艺术的极致有哪些

⑴ 安东尼奥·卡诺瓦，为什么是新古典主义人体艺术的极致

安东尼奥•卡瓦诺，他是意大利古典主义雕塑家，他的作品标志着雕塑艺术从巴洛克时代的戏剧化进入到更为精细的古典主义时代，他出生于威尼斯附近，在阿尔卑斯山余脉山林的一个小村庄里，父亲和祖父都是十强，三岁的时候，父亲去世了，母亲改嫁，他依靠着祖父祖母长大的，祖父在他很小的时候就教他绘画，刚开始他喜爱雕塑在他祖父的，工作间也有了很多的实践机会，在很小的年龄就作为祖父的助手，他的才华受到了祖父的雇主威尼斯贵族的青睐。古典主义的原型是拉丁古典主义，安东尼奥卡瓦诺是在原本的古典主义的，冷漠居高临下的神灵高贵感中，给人物形象加入了生动温情的人间气息，呈现了新古典主义人体艺术的极致。

⑵ 艺术的极致是道德是什么意思

艺术的极致是道德，说出这句的人是对道德有深刻的了解和体悟。
实际上道德不仅仅是指做人，做事中也体现出了道德，只是我们多数人是不知道的。
用在做人上叫道德，用在做事上也叫道德。这是对老子道德经的解释。
用在做人上叫道德，用在做事上叫标准。这是现代人的解释。
做人做的极好叫道德高尚，做事做的极好叫艺术极致。都是很好地遵守了规则。
做人做事一般是同时存在，不能分离，所以说人有道德不仅仅是做人，自然也包括了做事。
一个艺术家在艺术方面做到极致也叫止于至善。止于至善是大学中的名句。表示一个人有极高的道德。

⑶ 西方绘画有哪些风格艺术特点

你问的也太笼统了，西方绘画有N多流派，N多风格，每种特点都不同，这都够写篇论文了。
从文艺复兴开始说吧，14-16世纪的欧洲文艺复兴美术以坚持现实主义方法和体现人文主义思想为宗旨，在文艺复兴早期的绘画中表现为一种坚定的写实主义。借助于布鲁内莱斯基发现的线性透视，图画获得了真实的立体感；借助于精确研究人的形象，人的形象现在获得了体积；对自然的仔细观察使尘世的各种现象得到了忠实的再现。意大利的达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔是文艺复兴美术的三位代表。
17世纪在欧洲出现了巴洛克美术，它发源于意大利，后风靡全欧。其特点是追求激情和运动感的表现，强调华丽绚烂的装饰性。与16世纪盛期文艺复兴美术的庄重典雅相区别。它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力；它极力强调、运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；它很关注作品的空间感和立体感；它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位。鲁本斯是巴洛克绘画的代表人物，他的热情奔放、绚丽多彩的绘画对西方绘画具有持久的影响。同时代的现实主义大师如荷兰的伦勃朗、西班牙的委拉斯开兹等，也在一定程度上具有巴洛克的特色。
18世纪洛可可风格在法国兴起，随后波及欧洲其他国家。罗可可美术的特点是追求华丽纤巧和精致。该艺术形式具有轻快、精致、细腻、繁复等特点。表画家有法国的华托、布歇和弗拉戈纳尔。
随着1789年法国资产阶级大革命的到来，进步的美术家们又一次重振了古希腊古罗马的英雄主义精神，开展了一场新古典主义艺术运动。以复兴古希腊罗马艺术为旗号的古典主义艺术,早在17世纪的法国就已出现。一直延续到19世纪初叶，成为欧洲文学艺术的主要思潮。所谓古典主义，就是以古希腊、罗马的文学艺术为典范而得名。到了18世纪中叶，庞贝城的发掘，德国学者温克尔曼美学思想的传播，引起了人们对古典主义的兴趣，古典主义又重新复兴起来，故称新古典主义。所谓“新古典主义”，首先是遵循唯理主义观点，认为艺术必须从理性出发，排斥艺术家主观思想感情，尤其是在社会和个人利益冲突面前，个人要克制自己的感情，服从理智和法律，倡导公民的完美道德就是牺牲自己，为祖国尽责。艺术形象的创造崇尚古希腊的理想美；注重古典艺术形式的完整、雕刻般的造型，追求典雅、庄重、和谐，同时坚持严格的素描和明朗的轮廓，极力减弱绘画的色彩要素。“新古典主义”的“新”在于借用古代英雄主义题材和表现形式，直接描绘现实斗争中的重大事件和英雄人物，紧密配合现实斗争，直接为资产阶级夺取政权和巩固政权服务，具有鲜明的现实主义倾向。因此，新古典主义又称革命古典主义，具有端庄、雅致、明显的时代特征。古典与现代的完美结合的新古典主义风格起源于古典时代，却不是仿古、复古，而是推崇神似。它的主要特点是：选择严峻的重大题材(古代历史和现实的重大事件), 在艺术形式上,强调理性而非感性的表现；在构图上强调完整性；在造型上重视素 描和轮廓,注重雕塑般的人物形象,而对色彩不够重视。其代表画家是法国的大卫和安格尔。
浪漫主义随着新古典主义的衰落而兴起。法国的热里科的《梅杜萨之筏》被视为浪漫主义绘画的开山之作，而这一运动的主将却是德拉克洛瓦，其绘画色彩强烈，用笔奔放，充满强烈激情，代表作有《希阿岛的屠杀》和《自由领导着人们》等。
19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期。现实主义作为一场艺术运动，是与法国1848年革命同时出现的。现实主义美术提倡客观地观察现实生活，按照现实生活的本来面貌，真实地表现典型环境中的典型形象，再现生活。最着名的现实主义画家是库尔贝，他有一句名言：“我不会画天使，因为我从没有见过他。“这句话很能体现现实主义美术的精神。代表画家米勒、柯洛、卢梭等。
19世纪后期在法国产生了印象派。此派绘画以创新的姿态出现，它反对当时已经陈腐的古典学院派的艺术观念和法则，受到现代光学和色彩学的启示，注重在绘画中表现光的效果。印象派绘画也叫印象主义，是西方绘画史上划时代的艺术流派。很多人对学院派的教学方式及绘画风格有着不同的看法，认为古典主义千篇一律，缺乏个人风格，他们更崇尚现实主义，并提倡户外写生。印象主义采取在户外阳光下直接描绘景物，追求以思维来揣摩光与色的变化，并将瞬间的光感依据自己脑海中的处理附之于画布之上，这种对光线和色彩的揣摩也是达到了色彩和光感美的极致。印象派绘画用点取代了传统绘画简单的线与面，从而达到传统绘画所无法达到的对光的描绘。由于个人的兴趣不同，印象主义画家又分为重光和色彩与重造型和素描两种类型，前者以莫奈、雷诺阿为代表，后者以德加为代表，卡米耶·毕沙罗则介于两者之间。
继印象派之后还出现了新印象派（代表画家是修拉和西涅克）和后印象派（代表画家是塞尚、凡高和高更）。而实际上后印象派与印象派在艺术主张并不相同甚至完全相反。其中凡高的绘画着力于表现自己强烈的情感，色彩明亮，线条奔放。高更的画多具有象征性的寓意和装饰性的线条和色彩。塞尚绘画则追求几何性的形体结构，他因而被尊称为“现代艺术之父”。
20世纪以来，现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。1905年诞生的以马蒂斯为代表的野兽派绘画，强调形的单纯化和平面化，追求画面的装饰性。1908年崛起的以布拉克和毕加索为代表的立体派绘画继承了塞尚的造形法则，将自然物象分解成几何块面，从而从根本上挣脱传统绘画的视觉规律和空间概念。
随着德国1905年桥社和1909年蓝骑士社的先后成立，表现主义作为一种重要流派登上画坛，此派绘画注重表现画家的主观精神和内在情感。
1 909年在意大利出现了未来主义美术运动，此派画家热衷于利用立体主义分解物体的方法表现活动的物体和运动的感觉。抽象主义的美术作品大约于1910年前后产生，其代表画家有俄罗斯画家康定斯基和荷兰画家皮特·蒙德里安，而两人又分别代表着抒情抽象和几何抽象两个方向。
第一次世界大战期间产生的达达主义思潮，此派艺术家不仅反对战争、反对权威、反对传统，而且否定艺术自身，否定一切。杜尚将达·芬奇的《蒙娜丽莎》画上胡须，并将小便池作为艺术品，便是达达主义思想的体现。
随着达达主义运动消退，在此基础上出现了超现实主义艺术思潮。此派画家以柏格森的直觉主义，弗洛伊德的精神分析学和梦幻心理学为理论基础，力图展现无意识和潜意识世界。其绘画往往把具体的细节描写与虚构的意境结合在一起，表现梦境和幻觉的景象。代表画家有恩斯特、勒内·马格利特、夏卡尔、达利、胡安·米罗等。
第二次世界大战后在美国产生的以波洛克、德·库宁为代表的抽象表现主义绘画，综合了抽象主义、表现主义的特点，强调画家行动的自由性和自动性。
20世纪50年代初萌发于英国、50年代中期鼎盛于美国的波普艺术，继承了达达主义精神，作品中大量利用废弃物、商品招贴、电影广告和各种报刊图片作拼贴组合，故又有新达达主义的称号。代表人物有美国画家约翰斯、劳生柏、安迪·沃荷等。
而70年代兴起的超级写实主义（或称照相写实主义）运动，其主要特征是利用摄影成果，进行客观的复制和逼真的描绘。代表画家有克洛斯、佩尔斯坦，雕塑家中，安德烈、汉森最为着名。
这也就是大概齐说一下，供参考。

⑷ 艺术的极致竟然是道德 以音乐表现出来的道德 这话该怎么理解

因为在音乐中还可以体现一个人的修养及其品德，艺术的最高境界就是能把最美的东西表现出来。

⑸ 艺术特色有哪些

艺术特色，也称“表现手法”。作家、艺术家在创作中所运用的各种具体的表现方法。在文学创作中，有叙述、描写、虚构、烘托、渲染、夸张、讽刺、抒情、议论、对比等手法。
基本信息
中文名
艺术特色
别名
表现手法
定义
作家、艺术家在创作中所运用的各种具体的表现方法
目录
网络目录
艺术特色简介
基本信息
表达方式：
结构形式：
修辞手法：
写作技巧：
艺术风格
表现手法
详细解释
关闭
基本信息
表现手法从广义上来讲也就是作者在行文措辞和表达思想感情时所使用的特殊的语句组织方式．分析一篇作品，具体地可以由点到面地来抓它的特殊表现方式，首先是字词、语句上的修辞技巧，种类很多，包括比喻、象征、夸张、排比、对偶、烘托、拟人、用典等等。从作品的整体上来把握它的表现手法时，就要注意不同文体的作品，抒情散文的表现手法丰富多彩,借景抒情、托物言志、抑扬结合、 象征等手法；记叙文的写作手法如首尾照应、画龙点睛、巧用修辞、详略得当、叙议结合、正侧相映等；议论文写作手法如引经据典、巧譬善喻、逆向求异、正反对比、类比推理等；

⑹ 艺术表达到极致是什么样的体验

艺术表达的极致就是最恰当，最恰当就是让你的目标人群看了之后能连接到你的表达意图。比如你是个业余写实的画手，可能目标只是让周围同学看了后说你画的真像。也可能你是个有自我追求的设计师，那么你的目标是让你的同行和眼界宽的人看了后赞叹。无论是哪种，目标达到了，那么你的艺术表达就极致了。

⑺ 光与色彩的极致美学| 哥特式艺术

“哥特式”（Gothic）一词在16世纪时指代一种被认为是源自哥特人（Goths）的建筑风格。哥特人在中世纪早期占据着北欧地区，该风格在阿尔卑斯山脉以北表现得最为明显。城市的日益发展繁荣，大教堂作为主教升座之地的日趋重要。

哥特式艺术
哥特式风格于12世纪中期兴起于巴黎周边地区。一百年间，欧洲大部分地区都采用这一风格。人口增长、城市扩张与大教堂日趋重要都是哥特时期的特点。此时欧洲的王公贵族征服的领土日益扩大，对王位的争夺引发了英法之间的一系列战争，即百年战争。在欧洲的某些地区，战争阻碍了艺术的发展。及至1400年，哥特式艺术开始衰退，1550年，哥特式艺术几乎绝迹于欧洲大陆，唯有英格兰照旧。

法国早期哥特式艺术
建筑在形成统一的哥特式风格中起到了主导作用。圣德尼皇家修道教堂于12世纪上半叶建在巴黎城外，它优雅的建筑形式和宽大的窗户与罗马式风格的厚重坚固形成对比。巴黎圣母院紧凑和谐的平面布局是早期哥特式风格的又一重要实例。

圣德尼：絮热与哥特式建筑的开端
圣德尼修院教堂是一座王家修院教堂，正位于巴黎城边。教堂建立于8世纪晚期，具有宗教与世俗的双重声望，是法国使徒圣德尼之墓的所在地，也是加洛林王朝的主要纪念堂。这座在历史上享有盛名的教堂于1137至1144年间重建，主持者是修道院长絮热。他雄心勃勃的重建计划旨在强调圣德尼修道院与法国君主之间的关系。

回廊与唱诗班区使圣德尼教堂内部的轻盈与明亮使它从早期教堂中脱颖而出。建筑结构较之罗马式建筑的厚重坚固，显得优雅而且几乎毫无重量。

在絮热心中，圣德尼教堂的奥义在于物质王国是通向精神冥想的台基这一信仰，于是，通过教堂彩色玻璃窗进入的昏暗而宛若珠宝的光线，会将观者带入“宇宙中某个奇异的地方，既不完全属于混沌的世间，也不完全属于纯洁的天堂”。圣德尼教堂唱诗班区设计的成功不仅在于建筑上的出众，而且也在于其所造成的极大的心理震撼。

絮热与中世纪建筑师尽管絮热不是建筑师，缺乏专业训练，但他是建筑项目的总负责人。在12世纪，“建筑师”一词的含义与这个词的现代意义迥然不同。中世纪的人们认为，建筑项目的总负责人就是建筑师本人。甚至于作为宇宙创造者的上帝，有时也会被认为是运用建筑工具的建筑师。

沙特尔大教堂
将近1145年时，沙特尔的主教开始兴建一座奉献给圣母玛利亚的新风格大教堂，其为絮热院长挚友，具有与之相同的观念。50年之后，一场大火席卷了几乎整座教堂，只有东端的地下礼拜堂与西立面保存下来。沙特尔大教堂西立面背后建于12世纪中期的建筑，而毁于1194年的火灾。

西立面
幸存下来的西立面在很多方面都与圣德尼教堂相似，由成双和成三的单元构成，是清晰性的典范。

在沙特尔大教堂的西大门上，自然主义似乎源自对罗马式艺术中稀奇古怪的恶魔式形象的对抗，人物肃穆与体量增加。侧壁雕像将三座大门构成了一个连续序列，表现的是圣经中的先知、国王与王后。其目的在于宣称法国的统治者是旧约王族在精神上的后裔，在于强调神父（或主教）的神权与国王的世俗权力之间的和谐，而这些都是之前由絮热院长所提出的理念。

拉昂大教堂
拉昂大教堂始建略早于1160年。

拉昂大教堂内部立面包括中堂连拱廊、楼廊、三联拱廊和高侧窗四部分，这些特征都可以在罗马式建筑中找到，但从未集中体现在同一座建筑之中。四层叠加是哥特式的创新，这种叠加减轻了墙体的重量。拉昂大教堂中堂的近正方形开间上覆盖着六分拱顶，这一安排延续了罗马式建造者在卡昂圣艾蒂安修院教堂与达勒姆大教堂所开始的建筑试验。

巴黎圣母院
建筑始建于1163年。巴黎圣母院极其紧凑简洁，达到了罗马式建筑或者早期哥特式建筑所无法企及的和谐一致。

与中堂相交的耳堂仅略微超出西立面的宽度，缩减墙面空间、增加建筑光照量。宽大的高侧窗与轻盈纤细的形式使得中堂墙壁看起来似乎薄得惊人，达成了轻盈的效果。教堂内部立面对垂直感的强调也是明晰的哥特式特征。垂直感不仅出自中堂的实际比例，而且还基于对上升动势持续反复地强调，以及显而易见的轻松从容，高度感由此获得。

巴黎圣母院外部最为宏大的部分就是其西立面，除雕刻以外，基本保持原貌。雕塑在法国大革命期间遭到严重破坏，现大致修复。西立面的所有细节都结合成为有序的整体。

法国盛期哥特式艺术
13世纪，法国保持着稳定的政治与经济环境，为促生具有重要雕刻装饰的大型建筑提供了理想的环境。沙特尔大教堂的火灾后重建标志着哥特式建筑发展的又一个里程碑。法国的亚眠大教堂与兰斯大教堂强调垂直性和透明感，也是盛期哥特式艺术的杰出范例。

沙特尔大教堂的重建
1194年大火之后，对沙特尔大教堂的重建标志着哥特式建筑发展中的又一个阶段。新工程在短短26年就基本完工。地下礼拜堂中珍藏着沙特尔大教堂最为重要的财产：传说中耶稣降生时，圣母玛利亚所穿长袍的残片。沙特尔的这座大教堂就敬献给圣母。这件圣物奇迹般地幸免于1194年的大火，吸引了来自全欧洲的朝圣者。

参加礼拜的人群从原来的西大门进入教堂，经过相对低矮的前廊，需要一段时间才能使自己的眼睛适应教堂内部的昏暗。日常生活的喧闹声被隔在门外，建筑内最初被奇异地消音了。当他们从这种迷幻的效果中恢复过来，他们会看到一瞥微弱的光线，指引他们进入巨大洞穴般的教堂。这一过渡微妙而深刻，强调了进入教堂的重大意义。

沙特尔大教堂重建的中堂，是成熟期或盛期哥特式建筑的首件杰作。沙特尔圣母堂的设计师们去除了楼廊，在墙壁上采用了三层立面结构。附于墩柱的壁柱强调着垂直线条的延伸感，如同一张轻柔的网，舒展于纤细的拱肋之上。

沙特尔大教堂的扶壁也只见于建筑外部。在侧堂之上，这些墩柱转变为飞扶壁（flying buttress），这是向上延伸至高侧窗之间临界点的拱桥，也是为了抵挡大风对尖屋顶的巨大压力。这种加固拱顶的方法是典型的哥特式建筑特征，开始一定是出于功能上的考虑。飞扶壁也是构成建筑美学与表现特色所不可或缺的组成部分。

彩色玻璃窗画
在所有重要的哥特式大教堂之中，只有沙特尔大教堂仍保留了180多面原有的彩色玻璃窗。窗户的通光量远少于人们的预期，主要功能是滤光，从而改变日光的性质。珠宝般的光线从高侧窗射入，赋予它诗意和象征的涵义。光线的灵动消解了教堂的物质体量感，由此拉近了世俗与天国之间的距离。这种“超自然的光线”成就了作为哥特式艺术精神核心的高度神秘的体验。

沙特尔大教堂庄严的《华窗圣母》仿佛毫无重量，轻轻地漂浮在模糊的空间之中。这面窗户是西立面唯一幸免于1194年大火的窗户，由几百个彩色玻璃小片用铅条连缀在一起。

耳堂及其雕刻沙特尔大教堂两端耳堂各有三座深凹入墙体且装饰铺陈的大门、五面尖顶窗（lancet，顶端为尖拱的狭长窗户）以及巨大的玫瑰窗（rose window），后者是立面中央的圆形团花大窗。北耳堂的玫瑰窗玻璃则镶嵌于网状结构之中。耳堂玫瑰窗的棱窗格创造出了复杂的装饰图案，并且扩大了玻璃相对于窗框和墙面的面积。

北耳堂是为圣母玛利亚所建。她的形象已经出现在西立面右侧大门之上，表现为传统的圣母形象，端坐于象征神的智慧的宝座之上。自罗马式时期以来，教会就一直在积极地推动这种崇拜。众所周知，圣母学（Mariology）的发展与对神性之爱的再次强调密切相关，作为哥特时期日渐普及的人性论的一部分，为信徒们欣然接受。

约1204年，沙特尔大教堂得到了圣安娜的颅骨，由此圣母崇拜在沙特尔也具有了特别的意义。这件圣物与若干年前幸免于大火的圣母长袍一起，使沙特尔大教堂在所有献给圣母的教堂中具有了特殊的地位。

建造于1210年前后的北大门半月楣表现的主题与圣母升天节相关，描述的是圣母升入天堂的场景（包括“圣母安息”、“圣母升天”与“圣母加冕”，与“圣母领报”一起，都是表现圣母生平最常见的题材。它们将圣母等同于被称为基督的新妇和天堂的入口的教会，此外圣母还担有其传统的神圣调解人的角色。她不仅是基督的伴侣，而且还成为基督的天后。

亚眠大教堂
1218年，一场大火将原有的大教堂烧毁，两年之后，亚眠大教堂在原址上开始重建。

中堂的惊人高度是亚眠大教堂在建筑技术与美学上所取得的最主要成就。通过对早期哥特式风格的巴黎圣母院、盛期哥特式风格的沙特尔大教堂与亚眠大教堂这三者的中堂立面加以比较，我们可以清晰地看到，法国哥特式大教堂建筑发展相对较快且其垂直性不断加强。亚眠大教堂中堂连拱廊十分高大，在周围墙面整体高度的比例下，产生出了一种高耸的效果。

兰斯大教堂
兰斯大教堂是法国国王的加冕地，而巴黎是王宫所在地，它们之间关系紧密。两座教堂具有许多共同特征，例如宽阔的耳堂都只是略微突出于教堂主体，但它们的整体面貌建造得极其不同。

兰斯大教堂西立面的大门并非像巴黎圣母院那样凹入墙体，而是突出于墙外，入口上方的半月楣也为窗户所取代。除玫瑰窗之外，每一细部较之以往都更高更瘦。为数众多的小尖塔（pinnacle，加在墩柱、扶壁及其他建筑部件顶端的尖头部分）加强了无穷尽的向上运动趋势。此处的雕刻装饰前所未有的奢华，它们不再仅仅设在确定区域之内，而是扩展到众多新位置，不仅包括建筑的西立面，而且还涵盖了它的两侧。教堂外部整体开始看起来俨然一座供雕像栖息的鸽舍。

西大门雕刻
兰斯大教堂的某些雕像是哥特式古典主义顶峰时期的作品。其中最为着名的一组雕刻是《圣母往见》，它创作于1230至1233年之间，表现的是玛利亚前往其表姐以利沙伯处告知自己受孕的消息。

在早期哥特式雕刻中，像这样以描述性场景为主体的侧壁雕像本不大可能实现，因为即使是在统一的设计之中，单个人物也是孤立的。现在《圣母往见》组像人物之间表现出了明显的互动，这表明圆柱退入背景。

女体腹部的水平衣褶突出了她们身体的体量感。玛利亚与以利沙伯令人立即联想到古罗马时期的妇人雕像。其中的两种风格同时出现在《圣母领报》这组雕刻中，它们明显不同于《圣母往见》中的古典主义。

这组雕像中的风格差别：天使加百列与圣母原本并非设计为一对，但现在所见的却是被放置在一起。圣母雕刻于1240至1245年间，人像遵循严格的垂直轴线。他们的小圆脸为卷发所衬托、脸上具有明显的微笑表情、纤细的身形体现出了强烈的S形曲线，衣褶的变化也很丰富，一种所谓的“优雅风格”由此而生，并在之后的几十年间传播到了许多地区，很快就成了哥特式雕刻的标准样式。

《旧约》组雕《麦基洗德与亚伯拉罕》是上述优雅风格的成熟范例，它雕刻于13世纪中期之后不久，是兰斯大教堂内部的西墙装饰。这些雕刻在题材的选择上可能与大教堂中举行的王家加冕典礼有关。选择麦基洗德与亚伯拉罕题材的原因在于，他们都是《旧约》中神圣不可侵犯的国王，这一场景强调了世俗权力得自教会所举行的宗教仪式。

哥特式雕刻日益增长的写实主义特色需要某种条件，因为这种风格的雕刻从来都缺乏系统性。更确切地说，它是一种精密现实（realism of particulars），关注具体细节甚于整体结构。其最典型的作品不仅包括13世纪早期与中期具有古典主义倾向的侧壁雕像和半月楣，也包括小型雕刻，例如亚眠大教堂西立面四叶形饰边框内的《月时劳作》和《十二宫》。

法国盛期哥特式大教堂体现出当时人们的努力几乎是空前绝后的。这些具有代表意义的国家性建筑所需的庞大资金由举国各个地区、各个阶层捐献而来。大教堂表现的是一种宗教狂热与爱国热忱的融合。

谢谢阅读！

⑻ 什么是艺术的最高境界

雅俗共赏是艺术的最高境界

⑼ 共鸣的高峰和极致表现在哪些方面

共鸣不仅具有艺术鉴赏审美心理的各种特征，而且也是艺术鉴赏活动的高峰和极致。白居易的《琵琶行》中，刻画了一个沦落天涯的琵琶女的形象，诗人从她演奏的琵琶曲中找到感情寄托，被哀婉的乐曲深深打动，“座中泣下谁最多，江州司马青衫湿”，产生了强烈的共鸣，发出了“同是天涯沦落人，相逢何必曾相识”的感慨。宋代欧阳修在《书梅圣俞稿后》中，谈到他自己读梅尧臣的诗时，感到“陶畅酣达，不知手足之将鼓舞也”。据说秦始皇读到韩非的文章后，禁不住感叹如能与此人同游，则“死不恨矣”；而汉武帝读了司马相如的《子虚赋》后，惋惜地说：“朕独不得与此人同时！”这些例子充分表明，鉴赏主体与鉴赏对象之间的契合一致能够达到何等紧密的程度。共鸣是一个十分复杂的美学问题，其中既有社会的因素，又有心理的因素，既有主观方面的因素，又有客观方面的因素。

⑽ 艺术美的特点有哪些

艺术美的特点：

1. 形象性

艺术形象是艺术家根据实际生活的体验、认识，根据美的规律创造出来的具体可感而又带有强烈情感色彩的艺术情境。形象性是艺术美的首要特征。

2.典型性

各种体裁的文学作品、音乐作品、绘画和雕塑作品都不是对现实事物的简单模仿，它们往往是对某一类事物特性的综合反映，从中反映此类事物的本质。不过，它们采取的手段各不相同。典型是艺术家塑造的，具有鲜明的个性、带有深刻思想性的能够放映生活的某些本质和历史发展规律的一批艺术形象，典型形象往往还有着丰富的性格。典型性是艺术美的根本特征。

3.主观性（情感与理想）
同一审美对象，在不同的审美主体那里因不同的情感体验而产生的不同审美结果。审美主体对理想境界的不同追求，也会产生不同的艺术作品。

4.永久性
艺术本来是在时间中的，它有时代性、历史性，但恰恰艺术本身有把时间凝冻起来，成为一个永久的现在……

自然界中各种事物的形态特征被人的感官所感知，使人产生美感，并引起人们的想象和一定的感情活动时，就成了人的审美对象，称为美的形式。如：各种曲线，各种对称图形、各种富有变化而和谐的形体、面孔、声音和色彩。