哪个艺术家喜欢画太空

⑴ 中国最早引进和介绍国外太空幻想美术的画家是谁

最早将太空美术有计划、有系统的介绍到中国的人就是我国着名天文学家、科普专家李元先生。 他从20世纪40年代起在受到邦艾斯泰太空绘画的影响后就一直致力于太空美术的引进、收藏、评论和普及，至今已近60年。1957年北京天文馆新建落成的开幕式上，他就请艺术家将他精心收藏的外国太空美术作品进行仿绘复制并悬挂于天文馆中，这是中国最早的太空美术画展。 1984年，由李元先生牵头，联合美日太空画家在北京天文馆举办了影响深远的太空美术大展，且在全国十多座大中城市巡回展出，这也是我国改革开放之初最大规模的太空美术引进宣传活动。今天，随着科学普及的深入和人们文化素质的提高，太空美术已被大众逐渐接受和认同，中国太空美术的原创作品也已起步并越来越多起来，李元先生开创性的贡献使他成为中国太空美术的奠基人。

⑵ 中国当代的一位着名男画家，现在还活着，创作过有关宇宙题材的系列大幅画作。

吴同椿 国内的太空画作者群中涌现了象喻京川．吴同椿.金霖辉．刘蔚．赵龙军．周熠君等一批创作勤奋作品较多的作者.

⑶ 梵高《星空》的创作背景

创作背景：

1889年, 梵高的疯病又一次发作。在与高更的一次激烈争吵之后, 他割下自己一只耳朵, 并用手帕包着送给一个妓女。此后, 他被送入了圣雷米的疯人院。他在那儿共呆了一年零八天。其间, 他仍然勤奋作画, 完成了一百五十多幅油画和一百多幅素描。

他此时的绘画, 已完全地趋于表现主义。在他的画上, 那些象海浪及火焰一样翻腾起伏的图像, 充满忧郁的精神和悲剧性幻觉。油画《星夜》便是他该时期的代表作。

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《星空》作为表现性的后印象主义画家梵高的作品，这幅画有很强的笔触。油画中的主色调蓝色代表不开心、阴沉的感觉。很粗的笔触代表忧愁。画中景象是一个望出窗外的景象。画中的树是柏树，但画得像黑色火舌一般，直上云端，令人有不安之感。天空的纹理像涡状星系，并伴随众多星点，而月亮则是以昏黄的月蚀形式出现。

整幅画中，底部的村落是以平直、粗短的线条绘画，表现出一种宁静；但与上部粗犷弯曲的线条却产生强烈的对比，在这种高度夸张变形和强烈视觉对比中体现出了画家躁动不安的情感和迷幻的意象世界。

⑷ 全球影像艺术家国际知名艺术大师的经典作品及介绍

当代世界最重要的艺术家之一，戴帆，最着名的就是他的“宇宙宣言”，宇宙太空艺术、自动控制装置艺术、生物材料、空间观念艺术、计算机虚拟艺术、人工社会、超现实神话、园林建筑、观念摄影、海报装置、观念雕塑、数学绘画、自然现象的艺术化等诸多领域 、奇异虚拟物种。当然，他在构建过程中还孕育了一些极具有启发意义的理论洞见以及汇集了人类对建筑的想象中最尖端、最不可思议、最疯狂、最不可预测、最复杂、最遥远、最恐惧、最癫狂的幻象，这既是思想的冲击,身体的感觉，又是心灵的张狂。他对各种建筑概念的精细分析和表现令人大开眼界。 “宇宙宣言”（universe Manifesto）是一颗向地球以巨大的速度飞来的外星球，让你震惊,接下来会不断地让你震惊,这是一个从未有过的经验。

⑸ 画星球的科幻画家

邦艾斯泰
架起宇宙的桥梁——邦艾斯泰

邦艾斯泰生于1888年1月1日，加利福尼亚州。先后在旧金山、洛杉矶、圣安东尼奥、帕洛玛天文台工作。邦艾斯泰最开始从事的是建筑设计，曾参与设计了旧金山着名的金门大桥。尔后又从事电影的摄制工作。邦艾斯泰在利用前两项工作的经验技能和对天文知识的掌握，在天文学家的指导下，以严谨的态度创作了许多在科学和艺术上具有高水准的艺术画。正如他自己说的那样：“从我对电影技术的了解，我确信我可以把摄影镜头的角度在电影拍摄和绘画技巧上得到巧妙的安排，这样就可以从土星的一个卫星到另一个卫星上去旅行，而你们所看到的正如实际所见到的一样准确。”

事实证明也确实如此。美国着名天文学家理乍得松说：“邦艾斯泰的太空美术作品，超越了以往我所见到的同类作品，对于通俗天文学的确是有贡献的，有高度的艺术价值。”世界着名太空美术评论家、美国宇航博物馆前馆长杜兰特对帮艾斯泰的作品评论也说到：“他的行星风景画如此精确，几乎同后来飞行器拍到的照片以假乱真。”

1944年，在绘制完成“土星组画”后，他开始全力转向太空美术创作。从20世纪40年代起，邦艾斯泰在《28天飞往火星》、《史密斯先生到金星》、《坐火箭飞往月球》等杂志发表了许多的太空组画。后被编入《征服太空》一书。

20世纪50年代初期，邦艾斯泰进入创作的高峰期。当时的《柯里尔》杂志邀请他为5篇展望未来宇宙飞行的系列文章配图。文章的作者就是着名火箭专家冯.布劳恩（人类登月的主持人）。后来他们成为了好朋友，进行了一系列合作。

邦艾斯泰的太空美术作品强烈的影响了美国公众和政府。从美国第一颗人造卫星到飞往火星的探测计划，每一项重大的航天计划完成后，他都要用图解形式详细的介绍给大众。他的艺术作品使单调的天文数据和工程计算有了直观和现实的意义。许多科学家、工程师和宇航员就是在他的作品影响下选择了自己毕生为之奋斗的道路。为了纪念他的卓越贡献，国际永久编号的第3129号小行星被命名为“邦艾斯泰”。

1984年，李元在杜兰特等人的协助下，组织了“宇宙画展”和“宇宙在召唤”太空美术展览，观众达数百万，影响深远。1985年初，97岁高龄的邦艾斯泰在写给李元的祝贺信中写道“我认为使人们对天文学发生兴趣的最好方法就是让他们观看有趣的天文美术作品和照片，培养新一代太空画家的最佳途径就是要把太空美术和天文学介绍给青少年。这是邦艾斯泰的经验之谈，而这些年来他也是这样做的。1986年，98岁的邦艾斯泰与世长辞。

⑹ 有一位在宇航史上留下重要足迹的俄国宇航员，同时也是太空美术画家，他的名字是：

航天员列昂诺夫既是世界上第一个步入太空的人，又是一位太空画家，他的美术作品使人有一种临场感。他和另一位苏联太空画家索科洛夫合着的大型太空美术画集《人和宇宙》（1984年莫斯科版）是苏联太空美术的代表性作品。1998年来访北京。索科洛夫是一位职业画家，他们二人不但是苏联/俄罗斯的杰出太空画家，而且名闻全球，在苏美、俄美许多国际合作中，他们都用画笔进行过联合创作。
列昂诺夫1934年5月30日出生于克麦罗沃州。1953年参军。1957年毕业于丘吉耶夫军事航校，进入航空部队担任飞行员。1960年被选入航天员队伍。1965年3月18日，乘上升2号飞船进入太空飞行，在舱外活动24分钟，系安全带离开飞船达5米，成为世界上第一位在太空行走的人。这次飞行历时26小时2分钟。1975年7月15日，担任联盟19号飞船指令长再次进入轨道，同美国阿波罗号飞船的3名航天员进行6天的联合飞行。空军少将(1975)，两次“苏联英雄”称号获得者 (1965.3.23，1975.7.22)。

⑺ 源淼：用灵性之眼来画光、画凤凰、画宇宙能量

撰文| 源淼

编辑| 李婧、张看看

源淼年少时有个心愿：不要活过四十岁。因为看见妈妈辈的人成日介唉声叹气、愁苦纠结，女人的美在那个年代全被挤压到边边角角，剩下的都是琐碎日子打磨下的暗淡与重复。不，她才不要过这样没有活力的人生。

殊不知生命大系统自有它的妙处。有时候，你拼命争的可能并不属于你，而也许用力推拒的，反倒是那条冥冥中注定该走上的道路。

四十岁之前，她是中国中央电视台国际部的纪录片导演，致力于拍摄人文自然、宗教与环保相关的多部纪录片。生活优渥，家庭美满，日子淌着蜜。

四十岁那年，经历丧子、辞职、离婚等人生的成住坏空后，她顺着命运之流去到美国，静心修行。

四十岁之后，生活种种迅速变化模式，死、离、散、灭，她初曾排拒，后来学会自然而然顺着流，听从心中清明指引去到美国，顺其自然成立“新世纪基金会”，传播凤凰能量：集喜乐瑜伽、梵唱与灵性绘画等等一体的古老东方智慧。

十几年前来到美国，认识了画家朋友戴安娜。

记得最清楚的是她在很多时候脚上穿两只不同颜色的袜子，而在她的画室里有些奇怪的东西，比如一架自制“飞行器”。有时她吊在上面飞着画画，像一只水面蜻蜓。最近又多了一具类似出土文物的“大棺”，里面是颜色，她把画布渗在大棺里，让颜色“发酵”。

除此，她的头发一半白一半紫，在这法国式漂染覆盖下的头脑里，每天想的是易经八卦，还飞越大洋去北京怀柔，在“上苑艺术馆”的屋顶上自费建了一座易经中的八卦套九宫。

我这样介绍她，是因为她曾教我画画，因为对于一个被誉为“灵性艺术家”的人，即使画的水平根本不怎么样，要懂得“滴水之恩涌泉相报”这个做人的基本道理。

大约十年前，我与戴安娜讲：“你画光吧，你画凤凰吧，你画这个吧，你画那个吧……”

她说：“你讲讲看，是什么样子？”

我讲不清楚，然后她说：“我没办法画，你自己去画。”

之后，我连续不断地描述给她我的“看见”，她永远回答：“你自己去画。”

终于在六年前，我到了她的画室说：“从今天开始，你是我老师，教我。”她笑说：“我保证你学不下去。”然后摆上一个水果一个花瓶，说：“这三天你就画这个。”

我拿枝铅笔，怔怔地看着那个水果和花瓶不知所措。戴安娜说：“观察它们的比例、明暗和结构。”说着迅速熟练地画了几笔。我说：“我想上你的飞行器飞着画。”

她说：“我在意大利学艺术，学了多少年之后，才成为现在这样，你没有基础，怎么就想飞呢？”我看着那个花瓶，总觉得少点什么，最终是把水注入花瓶，放进一枝花，将水果吃掉，然后用心画了半天。

戴安娜看了说：“像一个带着叶子的大菠萝……我不能教你了，你已经毕业了。”

回中国，问好朋友阳阳，是否认识画家朋友，我想学一些基本常识。阳阳说她有位同学是画家，并同意引荐一下。

过了几天，在梦中，我“见到”一位穿西装戴眼镜的中年人，他笑着来到我面前，手里拿着一把古色古香的钥匙，那把钥匙看上去像是铜做的，如同中国老辈人用的那种。他将那把钥匙送给我，然后整个梦境就消失了。

早晨起床后接到阳阳电话，说画家同学要和我见面，然后那位叫冉文纪先生的画家（也是企业家），穿着西装戴着眼镜和善地出现了，虽然他的手里没有钥匙，但是他说：“我知道一个人，可以教你们这一类没有任何基础的，他是我的老师。”

很快我见到了刘耕涛先生，他让我拿毛笔随便画个什么，我便画了，看上去像跳舞的武松。刘老师说：“你这种玩儿法，有点意思。”之后我去了新加坡、马来西亚，回美国之前在广州转机。

刘老师不辞辛劳，飞来广州三天，讲授水墨画基础常识。他的重要教导如下：

画的不像画，“乱”画中有理，你的“画理”中有天真。“玩儿”也是画理，许多人接受不了这个画理，画出来是死的。

你画的是观念是灵性能量，这个是许多画家画不出来的。你的画虽然没有技巧，但你的童心和超意识灵性可以帮大忙。

假传万卷书，真传一句话。刘老师的一句话支持我率性玩下去！我们人生下来，就会自然地呼吸，会自然地微笑，身体也会自然地摆动，口里发出自然的声音，但我们能不能自然地画画呢？

画画是另一种形式，彰显我们对自然的兴趣，对生命的好奇！一个缺乏兴趣和好奇的精神状态是老态，而儿童的活力和喜悦，则来自他们的好奇和兴趣。而心灵瑜珈的修习是返璞归真，返老还童的灵丹妙药。

进入瑜珈的相应组合境界中，呼吸便成了“风”，“风”落地成了线条，“风”溶入颜色，颜色会发光，光能驱除心灵的乌云，而“风”融入水中，水会随圆就方，去到该去的地方，将能量自然组合。

在那样一个时空中，你让心灵影相现形。这个有形有相叫做瑜珈绘画，梵文称为“Shakti Yantra”，“Shakti”是宇宙能量，“Yantra”的意思是有超意识灵性能量的符号或图形，可以让人从束缚中解脱，像梵咒（Mantra）一样具有超意识灵性的震波，两者都可以将心灵导向更精细的层次。

从另一个意义上讲，“看”到旋律及和声，很是好玩有趣，可以说是与宇宙高能量的浪漫艳遇！

有些绘画配上声音，是Mantra与Yantra的结合，希望你喜欢。我是画家圈子之外的自由色彩，是音乐家圈子之外的自然声音，我住于“水”的境界，流入眼睛称之为“画”，流入耳朵称之为“吟诵”，流入心灵则称之为“爱”。

——摘自《源淼超意识音画》自序

让我们赞美宇宙中的阴性和阳性能量。回归一个简单的孩子状态，一个懂事的、有福报的孩子，请代表你世世代代所有的祖先，来赞美宇宙母亲、宇宙父亲。这就是回到源头。

不管有多少事情发生在我们的生命里，人活着最大的目的是什么？是活着。活着的基本状态是一吸一呼。深呼吸，把注意力慢慢从观照小烦恼转到观照一呼一吸上。

那年去了丽江登玉龙雪山见彩虹，茶马古道听马夫唱歌，也观摩了萨满们的祈祷仪式，住在古城发现了一种东巴纸。我想这样的一种用雪山植物手工制作的粗纸，可能更适合承载雪山的祈祷。便百里挑一地选了些带回美国，并创作出了这些东巴绘画。

我曾在一个叫做巴哈“Baja”的地方闭关。

巴哈是位于墨西哥境内的群岛，海洋生态非常丰富，它的月亮山谷（Moon Valley）和原始印第安人村庄遗址也各具特色。

在闭关的日子里，我曾见到一只巨大的凤凰从天而降，落在一个山顶上，长长的凤尾与晚霞相融，它把头伸过来，越过平原和河流直到我面前，美丽安详地凝视着我……

古老的东方传统对于“凤凰涅槃”都有着共同的神话传说。

让你生命中的凤凰从种种灰烬中再生吧！那个“泰来”就是凤凰飞升……

头发中自有密意。一顶空行母头发编织的花冠，是世界各类传奇宝藏中的一个美丽浪漫故事，它不仅尊重父精母血双方承载的精神进化，而且意义要深远的多。如同黄河，长江，雅鲁藏布江一样，从源头流向大海。

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⑻ 改变空间的美国装置艺术家——Robert Irwin

Robert Irwin（生于1928年9月12日）是一位美国装置艺术家，他经常通过特定场地的建筑干预来探索感知和艺术条件，改变空间的物理，感官和时间体验。

Robert Irwin in the studio working on an early line painting, 1962 (© Marvin Silver, courtesy of Marvin Silver and Craig Krull Gallery) (click to enlarge)

他在20世纪50年代开始了他作为画家的职业生涯，但在20世纪60年代转向安装工作，成为先锋，他的工作有助于定义西海岸光与太空运动的美学和概念问题。他的早期作品经常使用光和纱布来改造画廊和博物馆空间，但自1975年以来，他还将景观项目纳入了他的实践。Irwin在盖特中心（1992-98），Dia：Beacon（1999-2003）以及德克萨斯州Marfa的Chinati基金会（2001-16）等机构构思了超过五十五个特定场地项目。洛杉矶当代艺术博物馆于1993年首次回顾了他的作品; 2008年，圣地亚哥当代艺术博物馆展出了另一个，他的职业生涯长达五十年。Irwin于1976年获得古根海姆奖学金，1984年3月获得麦克阿瑟奖学金，并于2007年当选为美国艺术与文学学院的成员。他在加利福尼亚州圣地亚哥生活和工作。

Robert Irwin, “Untitled” (1969), acrylic paint on shaped acrylic, 53 1/4 in. diam., installation view, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC (artwork © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver)

起点

Robert Irwin于1928年出生于加利福尼亚州长滩，Robert Irwin和Goldie Anderberg Irwin。从1946年到1947年在美国陆军服役后，他参加了几个艺术机构：1948年至1950年在洛杉矶的奥的斯艺术学院，1951年在杰普森艺术学院，以及1952年至1954年在洛杉矶的Chouinard艺术学院。他花了未来两年生活在欧洲和北非。1957年至1958年间，他在Chouinard艺术学院任教。

Installation view of “Band in Boston” (1962), “Bed of Roses” (partial) (1962), and “Untitled” (partial) (1962), in ‘Robert Irwin: All the Rules Will Change’ at the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (artworks © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver)

工作

1977年，罗伯特·欧文（Robert Irwin）写下了关于他自己的一些信息：“我开始作为一名画家在一个不知名的地方，几乎没有问题......我的第一个真正的问题涉及我画作的任意性......我用我的画作作为一步一步的过程，每一系列新作品都直接回应了前一系列提出的问题。我首先质疑商标作为意义然后作为焦点;然后我将框架作为遏制质疑，边缘作为我看到的开始和结束...考虑到没有任何东西真正超越其直接环境的可能性......我试图直接回应我所处的每种情况的质量，而不是将其批量转变为新的或理想的环境，而是直接参与其如何的性质当它充满真实和触觉事件时，一个空间怎么可能被认为是空的呢？”（Robert Irwin，1977）Robert Irwin的艺术概念源于一系列经验感知。作为一个抽象的，思想开明的思想家，他首先将经验作为感知或感觉呈现。他的结论是，一种认识感或识别能力有助于澄清感知。例如，“我们知道天空的蓝色，甚至在我们知道它是“蓝色”之前，更不用说“天空”了。

Installation view of “Untitled (Acrylic Column)” (1969–2011) and “Untitled (Acrylic Column)” (1969–2011), in ‘Robert Irwin: All the Rules Will Change’ (artwork © 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver) (click to enlarge)

他后来解释说，抽象思想的概念是通过自我的概念在思想中发生的。然后，识别物理形式，将形式传达给社区。然后，客观化合物发生，描绘行为规范和艺术规范，变得可识别。然后边界和公理引入逻辑和推理，并且可以做出决定：归纳法或演绎法。形式主义随之而来，证明并说服了关于被感知对象的决定。Irwin所做的研究表明：“所有的想法和价值都源于经验，它们可以在任何时候分开，并在功能和使用的基础上直接发展，这两者实际上都与条件保持相关，我们的主观和客观存在。”Robert Irwin的哲学将他的艺术观念定义为一系列美学探究，文化创新的机会，与社会的交流互动，以及复杂的历史发展。

劳伦斯·韦斯勒勒 （ Lawrence Weschler）在他的着作“ 看见忘记了一件事的名字”中记录了欧文作为南加州年轻人的早期过程，以及他作为后抽象艺术世界的领导者的出现。Weschler在他的书的封面说明中描述了这些作品的迷人和常常令人着迷的品质：

Larry Bell's "6 x 6 An Improvisation", 2014

1980年5月，罗伯特·欧文回到加利福尼亚威尼斯的市场街，到那里他一直保留着一个工作室，直到1970年，他完全放弃了工作室的工作。Melinda Wyatt在他以前的工作空间隔壁的大楼里开了一家画廊，并邀请Irwin创建一个装置。

Robert Irwin’s Excursus: Homage to the Square³ at Dia: Beacon, Dia Art Foundation, June 1, 2015 – May 2017

他清理了大的长方形房间，调整了天窗，将墙壁漆成了白色，然后将面向街道的墙面敲了一下，用一块透明的半透明白色平纹棉布代替。房间似乎改变了它的方面与过去的一天：人们来了，坐在对面的路边，看着，有时几个小时。

由于他作品的短暂性或微妙性，本书不仅仅是一本介绍，而且对于许多艺术家和艺术学生来说，罗伯特·欧文的作品经历的主要方式。2007年，他告诉“纽约时报”的 Jori Finkel，人们仍然会在他的讲座上找他签名。在那篇文章中，曾任命欧文“设计我们的Dia：Beacon体验”的LACMA主任迈克尔·戈万表示，他相信这本书“已经说服了更多的年轻人成为艺术家而不是天鹅绒地下乐队创造了摇滚乐手”。

Similar to what Gabriel Dawe’s work, but no way related, here’s another series of colored string suspended to look like movement and reflection. Absolutely stunning and labor intensive, I would imagine.

绘画

欧文的早期作品始于绘画。1959年，他画了一系列手持物品，并作为个人参展商第二次在洛杉矶的Ferus画廊展出。次年，1960年，他被要求再次在帕萨迪纳艺术博物馆展出。到那时他开始了一系列连续的实验。1962年，他开始在加州大学洛杉矶分校教学，并再次在Ferus画廊展出。那一年，他开始了他的线条画。他于1964年在Ferus画廊展出并展示了他的点画作。

Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.

在1966年至1967年间，他开始画铝盘。他被邀请作为纽约佩斯画廊的个人参展商。1968年，他开始在加州大学欧文分校任教。在接下来的两年里，他开始了他的工作，采用透明的亚克力圆盘，白色凸起结构固定在墙上，并用灯照亮。1970年，他开始研究“柱子”，这是一系列透明的丙烯酸柱。1972年，他开始研究西南地区的“视线”和“地方”。

Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.

光作品

欧文在20世纪70年代首次使用荧光灯。他的场地条件装置Excursus：对Square3的敬意，对画家Josef Albers的冥想以及他对色彩关系的探索，于1998年至2000年间在Dia：Chelsea展出。它由18个小房间组成，被绷紧的纱布墙壁分开; 每个房间的灯光，其值取决于与窗户的距离，通过四个白色和彩色双荧光灯泡增强，每个灯泡垂直悬挂在每个墙壁的中心。 2015年，它在Dia：Beacon重新安装，并将在2017年继续展出。 2015年在纽约佩斯画廊举办的展览中，他安装了多排柱状灯，用彩色凝胶涂抹不同的灯管，改变光的传播。

Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.

安装

自1968年以来，Irwin通过在房间，花园，公园，博物馆和各种城市场所创建装置，专注于场地本身。尤其受约翰·麦克劳林，欧文和其他光与空间艺术家的绘画影响，对于推动艺术和感知的界限变得充满好奇，在20世纪70年代，罗伯特·欧文离开工作室去追求直接涉及光的装置艺术和空间：视觉感知的基础，在室外和改良的室内场所。这些装置允许对艺术家和观众进行开放式探索，通过操纵环境的环境而不是保留个别艺术作品的范围来创造改变的体验。参与光与空间运动的其他艺术家包括John McCracken，James Turrell，Peter Alexander，Larry Bell，Craig Kauffman，Doug Wheeler，Maria Nordman等。

Light and Space, 2007

115 fluorescent lights

271 1/4 × 620 in

689 × 1574.8 cm

1970年，现代艺术博物馆邀请欧文创作装置。使用整个项目空间，Irwin悬挂了一块距离地面10英尺的白色平纹棉布，并在墙上贴上闪闪发光的不锈钢丝。1971年，沃克艺术中心委托艺术家为爱德华拉腊比巴恩斯设计的建筑的首次展览创作无题（倾斜/光/卷）。对于1974年在纽约佩斯画廊安装的软墙，欧文只需清洁并涂上一个长方形的画廊，并在其中一个长墙前面悬挂一个薄薄的，半透明的白色剧院十八分之一的网格，创造出一种效果。空荡荡的房间，一面墙似乎永远失焦。在艾伦纪念艺术博物馆入口走廊的永久性墙壁装置，无题 （1980）的尺寸恰好重复了对面的深层窗户。在20世纪80年代早期，欧文被邀请作为合作艺术家参与设计迈阿密国际机场的复兴和改善。1997年，他在圣地亚哥当代艺术博物馆的拉霍亚分馆改造了一个俯瞰太平洋的房间。为庆祝其成立125周年，印第安纳波利斯艺术博物馆委托欧文创作“光与空间III”（2008），从而成为第一个永久性室内装置艺术家的美国博物馆。对于这件作品，欧文在自动扶梯周围的墙壁上布置了不规则网格图案的荧光灯泡，两侧各有一层稀松布框架; 随着博物馆参观者在楼层之间上下移动，他们穿过这件作品。Trifecta（Joe's Bar＆Grill）是位于印第安纳州Fort Wayne的 瑞士再保险公司总部的三层永久灯具，于2012年落成。

1º 2 º 3 º 4º, 1997

Apertures cut into existing windows

115 × 320 × 221 in

292.1 × 812.8 × 561.3 cm

2013年底，欧文的一个33英尺高的丙烯酸柱在圣地亚哥联邦法院大楼揭幕，艺术家在法院的户外广场上与他的长期朋友和合作者，建筑师Martin Poirer和景观设计师Andrew Spurlock合作。这座三层楼高的丙烯酸立柱建于几十年前，但由于一系列不可预见的情况而从未给出适当的住所，当太阳穿过大厅时会折射光线和铸造颜色。柱子的制作和与材料有关的技术问题都由杰克布罗根执行，他是光与空间运动技术演变的核心人物。Brogan发明了将柱子抛光到所需透明度的挑战和技术，并且仍然是该领域的高水位标记。

Prism, 1971

Acrylic

143 7/10 × 5 9/10 × 5 9/10 in

365 × 15 × 15 cm

对于洛杉矶郡艺术博物馆（LACMA），欧文创建了一个原始棕榈树的户外装置（Primal Palm Garden ，2008-2010）以及一个室内36英尺长的荧光灯雕塑，Miracle Mile （2013），它每天24小时在它们后面发光。

Untitled, 1969

Acrylic lacquer on cast acrylic

53 × 24 1/2 in

134.6 × 62.2 cm

自从21世纪初开始工作并重新设计他的想法为Chinati基金会创建一个巨大的装置后，Irwin在Marfa的装置-一个约10,000平方英尺的U形建筑-将于2015年初开始，并在公众面前完成并向公众开放。该装置位于原军营军营医院的建筑物内，将成为自2004年以来第一个加入Chinati基金会的主要装置，以及第一个由Irwin专门致力于他的工作。

Yellow Jacket, 2015

6 ft. single pin-14 tubes and 6 ft. double pin-1 tubes, fluorescent light, colored gels

72 × 95 1/5 × 3 1/2 in

182.9 × 241.9 × 8.9 cm

其他装置包括：碎裂光-部分平纹棉麻织物-纽约现代艺术博物馆的眼睛水平（1970-1971）; 纽约惠特尼博物馆的黑线室部门+扩展表格（1977年）; 华盛顿特区旧邮政局的48架影子飞机（1983年）;升入法国巴黎现代艺术博物馆（Musee d'Art Moderne de Ville）（1994年）;和双钻石在法国里昂的当代艺术博物馆（1997-1998）。

Sculpture/Configuration 2T 3L, 2018

Acrylic

119 × 36 × 32 in

302.3 × 91.4 × 81.3 cm

景观项目

Irwin在开发了一个体验空间的风格之后转向了景观项目，将他所学到的线条，颜色以及最重要的光线投射到建筑环境中。自1975年以来，Irwin已经构思了五十五个网站项目。9空间9树（1980-3）最初由西雅图艺术委员会于1980年委托为公共安全大楼的屋顶; 它于2007年重新设想，并位于华盛顿大学的校园内。Irwin的Filigreed Line（1979）为马萨诸塞州韦尔斯利学院制作，由一条不锈钢线组成，沿着湖边的草脊延伸，在其中切割出一些叶状的图案。他的1983年作品“ Two Running Violet V Forms” ，两个穿越蓝色紫罗兰色的塑料涂层铁丝网，用高杆固定，是圣地亚哥加州大学校园内Stuart系列公共艺术品的一部分。对于位于帕萨迪纳市政中心区的 Sentinel Plaza（1990），Irwin选择了小型沙漠植物和仙人掌。他后来咨询了Dia：Beacon的总体规划，特别是创造了室外空间的设计和景观，以及入口建筑和窗户设计。

#4 x 8FT. FOUR FOLD, 2012

Light+shadow+reflection+color

96 × 17 1/4 × 4 1/4 in

243.8 × 43.8 × 10.8 cm

后来他在洛杉矶盖蒂中心设计并开发了中央花园，建于1997年。在中央花园，欧文将体验关系与建筑环境融为一体的概念非常清晰。那些经验元素填补了空间。该项目因其设计和流程而受到广泛赞誉。134,000平方英尺（12,400平方米）的设计拥有天然的峡谷和绿树成荫的走道，引导游客体验景点，声音和气味。他选择了花园里的所有东西来突出光线，色彩和反射的相互作用。规划始于1992年，是盖蒂中心项目的重要组成部分。自该中心于1997年开业以来，中央花园随着植物的发展而不断发展。欧文的声明，“永远改变，永远不会两次相同”，刻在广场楼层，提醒游客这种生活艺术的不断变化的本质。令艺术家感到沮丧的是，20世纪50年代的FernandLéger雕塑被放置在花园的广场上。

Swiss Made, 2015

Fluorescent light, colored gels

72 × 95 3/10 × 3 1/2 in

183 × 242 × 9 cm

Irwin最近完成了2007年洛杉矶郡艺术博物馆安装原始棕榈园的第二阶段。棕榈园以“T”形排列，东西轴线介于两者之间。周围，广泛的当代艺术博物馆和Resnick亭。南北轴线以日期手掌网格终止，作为艺术家Chris Burden的Urban Light装置的对位。欧文长期以来一直对棕榈树如何捕捉和反映南加州的光线感兴趣; 设计棕榈园为Irwin提供了一个机会，可以同时掌握手掌的现象和文化观念。个别种类的棕榈树种植在Cor-Ten箱子中，现代和正式的普通木质育苗箱。雕塑容器参考传统上表示艺术品的基座。Irwin对棕榈树的使用考虑了棕榈树和洛杉矶图像之间无处不在的标志性连接。

⑼ 相约太空：八旬老画家的浪漫与现实

2013年，画家杜玉曦创作了一幅浪漫与现实相结合的画作《相约太空》，将神话中的仙女飞天与中国航天英雄在太空相逢的美好愿望，做了梦幻般的展现。

而这个画面8年后，2021年12月26日，神舟十三号载人飞船二次出仓，杜玉曦看着视频中太空发回的真实图景大吃一惊：太像了！

杜玉曦十分激动。

年逾八旬的杜玉曦不无感慨地介绍说：这幅作品缘于2008年“神州七号”载人飞船第三次飞向太空后宇航员出舱太空行走的场景。他说:“我当时就浮想联翩。想到中华民族的祖先们几千年前就有飞向蓝天、飞向太空、飞向月球的梦想，敦煌壁画中的飞天、传说中的嫦娥，都是这一梦想的美丽憧憬。”

画家的敏感让杜玉曦脑中迅速生出画面——宇航员、飞天，在太空中相约、相逢、相见。用画面把中华航天人将梦想变为现实的壮举表现出来，于是《相约太空》的构思成型了。

没有想象就没有艺术。杜玉曦习惯性地将思维向中国文化经典延伸，他发现，中国古典文化艺术传统中，现实主义与浪漫主义结合的例子不胜枚举。《敦煌壁画》《永乐宫壁画》，文学作品中脍炙人口的《西游记》等等，早已将天上人间融为一体。这个构思与考量结果，让杜玉曦兴奋不已。

杜玉曦在收集了大批的航天资料之后，又专程去甘肃敦煌航天基地，看敦煌壁画，体验大漠风土人情，感受航天城航天人的风采。之后，才进入画面的构图及创作。

经过两年之久的反复推敲、修改和艰苦创作，这幅“浪漫主义和现实主义相结合”的作品才告完成。凭借多年的创作经验，他能切实地感觉到，这次创作有种从现实主义绘画桎梏中突然跳出的快感，有种苦求多年而不得的创作状态突然升华的快感。某种意义上，对于杜玉曦来说，不啻为数年坚守民族化艺术创作观念的一次跨越。

2014年7月，画作在山西省第十六届美展展出，迅速得到业界专家与同行们的肯定——

中国美协副主席何家英说:“作品构思巧妙，绘制严谨，颜色响亮，这个题材选得好！把神话与现实融合在了一起！”

尼玛卓仁先生说:“作品题材重大，主题突出，手法新颖，画面新鲜。”

如今，这幅画的创作完成又过去几年。2021年10月16日神舟十三号载人飞船开启了中国迄今为止时间最长的载人飞行，让人不由地再次想到中国绘画中的飞天！从发回来的图像看，很多场景与杜玉曦的《相约在太空》画面异曲同工。无异于艺术的想象与科学梦想的一次伟大碰撞！因而杜玉曦的这幅画作重又进入人们视线。

对此，杜玉曦有种无已言说的激动与兴奋。一个艺术家的创作，能够与人类文明的 历史 进程偶合，还有什么能比这个更能让艺术家快慰的事情么？

（杜玉曦，国家一级美术师。历任中国美术家协会会员、中国工笔画学会理事，荣获国务院特殊贡献政府津贴。作品47件39次入选全国美展、全国工笔画大展等国家级美展，52件作品曾入选“世界华人书画展”“亚洲国际水墨大展”“日本友好都市绘画展”“中国八届美展优秀作品德国展”“中国现代工笔画美国旧金山展”等多个国际性画展。42件作品获奖，11件获国家级奖，其中《朱总司令和儿童》获第六届全国美展年画铜奖，《田园青青》获第八届全国美展优秀作品奖。多件作品被国内外机构

⑽ 火星，你好！我们探测器刚到，但我们人类的艺术已经遍布全宇宙

火星，你好！中国探测器“祝融号”于北京时间 5 月 15 日 早 8 时 20 分，确认成功登陆火星。标志着中国 探索 宇宙的一个新阶段。

未来即将到来，人类终将走向世界、走向宇宙、走向未来。

在未来的 探索 上，艺术早已走向宇宙。

“未来是光明的，充满了我们所有人的希望。人类的精神，以一种永不满足的渴望去认识，去 探索 ，去理解，将永远向上和向外延伸。”

——Robert T.McCall

Robert T.McCall (1919-2010)，着名太空概念艺术家。

他的作品在华盛顿的国家航空航天博物馆被参观了千万次。也被制成邮票，全国发行。

麦考尔创作了很多以太空为主题的美国邮票和徽章，从登月到无人探测器发射到火星和木星，不一而足。其中还包括约翰·杨和鲍勃·克里彭在哥伦比亚号上执行两天任务时佩戴的徽章。

也许他最着名的作品是六层楼高的“太空壁画：宇宙之景”，在华盛顿特区的国家航空航天博物馆迎接参观者。1976年，麦考尔用了8个月的时间描绘了宇宙的形成，宇航员们在月球上行走。

其他大型壁画则分散在美国宇航局在各地的一些中心。

他的作品还有阿姆斯特朗踏上月球的作品。

除了这些作品，更为中国观众熟知的是他参与的电影概念艺术，以及一些对未来太空的超具想象力的艺术作品。

如果你看过斯坦利·库布里克的经典电影《2001太空漫游》，你很可能会被罗伯特·麦考的海报所吸引。

他设想的车轮形状的空间站和穿着宇航服的宇航员在月球上的情景，已经装饰了世界各地的电影院和艺术博物馆。

20世纪福克斯公司委托罗伯特·麦考尔为1970年的大片《虎！虎！虎！》设计插图，这些插图被用在电影的海报宣传以及游说卡片上。

许多原画现在悬挂在史密森国家航空航天博物馆的二战航空画廊入口处。

回到今日主题——宇宙！

早在《星球大战》之前，电影《黑洞》（原名“太空探测器一号”）被认为是科幻电影中的里程碑般的存在。由于具有开创性的效果，《黑洞》是迪士尼公司1979年之前制作的最昂贵的影片。罗伯特·麦考尔帮助打造了这部电影的独特外观，至今仍激励着很多电影制作人。《黑洞》也是迪士尼第一次制作纯科幻电影。

必须拥有大量的知识储备。

1919 年，McCall 生于美国中部俄亥俄州。7 岁时被学校展览的飞机吸引，虽然父母很希望他成为一名物理学家，但是他的天赋在绘画上，常常画战斗、军事等题材。

大学就读于哥伦布艺术学院，和很多美国人一样，还没有毕业就已经开始工作，绘制户外广告牌和 汽车 海报。

二战期间，加入美国空军，不过在被送往海外前，战争结束了。

战后，McCall 在芝加哥一家广告公司工作，当时的目标是像诺曼·洛克威尔一样，做顶级的插画师。

50 年代中期，美国空军会邀请画师去世界各地的基地，拍摄空军的照片或者创作一些画作。

McCall 受到邀约，不仅游览了世界各地的艺术博物馆，还为空军创作了45幅作品。这些作品被悬挂在美国空军学院，供人欣赏。

所以，当NASA成立的时候，官方决定有必要也成立一个艺术部门，自然，McCall 就是第一批被邀请的画师。与他一起被邀请的，还有鼎鼎大名的诺曼·洛克威尔，以及波普艺术家罗伯特·劳森伯格。

在NASA，McCall 见证了所有航天项目的发展，不仅近距离观察，还和宇航员一起，从内部 探索 这些巨大机器的繁复结构。

60 年代开始，他为《生活》杂志画了一幅未来飞船的插图，并受到导演库布里克和 C·克拉克的邀请，绘制《2001太空漫游》的宣传海报。也是文章开头所讲述的，进入影视海报的创作中。

多年后，亚利桑那大学科学学院院长华金·鲁伊斯在接受麦考尔的作品捐赠时这样评说：“有时候，像麦考尔这样的人会帮助我们指明科学的发展方向，他作品的未来主义观点将激励新的 探索 。”

着名科幻小说家艾萨克·阿西莫夫更是形容他为“最接近居住在外太空的艺术家”。

人类终究会有一天寄宿于星际之间，这些艺术创作——想象——就像一个预言，预示着人类美好的未来。

正如麦考尔的：“我认为，当我们最终生活在太空时，就像人们不久将会做的那样，我们将认识到一种全新的自由和安逸。”

（配图来自网络）

——本期，创作大赏，谢谢观赏。

下次分享，中国创作者的宇宙主题作品，尽请期待。