移默化地养成一种难以言说的独特气质。”

2.丰富情感世界，提高表现力。

气质美同样反应出丰富的内心世界。 我国汉代《毛诗序》中这样表述，“情动于中而形于言，言之不足故嗟叹之，嗟叹之不足故咏歌之，咏歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也”。这是说有什么激动人心的事，人用“语言”、“嗟叹”、“咏歌”等手段都不能充分表达这种感情，最后用手舞足蹈这种方式表达出来。这说明舞蹈最善于表达情感，是情感表达的最高境界。

芭蕾属于视觉艺术，必须通过动作、姿态及表情来让欣赏者观赏到其情感的变化。

这就要求演员用舞蹈动作明确得刻画出人物的内心世界，把人物的情感形象呈现在观众的面前，即提高舞蹈动作表现力和舞蹈情感表现力。舞者需要细细品读作品中角色的内心情感世界，经过提炼和艺术加工，通过动作、姿态和表情的变化去刻画该角色情感的变化。

3.提高审美素养，提高自信。

芭蕾舞芭蕾起源于宫廷，是一种外国宫廷舞蹈。所以，芭蕾舞本身具有高雅的气质。舞的本意是旋转，蹈的内涵是踊跃，即舞蹈通过各种旋转和踊跃来传情达意，将心理感受和生理运动紧密融合在一起，达到昭示美、塑造美、弘扬美的目的。美是芭蕾舞的魅力所在，如果把舞蹈比作一个艺术的桂冠，那么芭蕾就是这个桂冠上最闪亮的钻石，它是舞蹈里面最精美也最迷人的集大成者。芭蕾舞演员在塑造舞蹈形象的同时要不断地进行审美的思考，体现出舞者在审美创造的崇高追求。她们不断地在实践中体会芭蕾舞特有的艺术内涵，从而逐步内化和提高自身的审美修养。

4.体验民族文化，陶冶情操。

舞蹈作为艺术的一种形式，既是文化的印证与象征，也是文化的折射与反映。袁禾教授在《舞蹈》中曾指出：“舞蹈是人体的艺术，是具有灵魂的人自身的文化。”舞蹈艺术与文学一样，具有同等充分的视角，能够像作家和诗人一样表达现代人的内心世界。就像《梁山伯与祝英台》、《大红灯笼高高挂》等这些富有东方特色的、富有民族风韵的中国芭蕾舞，其中融入了民族文化元素，形成了独特的内涵与民族风格。舞蹈的世界是包容的世界，在民族文化的传承与对世界各民族文化的借鉴、融合过程中，舞蹈者不断体验民族文化的内涵，从而丰富自己的文化积淀与内涵，陶冶情操。

气质在现在的社会所表现的，是一个人从内到外的一种内在的人格魅力的自然流露与升华。一个人的真正魅力主要在于特有的气质，这种气质对同性和异性都有吸引力。芭蕾带给人一种盛气凌人、高不可攀的感觉。它是内涵的外露，是彰显的气质，是独特表现的个人魅力。芭蕾舞演员或者练习者整个人散发出一种挺拔和风度，举手投足间展现出优雅、自信的气质修养。

二、美体同芭蕾形体的区别

1、根本的区别

目前所有健身房的芭蕾形体几乎都是把舞蹈教室里的芭蕾基训(基本训练)课照搬到了健身房，并未经过人体锻炼的改造，而基本上只进行了简单的大众化芭蕾训练的改造。美体塑形课同样源自于舞蹈，但是它是专门为健身塑形而创建的一们健身课程，它提取了多个舞种训练对人体的有益部分，剔除其专业性、逆反人体性及程式训练等等，有机糅合，以人体的骨骼、肌肉为出发点，来锻炼人体、改造人体及培养艺术型的气质。

2、训练 方法 的不同

关于美体同芭蕾形体的区别关于美体同芭蕾形体的区别由于芭蕾形体是把舞蹈教室里的芭蕾基训(基本训练)课照搬到了健身房：一样的擦地、一样的蹲，一样的把上把下，与对待专业学生一样的要求、一样的套路(只是难易之别)：开绷直……这些动作是每一个专业学生成为演员的必经之路，但是对于健身目的的锻炼者而言，则没有多大的意义。

然而美体塑形课尽管由芭蕾等舞种中提取、改造而成，它打破了程式的舞蹈练习模式，把各种有益的练习加以糅合改良，以正确合理的人体骨骼与肌肉为基准进行训练。没有花哨的组合、套路，只有目的明确、指向性强的递进式练习。练习目的性强。

3、训练成效不同

芭蕾基训虽然有一定的塑形作用，但是，毕竟是属于专业学生的专业基本功训练课，而不是健身塑形课，不可回避的含概了很大部分逆反人体的专业所需性的东西。而且就它的塑形性也基本只对自小练习芭蕾的人才有效。尽管部分成年人坚持数年，也略有效果，但是就这样照搬，对大多数的人来说，根本不实际，也甚至无益。因为专业芭蕾需要的开(身体的软开度)、绷(身体与肌肉等等)、直(身腿手脖等等)对多数成年人来说，已经是不可能达到的(因为，对于大多数非专业青少年来说也是不容易做到的)，但由于芭蕾基训的本身训练，做不到就没有了训练的意义、达不到练习的要求。但是要做到，骨骼已经成型。也因此为什么坚持下来的寥寥无几，而这几个也都是出于对芭蕾的热衷。

美体塑形课由于它的教学特点与训练内容的柔和以及以人体的骨骼、肌肉为主的出发点，用最轻松、最简单的方式与姿势，对练习者进行练习，对其身形进行纠正。而且还可以使练习者随时、随地都可以进行练习。直接而又显着的改善脊椎、肌肉、外形。

4、适合人群

芭蕾形体更适合于身体条件好、热衷与芭蕾的 爱好 者练习。美体塑形课则适合于大多数人练习。但是，芭蕾形体也并不是一无是处，它对人的气质培养是很不错的。

对于芭蕾形体与美体塑形课这两门同祖同宗的课程，但是其根本面向的人群不同、训练的根本目不同。所以只有大家自己仁者见仁、智者见智、亲历亲为给自己进行选择。

6. 如何评价芭蕾舞艺术

想要更好的评价芭蕾舞的艺术，首先必须要对整一个艺术的场景进行有效的鉴赏，然后通过技巧分析来鉴赏和评价芭蕾舞的美感和价值。

7. 芭蕾之美有哪些

四个方面欣赏芭蕾之美。专业人士介绍，芭蕾是通过演员的形体动作和表情来表达思想感情的，是一种不说话的艺术，因而要欣赏芭蕾，主要从四个方面来看。

演员的表演是否规范。对芭蕾演员的基本要求是“开、绷、直”，这就是严格的规范化。芭蕾演员要精确地控制臂、腿、手、脚的动作，使观众看上去毫无体重可言。在所有跳跃、回旋以及自转的过程中，给观众的感觉似乎是在地面上飘动。

演员的技巧难度。芭蕾技巧包括各种跳跃、旋转等，而各种技巧都要在独舞或双人舞中完成。尤其是古典芭蕾双人舞，表演必须配合默契。

演员的表演。既要看演员的一系列表演，又要看演员把握各个不同节目风格的准确性。有的节目不是以技巧高超见长，而是以抒情细腻取胜，这是观看时需要注意的。

舞剧擅长抒情，不善于叙事，因而看舞剧还应从故事情节选择是否简练清晰、人物关系是否不用哑剧也能加以准确地表现、人物形象刻画得是否光彩照人、栩栩如生以及音乐是否适合舞蹈的需要、舞美是否能够恰到好处地衬托舞蹈等方面去看。

8. 如何欣赏芭蕾舞

如何欣赏芭蕾舞种的那些技术技巧：
1、旋转：数量和质量的高低是评判芭蕾舞者技术水平高低的核心标准之一，所谓质量， 主要指的是旋转过程中，规范的舞姿是否走形，空间的定位是否合乎要求，停止旋转时是否稳定如初，是否能自然而然地完成结尾时的固定舞姿。
2、速度：这是衡量芭蕾舞者技术水平高低的又一硬性标尺。速度越快，难度越大，但在 有些旋转和跳跃中，加速则是必不可少的，并且能使这些动作完成起来更加容易一些。当然，速度的快慢只是一种技术的标准，而非艺术的标准。这里涉及到了;舞蹈的本质更 多的还是艺术，而非技术的总体原则，尽管没有比较完美和完整的技术，舞蹈也无法成就为艺术。
3、方向：这是判别技术高低的第三条标准。在动态中变换方向时，要求力度增减得当， 而有经验的舞者都懂得，按照圆形的调度转圈比按照直线的调度转圈难得多，而女子保持在一个固定点上完成32周挥鞭转 ，或男子也在一个固定点上完成几十个二位旁腿转， 则往往成为衡量舞者技术水平高低的试金石之一。
4、定点看一点：所谓;定点看一点指的是舞者在以躯干为垂直轴作急速旋转时，必须用眼睛盯住正前方的某一点不放，即让整个躯干和四肢先转，而将头部，尤其是双眼， 留在后面，直到整个头部与身体间的分离程度达到最大极限时，也就是当身体要进行第 二次旋转之前的那一刹那，将头部和双眼蓦地跟着整个身体的动势甩过去，并立即以快于躯体的速度，赶在整个身体完成一整圈之前，找到原来的那个视点，然后死死地盯住 不放，这是避免舞者头晕的最好方法。这种作法实际上，就是用建军雷不及掩耳的速度 ，造成一种静态的假象，以利用最短的时间来完成视觉中的这种方向变化，减少平衡器 官中的振荡和变化，避免由此产生的晕眩。
5、变化手臂或腿脚：在旋转或跳跃中变化手臂或腿脚，是对舞者身体平衡与协调能力的又一大挑战。
6、无声而优雅的落地：这应是评判舞者水平高低的又一条标准。
7、跳跃的高度：这当然能够增加舞蹈欣赏中的热烈情绪。比较而言，创造绝对高度远不如在瞬间中保持高度，甚至产生在空中停顿片刻的幻觉那样难。在专家的眼睛里，创造 出这种幻觉是舞者最为辉煌的技艺之一。就在这个瞬间里作为人的舞者，或者说舞者的 人性特征，得到了最大的发扬，而大自然的地心引力则受到了最大的蔑视。
8、绷膝盖：这是芭蕾技术中绝对不可或缺的规范。
9、绷脚尖：这也是对芭蕾技术完美性的基本要求。
10、高抬腿：从接受美学的角度来看，舞者正面对着观众时，向两侧高抬腿更能出效果。
11、支撑腿的稳定性：完成这个动作的理想化标准，除了膝盖和脚背需要绷直外，还要 求支撑腿如板上钉钉一样，一动不动。
12、线条：大致可分两大类，一类是舞者肢体线条，一类则是舞台调度的线条。
13、流畅度：按照中外传统舞蹈的路子，编舞家和观众都习惯于要求舞者动作的线条和
舞台调度的线条畅若流水。
14、双人舞：包括了托举、支撑旋转和平衡三大类动作。杰出的舞伴间的默契除了表现 在对双人舞的常规动作达到滚瓜烂熟的程度外，更表现在绝对的相互信任之上。
15、大群舞：横竖必须成行，手脚必须到位，动作必须一致，呼吸必须统一，舞句必须 流畅，舞者必须协调。大型的群舞中，每位舞者的个性应该加以最大限度的抑制，以便 使整个画面保持协调统一。
16、动作干净准确：无论是群体还是个体，舞者的动作都 应是干净而准确的。
17、舞者在跳舞时，应该表现出充分而优雅的自信，尤其是在完成简单和高难动作之前 和之中，不应表现出任何不安来，而应给人如履平地的轻松感和自如感，以及一气呵成 的整体感和舒适感。
18、快感：舞者作为剧场表演艺术家，其天职应该是给观众提供快感，但要提供快感， 舞者本人必须在跳舞过程中先为自己找到快感。
19、小骗局：当芭蕾舞者在舞台上未能严格按照上述技术规范，准确地完成各种动作时 ，会不由自主地作一些小小的补偿或调整，行话称之为小骗局需要向观众解释清楚 的是，为了完成某种超出常规运动范畴的动作，使观众产生新奇的美感和快感，采用这种小骗局是必要的，而绝对不等于是欺骗观众，就象魔术的神奇就在于它的骗局一样。
20、从技术向艺术的大跳：在芭蕾演出中，舞蹈会不断改变其视点和强度。解决肢体位置和动作规范的时空力度关系，则是舞者应该在排练中解决的问题。

9. 芭蕾的艺术魅力

芭蕾舞剧（ballet，意）由舞蹈演员身着剧装在音乐伴奏下表演的戏剧。起源于文艺复兴时期的意大利，后传入法国获得极大发展。最初的法国芭蕾舞剧音乐不仅有器乐，还有歌唱和朗诵，因此可看作是歌剧的前身（当时的歌剧中也有芭蕾舞，此传统一直延续到19世纪末，并影响到意大利歌剧）。19世纪中叶以后出现大量优秀的芭蕾舞剧音乐，如柴可夫斯基的《天鹅湖》、斯特拉文斯基的《火鸟》等。 芭蕾舞剧的艺术结构特点 芭蕾舞剧是综合音乐、美术、舞蹈于同一舞台空间的戏剧艺术形式。三位姐妹艺术的密切合作造成时空一致、视听统一的艺术效果，这正是芭蕾舞剧具有独特魅力之所在。 音乐在芭蕾中占有不容忽视的地位。根据舞剧脚本谱写的音乐是舞剧编导赖以进行编创舞蹈和戏剧动作的基础。因此，舞剧音乐既要体现完整的艺术构思、描绘戏剧性的情节进展，又要刻画鲜明的音乐性格、提示人物的内心世界与感情变化。而且，舞剧音乐往往都有节奏明确、抒情色彩浓厚的适于舞蹈的旋律，并体现出作品的时代、地域的风貌。音乐素有“舞蹈的灵魂”之称，难怪我们聆听舞剧音乐时，脑海里就会有形象浮现。 包括舞台布景、服装、化妆在内的舞台美术，通过逼真的实感、巧妙的色光变幻以及特技效果创造出舞剧规定情境所需要的艺术氛围，增强着舞剧的感染力。舞台美术的重要性可以从下述情形得到证实：即使是满台白光或漆黑一片，人们也能从中体味某种特定的含意。 舞剧，顾名思义舞蹈是它最主要的表现手段，舞剧的一个突出特点是演员在台上不说也不唱，完全依靠形体的表现力来完成所有的戏剧要求——主题思想的阐述、矛盾冲突的展现、人物性格的塑造。训练有素的舞蹈演员是通过优美的舞姿、和谐的韵律、高超的技巧“说话”和“唱歌”的，说出角色的心里话，唱出人物的情愫来。这里要指出的是，芭蕾演员作为艺术创作的体现者，其素质的高低、进行二度创作的能力大小固然起着决定性作用，但是，在作品诞生的全过程里，舞剧编导的才情和技巧都从根本上影响着作品的质量。当我们为一部舞剧的成功演出鼓掌喝彩时，理所当然地包括了对编导的肯定与赞扬。 芭蕾舞剧的舞台表演是由哑剧和舞蹈两大部分构成的。舞蹈部分又可分为直接推动情节进展的和情绪单一、表演性强的两种舞蹈。 芭蕾中的舞蹈格式有独舞、双人舞和多人舞。独舞犹如话剧中的独白、歌剧中的咏叹调一样，长于刻画人物性格和抒发内心情感。群舞则用来渲染、烘托气氛，调剂色彩。在许多古典芭蕾舞剧中，由女演员组成的舞队排出各种几何图形，表演优雅的轮舞、圆舞，呈现出令人赏心悦目的舞蹈构图，往往是代表了一部舞剧的典型场景——象《天鹅湖》湖畔的“群鹅”、《吉赛尔》第二幕的“群灵”、《希尔维娅》第一幕的“猎神们”所显示出来的那样。 芭蕾双人舞在概念上不仅是“两个人跳舞”，而形成为一种特定的表演格式。古典舞剧中，男女主人公的双人舞常常被处理为全剧的核心舞段，占据着重要位置。双人舞通常取三段式进行：一、慢板——由男演员扶持、托举女演员的合舞，连贯地展示各种舞姿，在地面和空中完成一系列旋转、跳跃等技巧动作；二、变奏——男、女演员分别表演独舞；三、结尾——由男、女演员逐渐加快的独舞过渡到快板的合舞，呈现舞蹈的高潮。双人合舞（不论是慢板或快板）要求男女双方和谐默契、浑然一体；而变奏一般都包含着复杂的高难技巧。因此，双人舞是对芭蕾赏技艺的全面检验。我们经常可以看到《天鹅湖》、《唐·吉诃德》、《海侠》、《睡美人》等古典芭蕾中的双人舞做为舞剧精华拿到舞蹈晚会上表演，演员们按照原剧应有的情绪尽力炫耀着自己的拿手绝技（如连续不停地三十二圈单足旋转），收到激动人心的舞台效果。 芭蕾舞剧中还常贯穿有多种风格的舞蹈，即各个国家和民族具有特征的民间舞，统称“性格舞”。象《天鹅湖》里的西班牙舞、玛祖卡舞（波兰民间舞）、恰尔达什舞（匈牙利民间舞）和《红色娘子军》里的取材于我国黎族的少女舞、五寸刀舞，都属于性格舞表演。它使得舞剧更加色彩纷呈、壮观美丽。 古典芭蕾里的哑剧表演是推进剧情、提示矛盾的重要手段。它在舞剧中的作用是舞蹈所不能完全替代的，但是尽量使哑剧舞蹈化则是好的舞剧编导所追求的目标。当代的舞剧作品，如《奥涅金》、《乡村一月》在这方面的成就是引人注目的。 在芭蕾中经常采用的一些哑剧手势是很早以前创造出来的，久而久之，观众已习惯于从这些固定动作中了解它的含意。譬如：演员用手按左胸表示“爱”，双手在头项交替绕圆圈表示“跳舞”，一只手的手背从方向相反的脸颊划到下颏处表示“容颜美丽”，摊开双手或单手表示“询问”，双手握拳交叉于身体前方表示“死亡”等等。 哑剧穿插于各舞段之间，多种形式和风格的舞蹈按戏剧进程编织在一起，既避免了观众视觉的单调感，又给予演员们轮换地高速体力的时间，是每个编导在构思时就认真考虑的因素。而一般的戏剧规律，例如启、承、合，在芭蕾舞剧创作中同样发生作用，我们在观看舞剧时也就有清晰的情节线索可循。但是，当需要主人公宣泄情感的时候，当需要制造某种戏剧气氛的时候，当为展示芭蕾美的画面的时候，往往常规时限概念就被打破了，将瞬息延伸得很长，或者相么，对那些非重点的说明性段落则一带而过——不均匀地分配时间和使用力量，这个一切艺术都讲究的节奏在芭蕾舞剧的艺术结构中被更加强调性地运用着。 芭蕾舞剧的发展阶段 芭蕾艺术进入剧场后，最初只是演出歌剧时的插舞，叫做“芭蕾歌剧”。十八世纪中期产生了“情节芭蕾舞”，结束了芭蕾与歌剧的合作，一门独立的艺术诞生了，整部舞剧上演了。十九世纪中叶，浪漫主义思潮涌进芭蕾艺术领域，迎来了它的辉煌灿烂的成熟时代。芭蕾从内容到形式都发生了根本性的变化。这个时期，足尖站立的技艺产生并迅速推广，足尖舞功成为芭蕾的一大要素。 芭蕾舞剧中的舞蹈格式：芭蕾中的舞蹈格式有独舞、双人舞、多人舞。独舞长于刻画人物性格和抒发内心情感；群舞则来渲染、烘托气氛，调剂色彩。双人舞在概念上不仅是“两个人跳舞”。而形成为一种特定的表演格式。古典舞剧中，男女主人公的双人舞，常被处理为全剧的核心舞段，占据着重要的地位。双人舞通常分慢板、变奏、结尾，是对芭蕾演员技艺的全面检验。 芭蕾舞剧音乐特点 音乐在芭蕾中占有不容忽视的地位。根据舞剧脚本谱写的音乐，是舞剧编导赖以进行编创舞蹈和戏剧动作的基础。舞剧音乐既要体现完整的艺术构思、描绘戏剧性的情节进展，又要刻画鲜明的音乐性格、揭示人物内心世界与感情变化。舞剧音乐节奏明确、抒情色彩浓厚，适于舞蹈旋律，体现作品时代、地域风貌。有“舞蹈灵魂”之称。