油画艺术色彩是什么意思

① 如何看待油画艺术作品中的“色彩”和“笔触”之间的关系

针对色彩，我坚信只需不容易红绿色盲的人都不陌生，在文化艺术中，习惯性将颜色分成冷色调与暖色调，例如，绿、蓝、青为冷色调，给人收拢、静静的的觉得；红、黄、橙为暧色，给人扩大、亲切的觉得，无论是给人什么感觉，颜色在艺术油画中全是意味着一切感情心态，所说“笔触”是指写作时，画笔工具在界面上留下的痕迹，品牌形象形容，如同一个人的指纹，我们都知道“指纹识别”的重要作用吧，

伴随着时代的变化，蛋胶画的美术用品与画功的局限，早已无法融入各种各样新的供给与需求的必须。直至15新世纪中后期，一种最新的真正意义上的水彩画才发生，因为油溶性的流通性和各种颜色相融的特性，极大地合乎了大家规定扩张艺术流派及其除开宗教信仰主题之外的别的主题风格。在水彩画发展的过程中，各种各样款式的绘画风格也陆续产生，除开精确性的造型设计以外，色彩与笔触就成为了进行这一特点的第一要素。

② 古典油画色彩主要表现方法

油画是色彩的艺术，色彩是油画的主要表现手段，油画色彩的丰富表现力和它所产生的情感力量，使观众得到视觉上的满足，打动人心。因此色彩是画家与观者交流的重要艺术语言之一，对油画色彩的研究是油画艺术的重中之重。
油画中色彩美能感动人，不仅在于悦目好看，得到了视觉上的满足，更主要的原因在于色彩能形成一定的情调，打动人的感情。色相、明度、纯度，是色彩三要素，在一幅画中同时呈现出来，不可分离，但从色彩角度来说，色相是主导因素，色相的冷暖倾向及其微妙的变化关系，能形成种种色彩情调，引起欣赏者相应的情绪感应，特别是当总体色调与形象内容融合一致时，所发挥的感染力，更为强烈。所以油画中色彩的冷暖最能体现出色彩的魅力。

油画色彩表现在对色彩冷暖细微变化的把握上。使用色彩的冷暖――冷色、暖色的观念来比较颜色，区别一个颜色和另一个颜色相比较冷还是暖。那么为什么不明确地说偏黄、偏红、偏蓝，却用不明确的冷和暖来区别颜色呢？因为用色彩冷暖区别过于简单粗糙，许多细致的区分难以用色相去衡量。

③ 谁知道美术中的"色彩"具体指什么还有一般一套较好的画具多少钱(水彩画具)

高考前大部分是水粉，要有颜料盒，画笔，水桶，调色盘，纯色和高级灰
颜料一套大概二百五，三块左右一盒，（纯色加高级灰）；水粉笔好的一套有二百多的，便宜的有四十五十的；剩下的都不贵，大概五十块就可以搞定

④ 讨论色彩在油画中的艺术表现论文

色彩是油画中最富有表现力和感染力的艺术语言，是艺术家表达内心体验和思想情感的重要手段。色彩的巧妙运用对于油画的艺术表现力起着至关重要的作用。对此，笔者从色彩的基本定义出发，分析了色彩在当代油画作品中的表现特征，探讨了色彩在油画创作中的应用方式，以供参考。

一、色彩的基本概述

色彩是油画创作中至关重要的表现语言之一，更是最具视觉冲击力、刺激力和影响力的元素之一，它承载和体现了人类共同的审美心理与观念。在油画艺术创作中，色彩是油画的血液和灵魂，油画一旦失去色彩，将会变得苍白无力，灵活巧妙地运用色彩，能更真实、准确、生动、鲜明地表现生活、反映现实，使作品更富有艺术表现力和形象感染力。

色彩能够使人们的思维和心理产生一系列的变化，从而产生独特的审美感受和情感体验。任何一幅作品都凝聚着画家独特的艺术观念、情感思维、审美意识、主观建构、艺术感受和个性体验，从而形成画家别具一格的色彩风格。色彩可以表现自由的意象，画家善于借助自己敏锐的直觉和丰富的想象力，运用色彩和图像传达自己的情感理念与内心思想，突出自我精神，从而使欣赏者产生心灵共鸣，受到美的熏陶和思想的启迪，进入审美境界。由此可见，色彩有着其他绘画语言无可比拟的艺术作用，具有独一无二的艺术魅力，它服务于艺术家的创作理念、审美观念和主观情感，是艺术家表达情感意志、内心体会和思想理念的重要手段。

二、色彩在当代油画作品中的表现特征

1.色彩的民族性

油画民族化一直是备受关注的话题，也是一种不可抵挡的趋势。长期以来，中国油画面临着寻找出路和方向的问题，我国许多油画家一直认为，中国的油画艺术要想有发展和突破，必须探索出独特的、融入民族文化底蕴和文化思想、具有中国特色并能为大众所认可的绘画方向。在我国油画发展进程中，出现了许多民族性油画家，这在很大程度上促进了我国油画事业的不断发展。如，着名油画大师吴作人的《负水女》《藏童》等现实主义油画作品，画面单纯而丰富，色彩明丽而和谐，富有鲜明的民族特性。董希文的作品《开国大典》成功地继承了盛唐时期装饰壁画的风采，画面中碧蓝的天空，大红的柱子、宫灯，金黄色的菊花、瓦片，崭新的紫红色地毯，以浓郁的民族色彩体现了鲜明的民族特色。

2.色彩的平面性

综观当代油画作品，我们不难发现，其或多或少存在色彩平面化倾向。色彩平面化作为油画艺术创作的一种绘画语言，在我国当代油画艺术创作中有着十分广泛的应用。它有着立体语言无法取代的优势，是视觉艺术中最贴近情感的一种表现形式，给人以强烈的感官冲击，能够明确、清晰地将艺术家的内心情感呈现给受众。当前，色彩平面化是油画艺术创作的一种发展趋势，也是对艺术表现力的积极探索。许多油画艺术家青睐用平面化的色彩之间的关系组织和构成画面，这样的艺术表现方式既融合了我国地域性的民族审美情感和美学原则，充满传统文化气息，符合国人的传统审美倾向，又顺应了世界潮流，对于推动中国油画融入世界发挥着积极的促进作用。

3.色彩的写实性

色彩的写实性强调追求自然的光感和真实感，以科学色彩原理为主要依据，通过对光源色、固有色、环境色和空间色等条件色的综合运用，真实地再现客观对象的形体、空间、质感等方面的效果。在油画创作中，讲究色彩的写实性，有助于营造一种身临其境的氛围，从而增强艺术形象的感染力。如，我国当代着名油画家罗中立在其油画作品《父亲》中以照相写实主义表现手法，通过精微而细腻的笔触成功刻画了虽饱经沧桑，但对生活充满希望，有着乐观精神和百折不屈意志力的纯朴、善良、憨厚的农民父亲形象。画面中的色彩写实而细腻，饱和而厚实，丰满而润泽，庄重而感人，深沉而富有内涵，给人以强烈的心灵震撼。面朝着的黄土、枯黑干瘦的脸、车辙似的皱纹、眉梢上灰色的汗珠、深邃的眼、迷茫恳切的目光、指甲里存有的泥土、粗劣破旧的茶碗，这些意象富有浓重的乡土气息，体现了作者对生活中劳动者的崇敬和赞誉。这种写实性表现手法赋予了作品强大的生命力，使父亲的形象更加惟妙惟肖、真实可信、有血有肉，更易激起人们内心的情感涟漪，点燃人们沉积已久的热情，触动人们的心弦。当我们凝视这个阳光下的父亲形象时，作品的意义已不再仅限于表现农民的力量，而是人类灵魂的象征。

4.色彩的情感性

油画创作的目的在于表达情感，色彩是油画创作中情感意念的重要载体。不同的色彩可以表达不同的情感信息，使人产生不同的内心感受。如，红色给人热情、温暖、激烈、愤怒之感;__黄色给人明快、活泼、高贵之感;白色给人清静、朴素、天真、无邪之感;黑色给人灰暗、消沉、阴森、恐惧之感;紫色给人神秘、忧郁、安静之感。在油画创作中，创作主体的个性不同，对色彩的理解不同，用于表达内心情感的色彩选择也会不同，因而其表现出的思想感情有所不同。如，荷兰后印象派画家凡·高喜欢用辉煌的黄色表达对生命的渴望，在其作品《向日葵》中，黄色、淡蓝色以及有力的笔触表现了花朵舞动的神态和葵子饱满沉实的质感，充满了律动感和生命活力。同时，凡·高更善于用强烈的色彩对比表现自己的内心世界，抒发特定的心理情绪。以《耳朵上扎绑带叼烟斗的自画像》为例，他在这幅自画像中借助背景的红色与衣服和眼睛的绿色、背景上部的橙色与帽子的蓝色两组互补色彩的强烈对比，抒发自己当时懊悔、苦恼、沉闷的心情。再如，中国写实性油画家王沂东痴迷用中国红表达情感，加强对主题的表达。在他的《古老的山村》《蒙山晨雾》《闹房之二吉祥烟》《冬天里的阳光》以及沂蒙新娘系列作品中均有对红色的运用，烘托了画面喜庆祥和的气氛。

三、色彩在油画创作中的应用方式

1.正确处理色调与情感的关系

情感是个体对外部客观生活环境的一种主观反映。油画作为一种视觉艺术，一幅画面色调的选取，不仅仅是为了使画面看起来更加和谐，更重要的是能够真实地表露创作者的内心世界和情感体会，因而可以说，色彩是油画艺术创作者内心情感和主体精神的重要寄托。一幅优秀的油画作品，不仅要有丰富细腻、变化无穷的色彩，更要有真实的情感。许多优秀的油画艺术家善于将客观存在的物与主观情感进行自由转化，善于从生活中发现和研究某种色彩与人的心理情绪的必然联系，然后运用恰当的色调将这些情绪和情感表现出来。因此，在油画艺术创作中，创作者必须正确处理好色调与情感的关系，把握好色调运用技巧，然后选择恰当的色调表现有情感的画面，使油画作品富有内涵和灵魂，进而引发受众的情感共鸣。如，法国现实主义画家米勒的油画作品《晚钟》以朦胧的暖灰色调描绘了暮色笼罩着大地，在远离村庄的田野上，一对农民夫妇随着教堂响起的钟声，放下手中的农活，以虔诚、感恩的心低头默默祈祷，为平安度过一天而祝福的情景。画家将画面的暖色调处理得十分恰当，细腻而富有感情，日暮余晖的笼罩、屏息静思的农夫和静穆沉寂的大地相互映衬，整个画面凝重、宁静而又安详，普通的色调突显了诚挚、敦厚、纯朴的情感。

2.把握色彩的意象感受和主观表达

在艺术创作中，意象是指客观物体与主观感受相互交融而成的'一种艺术形象。色彩中的意象感受主要强调艺术表现的一种意境美。写意是油画创作的一种艺术表现形式，它并不看重对客观形象的真实再现，而是注重表现客观形象的内在神韵和创作者的主观感受。许多艺术家在画面上对主观情感的表达并不是完全依靠色彩再现自然物象的真实感，而是围绕作品主题努力寻找能够表达创作意图的色彩，选择画面所需要的意象，将捕捉到的主观感受和艺术形象用自己的艺术语言充分表达出来，从而形成一种独有的意境美。如，吴冠中的《补网》中反复出现的黑色长线，浓淡得宜，粗细相间，具有浓郁的东方含蓄之美，寥寥数笔，让人意犹未尽;《月如钩》中漆黑的天与地、弯弯如钩的小月牙、疏疏落落的芦苇、深灰色的无边无尽的江面等物象的虚实相生，深黒色与深灰色的巧妙组合，营造了凄清、萧瑟、荒寒、悲凉的审美意境，传达了作者孤寂、惆怅、伤感的心境。

3.展示鲜明的时代特征和生活气息

油画创作离不开特定的地域环境、社会背景，因而油画色彩富有鲜活的时代气息。在西方，油画色彩经历了古典主义、浪漫主义、写实主义三个发展阶段，在不同的阶段，油画色彩呈现的艺术风格各不相同。古典主义油画追求宏伟庄重的艺术风格、严谨的造型和极致细腻的明暗色调变化;浪漫主义油画强调构图的变化丰富、画面的动态感、色彩的对比强烈、笔触的奔放流畅，讲求共性，崇尚自然，注重内在情感的表达;写实主义油画讲究造型的准确、色调的真实，强调对社会生活和不同阶层人物的真实表现。在我国，尤其是抗日战争爆发后，许多油画艺术家纷纷以油画为武器，积极投身到抗日救亡宣传活动中，他们的作品色彩鲜明，体现了时代的声音，为油画艺术的突破和发展奠定了良好的基础。吴作人的《不可毁灭的生命》、王式廓的《台儿庄大血战》、唐一禾的《胜利与和平》，这些作品均有鲜明的时代特征，弘扬了爱国主义精神，体现了人们对新生活的向往以及共产主义情感的表达。

与写实主义油画不同，现实主义油画更体现了强烈的时代感，更贴近创作者所处时代的生活方式和社会风貌，在作品内涵上着力反映艺术家对当代社会生活发自内心的真实情感。如，我国当代现实主义画家忻东旺的《诚城》《早点》《抓鸡》等油画作品都真实地反映了新时期的社会生活和精神风貌;新生代画家刘小东的《澡堂子》《婚宴》《爷俩儿》等作品均用最淳朴的色彩刻画了老百姓平凡的日常生活，画面真实、淳朴无华，富有浓郁的时代和生活气息。

总之，色彩在油画中的作用不容忽视。创作者在油画创作过程中应把握好色彩运用技巧，巧妙地发挥色彩的艺术表现力，从而使作品富有内涵和生命活力。

⑤ 什么叫油画

油画是欧洲人发明的。约在公元10世纪时就有了油画的形式，经过各方面的改进，终于在公元15世纪形成了油画艺术。

油画是用油质颜料在布、木板、厚纸和墙壁上绘制而成的图画。

油画由于其自身的三大特点：色彩丰富，表现力强，最善于再现周围世界的真实；颜料覆盖力强，便于修改，作画自由；色彩稳定，不易霉变，可长期保存等，而成为绘画艺术中一个最重要的画种，在全世界普遍流行。许多世界画库中重要的、着名的绘画题材都是用油画来表现的。

油画的颜料是用油来溶和颜料制成的。油画常用的油有：亚麻仁油、松节油、上光油等。油画笔一般都是猪鬃扁笔，较硬。制作油画还需要用到油画刀、油画布或油画纸板。画布一般要求不吸油和不渗透颜色，这些都可以自制。

油画的基本技法可分为两大类型：单层画法和多层画法。单层画法是直接调好颜色完成作画，其最大特点是色彩新鲜明朗，笔调流畅。多层画法是一层层地复加色彩，可以很好地表现物体的质感或空间感，色彩丰富而又含蓄。

谈到油画，不能不提及14世纪下半叶至16世纪文艺复兴时期的意大利。一些最出色的画家如达·芬奇、桑特洛·波提切利、米开朗琪罗·波纳罗提等都是那个时期的代表人物。一些着名油画如《蒙娜丽莎》(达·芬奇作)、《春》(波提切利作)、《沉睡的维纳斯》(乔尔乔内作)等都是这个时期的优秀作品。

⑥ 油画的色彩关系

油画的色彩关系

我们在学习油画直接画法时，应熟练地理解和掌握有关色彩的几个基本要素，这样我们就可以顺利地进入色彩学习的大门，一起来看看。

(1)色彩关系

所谓色彩关系，在这里主要是指物体在不同的光照下其色彩产生变化的一般规律。长期以来，人类一直都是更多地通过直观去认识物体的色彩，那时人们的思想中只有固有色的概念，即所谓的红太阳、黄土地、白云、蓝天……只有近代自然科学的发展才给我们提供了新的有关色彩的知识，从此人类终于懂得了大自然之所以呈现出五彩缤纷、万紫千红，是由于各种不同的物体吸收或反射光波的能力有所不同的缘故。于是认识到除了物体本身的固有色以外，对物体所呈现的色彩起重要作用的还有光源色和环境色。

我们以一个白色的球体为例。将一个白色的圆球置于太阳光下，从早到晚，它所表现出的颜色是大不一样的，即或在同一时刻，背光、受光的颜色也完全不同。其受光的部分在早晨会是一种偏暖的玫瑰红色，中午则是一种微黄的暖白色，而黄昏又变成了偏红的橙黄色。

我们知道一个完整的立体在光照下总是包括有受光和背光两个部分。受光部分是由大面积的受光和高光组成;背光部分则由明暗交界线、反光(包括地面向上的反射和天空向下的反射)以及投影组成。

在一般的情况下，大面积受光的颜色接近固有色、高光偏冷(越亮的高光越冷)，明暗交界线也偏冷。地面向上的反光偏暖，特殊色彩的物体(如在冷色的衬布的映衬下)也会偏冷。天空向下的反射偏冷、投影偏冷。

人类很早就发现了色彩的冷暖关系，即凡是偏红、黄的颜色都属暖色，而凡是偏蓝、绿的颜色都属冷色。暖色通常都给人造成一种亢奋的刺激，而冷色则给人留下一种退缩的感觉。灵活地运用色彩的冷暖对比，可使我们在画面上创造出强烈的空间感觉。

绘画中的冷暖又是一个相对的概念，或冷或暖依对比而言。一个有经验的色彩画家会非常迅速和恰如其分地把握画面色调微妙的冷暖变化，并且主动大胆地去运用这种关系，使之服务于自己的艺术创造。而对一个初学者来说，学习如何去掌握和拥有这种能力，则是一个相当重要的课题。因为客观物象色调的冷暖变化，常常并不都是那样鲜明的，它们常常处于一种模糊的状态之中，只有当我们掌握了这种色彩知识，才有可能去进行正确的认识和判断。

比如说一只手看去可能什么颜色都有，当你紧盯着它的时候你会觉得它一会儿偏红一会儿又偏绿，凭空很难说清楚它究竟是偏暖还是偏冷。只有当把它放在不同色相的背景之下，我们才会明确地判定它的色彩。我们把它放在暖色背景下你会发现它的颜色变得很冷，而在冷色的背景下它又变得很暖。当你进一步把它放在红、绿、橙、蓝、黄、紫的背景之下，你不但可以立刻判定它的冷暖关系，而且还会发现它在红色背景下显得有些发绿，在绿色背景下又显得很红，在橙色背景下变得偏蓝，蓝色背景下变得偏橙，黄色的背景下显得偏紫，而紫色背景下又偏黄。

其实，应该说这只手上红、绿、橙、蓝、黄、紫几种色素都有，只不过在某种同类更强烈的颜色映衬下它本身那种色素被抵消了，只剩下一种完全相反的因素而已。

根据光学原理我们知道构成日光颜色的赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫的基础是红、黄、蓝三原色。我们可以做这样一个实验，当我们把红、黄、蓝三块颜色贴在一个砂轮上让砂轮飞速地转动，这时我们会发现红、黄、蓝三种颜色都看不见了，我们看见的只是一道耀眼的白光。

我们将任何一个原色与另两个原色相混合所构成的.间色相加就可获得完整的日光的颜色，于是我们可以从中认识到色彩的三组互为补充的关系(即补色关系)。

红——绿(蓝十黄)

蓝——橙(黄十红)

黄——紫(红+蓝)

原色都是最为纯净的色彩，而只要我们在其中加入对比色的成分它就会马上显得混浊起来，而且越是保持原色状态的颜色对比越强烈，加入对比色(间色)的成分越多，色彩的对比越弱。

可以说能否熟练地掌握色彩的冷暖对比和补色关系，是我们能否学好色彩的一个极为重要的关键，在这个问题上也同样没有什么捷径可走，只有经过长期的刻苦训练，才有可能掌握并且得心应手地运用这种色彩表现的语言。

(2)色相

色相就是色彩的倾向，即色彩的姓甚名谁，其实即便是最为含混不清的各种灰色也自有其明确的色彩倾向。辨别的方向仍旧和前面所介绍的一样，只要我们把各种不同的灰色放在一起去进行比较，马上就会判明哪块颜色偏红灰、哪块颜色偏绿灰，或者黄灰、紫灰……

一幅缺乏明确的色彩倾向的绘画作品是令人乏味的，而一个色彩画高手恰恰十分擅长去设法从那种极为接近的色相中找出一些微妙的倾向来。这对初学者而言肯定也是一道大大的难题，因而他们的画面色彩一般都会显得单调、晦暗、呆板。

在古典油画时代，由于那时的画家作画时更多的是依赖于画面的素描关系，因而那时的油画基本上都是“酱油色调”，很少看得出多少明确的色相来。今天的现代油画使这一切都从根本上得到改观，许多现代画家的油画作品可以说就是用纯色画出来的，这就是为什么当们参观现代油画展览时往往总能够感受到一种清新的空气与生命的激情。

(3)色度

色度是指色彩的明暗与深浅的程度，也叫明度。若用未经严格训练的眼睛去恰如其分地分辨色彩的色度是很困难的。比如说直接从锡管里挤出来的红颜料和绿颜料，由于红色更能刺激人的眼睛，一般人很可能会觉得之比绿色更亮。但如果我们把它拍成黑白照片，说不定你会发现它们的深浅程度原来是一样的。

区分不同色相而色度又很接近的色块的深浅，同样需要用比较的方法。如果我们不能在画面上区分出各色块的微妙的色度关系，那么这幅作品肯定就表现不出丰富的素描层次来。

(4)纯度(饱和度)

纯度是指色彩纯净的程度。纯度这个概念也与色相密切相连，一般的情况下越是色相明确的颜色纯度越高(白色或某些带粉质的颜色除外)。原色是最为纯净的颜色，因而有最高的饱和度。相反，调和次数越多或者加粉、加黑越多的颜色就越缺乏饱和度。一幅色彩艳丽的绘画作品上至少总要有那么或大或小的一块或几块饱和度比较高的色彩。完全没有饱和色的画面肯定是疲软无力的;反之饱和度一旦超过了画面的需要时，又会使人觉得色彩浅薄、单调。这时我们就要设法降低它，方法也是调入各种对比色、灰色和带粉的颜料。

⑦ 色彩和油画的什么区别

油画指的是材料 色彩可以指你画画的一种表达方式 也可以是颜色
如果你想问画面 是不靠它们区分的饿
如果你指代水粉材料和油画材料 那就是材料不同
你想表达 和绘画 和这个没有决定因素的影响