艺术家如何预言未来

㈠ 如何正确理解黑格尔的 艺术死亡 预言

近些年的艺术评论中，艺术死亡成为人们动辄议论的话题，在论证乏据的时候就把黑格尔推到前台，说德国哲学家黑格尔曾预言：艺术必将死亡，将让位于哲学。把这个判断当成历史本身的人都是很幼稚的！关于“艺术"这个概念本身，其实至今也没有结论，而且永远也不会有实证意义上的结论。而“死亡”却是实实在在的、表达终结的词。既然我们都无法圈定艺术的范围，那么“死亡”何来呢？

有很多人在引用黑格尔的时候是基于道听途说或断章取义并非认真阅读过他的原着。黑格尔在《美学》中其实从来没有说过艺术死亡。读过黑格尔原着的人都知道，他非但没有说艺术死亡，反而是肯定艺术之发展的永恒。

黑格尔哲学的核心本体是“绝对精神”，所谓的“绝对精神”是黑格尔哲学所设定的一个世界终极本源，万物皆自那里产生，最后又回归到“绝对精神”。但此精神又非我们世俗所谓的精神。此精神是都是自己展开、自己实现的结果。但黑格尔认为，万物之根源都是精神的，这些现象都是“精神的现象”。绝对精神通过正、反、合的辩证运动，实现了完整的过程。首先，绝对精神是在纯粹的“概念”世界里面运动；第二，绝对精神从概念中把自己外化出来，形成物质世界；第三阶段、精神扬弃了自然界，结合了前两个阶段，重新回到精神的表现形式中。事实上，黑格尔所说的绝对精神乃是一种至大至广无所不能的力量，它按照正、反、合三阶段的规律不断演化和实现自我，不断地演绎出世间万物。马克思虽然不接受绝对精神，但是却接收正、反、合的辩证法。黑格尔主要是研究艺术、宗教和哲学三种意识形态。他认为，艺术、宗教和哲学均以“绝对理念”为对象。艺术以感性形象把握理念，宗教以表象把握理念，哲学则以概念把握理念。“绝对理念”在哲学中最终认识了自己，达到了主观和客观、思维与存在的同一。

黑格尔所论述的绝对精神的三个阶段在艺术方面则体现为象征型、古典型和浪漫型三个阶段。但很重要的一点，黑格尔是把艺术的逻辑发展和艺术的历史发展区分开的。上述的过程事实上是黑格尔一厢情愿的设定艺术发展的逻辑。但他并没有说历史的发展一定要象这样。也就是说黑格尔所说的艺术死亡是一种逻辑上的死亡而不是历史或现实的死亡。也就是按照他的正反合辩证法的逻辑规则，当艺术走完浪漫主义阶段之后就会实现逻辑上的死亡。但他所创造的逻辑和历史是完全不同的，乃至于黑格尔本人在写他的美学的时候常常也是充满了矛盾，时而逻辑的论述，时而历史的论述。比如，按照他的逻辑发展，在浪漫主义阶段就已经快步入死亡了。可黑格尔一旦受到历史和具体作品的感染马上又会激情四溢。激情常常否定自己的逻辑发展，超乎寻常地赞美浪漫主义艺术的强大生命力。我们可以这样理解，黑格尔在理性地、死气沉沉地描述艺术按照他所设定的逻辑进行发展的时候，他是一个被冰冷的理性裹挟的人、与真正的艺术生命隔绝的人。但他一旦进入到艺术的现实感悟和体验之中的时候，他又在一定程度上恢复了激情。

预言艺术的死亡是苍白无力的，包括后来的丹托。事实上都和黑格尔一样，他们是思辨的艺术家，他们思辨的过程和结果都是艺术而不是事实更不是历史。无论这些人怎样癔论艺术死亡，可艺术还是按照自身的逻辑、历史的逻辑去延续，从来就没有死亡.那么。丹托之流做艺术死亡之秀是为了成就一种所谓的学术。可我还是认为，思辨的艺术家可以任凭思绪天马行空，可以凭空造物，可以虚拟本体。这是没有道德问题的，因为这是思辨的艺术。但如果刻意地以思辨的艺术品（所谓学术着作）去混淆视听,干扰历史，那就成为道德问题了。

判断艺术的最强悍最有权威的力量还是历史和事实本身。某一种艺术形式或许会湮灭在历史之中，但广义的与科学相对的那个艺术是永远也不会死亡的。因为黑格尔是艺术家，丹托也是艺术家。假设艺术终结了，那么这个过程必然是和人类终结的过程是同一的。

㈡ 英国画家迦纳在1988年所创作的一幅粉笔画，为什么会透露出与9.11事件许多令人毛骨悚然的巧合

说起预言大家首先想到的会是玛雅预言，玛雅人五大预言已实现四个，被后世称为预言家。震惊世界的美国“9-11”事件，其实也早被预言了。在美国9.11袭击事件发生之前，一副英国粉笔旧画早已预言了此事件的发生。英国旧画奇异预言”9-11”令人们惊奇。

迦纳53岁的女儿艾琳今年9月9日告诉媒体称：“这幅画真的让人脊椎发冷，父亲在世时从未有任何预言能力，但这看起来真如预知了未来”。英国旧画奇异预言”9-11”令艾琳都觉得不可思议。

英国旧画奇异预言”9-11”一直挂在史特林郡教育中心办公室，直至最近才转移，挂到教育中心接待处，并开始引起民众议论。粉笔画创作人迦纳已于去年11月27日去世，因此很难确定他创作该幅粉笔画的灵感来源。

㈢ 中华美术大师蓝图胜，用生命的初心，抒发自己的绘画灵魂

心纯净，行至远，唯有回归初心，才能拥有无限的创造力。中华美术家大师蓝图胜，本着艺术创造的初心，隐居山林，归于自然，把生命交给绘画，创作了墨色生神的画作，让观者由直观的视觉走入画作的意境之中，感受人与自然宇宙融合的境界。

中华美术大师——蓝图胜

蓝图胜，广东省连州市人。

出生于1962年，1982年至今

从事油画、水墨画创作，

博学多才，画风独特，自成一格。

现为法国艺术家协会会员、世界非物质文化遗产大会艺术总监、中国书画交流协会主席、世界卓越大师书画研究院院士、泰国曼谷画院院士、美国迈阿密孔子学院客座教授、碧桂园艺术顾问、中国新华网文化点亮世界艺术顾问、连州市美术协会副主席、潭岭艺术家部落总监。蓝图胜创作的原型来自于家乡，其创作因独具“意象性的抽象”而被美术界称为“神秘的画家”。

蓝图胜画作赏析

蓝图胜“沉没”系列油画作品，展现了一个艺术家对工业时代背景的独立思考与敏锐感官，也是艺术家通过时代现实变化走向未来世界的预言，希望引起人们的关注，看到问题的因果，从而使自己的内心和灵魂得到解脱。

蓝图胜艺术成就

·2002年，作品《冬雪白桦》获广东省第二届油画大展优秀奖。

·2002年11月《粤北乡村》作品被选入全国油画展。

·2003年，《冷香》作品被选入全国美展。

·2003年11月，在瑞士曰内瓦万国宫举办个人画展。

·2012年10月，第八届国际摄影节连州市博物馆举办个人画展。

·2012年12月，在广东省清远市国际展览馆举办个人画展。

·2013年11月，在澳大利亚悉尼市政厅举办个人画展。

·2014年5月大地之星荣获“中华优秀美术家”称号。

·2014年11月2日，中法建交50周年首届巴黎卢浮宫东西方美术年展获得“金奖”。

·2015年10月29日参加巴黎卢浮宫中法“一带一路”名家邀请展。（蓝图胜与法国艺术家协会主席雷米.艾融东西方对话联展）。

·2015年11月24日法国巴黎大皇宫“艺术财富”沙龙联展，作品“沉没”再次获得“金奖”。

·2016年1月26日在北京钓鱼台国宾馆参加举办“一带一路”文化点亮世界系列新闻发布会。

·2016年6月16日，“文化点亮世界”落地兰州，参加国际艺术论谈会。

艺术生命应是艺术创作者最终的选择，艺术家蓝图胜曾经说，“我们都是通过作品，表达自己的思想。”通过对家乡环境的描绘，这位艺术家大师不仅抒发了自己对家乡的深厚感情，也表达了对社会和自然环境的关注。

㈣ 有关于达芬奇密码，看了一篇报道说达芬奇密码是一篇预言性的小说，为什么呀它预言什么了谢谢了。

三大名作之一的《安吉里之战》有望重见天日

全球地震频仍，日本海啸和核危机又起，让所有的科幻电影中的恐怖镜头都相形见绌。这让人不禁又想起了达·芬奇。一次又一次，他的作品好像都成功地预言一个他根本不可能了解的时代。他画出了坦克、飞行器、挖掘机的结构图，这些全都在20世纪成为现实。他的另外一些画作，仿佛也在预言地球毁灭的那一天……

“达·芬奇密码”真的存在？

专家称《最后的晚餐》预言地球4006年毁于大洪水

最近，梵蒂冈对外披露，他们的研究人员在达·芬奇的名画《最后的晚餐》中发现了真正的“达·芬奇密码”。预言地球将在4006年于一场大洪水中毁灭。

这项研究是由研究人员萨宾娜·斯福尔扎·加里特兹亚做出的。她曾经在美国加州洛杉矶大学研究过达·芬奇的手稿，目前正在梵蒂冈档案室工作。加里特兹亚指出，这个密码就掩藏在《最后的晚餐》中耶稣背后那扇半月形的窗户上，那里面隐藏着一个关于“数学和占星术”的密码。这个密码是用黄道12宫星座和拉丁文中代表一天24小时的24个字母做出的。加里特兹亚目前正在撰写一份更加详细的报告以说明自己破解“达·芬奇密码”的详细论证过程。但是她现在可以告诉世人达·芬奇做出的那个预言：4006年3月21日，将会有一场“全球大洪水”降临人间，而同年的11月1日将是人类“最后的晚餐”，末日会在那天降临。但达·芬奇认为这场毁灭性的灾难同时也将是“人类的新开始”。

“可以肯定的是，‘达·芬奇密码’是真的存在的，但并不像那本畅销书里描述的那样。”加里特兹亚说。她指出，达·芬奇不但是一位艺术家，也是一位涉猎极其广泛的科学家，同时他也是一位生活在“艰难时代”的虔诚信徒。而这正是他把人类灭亡的“密码”隐藏起来的原因。

《安吉里之战》预言人类将毁于暴力？

有些时候，达·芬奇真的很像先知诺查丹玛斯。他的不少作品都好像预言了现在甚至更远的未来。在他的笔记本里，也可以找到一些谜样的话语，不知道到底是双关语还是玩笑。比如：“世间将会出现这样的生物，他们永无止息地互相攻杀，每一方都有巨大的损失和频繁的死亡……神灵，你为什么不打开那些进入你峡谷和山洞的深深裂缝吞没他们，为什么不向他们展示你温情的那一面，而是像魔鬼那样的冷酷与残忍？”

关于这个预言，有学者解读说，达·芬奇在暗示“人性中的残忍”将会让人类自取灭亡。而最能体现达·芬奇这一思想的是他神秘的作品《安吉里之战》（Battle of Anghiari）。这是和《最后的晚餐》、《蒙娜丽莎》一起并称为达·芬奇三大名作的壁画。在三幅名作中，它知名度最低，但也被专家认作达·芬奇最精彩的作品，是“杰作中的杰作”。

1494年，统治佛罗伦萨地区的梅第奇家族被驱逐，新任统治者邀请达·芬奇创作一幅讴歌伟大佛罗伦萨的壁画《安吉里之战》。达·芬奇在佛罗伦萨市政会议厅，也就是现在的五百人大厅中创作壁画《安吉里之战》，壁画内容取材于15世纪佛罗伦萨和米兰之间的战争，是达·芬奇最大的作品，也是他少有的关于军事题材的美术作品。达·芬奇在壁画中展示了战争中人与战马的躯体痛苦、恐怖的纠缠，透露出达·芬奇对人性暴力的看法。这幅金戈铁马战争场景，一直是人体结构和动态素描的范本，备受后人推崇。几十年来，像拉斐尔这样的艺术家们纷纷来此，临摹学习。然而遗憾的是，在16世纪60年代，梅第奇家族恢复了对佛罗伦萨的统治，他们要重修议会大厅，并邀请当时着名艺术家乔治奥·瓦萨里在原来画有《安吉里之战》的地方重新创作一幅壁画。在瓦萨里的壁画《卡辛那之战》完成之后，世人就再也没有见过那幅据称完全可以与《最后的晚餐》或是《蒙娜丽莎》媲美的画作。大家普遍认为，瓦萨里在创作《安吉里之战》时，将达·芬奇的作品损毁了——顺便说一句，毁掉《安吉里之战》并没有让平庸的《卡辛那之战》多增添几分光彩，事实上瓦萨里也许算是文采斐然的作家，但真的是非常平庸的画匠，他的《卡辛那之战》在众芳竞美的佛罗伦萨显得如此平庸和索然无味。

虽然《安吉里之战》消失了数个世纪之久，但达·芬奇遗留下来的一些相关草图却让人们足以相信这是一幅充满了战争“最野蛮疯狂的表现”的作品。有的学者认为《安吉里之战》当中透露出达·芬奇的另外一个预言：人类终将毁灭于自身的暴力。而这个主题恰恰与他曾经在自己的笔记本中作出的预言相吻合。

《安吉里之战》藏在两墙的夹缝之中？

人们希望能够从《安吉里之战》当中获得更多的启示，因此几个世纪来一直没有放弃追寻它的下落。1975年，意大利的艺术研究员莫瑞希奥·塞拉西尼在瓦萨里的《卡辛那之战》中发现了神秘的信息——壁画上的一面绿旗上写着意大利文“Cer ca，Trova”，意思就是“寻找吧，你会找到”。

瓦萨里是不是在暗示有什么东西藏在他的壁画下面？20世纪70年代的技术水平尚不足以让人们找到这个问题的答案，但这么多年，塞拉西尼一直没有忘记这件事。从2000年开始，他借助红外线拍照、激光测绘等新技术搜寻这幅消失的壁画，并且确信自己已经“发现”了它。他发现当年瓦萨里并没有把他的壁画直接覆盖在达·芬奇的作品之上，而是重新砌了一面墙，画上自己的作品。这让他相信达·芬奇的壁画一定就在两面墙的夹缝之中。

但是，全面地复原达·芬奇的原作仍旧是个难题。因为佛罗伦萨xx不会准许塞拉西尼将瓦萨里的壁画毁掉，去寻找一幅只是“也许”会存在的名作。

如何确定这幅壁画的存在？最近，塞拉西尼的探索终于迎来转机。他在一次科学会议上呼吁科学家们的帮助。有科学家向他建议，或许可以用发射中子束的方法“看”到达·芬奇这幅被掩藏的壁画。

达·芬奇多采用有机材料和防水油性材料进行创作，这些材料中大量的含有氢原子。中子束可以与这些氢原子发生碰撞反弹，而不同颜料在和中子束发生碰撞的时候会产生不同的伽马射线，记录这些伽马射线的信息，或许就可以捕捉到壁画中的斑斓色彩，将其复原。

佛罗伦萨xx对于塞拉西尼提出的这一新方案表示出了兴趣。而塞拉西尼现在要做的就是拿出确凿的证据使得当局相信达·芬奇的这幅壁画仍旧存在，那么佛罗伦萨将会派专家移除瓦萨里的壁画，让达·芬奇的名作重见天日。

㈤ 你预言将来会发生哪些事情

在今后50年时间里，人类将会实现载人火星探测、在月球定居、建太空工厂、在小行星上采矿、擦除记忆、大脑移植，甚至还能远离死亡获得永生。而人们目前经常使用的烟灰缸、邮局、钱包和台式电脑等，则很可能会永远的消失。

㈥ 现代艺术150年-未来主义等

从立体主义和未来主义到至上主义。

以往艺术家处于一个屈从的地位，画家记录、启发、美化，观众评判、被取悦；之后画家地位提升，画家希望观众置身于想象之中，如同聆听音乐一般（抽象主义）；之后艺术家开始对观众有了要求，艺术变成了由艺术家制定规则的智力游戏。

一、未来主义：快进，1909-1919

当马奈在他的画中，比如《喝苦艾酒的人》，去除形象化的细节时，其实已经开启了抽象艺术之门。随后，每一代艺术家去掉更多的视觉信息以捕获富有情调的光线（印象派），强调色彩的情感特质（野兽派），或从多重角度观察某一题材（立体主义）。第二篇文章说，立体主义是从多角度观察单个事物。在立体主义多视点的基础上加上了表现速度和时间的因素，这便迎来了未来主义。也就是，未来主义是加速了的立体主义。

那些勾起未来技术革新幻想的事物，被简单地称为“未来主义的”。从主题上说，立体主义单单为艺术，而未来主义想要激起真真切切的情感反应，为政治发声，从此艺术和政治扯上了关系。

未来主义雕塑和绘画在很大程度上要归功于立体主义在技法和构图上的创新。两者都将时间和空间毁坏，然后融进一个形象里，采用了相似的重叠技巧和断裂的平面来创造效果。不过立体主义者认为他们艺术的主题就是艺术，而未来主义者则期望激起真真切切的情感反应，他们想要发出政治声明，并在所描绘的真实世界的物体之间造成一种动态的张力。

未来主义将一段时间里发生的事都呈现于同一画面中，情节丰富，时间压缩，这种技巧被未来主义者概括为：同时性。

意大利艺术家薄尼丘的三联画《心境》：《告别》正像你所预期的那样，旅客在一列正在离开的火车上招手；《离开的人》描绘的是将要登上火车的人，薄丘尼形容他们被“孤独、悲伤和令人茫然失措的困惑”所折磨；《留下的人》则表现了在那些留下的人中间弥漫的深刻忧郁。

未来主义者打破了巴黎对现代艺术发展的牢固控制，从1912年开始，世界上各座城市都谱写着艺术史的新篇章，它们对立体—未来主义作出各自的回应，彼此间平起平坐。

爱泼斯坦说，他在“1913年战前充满试验性的日子里”创造了以下这件作品，“被自己对机械的激情所燃烧……这就是今天和未来的样子：全副武装，险恶不祥”。未来主义不可避免地与法西斯主义联系在一起。

二、康定斯基／俄耳浦斯主义／青骑士：音乐之声，1910-1914

艺术的发展是不断的去除细节来表达情感、揭开生活隐秘真相，这一不断去除的过程似乎最终将不可避免地导致所有细节的消失和抽象艺术来临。画家和雕塑家热切而不懈追求新的自由和自我赋予的天马行空的权利，简化题材、扭曲其面部特征、将其身体剁碎变成几何形状的拼缀物，打着“艺术进步”的旗号。

艺术家不再以物质，而是以颜色作为表现对象。此外，音乐对艺术和生活的影响如影随形，艺术家创造出一种视觉“音景”：可以让观者听到色彩“内在之声”的油画。艺术家康定斯基追求的是一种“总体艺术品”，以音乐象征的方式，让观看者去聆听画作。

下图《印象3》。画面右上方一大块三角形的黑色颜料代表三角钢琴，它的魅力吸引着热情洋溢的听众——站在左下角——越靠越近。钢琴和听众构成一条将画面分为两部分的对角线。其一侧是大片生气勃勃的黄色，代表着钢琴发出的美妙声音。另一侧则朦胧得多。它的颜色不那么浓重，大量的白色与紫、蓝、橙、黄混合在一起。它或许暗示着什么，但你很难说清到底是什么。

康定斯基断然拒绝提供任何可指向已知事物的提示，挫败了人们尝试解读图像的天然倾向。这使得对此画的研究既令人兴奋，又令人精疲力竭。就它想要达到的效果而言，它显然成功了：你确实开始“聆听”画作。

作曲系列包括《作曲7》是康定斯基的生涯顶峰，是一副可以与交响乐比肩的抽象作品。没有给观众留下任何的视觉线索，要求我们直面画作本身。

艺术不是为了“再现可见的事物，而是使得（生活）成为可见的事物”。音乐作为艺术的主题已是抽象之旅的终点。

三、至上主义／构成主义：俄国人，1915-1925

至上主义，它是一种纯粹抽象的形式，一种彻底非描述性的绘画风格。它将所有视觉线索都去掉了，这样观众就可以享受非客观的体验……纯粹感觉的至高无上。至上主义的理论和创作对同时期的 构成主义 、以及欧洲的抽象绘画产生了重要的影响，它之所以重要，在于令人产生的感觉，而不是客观的事物或环境。

至上主义是一种强调基本几何形（如圆、方、线条等）。马列维奇的《黑色正方形》看起来或许简单，但作者的意图却很复杂。他希望人们认真研读《黑色正方形》，去思考白色边界和黑色中心之间的关系与平衡：享受颜料的质地，感觉一种颜色的轻盈和另一种颜色的厚重。他甚至希望这个极端静止的图像里所包含的种种“张力”能带给人们活力和运动的感觉。去除芜杂，简化形状，精简颜色，专注于形式的纯洁性。我们不禁感到，简约的外表其实是智慧、深思、现代性和精密性的象征。

在以往历史中，艺术家处于屈从的地位。画家和雕塑家记录、启发和美化着什么，描绘已知世界来取悦我们或激发我们的兴趣；康定斯基的抽象画要求双方各让一步，他会画一幅惹人喜爱、充满生气的作品，但期望我们能抵制住将色彩转化成已知物体或主题的诱惑，反将自己置身于一个想象中的世界，就像听音乐时的那样；马列维奇颠覆艺术家与观众间传统关系的结果，艺术家对观众要求很高。

这幅画对整个视觉艺术有着深远影响，创造性、真实性、稀有性——将这3个元素综合起来，你就明白为何马列维奇的《黑色正方形》价值百万美元而你我的卖不出这个价。

马列维奇的至上主义和塔特林的构成主义。塔特林认为：苏联艺术应该有明确的目标——为人民和政权的需要服务。塔特林的《角落的反浮雕》意在引起人们对于作品构造、材料本性及其体积，以及它们所占据的空间的关注。和毕加索不同，他不怎么通过绘画或准备工作来改变所用的零碎材料，也不会把它们构造成某些形态，使人们相信它们象征着什么。虽然塔特林比马列维奇更为实际，但两人的非客观艺术有许多相同的关注点：空间中的物体，违抗重力规则，质地，重量，张力，格调和平衡。

只有一种颜色的画《纯红、纯黄和纯蓝》，罗琴科说，他那些整幅的单色作品没有象征含义。伊夫·克莱因却称他的单色画比他说的丰富得多，具有神秘的情感深度和精神深度。

1921年，罗琴科正式宣布构成主义的到来。他们抛弃了艺术，投身创造有用之物的事业，变成了设计师。他们设计海报、字体、书籍、布料、家具、建筑、戏剧布景、壁纸和日用品，产量颇丰。这些看起来微不足道的形状，若以某种平衡而富有技巧的方式组织在一起，的确能激起观众的情感反应。

马列维奇、塔特林、罗琴科、波波娃和利西茨基是出色的预言家，是最早的纯粹抽象艺术的先锋。

㈦ 为什么艺术家创业成功需要有面向未来的超前思维

因为艺术在当前审美里如果没有突破早晚就会被淘汰，另外创业需要有对未来的展望，做别人没做的，才有新资源，我也是学艺术的，艺术想本分挣钱太慢了

㈧ 未来主义艺术家的主张是什么

十月革命以前的俄罗斯未来主义艺术情况比较复杂，未来主义艺术家内部有着许多不同的派别。未来主义艺术家主张与传统文化决裂，一些未来主义文学家甚至宣称要将普希金、陀斯妥耶夫斯基、列夫·托尔斯泰等俄罗斯文学巨匠的作品“从现代生活的轮船上扔出去”。

㈨ 达芬奇十大诡异的画：最后的晚餐预言人类毁于大洪水(4006年)

关于达芬奇的画作，人们讨论更多的是它画中的意境，如达芬奇十大诡异的画，其中《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》都有着神秘的诡异的地方，也有着预言以及未来科技。不明飞行物博客作者Scott C Waring在他的“UFO Sightings Daily”网站上写道：“列奥纳多·达·芬奇是外星人或混血儿的可能性非常高。而且有究人员发现达芬奇在历史上消失2年，而这两年时间网友猜测可能是穿越了?到底如何，我们不得而知，先来看看这十幅画吧。

达芬奇十大诡异的画

1、蒙娜丽莎的微笑

阴谋通常集中在她神秘的微笑。然而，在显微镜下观察时，意大利历史学家发现，通过放大“蒙娜丽莎”的眼睛，可以看到微小的数字和字母。

网络配图

专家说，几乎没有区别的字母和数字代表真实的达芬奇密码：在右眼看起来是可以代表他的名字的字母LV，Leonardo Da Vinci，而在左眼还有符号但它们没有定义。当然，把它们弄清楚是非常困难的，但是它们看起来是字母CE，或者可以是字母B.在背景中的桥拱中可以看到数字72，或者可以是L和数字2.另外，数字149和第四个数字被删除，出现在图片后面，这表明达文西在十九世纪九十年代在米兰时画了它。

你必须记住，这张照片已经有500年的历史了，所以它不像原来的那样清晰和清晰。关于这幅画可以看看我之前写到过的《蒙娜丽莎十大恐怖之处》，里面解惑了画中出现的动物、外星人以及神秘数字。

2、最后的晚餐 暗藏惊天末日预言!

达芬奇十大诡异的画中问题谜团最多的一幅画。“最后的晚餐”也是许多猜测的目标，通常围绕在绘画中发现隐藏的信息或暗示。

信息技术专家斯拉维萨?佩斯奇(Slavisa Pesci)通过在原作之上叠加一幅半透明的镜像版本，创造了一种有趣的视觉效果图。结果是两个人看起来像圣殿骑??士，出现在桌子的两端，而一个可能抱着婴儿的人站在了耶稣的左边。

意大利音乐家乔瓦尼·玛丽亚·帕拉(Giovanni Maria Pala)也表示，手和面包的位置可以解释为音乐人员的笔记，如果从左至右读了莱昂纳多的作品的特征，他们形成了一个音乐作品。

网络配图

梵蒂冈研究员Sabrina Sforza Galitzia声称破译了达芬奇的“最后的晚餐”中的“数学和占星术”之谜。她说，他预见到世界末日会在4006年3月21日开始，到同年11月1日结束。她相信这将标志着“人类的新开端”。

最后的晚餐多了一只手

丹·布朗的“达芬奇密码”的读者发现了一个关于达·芬奇的“ 最后的晚餐 ” 的艺术史问题。那里有一个额外的手，它没有附加在任何人身上，并且拿着一把匕首，那是什么意思?

在小说的第248页，这只多出来的手被描述为“无形的，匿名的”。字符指出：“如果你数着手臂，你就会看到这只手属于.没有人。” 所谓的手，位置在桌子左端的第三位门徒和下一位坐在门徒身体前面的坐门徒之间。

如果你检查一张“最后的晚餐”的照片，并计算在桌子左端举行的门徒的手臂，有12个武器，与人数匹配。这些是从左到右，巴塞洛缪，小詹姆斯，安德鲁(双手抛在一个“停止”的姿势)，犹大(坐着，面对转身)，彼得(站立和愤怒)，和约翰。彼得的一只手在约翰的肩膀上，而另一只手可能是一只被称为无形的手，直接在他的臀下，刀刃指向左边。

也许混淆在于彼得的手臂似乎扭曲了。他的右肩和肘部似乎与“挥舞匕首”的手角度不一致。这可能是达芬奇想要隐藏的信息，也可能是他巧妙地使用了布料来掩盖壁画中的错误。

彼得的匕首或刀

在“达·芬奇密码”中，使用刀的匕首让人联想到布朗一部分的邪恶图像。称它为一把刀并不像匕首那样具有悬念的重量。

列奥纳多·达·芬奇(Leonardo da Vinci)在他的笔记本中把这个工具作为一把刀与这位特殊的画家的特殊持有者联系在一起。

根据新约中对最后的晚餐和事件的描述，彼得拿着一把刀(在桌上)被认为象征着他几个小时后对逮捕基督的一个奴隶的攻击。当法利赛人，祭司和士兵的队伍在客西马尼园中追上了耶稣时，彼得据说开始不冷静而且大发脾气：

“彼得拿着一把刀，杀了大祭司的奴隶，割断了他的右耳，奴隶的名字叫马尔库斯。

最后的晚餐中隐藏的预言：人类将毁于4006年大洪水

梵蒂冈的研究人员对外界披露，他们在《最后的晚餐》中发现了隐藏着的“达·芬奇预言”：人类将于4006年毁灭于一场全球大洪水。作出这个判断的是梵蒂冈研究人员萨宾娜·斯福尔扎·加里特兹亚。加里特兹亚在美国洛杉矶大学工作时就曾对达·芬奇的手稿做过深入研究。她指出，这个4006年世界末日的预言就隐藏在《最后的晚餐》中耶稣背后那扇窗户上。加里特兹亚认为，在那扇明亮的半月形窗户里面隐藏着一个关于“数学和占星术”的谜团，也包括黄道12宫星座。

加里特兹亚还指出，这个谜团是由12宫星座和代表一天24小时的24个拉丁字母设计而成，只要破解了这个谜团，就能破解达·芬奇的末日预言。加里特兹亚还明确指出，《最后的晚餐》中预言的全球大洪水将发生在4006年3月21日，同年11月1日，人类将遭遇“最后的晚餐”，即世界末日。

加里特兹亚认为，达·芬奇的这个预言肯定是存在的，但并不像《达·芬奇密码》那本畅销书中描述的那样。加里特兹亚说：“达·芬奇不只是一位伟大的艺术家，也是一位学识渊博的预言家，他之所以要把人类末日预言隐藏在《最后的晚餐》中，是因为他认为人类在遭受这次毁灭性灾难的同时，也是一个‘新人类’的开始。”

关于这个预言，民间还流传着这样一种说法，4006年毁灭人类的全球大洪水将发生在一个星期五，即传说中的黑色星期五。这个说法的起源相当复杂，首先得从黑色星期五的命名开始。在古罗马时期，星期五被称为爱神维纳斯之日。或许是继承了古罗马的传统，在北欧的神话中，一个星期中的第五天被认为是美与爱之神的日子(Freya’s day)。

有一次12位神在星期五这天聚会，未被邀请的第13位神即邪恶的火神突然闯入聚会，恼羞成怒之下杀死了和平之神。和平之神的母亲爱之神悲痛欲绝，从此北欧的星期五笼罩上了一层不祥的阴影。

3、维特鲁威人 至高的美学黄金分割’的概念

达·芬奇最着名的作品之一是在纸上用笔和墨水绘画的作品。这幅画是以罗马建筑师维特鲁威(Vitruvius)的名字命名的，因为它附有基于他作品的笔记。维特鲁威人 是对人体比例的研究，莱昂纳多把维特鲁威关于几何学的古代文本与他自己对实际人体的观察结合起来。图画被用作人体对称的例子。这个形象也揭示了达芬奇的信仰：人体的运作反映了宇宙的运作。

网络配图

不管你管这幅画叫什么，你肯定知道它。它无处不在，被人们用来传递各种讯息：艺术的壮丽、健康快乐的本质、几何和数学的力量、文艺复兴的理念、人体的优美、人脑的创意潜能、人类精神的普遍性等

简而言之，它是遍及全球的偶像，无人能否认它的号召力，但几乎没人知道它的故事。

《维特鲁威人比例研究》是许多人熟悉的一幅画：这就是名画《维特鲁威人》(HomoVitruvianus)，出自文艺复兴艺术巨匠达芬奇之手，画名是根据古罗马杰出的建筑家维特鲁威(Vitruvii)的名字取的，该建筑家在他的着作《建筑十书》中曾盛赞人体比例和黄金分割。

史载，达芬奇对公元前1世纪的通晓天文、地理、数学、哲学、绘画的古罗马建筑师维特鲁威十分崇敬。1490年前后，他为维特鲁威的《建筑十书》绘制了一幅《维特鲁威人》素描插图。在插图中，达芬奇用自己在数学、哲学、天文学、解剖学等领域的学识，将一个双手平伸的直立人与一个双手上抬双脚外开的非直立人重迭绘制。此举不仅揭开了维特鲁威生前留下的双手指同触方圆的数学之谜，同时还关注了古埃及金字塔里的一组奇妙数字组合：142857。

众所周知，近百年来，大凡来自古埃及金字塔里的东西，从物品到图片、到符号，乃至数字，都会引起人们的浓厚兴趣，如刚刚提到的六位数字组合 142857。就在几周前，还有人在网上推演与热议。在推演者笔下，最奇妙的一组数字莫过于 142857 与 2、3、4 . . .等数字的乘积：142857 x 2 = 285714 、142857 x 3 = 428571 、142857 x 4 = 571428. . 。去年12月21日(玛雅人预言的世界末日)前后，有人声称古埃及金字塔里的 142857 与玛雅文化中的一组奇妙数字 1366560 有关联。而这一关联是由 1366560 除 7 得到的，即 1366560 &pide;7 = 195222.857142857( 142857 为小数点后第4位上的循环节)

其实，将 1366560 与 142857 关联在一起，这也许不是一个特例。因为，任何一个不被 7 整除的数字之商都会在小数点后若干位上出现一个循环节 142857 。因此，对于这组在初等数学四则运算中较常出现的除 7 循环节的现象而言，倘若认为，这个循环节现象不曾引起过欧洲文艺复兴时期的旷世奇才兼数学家达芬奇的关注，恐怕是令人难以想象的。事实上，最新的研究结果已显示，达芬奇在《维特鲁威人》的素描中确有与古埃及金字塔中的数组 142857 有相关联的部分。

艺术院校的师生都知道，达芬奇曾用“三步法”来描述人物绘画的流程：“画家的第一步，应该研究四肢和四肢是如何运用的;画家的第二步，应该研究人们在所处的不同情境中的动作;画家的第三步，应该研究基于所遇情境中的自然动作”。用达芬奇人物绘画的“三步法”解析达芬奇的《维特鲁威人》素描，人们会看到，绘画中的单双人人体体姿、人体躯体的五大关节、双臂双腿指示的七个方向等，已与埃及金字塔中的 142857 或循环节 142857 密切相关。

4、伊莎贝拉·德·埃斯特肖像-失踪的杰作

它已经失去了这么久，它已经为艺术家提供了神话般的地位。有人怀疑它是否存在。

网络配图

但是，一幅500年前的奥秘显然是在瑞士银行金库里发现了达芬奇的一幅绘画作品后才得到解决的。

该幅画作原本只有铅笔素描，没有彩色版的完成品。当它在随时银行被发现后，这幅消失了500年的画作才重现人间，也打消了众人的怀疑。这幅画经由专家使用碳14测定法已证实是真迹。根据估价专家判定，德埃斯特的这幅肖像画粗估高达数千万英镑。拥有这幅肖像画的则是一个意大利家族。

网络配图

画作中的女人，是当时的罗马贵族，也是意大利文艺复兴中的女性领袖，在文化与政治上起着无与伦比的作用。，当时最有影响力的女性人物之一，也是一位政治高手，也是艺术赞助人。

5、抱银鼠的女子

带着貂皮的女士， 大约在1490 年完工，是莱昂纳多绘制的仅有的四幅女性肖像之一。目前在波兰克拉科夫的瓦维尔皇家城堡展出，油画是年轻的塞西莉亚·加勒拉尼(Cecilia Gallerani)的肖像，莱昂纳多的赞助人，米兰公爵Luvico Sforza的情妇。加勒拉尼显示穿着相对简单的衣服，显示她不是来自一个贵族家庭。已经详细讨论了类似于黄鼠狼的白色貂的重要性。动物可能代表纯洁，因为人们相信在任何情况下，貂皮都不会弄脏它的白色外套。

网络配图

据国外媒体昨日报道，法国科学家、工程师帕斯卡·科特(Pascal Cotte)在达·芬奇的另一幅名作《抱银鼠的女子》中发现了画家画了三个版本：一个版本是没抱银鼠的，另外两个版本中银鼠的大小、形态和皮毛颜色都不同。

科特利用反射光技术对这幅《抱银鼠的女子》进行了为期三年的分析，才得出这一重大发现。研究达·芬奇的专家称这一发现“十分惊人”，这幅画作的历史将被改写，同时又对这幅画作创作的历史背景提出了诸多疑问。

《抱银鼠的女子》创作于1489年至1490年，画中的女子切奇利娅·加莱拉尼(Cecilia Galerani)是米兰大公卢多维科·斯福尔扎的情妇。

达·芬奇曾以工程师、宫廷艺术家与军事设计师的身份供职于米兰大公卢多维科·斯福尔扎，直到1499年才离去。而卢多维科·斯福尔扎的昵称就是“银鼠”。

这幅画作目前收藏于波兰克拉科夫的恰尔托雷斯基博物馆，也经常在华沙的波兰国家博物馆展出。由于恰尔托雷斯基博物馆正在重新装修，这幅画作现在挂在位于克拉科夫的瓦维尔城堡。之前这幅画作也被用X光、红外线等进行过检测。

科特使用的是“层放大法”(LAM)，当强光不断照射在画作上，一台连接电脑的相机会自动处理光的反射，从而能够分析出画作中的每一层都画了什么。

科特说：“这种层放大法的技术就像是剥洋葱一样，把画作表面的东西一层层剥开，看到里面究竟藏了什么，展示了画作的不同层。通过这个新技术，我们发现达·芬奇在画画的时候总是改变他的想法。他是一个犹豫不决的人——他涂掉了一部分，又添加了一部分，他的想法不断地在改变。”

猜测

1.达·芬奇讨好资助人

这个发现公布后，关于这幅着名肖像画的创作背景也引发了一些新的猜测。有人认为，也许艺术家就是有意要画一只银鼠来指代加莱拉尼的情人，后来之所以把银鼠画大了、也改了颜色，是达·芬奇为了讨好他的资助人。

2.画中女子要求加银鼠

另一种观点认为，这只银鼠是加莱拉尼要求达·芬奇加上去的，让米兰王宫的所有人都明白自己与米兰大公之间的关系。

评价

帮助我们“窥探达·芬奇的想法”

英国牛津大学艺术史荣誉退休教授马丁·肯普(Martin Kemp)称：“帕斯卡·科特在法国的这一发现意义非凡，向我们更多地展示了达·芬奇在画画的时候，他的想法是怎样的。我们知道他最初总是喜欢随意画画，但是并不知道原来他从头到尾都这么随意。这也解释了为什么他完成一幅作品那么难。达·芬奇永远是个谜，因此，能如此窥探他头脑中的想法实在是令人兴奋不已。”

6、吉内薇拉·班琪

莱昂纳多的另一个罕见的女性肖像是15世纪的佛罗伦萨贵族Ginevra de'Benci。这是华盛顿特区国家美术馆收藏的一大亮点，也是莱昂纳多在美洲唯一公开展出的作品。美丽的Ginevra在这部作品中显得尤为严肃 - 她没有露出任何微笑，就像蒙娜丽莎脸上那样的微笑。背景中的桧树象征着贞洁，是对她名字的一种双关语; 意大利词是 ginepro。户外环境并不常见，因为当时女性通常被描绘在家里。

网络配图

这位“性冷淡”女士——达·芬奇早年的木板油画《吉内薇拉?班琪》。

7、施洗者圣约翰

相信是达芬奇的最后一幅作品，施洗者圣约翰画于1513年至1516年之间，当高文艺复兴时期过渡到了矫饰主义。在这部作品中，莱昂纳多以一种俏皮的方式描绘了圣约翰，这个男人通常被认为是一个火热的角色。在这里，他长长的卷发，穿着毛皮，有着与蒙娜丽莎穿的那种神秘的笑容。圣约翰的手指伸向天空，暗示着通过洗礼得救的重要性。这个手势也出现在莱昂纳多的其他作品中。

网络配图

网络配图

在1513年至1516年间，许多专家相信这实际上是达芬奇的最后一幅作品。请注意施洗者圣约翰指向十字架的小天使，这表明上帝的国度的应许，这个想法在莱昂纳多生活的时候有了深刻的共鸣。

达芬奇十大诡异的画

8、岩间圣母

两个几乎相同的版本的岩石处女存在，一个在巴黎的卢浮宫，另一个在伦敦的国家美术馆。两人身高都超过六英尺，并把麦当娜和耶稣描绘成一个孩子，还有婴儿施洗约翰和一位天使。在卢浮宫安置的绘画被认为是最好的版本，这意味着它是两个较早的。它被认为是典型莱昂纳多的的 渲染层次 的绘画技术，不会产生明显的线条或边界。人物以三角形和手势相互排列，有助于作品的叙述品质。

网络配图

达芬奇十大诡异的画

9、圣母子与圣安妮

在这幅1503年左右完成的绘画中，列奥纳多描绘了圣安妮，她的女儿圣母玛利亚和婴儿耶稣，他们正在与一只牺牲的羊羔挣扎。动态的构图清楚地表明玛丽向耶稣的婴儿伸出手。同时她坐在圣安妮的大腿上，把三个人物连在一起。与“岩石圣母”中使用的技术类似，莱昂纳多在一个梦幻般的景观设置宗教场景。多山的背景表达了他对地质学的兴趣，并且是他大部分作品中反复出现的主题。

网络配图

10、基督的洗礼

网络配图

首先，为什么耶稣被描绘成一个老人?他在这幅画上皱起了眉头。这似乎并不常见.皱纹本来就是男人罪性的标志.耶稣没有罪性，为什么他有皱纹?第二件令我奇怪的事情是右上方的黑鸟。我不明白为什么它在那里。第三，黑鸟在附近飞来的树，树应该是在背景中，但它似乎是这样形成的，似乎很奇怪。第四，在河边的女孩，我认为这应该是玛丽耶稣的母亲或玛丽抹大拉。或者，为什么她的眼睛完全脱落?第五，耶稣的脚 他的右边就是你的左边 在这幅画上花了很多时间。他的中间脚趾怎么了?它看起来像一个疣或他的脚。再次，这不加上时间框架。第六，基督之上的鸽子和手臂。手臂似乎很奇怪，但那可能就是我。鸽子的头也是奇怪的，也许就是我。第七，女孩的袖子是黑色的。这似乎是不合适的，女孩的底部在她身后穿衣服。最后，耶稣的光环似乎很奇怪，因为它是红色的，白色的，并不像其他人的光环那样与头部对齐。

所以在Photoshop中映射了这个图像。起初，我将整个图像进行镜像，然后将图像垂直切割成三个图像，并对每个部分进行镜像。这是结果。 我也反映了他从前不喜欢的一幅画。这是耶稣的一幅画。这幅画对我来说从来没有“正确”，所以我不关心它。镜像后，我喜欢它!也许这就是这幅画的重点.也许是被看作是镜像的。

达芬奇十大诡异的画给后人留下了不少谜团，即使时间已过去几百年之久，围绕着这位艺术巨匠的讨论和谜团也从未消散，“达芬奇”这三个字仍旧被当代艺术家们所折服，虽然最终都没有解密真实原因，或许是我们一厢情愿，也可能里面藏匿的是这位被称为传说是未来的人留下的未来讯息呢?