六百年间的艺术家都倾诉了什么

Ⅰ 艺术派有哪些主要艺术家及他们的艺术特色

莫奈的童年
克劳德·莫奈(Claude Monet, 1840-1926)1840年生于巴黎，童年在阿弗尔渡过。他没有按照画家的常路走，而是以画漫画起家，在画漫画方面有了一些名声，并受到欧·布丹(Eugène Boudin, 1824-1898)的注意。布丹曾对莫奈说“当场画下的任何东西，总是有一种以后在画室里所不可能取得的力量、真实感和笔法的生动性。”莫奈在他今后的绘画生涯中也是按布丹说的话去做的，因为在他的内心里充满了对大自然的热爱。

不久，莫奈又被荷兰的画家约翰·巴托尔·德·琼康的创作所吸引。这位画家以动荡、兴奋、活泼而且比他同时代的法国人更为活跃的笔触画小桥、村景、河岸和破旧的茅草屋。莫奈就是从布丹和琼康那里接受到了基本艺术修养的。

1840年10月14日，莫奈生于法国巴黎。父亲库路多、阿多洛夫、莫奈是一位商人，在法国北部港口阿弗尔与他的姐夫合伙经营着一家仪器店。莫奈5岁时。来致函父亲的身边。在当地就学后，他将学校视同牢狱，在悬崖和海边嬉戏的时光多于听课，故此学习成绩不佳，在班上总是排在倒数几名的位置上，这个孩子唯一的爱好是绘画，他常常在笔记本上作素描，以老师和同学为对象画漫画，日积月累，倒也掌握了一些绘画技巧。不过，父母对此不赞成。小莫奈乐此不疲，加上与生俱来的秉赋，几年过后，他的漫画居然开始在文具里展出并且出售。15岁的时候，莫奈在当地已小有名气，他为自己作品开出的 格是每幅20法郎。经过画商的介绍，这位少年画家被专门描绘海上风光的画家布丹所看中，二人从此结识。布丹动员他“学习用油画和素描来画风景”，乍开始莫奈并没在意，甚至是找借口有礼貌地加以拒绝。由于布丹的一片诚心，终于感动了这位少年。自学成才的布丹，习惯于在露天作画，他主张“一定要去寻找自然的纯朴的美”、“要顽强地保留最初的印象”。对此，莫奈也深以为然，因为在他的内心里也充满了对大自然的热爱。从1858年起，莫奈开始从布丹那里接受了有同于学院派的绘画思想，学习并动笔画外光画。布丹所强调的：要特别注意对所描绘对象的第一印象、要注意光。更是在他的心中深深地扎下了根。就在二人一起到户外作画的过程中，莫奈创作了一些有关阿弗尔港、海港、日出、海上小船等题材的作品。其中的1幅还与布丹的4幅作品一起在鲁昂的展览会上展出。

写生巴黎

在布丹的建议下，莫奈于1859年5月到了巴黎。

在巴黎，他看到了特罗容、杜比尼、柯罗等人的作品之后，极为赞赏。经布丹介绍，莫奈与巴比松画派的画家有了接触，认识了该派代表人物之一的特罗容。特罗容提醒他“道德要进一个专门画人体的画室，要学习素描”，要“常常到乡村去画速写”。1860年，莫奈进了斯维赛学院，练习人体写生。这个所谓的“学院”，不过是一间画室，斯维赛是它的主人的名字，这里既不讲课，也没有考试，只要交上一点钱，就可以画人体模特儿。在这里，他接触到了后来成为印象派的一些画家，比如毕沙罗等。在这里，还创作了一些风景画。

这一年的秋天，经抽签决定莫奈需服兵役。此时，其父提出只要服从父母的意愿，安心在家做生意，就可以出钱雇人替他从军。莫奈对此毫不理会，毅然参军，入伍后被编入法国的非洲军团。不久，即随军到了阿尔及尔。在画家的眼里，非洲的景色与光线是美丽迷人的，经过部队的允许，他得到了可以作画的时间，在那里，他曾为队长的夫人画了肖像。

1862年初，因为贫血，莫奈从军营回到阿弗尔家里养病。这时他认识了荷兰画家琼康，并与琼康入布丹一起从事创作。布丹作画的纤细，琼康对动感的重视，以及二人注意捕捉第一印象的画风，都给这位初出茅庐的画家留下了深刻的印象。由于医生提出警告，如果莫奈回到非洲，将对他的身体极为不利，11月间，莫奈的父亲向当局提出了免除独生子兵役的申请，在交付了一定的费用之后，莫奈再次到了巴黎。并进入了古典派画家格莱尔的画室。在画人体的习作中，格莱尔要求大家按照古典的范画来修正自己的作品，要将人体描绘的尽量完美。莫奈则坚持准确、真实地反映模特儿的特点。他的主张得到了同室的巴齐依、雷诺阿、西斯莱的赞同。

这一年举办的沙龙落选画展中，莫奈看到了马奈的作品之后，受到了震动和启示。在1863年，借复活节的休假之机，莫奈将同窗的画友带到了巴黎南郊巴比松村附近的枫丹白露森林，在那里进行创作。在外光下，大家创作了一批具有巴比松风格的作品。

1864年，莫奈与这些画友离开了格莱尔的画室。来到了昂弗勒作画。在这里，莫奈的两幅描绘塞纳河的风景画《落潮的埃沃海角》与《昂弗勒港》，由于不同于学院派的造作手法，被选入1865年官方沙龙。这一年里，他在枫丹白露开始了大幅油画《草地上的午餐》的创作该作品于1866年问世。在总结了马奈同名作品在“沙龙落选画展”上引起的争议的基础上，莫奈是在画景之后才描绘的人物。画面上的人物朴实无华，具有自然的动感，显示了画家的现实主义功力。1866年，以恋人卡缪为模特儿，全身大幅肖像画《绿衣女》在同年的沙龙展出，该画受到了评论家左拉的好评；有一位诗人为作品乌 诗，被发表在《艺术家》杂志上；有的画商还要求莫奈根据原作再复制一件，准备送到美国去。由于这次的成功，家里恢复了对他经济方面的支持。

同年夏天，莫奈创作的《庭院里的女人们》，在1867年沙龙中落选。1866年的秋天，为了避开讨债的人，莫奈自毁了约二百幅作品后，回到阿弗尔。这时他的经济状况十分不妙，原因是父亲对于他和卡缪的关系很反感，从而断绝了经济上的支持，莫奈作品的销路又尚未打开。为了解决继续创作用的画布，他不得不将业已画好油画上的油彩刮掉，重复使用。1867年，怀孕的卡缪为莫奈的父亲所不容，留在了巴黎，莫奈住在姑母家。7月卡缪生下第一个孩子，只好请在巴黎的巴齐依作教父代为照顾。此后的几年中，莫奈始终在阿弗尔及其附近，与布丹、琼康，有时与库尔贝一起作画。在这个时期里，由于与父亲的关系紧张，经济拮据，生活艰难。为此，莫奈曾一度有过轻生的念头。1869年，他回到巴黎，参加了“盖尔波瓦咖啡馆”里艺术家的聚会。可能因为很早就离开了学校自感在受教育方面的不足，故而很少参与争论。这时他的穷困程度，从8月间写给巴齐依的信中可以看出，信中提到：由于雷诺阿送来的面包，才没有饿死。一个星期屋里没有炉火、没有照明。到了该月月底，颜料用光，不得不停止了作画。这时候的巴齐依也穷的典当了自己的表，雷诺阿连寄信的邮费都凑不齐。对于莫奈也是爱莫能助。

1870年6月，莫奈与卡缪正式结婚。9月，莫奈将妻、子托付给布丹照顾，只身一人去了伦敦。在那里与杜比尼、毕沙罗相会，然后，和毕沙罗一起在泰晤士河及公园中作画。在参观美术馆时，英国画家透纳（1775-1851）。康斯太勃（1776-1837）的作品，使其为之倾倒。为了给莫奈的作品找到销路，经杜比尼介绍，在这里认识了画商丢朗、吕厄。此人对于穷画家们表示了同情，在经济方面从此一直在支援着他们。

1871年初，父亲去世，莫奈离开英国。在杜比尼的动员下，到了荷兰并滞留到年底。在阿姆斯特丹，他看到了日本 的“浮世绘”版画之后，其中色调极富生气的风景画，给他留下了美好的印象。日后，他曾说到：它们的精致，使我欣喜。我赞成它们的美学原则，利用阴影引起实感，利用片断引起整体感。荷兰的港湾、运河、教堂、人家，特别是那里的风车，使他着迷。回到巴黎后，在马奈的帮助下，莫奈在巴黎以北的阿让特伊定居。对水情有独钟的这位画家，于1873年在塞纳河上建造了船上的画室，此后，他经常在船上作画。充分运用了不同方向，角度的光照、颤动的空气来描绘水及水面上的景物，通过鲜明的轮廓，阴影以及闪动的亮点，创伤了一批作品。此时，与他一起进行创作的还有西斯莱、马奈、雷诺阿。

1872年，莫奈创作了日后扬名于世的《日出、印象》。这幅油画描绘的是从远处观望阿弗乐港口晨雾中日出的景象。它在1874年3月25日开幕的印象派画家第1次联合展览会上展出。这幅作品本不是莫奈画作中最典型的，但是，由于一位名叫勒鲁阿的评论家，在4月25日的《喧噪》杂志上，发表了题为《印象主义的展览会》的文章之后，此画才名声鹊起。该文对参展的许多作品逐地进行了潮讽，针对莫奈的《日出、印象》，他写道“糊墙花纸也比这海景更完整”。与这幅作品标题不无关系地，该文作者将这次展览会戏谑地称之为“印象主义的展览会”。加之莫奈本人曾经表述过“我所画的不过是印象而已”这样的观点，以及以他为首的这批年轻画家，确实注意捕捉对描绘对象的最初印象等因素，尽管这些画家中有要并不同意这个提法，但印象主义、印象派这个称号已经是不胫而走。以致在1877年第3次联展时，干脆将其用作展览会的标题。1874年的这次联展，是由莫奈倡议并和朋友们一起组织的独立画展出 ，以摄影家纳达尔腾出的几间工作室为展厅，参展画家共有30多人，其中包括德加、毕沙罗、塞尚、雷诺阿、西斯莱、摩里索等。参展作品共165件，其中莫奈作品12件，通过这次展览，事实上确立了莫奈在印象派画家中的领袖地位，画家本人也已形成了用光、色的变化，来表现所捕捉的瞬里印象的画风。作为这一新画风的典型作品，当数这次参展的莫奈的油画《卡普辛大街》。

1875年，经济上再次跌入窘境的莫奈，又向朋友们伸出了求援的手。6月份，在给马奈的信中他写道：从前天起，已身无分文，肉铺和面包房都不再赊帐。你能够寄给我20法郎吗？1876年，在第2次联合展览会上，展出莫奈作品18件。对于此次展览，社会上反映比较冷淡。莫标的油画《穿和服的女子》，以2千法郎的高价售出。同年，画家还创作了《火鸡》等作品。并开始了有关圣拉扎尔火车站的一系列创作。1877年，第3次联合展览会在丢朗、吕厄的画店中举办。展出作品共252件，莫奈作品30件。为了维持生计，画家以每幅40—50法郎的低价，卖给了画商肖凯一部分作品。

1878年3月，当卡缪生下第2个孩子的时候，莫奈又面临困境，他在写给左拉的信中说：家中无法生火，妻子又在病中，昨天我跑了一天也未借到钱。在另一封信中又说：如果明晚我付不出6百法郎，我们将被赶到街上。在生活的重压下，加上长期与官方沙龙对立的结果，背离了当时被多数人维护的路线，这时的莫奈已在考虑如何适时抓住机遇，改善个人处境。于是，在1880年将自己的两件作品送交了沙龙，莫奈此举被德加视为“变节”印象派画家之间出现了裂痕。为此，莫奈没有参加第5、6次联展。

进入80年代，大海成了莫奈新的创作源泉。此后的几年当中，在英法海岸，埃托塔等地，莫奈多次捕捉光与影的瞬间效果，创作了一批较之以前更富有冲击力的作品，为此有人将这一时期称作莫奈的“埃托塔时代”，图31、32是这个时期作品中的两件。

1882年3月1日，第7次联合展览会开幕，据马奈说：在这里，他“发现了印象主义的全部光辉作品”。这次展览中有莫奈作品35件。1886年的第8次联合展览，也是最后的一次，莫奈没有参加。它标志着印象主义运动的解体。

自从1883年起，莫奈开始在吉维尼定居后，再也没有迁居。吉维尼位于巴黎沿塞纳河到鲁昂的中间。住所内环境幽美，景色宜人，有林荫路、花坛、池塘、小桥┉画家晚年的许多作品都是在这里完成的。

1889年6月，为了纪念法国大革命一百周年，莫奈与罗丹两位大师举办了作品的联合展出，其中包括1864—1889年莫奈的作品66件，博得了好评。

进入90年代，莫奈创作了若干组作品，即“组画”。所谓的“组画”，就是画家在同一位置上，面对同一物象，在不同时间、不同的光照下，所作的多幅画作。这大概是莫奈晚年作品中的一个特色。比如1890—91年间，对同一干草垛，画家分别对在不同季节的早、午、傍晚的阳光下，物体所呈现出的不同色彩，任职多达15次的描绘，图44、45是其中的两幅。在1891—92年间，以同样的作法创作了“白杨组画”，图46、47是其中的两幅。1900—04年间，创作了“伦敦风光组画”，图51是其中的一幅。当1892—974年创作“鲁昂大教堂组画”时，莫奈租下了教堂对面的一间房子，从天明开始动笔，随着阳光的变化作画，一天下来，作品竟有20件，图48、49是其中的两幅。在进行这种创作时，他常常是很早起来，满载着成车的画布，根据日光的变化，每隔两个小时改画一幅。在80年代末、90年代初创作的组画还有《睡莲》。1900年11月，在丢朗、吕厄的画廊展出莫奈的《池中睡莲》组画26件，获得极大成功。1904年，又在该画廊展出了刚刚完成的有关泰晤士河风光的组画。

1908年9—12月，莫奈与夫人阿里斯一起前往威尼斯旅行。南国的风光、温和的气候、湿润的空气，映在水面上的白云、建筑物，这一切都激起了画家的创作欲望。在这里他创作的作品达30多件。图52、53是这些作品中上两件。

1911年5月，继1879年莫奈夫人卡缪去世后，他的第2位妻子阿里斯又先他而去。画家深陷于悲痛之中，视力也随之下降。1914年，47岁的长子在长期患病后不幸亡故，已是高龄 的莫奈更是形单影孤。在老朋友，曾任法国总理的克雷孟梭的劝说下，莫奈在自己的庭院中建成了长23米、宽20米、高15米的大画室，并着手创作大型装饰画《睡莲》毓系列。1922年3月，他决定将完成后的该大型装饰画捐献给自己的祖国，4月12日，他在“赠与书”上签了名。不久，由于白内障，画家几乎丧失了视力，9月，被医生禁止作画。转年后，经过手术，视力有所恢复。1925年，85岁的老画家独自一人，又在画定室、室外投入了大型壁画的创作之中。在人们期待的目光里，这件足以反映出画家对光与色认识的深度，描绘技巧娴熟的大型壁画《睡莲》，业已耗尽了他的全部心力。就在这件巨作完成的第2天、1926年12月6日，这位仅存的印象派大师永远地告别了人间，按照既定计划，《睡莲》被安置于卢浮宫旁、原法王亨利二世王后的土伊勒宫里宫中桔园的 园形大厅，作为永久性陈列品。1927年建成的该厅，被誉为“印象派的西斯廷礼拜堂”。（西斯廷礼拜堂内有波提切利等名家壁画，特别是米开朗琪罗的《最后的审判》，更是驰名世界）按照死者生前愿望，在他去世的第2天上午，举行过简单的告别仪式之后，即将遗体安葬于当地莫奈夫人的墓地。送葬的除去一些艺术家外，还有当地的群众，以及克雷孟梭，期间并未安排讲话，献花等。在静静中大家送走了这位艺术大师。

从印象主义的产生、发展看，始作俑者非马奈莫属，但真正完全实现印象主义理念和技法、并且一以贯之的当推莫奈。是他将毕生精力献给了对西方画界产生了重要影响的印象主义，是以他为首的一批艺术家的不懈努力，突破了此前学院派的保守思想，极大地冲击了19世纪后半叶占据西方画坛统治地位的官方艺术，从而为掀开西方现代绘画史新的一页，作出了重要贡献。为后人留下了宝贵的艺术财富。应该说莫奈是印象派画家中最先获得成功的人，尽管后来的野兽派、立体派、超现实主义等艺术流派，并未遵循印象派创立的一些原则，但创立这些流派的艺术家，都从印象派那里汲取过营养。

还要提及的是印象派的理念、技法，本是基于现实的观察而提出的，但是，由于热中于描写光与色，甚至将其神秘化，从而出现了不顾及现实物象的倾向。莫奈曾说过：作画里，要忘掉你眼前是哪一种物体，想到的只是一小方兰色、一小块长方形的粉红色、一丝黄色。因此，就出现了画家的创作中的注意力，不是集中于要表现的景物上，而是放到了景物周围的空间环境、光线、烟雾、气流所产生的效果上，或只是局限于表达在一定条件下，景物着光给画家留下的瞬间印象上。因此，就有可能导致只抓住了细微的变化，而失去了解对全局的把握；只反映了微妙的色彩层次，而忽略了景物形体的后果。

莫奈来到巴黎，在那里见识到了居斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet,1819-1877）、让-巴蒂斯特·卡米耶·柯罗（Jean Baptiste Camille Corot,1796-1875）以及爱德华·马奈（Edouard Manet1832-1883）的创作。他认真鉴赏了他们的绘画长处，并且以惊人的速度运用了他们的成就。但莫奈并不是他们的追随者，而是一个反叛者。莫奈并不想在学院完成他的学画过程，他只在1863年在格莱尔学院的画室里呆了一段时间。当他遇到了巴齐依（Bazille）、阿尔弗莱德·西斯莱(Alfred Sisley,1839-1899)和皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿(Pierre-Auguste Renoir,1841-1919)以后，他便劝说他们也放弃那些学字派课程。当格莱尔学院的画室停办后，他便把他的伙伴们带到枫丹白露林边的一个小村庄——舍依，在那里画户外写生。

当莫奈离开了格莱尔学院画室后，他并没有去充实他那相当贫乏的艺术修养，而是怀着火热的信念投入了自然生活的纯直觉观察；他根本不买各种理论学说的帐，而是发展出自己的一套绘画方法。

莫奈一生对造型漠不关心，他关心的是正确的层次关系。正是因为莫奈对造型格格不入，所以他能够轻而易举地表现出他所确实看见的事物，但也正因为此，他却表现不出事物的幻觉真实感。

莫奈不只满足于能够画他所看到的事物和按照他所看见的那种方式来做画；他想要创造一种独特的效果，达到一种在绘画上似乎是不可能达到的目的。他喜欢所有使人眼花缭乱的东西，他描绘的河水、天空、房屋和树木都洋溢着非同寻常的生命感。他的内心满怀着难以遏止的激动；从他的观念看他是一个现实主义者，然而从他本性看，他却是一个幻想家。

1864年，莫奈完成了“翁费勒的塞纳河口”，此画是1865年的官方沙龙上展出，并受到了热烈的欢迎，当评论家评论此画时说：“用调子所组成的和谐色彩……颇能吸引观众们的大胆感觉”。这表现出官方对人们很喜欢这幅画是完全可以理解的。油画表现了丰富的中间调子和那种暗淡、沉着的色阶。向深处展开的空间，通过河岸线而处理得十分成功按照传统，河岸线标志着中景和远景。在这幅画上，出于莫奈自己的东西，就是表现在前景水的笔触和云的笔触上的“颇能吸引观众的大胆感觉”；这些笔触加强了画面的传统效果。

在1866年，莫奈用了几天功夫完成并展出了他未来夫人的肖像“穿绿衣的女士——卡美伊”。这幅肖像引起了争论，但总的说来是成功的；有人甚至把它同马奈的肖像画相媲美。这幅肖像充分显示出了莫奈的个性：他对造型的淡漠态度，以及这个女人的动势和她的裙子上颤动的光都赋予整幅画特殊的说服力；由此而产生了一种动力感和生动性。

同年，莫奈展出了“圣日尔曼·俄塞罗瓦教堂”一画，这幅画对于他未来风格的发展具有更大的意义。油画是他从罗浮宫的一个阳台上画的，这幅画是要表现树叶上的反光。并排的笔触生动地表现了空气的振动，依靠这些笔触的结合而取得了绿黄色的光和绿黑色的影的生动效果。这里的用笔方法已经省印象主义①的了，但色彩还不够透明，甚至蓝色的阴影也还是浑浊的；它们画得就像是黑色。教堂和房子在颤动的树叶相比之下显得过于密集了。画中没有整体的形象，但树叶的画法却给我们透露出一点莫奈的色彩理想来

“穿绿衣的女士——卡美伊”是在画室里完成的人物画；“圣日尔曼·俄塞罗瓦教堂”是在外光下画成的风景画。“花园中的女人”一画把这两种观察方法结合起来了。这里的画面基本上是根据一幅照片安排的，这说明莫奈并不介意使构图服从了自然景物的偶然性。照片本来也该使莫奈想到空间的深远效果的，然而，莫奈对此也并未介意。使他感兴趣的仅仅是平面和色彩对比而已。正因为这幅画的人物没有立体感和起伏，色彩才能在这里大放其光彩和充分显示其多样性。妇女衣裙上的花饰，草坪上的鲜花，突出在大片浓绿之中的叶子，从树叶的空隙之间透露出来的天空，穿透阴影的光线，这一切造成了一幅色彩妍丽的镶嵌画的效果。但这幅油画缺乏色调效果：光线和阴影落在了人物所占据的同一个平面上，因此，光线不能渗透人体，不能成为形的实体。大片固有色起了过多的作用。所有这些合在一起，与其说是真实表现了所见的事物，不如说是一种公式，但这种公式正是一个空前大胆的纲领。这一纲领的公式化一旦消失，光线便将渗入中间调子，生命也将渗透每一个笔触，而整体的统一也就将要形成，那时，艺术就会变得花团锦簇，印象主义就要完全成熟了。

印象·日出和印象主义的诞生

1872年，莫奈创作了扬名于世的 “印象·日出”。这幅油画描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面无限的光辉，并非准确地描画使那些小船依稀可见。真实地描绘了法国海港城市日出时的光与色给予画家的视觉印象。由于它突破了传统画法的束缚，有位批评家就借用词画的标题，嘲讽以莫奈位代表的一批要求革新创造的青年画家位“印象主义”，这一画派以此得名。这幅画在1874年3月25日开幕的印象派画家第1次联合展览会上展出，这幅作品是莫奈画作中最具典型的一幅。

为历史铭记

莫奈在视觉观察方面无疑是一个富有创造性的天才。他善于从光与色的相互关系中发现前人从未发现的某种现象。他把全部注意力都集中在光与色上，从而找到了最适于表达光与色的明度差别变化的形式，他把这种光色明度差别变化从绘画的各种其它因素中抽象出来，把它提到了不可攀登的高度。莫奈的视觉观察是天才的、创造性的、非凡的，可是在这种观察的背后又是什么呢？他所看见的东西同他所感觉和他所想象的东西之间关系又是如何的呢？

莫奈在1874-78年间在阿尔让特依所画的一些画可以回答这些问题。如创作于1872年的“阿尔让特依的帆船”。在这幅图里中间调子代替了色彩对比，但不是借了色彩的混合，而是通过形成一种光的综合作用的色彩分解或组合。黑色已不再出现于画家的调色板，剩下的只是造成明与暗的光谱色彩，它们形成了形的实体。统一的色彩风格很自然地遍及整个画面：远景和近景，物体、水和天空，把这一切改造成为一种美妙动人的景象，而浑然一片、不分层次的空间透视，则把这远景和近景联成一个整体。紫色和黄色的调子同河水和天空的蔚蓝色交织在一起，这些颜色的调子差别把这些自然现象区分得清清楚楚，而且平静如镜的河面，仿佛就成了天穹的基础。几何学的透视已被忘却；它已让空气的不断运动代替了。每一种颜色单独看来十分柔和，它们的整体却又是强烈的；出现在我们面前的是天边焰火弥漫，白昼即将消逝的图景，一条大帆船静静地停在一片灰色的半阴影之中。这是一个幻想家的直观，在这烟雾缭绕、夕阳西下、一片忧郁的气氛之中，莫奈仿佛就是那光的生命，直接参与着它的逐渐熄灭。这是莫奈创作中的丰收时期，是他创作了色彩的传奇。

圣拉查尔火车站

绘于1877年的“圣拉查尔火车站”是一幅表现巴黎火车站的画，这是一个日常生活场面的实际“印象”。莫奈神往于光线穿过玻璃顶棚射向蒸气烟云的效果，神往于从混沌之中显现出来的机车和车厢的形状。莫奈相信光线和空气的神奇效果是最为重要的，他巧妙的平衡了画面的调子和色彩，这幅画出色的表现了力量、空间、对比和运动。

1883年莫奈过日维尔尼定居，他在那里建造了一座小花园，以便在那里画画；他在池溏里种了许多莲花，这使他发现了实现他纲领的主题：画一些坚硬的形体、水和空气，尽量使它们融合在一起。这便产生的组画“睡莲”，“仙女池，玫瑰色的和谐”就是这组画其中之一。这幅画反映了莫奈一种物我两融的愿望，但它没有一点悲怆的情调。

每一个研究莫奈创作活动发展的人都会发现，如果说最初的命运促成了莫奈的发展趋势，那么后来就是他自己创造了他的命运。之所以莫奈成为“印象主义”风格奠基人、被他的朋友公认为“班首”，是因为莫奈不可动摇的坚强意志。从所周知，印象主义意味着感觉和观察方式的变革，它不仅改变了绘画，而且改变了雕塑、音乐、文学，就是到了今天，它也没有失去影响力，仍然改变着我们。

代表作

《日出·印象》

《阿尔让特伊大桥》

《阿尔让特伊的帆船》

《卢昂大教堂》

《睡莲》

Ⅱ 那些为德云社站过台的老相声艺术家，老郭最后都是怎么对他们的

郭德纲对少马的鼓励也非常感激，于是在舞台上砸挂少马是小脑萎缩，还在书里面暗讽他借心脏病捞钱，表达了自己对老前辈的无限尊重。在这之后，估计都是这种纯商务站台的老先生，拿了钱就走人，简单明了朴实无华，以后在别的节目上改口也没有压力就是。

Ⅲ 1644年，伟大艺术家伦勃朗经历了什么

1644年，成为了伦勃朗生命中极为重要的一年。在生活的悄无声息中，他的世界也在无声无息中渐渐地走向了崩溃。在妻子去世3年后，伦勃朗破产了。从那个时候起，他的生活落入了更加悲惨的境地：不久之后，由于和自己的女佣同居并生下一个女儿，他遭到了阿姆斯特丹教会的公开斥责，在人们眼里，他成了一个老不正经的神经病；58岁时，已经成为他后妻的前女佣去世；63岁时，他的小儿子也扔下他撒手人寰。

Ⅳ 从准大师沦为臭公知，陈丹青究竟都做了什么事

其实我们都知道任何的学校都会有自己的规章制度，正所谓没有规矩，不成方圆，这也是无可厚非的。

但是在陈丹青看来当时学校就因为学生外语成绩一直把门槛把死，有很多很有天赋的学生都没有办法进入到学校学习，于是他就干脆不认同这种制度，而这次的辞职也把陈丹青推到了舆论的顶端。

回国后的陈丹青一改之前默默无闻创作的形象，开始对于很多自己不满意的事情直接进行言语攻击，而这种攻击必然会引起不少反击。

比如说他对于很多文学大家的评断，直接就说那些人的文笔比较差，将国家的绘画教育制度抨击得体无完肤，嘲笑他们只不过是在临摹，能画大卫肖像的人多了去了，大概这么放肆的话也只有他说得出来。

Ⅳ 一个年轻艺术家的肖像讲了些什么,感觉事件很凌乱，看不懂……

1904年1月，22岁的爱尔兰青年詹姆斯·乔伊斯应都柏林一个新杂志《达纳》之约，写了一篇叙事体散文题为《艺术家的画像》。但是这篇短文最终并未得以发表，编辑以内容难以理解为由，拒绝予以刊登。在这篇文章里，乔伊斯展现出强大的企图心，运用他的"心灵顿悟速写"，将往事像流水般一幕幕展现出来，流畅得足以随着思绪起伏跌宕。10年后的1914年，乔伊斯几经改写，彻底摒弃了原作品中的传统现实主义描述，最终定稿名为《一个青年艺术家的画像》。随后在众多朋友的不懈努力下，付梓出版，这部作品首印仅750册。
100年后，《一个青年艺术家的画像》在兰登书屋"现代文库"评选的20世界百部最佳英文小说中，名列第三。这足以证明这位意识流小说的开山大师在20世纪小说写作领域中占有的至尊地位，也悄悄暗示文学新千年的开启。
《一个青年艺术家的画像》作为乔伊斯的早年之作，没有捉弄人的文字游戏，没有故作高深的哲学探讨，没有太多花哨的技巧，也没有让人哭笑不得的讥嘲，语言纯净而饱含诗意和激情。他忠实记录了一个青年艺术家的成长历程，描写了一个爱尔兰天主教家庭孩子的残酷青春物语。这部书既是一部自传体小说，我们可以窥到乔伊斯的影子，它又是一部虚构的作品。书中的人物、场景大多可以在现实生活中找到原型，但又不是完全纯粹的自传，无论是人物、时间还是情节的处理都与现实生活存在着距离。
这本书，他写的就是他自己的内心，所以他改了又改，尽可能地在作品中复活以前的自己。乔伊斯写出了所有对生命敏感的青年人的心路历程，幼年的懵懂和恐惧，少年的狂躁和不安，青年的困惑和清醒。这是一个灵魂企图摆脱束缚的奋斗过程。那么，这究竟是一部什么样的书？防波堤旁的大宅，翱翔的飞鸟，犹太人贫民区，天使般的生活，酒吧，咖啡店，妓院，教堂，大学，瘦弱的学童，攻读文学艺术的大学生……种种不断累加，乔伊斯用这些素材构筑了语言的海市蜃楼，想象、记叙、描摹、议论，如梦似幻云烟一般，时而清晰逼真，犹如尽在咫尺，时而朦朦胧胧，宛如隔着一层薄纱。
就仿佛一场关于青春的梦魇。
这场梦的主人公，就是所有的读者，你。本书最伟大之处，在于那永不消弭的青春活力，毫无遮掩地展现出一个从幼年到青年的"自我"：这个自我在慢慢成长，一步步走向成熟。乔伊斯按照精神世界的规律或者说回忆的经纬来编织小说，赋予时间以具体的形式，描绘了生命的机理和每一处皱折。他借助时空概念的潜在意识，不时交叉地重现已逝去的岁月，从中抒发对故人、往事的无限怀念和难以派遣的惆怅。一切都在时光的流失中瓦解变质，乔伊斯用语辞把这个时刻固定下来，失去的青春就是这样找回的。次第更迭的人物，让我们挽紧时间的缰绳。
伍尔芙说，乔伊斯先生不顾一切专注于表现内心深处的火花掠过大脑时隐约间传递出无数信息。他仿佛炫技般地展现着自己出神入化的文学天赋，无论是变化多端的语言形式，第三人称的叙述与第一人称的视角交替，还是自由间接引语，内心独白，破折号代替引号等等特殊表达，都不言而喻作者的伟大。乔伊斯的一生，是流亡的一生，生活在别处是他命运的常态。从本书问世开始，他已经成为了一个要驾驭自己命运的青年艺术家，他已经做好了彻底背叛的准备。甚至他已经不屑于鹦鹉学舌，而开辟出了自己的一套语言系统，来书写命运。那么，这部作品就是乔伊斯对自己青春的一场薄奠。我们放佛可以看到一个年轻人，有点单薄，有点脆弱，又执着地往前走。而整个爱尔兰都在落雪。

Ⅵ 艺术是什么它 一定是艺术家全部的心血和情感的倾诉这篇阅读

艺术是一种特殊的生产形态,即精神生产形态
艺术作为一种生产形态,也有着生产的一般性质；艺术创作活动作为一种生产劳动活动,也有着一般生产劳动所具有的实践性、目的性、知觉性、工艺过程的可控性、材料媒介的可选择性、整个生产劳动过程的可表述性,等等；产品即艺术作品,也与一般物质产品相似,有使用价值和交换价值的商品的二重性.但艺术生产的本质是精神生产,是一种精神生产形态.
艺术反映社会生活和对生活的审美认识、审美情感、审美理想.
艺术作为“艺术生产”是一种自由的精神生产,审美创造,审美是它的本质特征.

Ⅶ 达芬奇都发明过什么

列奥纳多·达·芬奇(1452-1519)因创作了他一生中一些最伟大的艺术作品而闻名，但除了是一位才华横溢的艺术家，列奥纳多·达·芬奇还是一位科学家、工程师和发明家，他的九项发明改变了整个世界。
1.降落伞
虽然达芬奇不是第一个提出这个概念的人，但传统上认为是达芬奇发明的。
一个与达芬奇非常相似的装置草图出现在一个不知名作者的手稿中。它早于着名的《大西洋密码》中达芬奇绘制的金字塔形降落伞和木架。
此外，早在11世纪，就有证据表明中国已经在使用降落伞式的装备，但更为复杂。2000年，英国跳伞运动员阿德里安·尼古拉斯证明了它的工作原理是由达芬奇的草图建造的跳伞。
2.直升机概念的提出者
这是丹·芬奇的又一项发明，它更像是20世纪和21世纪的技术，而不是文艺复兴时期的技术。事实上，他的空中螺丝看起来与现代直升机相似。
根据记录，它会飞。但根据大多数专家的说法，这是不可能有效操作的，因为肌肉力量不足以保持机器在空中飞行。
尽管如此，达芬奇通常被认为是直升机概念或至少是垂直飞行概念的创始人。
3.飞翼——许多原理被证明是现代航空发展的基础。
达芬奇提出了一些飞行器的计划，包括鸟类飞机。灵感来自达芬奇家的鸟巢。它通过拍动翅膀来提升和操作，这反过来又由肌肉能量提供“动力”。
由于人类生理的限制，人造鸟巢的驾驶员可以飞行，但只能短时间短距离飞行(几百码)。
达芬奇的笔记和草图显示了对空气动力学和飞行概念的深刻理解，其中许多被证明是现代航空发展的基础。
4.机器人——无需人工干预就能移动的机器人
达芬奇造的不是现代意义上的机器人。他建造了一台自动机器，可以在没有人类帮助/干预的情况下移动。
上世纪90年代中期，着名科学家根据达芬奇的描述，设计了所谓的达芬奇机器人或机械骑士，一种能坐、能站、能移动手臂的人形自动机。
几年后，他还造出了一只可以独立移动的机械狮子。
5.机关枪-拥有33支枪管
达芬奇发明的机枪有33个枪管，不像现代的机枪。为了从连接成三排的单个枪发射子弹，每支枪包含11支枪。
然而，达芬奇的这项发明从未在战争中制造或使用过，但引人注目的是现代机枪概念的引入。后者在19世纪才开始进入战场，最初是以快速武器的形式出现。

Ⅷ 老艺术家赵忠祥走了，蔡明也“走”了，究竟发生了什么

随着年龄增加，这位曾经与春晚一起被大家记忆在脑海里的主持人，已经走完了人生的旅程，永远地离开了喜爱他的观众们。当众人感慨怀念赵忠祥时，很多人却发现，在早年间，持续登上春晚的小品演员蔡明，仿佛也很难再见到了。

甚至在网上，有人感慨：老艺术家赵忠祥走了，蔡明也“走”了。人们说赵忠祥走了可以理解，毕竟这位老艺术家已经结束了自己的生命历程，永远地离开了我们。但为何人们会说蔡明也“走”了呢？这主要是蔡明也离开了春晚舞台，在以后的春晚上，我们看不到她了。

赵忠祥和蔡明这种陪伴观众多年的老艺术家，当他们离开春晚舞台时，不免会让人难过。甚至有很多人都感慨悲观地说：赵忠祥老师走了，蔡明老师也“走”了。

其实，发出这种感叹之声的人们，内心更多的是怀念，尤其是带给无数欢乐的春晚舞台。他们说蔡明老师走了，其实是想表达对蔡明老师离开春晚舞台的一份留恋之情。

时代在不停的发展，尽管这些老艺术家们离开了春晚，淡出了人们的视线。但他们身上展现出的那种对艺术毕生追求的精神，依然没有“走”。而这种精神，终将化为艺术的传承，永远流传下去。

Ⅸ 艺术家的故事六百字

艺术家的故事
（一）
京剧大师梅兰芳须发明志的故事

1941年12月，日本侵占香港的那天，留居在香港的梅兰芳（京剧演员，1894-1961）蓄起唇髭，没融几日，浓黑的小胡子就挂在脸上。他年幼的儿子梅绍武好奇的问：“爸爸，您怎么不刮胡子了？”
梅兰芳回答：“我留了小胡子，日本鬼子还能强迫我演戏吗？”
不久，他回到上海，住在梅花诗屋，闭门谢客，时常在书房里的台灯下作画，年复一年靠卖画和典当度日。上海的几家戏院老板，见他生活日渐窘迫，争先邀他出来演戏，都被婉言谢绝。
有一天，汪伪政府的大头目褚民谊突然闯到梅兰芳家，要他作为团长率领剧团赴南京、长春和东京轮回演出，以庆祝所谓“大东亚战争胜利”一周年。
梅兰芳用于指着自己的唇寇，沉着他说道：“我已经上了年纪，没有吊吊嗓子，早已退出舞台了。”
褚民谊阴险地笑道：“小胡子可以刮掉嘛，嗓子吊吊也会恢复的。哈，哈，哈……。”
笑声未落，只听梅兰芳一阵讥讽的话语：“我听说您一向喜欢玩票，大花脸唱得很不错。我看你作为团长率领剧团去慰问，不是比我更强得多吗？何必非我不可1褚民谊听到这里，那肥嘟嘟的脸蛋顿时敛住笑，红一阵白一阵，吱唔了两句，狼狈地离开了。

（二）
徐悲鸿（1895－1953），是兼采中西艺术之长的现代绘画大师，美术教育家。徐悲鸿出身农村，家境清贫。父亲徐达章是个村塾教师，擅长花鸟，人物画。徐悲鸿4岁开始在家塾中读书，耳濡目染，自幼对绘画发生兴趣。9岁随父学画，10岁已能作父亲的助手。农忙时，兼做耕作，贫苦的劳动生活，使他从小养成了勤劳，简朴的作风和诚实正直的性格。 他13岁时遇上大荒之年，随父走江湖，依靠鬻字卖画为生。17岁时，父亲染上重病，家境每况愈下。八口之家的生活重担，从此落到徐悲鸿的肩上。他在小学，中学任图画教师，也到上海等地靠卖画为生。19岁时父亲去世，家境愈加贫困。

1915年徐悲鸿再次赴沪，在友人帮助下，在“暇余总会”（当时的赌场）一隅借住，刻苦创作，同时到夜校学习法文。他画了一匹马，寄给审美书馆馆长高剑父。其弟高奇峰十分赞赏他的画艺。这时，徐悲鸿虽考取了震旦大学，但无钱进学，幸好得到高奇峰的资助。后又结识了康有为，得有机会观摩康所收藏的碑帖。并在艺术观 上也受到康有为的影响。1917年徐悲鸿赴日本东京研究美术，秋返北京，应蔡元培之邀任北京大学画法研究会导师，并结识陈师曾。1919年赴法留学。在着名画家达仰的画室学习素描，1921年去德国，就学于画家康普的画室，次年归巴黎。1925年经新加坡回国。第二年春，他再去巴黎，又赴比利时布鲁塞尔临画，游历瑞士，意大利。

1927年回国后，历任中央大学艺术系教授，上海南国艺术学院美术系主任，北平大学艺术学院院长等职。1933年携中国近代绘画作品赴法、德、比利时、意大利及苏联展览。抗战时期，将自己作品带到南洋，印度等东南亚地区展览，并将全部收入捐献给祖国难民。

解放前夕，国民党政府派飞机接徐悲鸿和一批着名教授去南京，遭到徐悲鸿拒绝。解放后他被邀请为中国出席世界和平大会的代表，并任中央美术学院院长，并当选为全国文联常务委员，全国政协代表和中华全国美术工作者协会主席。1952 年在病中，将自己一生创作和全部珍藏作品捐献国家。1953年病逝，只活了59岁。 国家为这位伟大的艺术家在北京建立了徐悲鸿纪念馆，保存了他的一千余件作品。他一生创作作品达数千件，培养和发现了一大批优秀的美术人才。

徐悲鸿擅长中国画，油画，尤精素描。他的画作满含激情，技巧极高。着名油画有《溪我后》，《田横五百士》，国画有《九方皋》，《愚公移山》，《会师东京》等。最能反映徐悲鸿个性，表达他思想感情的莫过于他写马的画卷。他对马的肌肉，骨骼以及神情动态，作过长期的观察研究，画了数以千计的速写。所以他画 的马图笔墨酣畅，奔放处不狂狷，精微处不琐屑，筋强骨壮，气势磅礴，形神俱足。另有一些人物，狮，猫等题材作品，也是质优量大。他的绘画创作坚持“师法造化，寻求真理”的原则。

（三）达·芬奇

当时，皮埃罗受一位农民的委托，要画一幅盾面画。他听说儿子会画画，想试试儿子的画艺，便将这任务交给了小芬奇。小芬奇凭借自己丰富的想象力，用了一个月的时间，画成了一个骇人的妖怪。这妖怪长着火球般的眼睛，张着血盆大口，鼻孔中喷出火焰和毒气，样子十分的恐怖。作品完成后，小芬奇请父亲来到他的房间。他把窗遮去一半，将画架竖在光线恰好落在妖怪身上的地方。皮埃罗刚走进房间时，一眼就看到了这个面目狰狞的怪物，吓得大叫起来。小芬奇则笑着对父亲说：“请您拿去吧，这就是它该产生的效果。”皮埃罗从此确信儿子有绘画天赋，便将小芬奇送往佛罗伦萨，师从着名的艺术家委罗基奥，开始系统地学习造型艺术。此时的达·芬奇只有14岁。

Ⅹ 古今中外着名画家的故事

王冕的故事古时候有个大画家，名叫王冕。他最擅长画荷花，许多人不辞辛苦从很远的地方来求他的荷花画。王冕小时候，家里很贫困，白天替人放牛，晚上自己学习。有一天，王冕在湖边放牛时，忽然下起雨来，雨过天晴后，湖里的荷花和荷叶被雨水冲洗得非常干净，在太阳光下，荷叶上滚动的水滴一闪一闪，漂亮极了。王冕看了非常喜爱，便想：“如果把它画下来，我就能天天见到这幅美景了，该多好啊！”于是，他赶紧用身上的一点零用钱买了纸和笔，开始画荷花。起初当然画得不怎么好，有人见了还讥讽他说：“不要浪费纸和笔了，你画得太糟糕！”可是王冕并不气馁，仍然不停地画，最后终于越画越好，就跟真的一样。王冕便把荷花画拿去卖，卖画的钱拿回家孝敬母亲。王冕因为荷花画得很好，许多人争着来买，他的家境便因此渐渐好转，不再替人放牛了。同时他的名气也渐渐地大了起来，终于成为一个全国有名的大画家。
张大千的家族原住广东番禺，在清康熙廿二年迁到四川，住在内江。父亲号悲生，和母亲曾太夫人育有十男一女，兄弟都是单名，大哥荥，二哥泽（善子），三哥信，四哥楫，五哥、六哥、七哥早故，他行八，名爰，九弟名端，十弟名玺。他生在1898年旧历四月一日。
1916年，张大千到重庆求精中学念书，放暑假时回内江途中，被土匪绑去当了一百天黑笔师爷。押到一个叫“千斤磅”的地方，土匪们一面休息，一面清查俘虏的底细。张大千这才弄明白，土匪把他们当肉票，要他们写信回家去勒索钱。轮到张大千写信时，一个姓邱的土匪一看到他的字，赞赏的叫：“这娃儿字写得漂亮，我看留他作黑笔师爷好了！”
虽然张大千不肯，但在生死关头，由不得他。第二天，土匪还要去打劫峰高铺，那个姓邱的土匪派了两个兄弟伙，一乘轿子，送张大千回龙井口窝子里去。一路上，在路边放哨的土匪，居然对着他的轿子行举手礼，他弄不清该不该神气？到了龙井口，土匪头送他一对象牙章，带红结子的瓜皮帽，把他打扮成师爷样。可是，在龙井口没有安顿两天，政府军要来攻了，土匪们赶紧转移阵地，把他移交给一个叫老康的另一个土匪头子。
有一回，张大千被迫跟着老康去抢劫，他站在一旁看热闹。有人警告他说：“你也要动手拿东西，否则要犯忌讳的，黑道上的朋友不能空手而回。”他看看四周，有不少书，就在书房里拿了一部《诗学涵英》。另一个土匪马上训他：“什么不好抢？怎么抢书？‘输’是犯忌的。”逼他换别的，他只得拿了墙上挂的四幅《百忍图》，和《诗学涵英》一起带走。
“抢”到匪窟的《诗学涵英》，真派上用场。张大千学作诗，就从那时候起。俘虏中，一个受虐待的老进士还教他平仄对仗，真是少见的奇人奇事。
后来，老康暗中与官方的人接头，接受招安，到松溉去接受改编。老康被改编作了连长，恢复本姓赵，而张大千就成了赵连长的司书了。过了一个多月，地方军队来打赵连长，把整个连都消灭了。张大千被捕后才知道，当时地方军队虽说招安土匪，但绝不是真的信任土匪，等到机会，安排妥当了就围剿。所幸，张大千被捕后不久，他的四哥就赶来营救他，结束了前后整整一百天的绑票。
历险归来，张大千原想到上海二哥处寻师学画，可是，父母不同意，他只得在1919年，到日本京都学染织。跟日本人赌气在日本四年，因为赌气，他雇用一位翻译，而不肯说一句日本话。张大千说，世界上有两国人最没有语言天才，一是日本人，二是印度人，他们说英语的发音真难听。他忍不住对一个日本人说，日本人的英文真蹩脚，而那个日本人却说：“你不知道？亡国奴的舌头是软的，要侍候人当然先得学好话。”“自己学不好，反而刻薄别人！”张大千发了火，“好！我就是不学日本话，我出钱，雇日本人来侍候我。”于是，他花了几百块钱，雇了一个在天津长大的日本人作翻译。
张大千结束在日本学染织的四年课程，回到上海，主要原因是，为祭吊他的未婚妻——大他三个月的表姐谢舜华。据说，谢舜华长得美丽清秀，贤慧温柔，和张大千是青梅竹马，两小无猜。张太夫人见他俩这么投契，就在他俩十岁时，定了亲。谢舜华一直很体贴张大千，订婚之后尤其关心。有一天，二哥张善子先生课弟，叫张大千背书，他因为贪玩，背不出来。
在对面屋里的谢舜华，担心张善子会揍张大千，把书上的字写在自己的左手掌上。给张大千提示。可是，没过一会儿，就被张善子发觉了，人证俱在，张大千和谢舜华一起挨了戒尺。张善子打她的理由是：“你还没有跟我弟弟结婚，就和他一起作弊，欺骗人，将来他还做得了好人吗？”谢舜华在二十岁时，因患干血痨而与世长辞。
出家当“野”和尚这段纯洁的爱情，曾重重的打击了张大千，一回到上海，立志要出家。他先到松江的禅定寺，主持人逸琳法师为他取法名“大千”。他完全根据佛经的规定，日中一食，树下一宿。当年，佛门中声望最高的是宁波观宗寺的谛闲老法师，张大千特地去拜见，和老法师论道多日。可是，临到要烧戒时，张大千迟疑了。张大千和老法师辩论：“佛教原没有烧戒这个规矩，由印度传入中国初期，也不流行烧戒。这个花样是梁武帝创造的。原来，梁武帝信奉佛教后，大赦天下死囚，赦了这些囚犯，又怕他们再犯罪恶，才想出烧戒疤这一套来，以戒代囚。我以为，我信佛，又不是囚犯，何必要烧戒？不烧戒也不违释迦的道理。”谛闲老法师说：“你既在中国，就应遵奉中国佛门的规矩。举例说，信徒如野马，烧戒如笼头，上了笼头的野马，才驯成良驹。”张大千问：“有不需笼头的良驹，难道您老人家就不要吗？”老法师笑而不语。辩论了一夜，不得要领。第二天要举行剃度大典，张大千心有不甘，便去投奔西湖灵隐寺。
在灵隐寺寄住两个月，张大千想到：和尚不能做，尤其是没钱的穷和尚更不能做。同时，不烧戒，永远被看成野和尚。他写信给上海的朋友，诉说苦闷。朋友回信，劝他住到上海附近的庙里，可以经常和朋友谈书论画，并表示已为他找好两处庙宇，约好某月某日在上海火车站北站接他，陪他去庙里。朋友“出卖”了他张大千依约到北站下车，正想找朋友，忽然被二哥抓住，大喝一声：“总算把你捉住了！看你还能往哪里跑！”原来，朋友“出卖”了他，用电报通知他的二哥张善子，从四川赶来，把他抓回尘世，算算作和尚的日子，正好一百天。
张善子一向管教张大千，给了他一顿骂，当即押他回四川，在母兄命令之下结了婚。那年，张大千二十二岁，娶妻曾庆蓉。完婚之后，张大千决心学画，回到上海，先拜入曾熙门下，学写书法。其后，再拜在李瑞清门下，再学书法。两位老师的风骨和教诲，对三十岁以前的张大千，有很大的影响。不过，张大千在二十五岁时，便扬名上海了。当时，上海的文人雅士集中，最着名的是由湖北人赵半皮老先生召集的“秋英会”。“秋英会”以赏菊吃蟹，当场挥毫，画画题诗为目的。张大千第一次参加，是小老弟。在雅集时，既绘画，又咏诗、题字，使得大家对他刮目相看。仿石涛愚弄收藏家同时，另一件让张大千闻名的，是他仿石涛，造假画，愚弄了当时的收藏家、鉴赏家。
那时候，北方最有名的画家兼收藏家陈半丁，对名画之鉴赏有一言九鼎之威，收藏之富，也傲视北方。有一次，陈半丁声称新收集一册石涛画页，视为绝妙精品，为此特宴邀艺林名家到家中欣赏。张大千听说了，虽然未被邀请，却想一睹石涛画册，便不请自到了。陈半丁拿出宝贝画册，洋洋得意的正想展示，张大千突然说：“是这个册子啊！不用看了，我知道。”陈半丁反问：“你知道什么啊？”张大千立即朗声回答，第一页画的是什么，第二页是什么，包括题款、用印，都一一道来。陈半丁一一核对，丝毫不误，又惊又气。有人以为，这本石涛画册曾到过张大千之手，不料，张大千竟说：“是我画的！”
所有的人哗然，陈半丁更尴尬，张大千自知得罪了在场的人，赶紧溜之大吉。后来，张大千曾以一幅仿石涛，换得黄宾虹的一幅真石涛，又以几幅四方的炕头画，骗得罗振玉大宴文友共赏，甚至连张学良也破钞不少。物我两忘游历名山大川大千先生的作品，除了绘画功夫深厚外，还有神似而非形似的特色，让人见了有“物我两忘”的感受。是什么秘诀呢？“也许是多旅游吧！”他以为，“用心体会自然，摄取自然的精神。”
艺术界人士传说大千先生在名山中，较偏爱黄山。他不很同意：“其实，我国的名山很多，各有其可观之处，说我偏爱黄山，不一定对，但黄山在我们这一代可以说是我去开发的。”大千先生特别加重“开发”二字的语气：“我在二十八岁、三十一岁、三十六岁这三年，三度游黄山。第一次去时，不但是荒草蔓径，根本无路可行，我带了十几个工人去，真是逢山开路，遇水搭桥，一段一段的走，方便了以后游黄山的人。”黄山的特色，全在一个“奇”字。大千先生身入其中后，仔细领略山川灵气，体会物情，观察物态，融会贯通，当胸中有了丘壑后，自然能画出传神的画。
1941年，大千先生跋涉八千里，到达敦煌。大千先生到达千佛洞那天，天还没亮，他迫不及待的提灯入洞探视。这一看，不得了！比他想象中不知伟大了多少倍，原订计划是到那里观摩三个月的，第一天大概的看了一些洞，他对太太和子侄说：“恐怕留下来半年都还不够。”千佛洞的来源，据考证，在秦苻坚建元二年，由乐 和尚开凿，自此由北魏到元代，每代都开凿大小不等的洞窟。
约在一千五、六百年前，敦煌是东西交通的要道。莫高窟内，层楼叠殿，吸引了无数僧侣、信士、艺术家、凿洞的工匠等。从北朝到元代的八百多年里，从事壁画、塑像，而使得千佛洞成为先人奉献心灵的圣地。大千先生观察千佛洞时发现，千佛洞在坐西面东的山崖上，早晨有阳光射入，再加上气候干燥，毫不潮湿，所以洞内的内藏能长达数百年而不损坏。不过，三百多个洞窟之间，路径却崩坏了，大千先生只好一面探洞观画，一面要修路开道。“老实说，我到敦煌之初，是抱着莫大雄心去的，可是巡视了千佛洞之后，眼见每洞由顶到底，都是鲜明的壁画，瞠目惊叹之余，真是自觉渺小。”在敦煌初期，大千先生最重要的工作是为三百多个洞编号。他编号的目的，固然为了便利工作的查考，一方面也是方便后人游览或考查的索引。大千先生编的洞号一共有309洞。
这一部分的工作，就花了五个月。大千先生为了补充食物、画具，暂时回兰州，待了两个月。浩浩荡荡二进敦煌再到敦煌之前，他先到青海塔几寺，雇用喇嘛。依规定喇嘛是不能离开青海的，大千先生托了关系才以五十银元一月的薪水，雇了昂吉、三知、格朗、晓梧、杜结林远等五人，他们的工作是拼缝画布：“我们缝连，总免不了有针孔线缝，尤其在画布绷张以后，针眼孔更粗，但喇嘛可以作到天衣无缝。”
同时跟他进敦煌的，物品共有七十八辆驴车之多。二度到敦煌，又开始吃苦。大千先生说：“很多人不了解，临摹敦煌壁画，有相当的困难。”以工具来说，纸绢没有数丈大的，全靠番僧拼缝。最大幅的壁画，有12.6丈之巨，拼缝完毕，钉在木框上，涂抹胶粉三次，再用大石磨七次，画布光滑才能下笔。
在临摹时，大千先生的原则是要完全一丝不苟的描，绝对不能参加自己的意思。每幅壁画，他都要题记色彩尺度，全部求真。在画的时候，还要雇木工造架，站着临摹，因为千佛洞的空间实在太小了。
千佛洞大多数的光线都不够，大千先生要一手拿蜡烛，一手拿画笔，还得因地制宜，有时站在梯上，有时蹲着，还有时躺卧在地上，虽然是冬天，勾画不久，都要出汗喘气，头昏目眩。这样辛勤的作画，多数日子是清晨就进洞工作，黄昏才出来，有时候还要开夜工。
大千先生解释：“壁画色多斑烂，尚须秉灯静观良久，才能依稀看出线条，我主要在观摩揣测上下功夫，往往数十次观研之后才能下笔。为了不浪费材料起见，临摹时先以玻璃依原作勾出初稿，然后把初稿粘在画布上，在极强的阳光照射下，先以木炭勾出影子，再用墨勾。稿定之后，再敷色。凡佛像、人物主要部分，都是我自己动手，其余楼台亭阁不很重要部分，则分别由门人子侄喇嘛分绘，每幅都注明合作者姓名。因此，每幅画的手续都繁复，极力求真，大幅要两个月才能完成，小幅的也要十几天。”就是这样画了276幅画，石青石绿等颜料用了千百斤。如此留在敦煌两年七个月中，大千先生确认：“以前常有人说，中国文化多受西方影响，我研究了敦煌壁画之后，认为此说不足信！
敦煌壁画所画的人物，可以考究隋唐之衣服制度，补唐宋五代史书之阙文，我认为历史考证之价值，重于艺术之欣赏。”“至于在艺术方面的价值，我们可以这样做，敦煌壁画是集东方中古美术的大成，敦煌壁画代表北魏到元代一千年来我们中国美术的发达史。换言之，也可说是佛教文明的最高峰。我们敦煌壁画早于欧洲文艺复兴约有一千年，而现代发现还相当完整，这也可以说是人类文化的奇迹。”
一九四四年元月，大千先生在四川成都举行“临摹敦煌壁画展”，很是轰动。大千先生的朋友，书家沈尹默曾题诗赞他：“三年面壁信堂堂，万里归来须带霜。薏苡明珠谁管得，且安笔砚写敦煌。”