现在怎么看美术艺术家

① 你怎样理解“艺术家”这一概念

富于幻想，浪漫，想象力丰富，创造力强的人，通过艺术品把自己的思想表达出来的人.
古希腊时期，尽管创造了许多杰出的艺术品，但当时人们并不是用今天我们看待艺术的眼光看待它们，而是将其当作一种高超的技巧的结果。中世纪时期，艺术有两种含义，一种以是文科艺术，包括：修辞、逻辑、格律和语法；一种是高级艺术，指算术、几何、音乐和天文四大学科。这其中一些，在当时被称为自由学科。然而，所谓自由学科并未包括绘画、雕刻、和建筑，很象中国古代周时的“六艺”学说。文艺复学时期，艺术是一种高超技巧的观念又得以重新恢复，但是艺术家当时仍是被视为工匠。虽然达?芬奇等具有广泛人文知识的全才式艺术家大量涌现，绘画、雕塑和建筑等造型艺术的地位得到了提高，但由于在他们的实际创造行为中，艺术研究与科学研究很难分开操作，并且又都是按着契约者的表现要求和完成期限来工作，因此仍未具备我们今天所理解的“艺术”或“美术”做为一门感性创造学科的特质。

② 在你心中艺术家是怎样的呢

艺术家给人的感觉都是比较深沉的，他们的谈吐、外表和别人不同。由于看待问题的角度不一样，哪怕看到的只是一片落叶、一朵白云，也有自己独特的见解，艺术家往往是和普通人的思维不同的。那么，在你心目中的艺术家是怎么样呢？让我们来具体了解一下吧！

总之，他们认为最重要的是自己的作品得到别人的肯定，普通人只为了温饱而生存，但他们是为了作品而生存，这就是艺术家和普通人的最大区别。

③ 我们应该如何看待西方现代主义美术

所谓西方现代派美术，是指西方国家从二十世纪初发展起来的现代美术中某些流派--野兽派，立体派，未来派，达达派，表现派，超现实主义，抽象主义，波普艺术的统称。“现代派”一词是和某种新的，非传统的，区别于过去的艺术思想联系在一起的；现代派美术既不同于以往的传统美术，也不包括现代的各种现实主义流派，它与现代的西方美术更不是同一概念，它在其中只占一席之地。

现代派美术发展史

如果说现代派美术引领了西方乃至世界美术，那么引领现代派美术的无疑是这三个人，法国后印象主义画家塞尚，高更和荷兰画家凡高。

现代派美术发展史1905年，以马蒂斯为首，弗拉曼克等人为骨干力量的野兽派在巴黎诞生。他们从塞尚的作品中得到启发，在艺术形式深受高更和凡高的影响，用强烈的色彩，奔放粗野的线条，扭曲夸张的形体，来表现对客观世界的主观感受。与此同时，德国表现主义应运而生，他们否定现实世界的客观性同样一味追求艺术家本人的主观感受，但是他们并不注重于纯形式的探索，而是把绘画语言视为反抗社会西安市，宣泄不满的手段。

两年之后，以毕加索，布拉克为首的立体派在巴黎出现。它先把一切物象加以破坏和肢解，把自然形体分解为各种几何切面，然后加以主观的组合，甚至发展到把同一物体的几个不同方面组合在同一画面上，借以表达四维空间。

自立体派之后，欧洲本土上各种新理论新观念纷纷涌入，于是，未来派在1909年以前卫的姿态与意大利出现。他们排斥过去作为绘画手段的情调和预期的趣味，称颂有独创性的形式，在主题上也否定老一套的东西，认为重要的应是描绘现代的都市生活，诸如钢铁，速度，剧烈的运动等等。

未来派之后，意大利有出现了形而上画派。在形而上绘画中，钟表的指针和塔上的小旗都呈凝滞状态，一切都是静止的，笼罩着神秘的沉默，其目的就是要把事物从日常的伦理中分离开。形而上绘画具有超现实主义的成分。

第一次世界大战给欧洲各国留下了极为惨痛的创伤。一批青年艺术家出于对社会的强烈不满，发表了《达达派宣言》。达达派由于对人类原有的一切感到厌恶，所以要否定一切，破坏一切。在艺术上，企图摆脱一切古代传统文化艺术，否定一切传统艺术的造型观念和造型规律，一怪诞荒谬的形象表现令人难以理解的事物。

1924年，有法国医生兼诗人，原达达派骨干分子布雷东出面组织成立了超现实主义派。他们依靠所谓自动记述法，利用图画象征，造型隐喻，改变环境等手法，表现荒谬，混乱的感觉和形象，构造了许多变形，幻想，魔术般的奇异世界。

1901年前后，经过多年侨居德国的俄国画家康定斯基，荷兰画家蒙德里安等人的数年摸索，抽象主义终于形成。艺术家摆脱造型艺术再现视觉感受的传统，把点，线，面视作自主的表现力愿素，使之变成有象征意义的符号，从而把艺术家的情感传达给观众。二战后，美国动作画派的创始人波洛克开始转向抽象表现主义。他不用笔画，而是在画布上乱撒颜料；画面上没有任何具体形象和生活内容，只有斑点状的东西扩散开去，从而超越了有框绘画的狭小范围，是画面具有一种无限空间的感觉。

进入六十年代，抽象表现主义更加趋于形式化，于是有的艺术家反其道而行只，从“极端抽象”转入“非常具体”——转向生活中实物。着就是始于英国尔后风靡美国的波普艺术（也称流行艺术）。
我所要用确立的，是想干什么就敢干什么的权利——高更

高更的这就话可以说是现代派作家最好的注解，现在看来现代派美术在总的倾向上可以说是观念至上，正因为如此，它很难理解，相当数量的作品画面模糊，变形，甚至荒诞离奇，令人不可思议，表现了部分流派的唯心主义艺术趣味和颓废思想。但这也正证实了艺术之所以为艺术的原因所在。假如太容易理解，在一个简单的水平上被理解之后，艺术的魅力也就消失了，只有在涵义未能穷尽的时刻，艺术才最具有生命力。事实是，无论何种有预见性的理论，都无法穷尽现代派美术费解的存在。最有意义的艺术应该是以观念为基础的，理所当然的还应该同时有心理上和情感上的内容。一般而言，时代精神在艺术上的表现主要地反映在内容上，而后才逐渐影响到一些形式。现代派美术中的内容与形式之间的关系更加微妙。

尽管现代派美术多以自我为中心，热衷于自我表现，但是它在探索人类想象力和创造的无限可能性方面所取得的成绩应该值得肯定，单就这种求知的热情和探索的勇气来看也值得肯定，因为任何发展方向上的努力都比踏步不前更为可贵。人类整个的艺术发展史业已证明，关于艺术的所有简单化的决定论都是立不住脚的，现代人虽然并没有享有完全的艺术创造的自由，但在某种程度上仍掌握着选择的自由。

正是这些现代派艺术家通过创作体现他们的叛逆性格，强调自身的价值，表现艺术家的主观心灵，也创造了不少值得我们借鉴的艺术表现方法和新材料。从此美术走入了一个更加个性也更加灿烂的年代。
西方现代派小说中的以丑为美、以恶为善的风格，故意颠覆传统、深刻探索人类命运的主题在他们的作品中也缺乏真正的表现。
他们为自己的艺术主张奋斗，忠于自我，蔑视传统，其实这就是他们对这个世界交出的答卷。在西方现代美术中，美与不美，真实与不真实将不再是重点。重要的是每种事物都有存在的理由。世界为什么必须只有一种美术？于是“现代派”们用自己的作品来加以反抗。创作形式令人眼花缭乱，现代美术形态呈现多元化。这是艺术家对个体精神的追寻与探索。他们通过各种形式颠覆传统，为的是更好地表达自己。个体在这里得到淋漓尽致地发挥。 虽然世界变得越来越小，但保留自我认同的努力仍然与日俱增。觉得有一句话用来描述西方现代美术的这场探索十分合适，“艺术，记录时代状态的最真实的形式，反映着人类对统一性的需求，也反映着对多样性的同样巨大的需求。”
因此 在现实生活中没有合理和不合理之分 只要心中拥有那种思想和信念.拥有对个体精神的追寻与探索的向往,就是合理的/
还是黑格尔的那句话 存在即合理

④ 如何看待艺术家形象

问得好，我先列举一些历史上有名的关于艺术家地位的观点：

费尔巴哈认为：艺术家不能做自然的主子，只能做自然的奴隶。

黑格尔认为：艺术家既是自然的奴隶，又是自然的主子。

达•芬奇认为：艺术家不能做自然的孙子，只能做自然的儿子。

郭沫若认为：艺术家既不能做自然的儿子，更不能做自然的孙子，而应该做自然的老子。

可见艺术家的形象本身就是具有复杂性的，哲学家之间的看法尚且“仁者见仁，智者见智”，因此“艺术家是怎样的人”是没有绝对答案的。我偏向于认为艺术家是能够通过自身的努力工作，创造或带来“美”的感受并影响广大民众的知识分子。

真正艺术大家的心态应该是：

艺术家的创作过程，体现了人与自然关系的密切性，同时，艺术家应该直接从自然中获得灵感，应该多走进自然，观察，感悟。如果不得不暂时远离自然，就必须懂得从别人的艺术创作中获得灵感，不断提高。艺术家还会通过作品表达对真理永恒的探求以及对自由的无限热爱，笔触间充满想象和真实的感染力。

至于艺术家的命运，那就比较复杂了，但是可以肯定的是：艺术家作为知识分子的一部分，不可能脱离历史环境的影响，不可能脱离经济基础不讲衣食住行。因此，在艺术成就与水平差不多的情况下，亲近民众、不显架子、关心国家前途与命运的艺术家会更受尊重。

当然，我觉得外国艺术家的命运总体比中国艺术家的命运要好些，因为中国的政治总喜欢把文学艺术等内容试图纳入它们的控制范畴加以利用，否则就予以抹杀；外国相对比较尊重“个性张扬”，艺术家受控程度要轻些。（这是我的良心话）

⑤ 如何看待艺术

如何看待艺术

1、时空·地域·人种·观念

艺术是什么，如何看待艺术，已经是文明进程中以及当今热爱艺术，探讨研究艺术共同关心的问题。人类历史进化至今已有200万年的历史，新石器时代的划分，标志着人类制造工具和应用工具的开端。其实，从那个时候开始，艺术就产生了，艺术的产生应该是与人的智力进化、生理和心理需求同步的。其实，已经无须探讨艺术是产生于劳动、游戏、巫术还是其他的缘起，人的生存直觉自然而然会诞生与自己生存息息相关的创造行为，世界的古文明，几乎是在相差不太多的几个千年段中延生。基因人种、生存地域、自然物产、隔绝程度决定了人类不同的进化与文化、习俗与艺术（习俗是艺术的人为土壤），现在的黑人、爱斯基摩人至今依然保存着他们原始性的艺术形式，而西方各国的艺术形式已经更迭翻新，与缘起相比，显然是面目全非，东方艺术从古至今仍然尊崇对自然意象的抽象解读。

在日光朗丽的地中海之滨，远古的希腊人把自己作为神一样的崇拜，他们的艺术体现他们人性的追求，在力量和完美理想境域之中，他们把神和人放在同一个刻度上进行塑造，由此诞生了荷马史诗、伊利亚特之战和诺亚方舟、阿波罗与阿芙洛狄忒、拉奥孔这些不朽的艺术经典。恶劣的自然环境，在山林湖泽与猛兽的搏斗之中，造就了狂放耕逐猎捕的东方民族，在弓矢急流石斧之中，形成了东方民族的形意和抽象意念，诞生了青铜隶篆，诞生了风雅颂，诞生了影响深远的春秋原典时代。

艺术的进化离不开文化、哲学和宗教方式，其形式所体现出的视觉、听觉、触觉，无不包含着社会科学和自然科学的综合内容，同时也与生产工具的改良和技术进步息息相关。人类共同的生存工具——陶器——泥土在火中的涅盘，技艺的结合中，承载着漫长的科学探索，中国的“四大发明”推进了艺术的进程，特别是造纸业的出现使水墨艺术找到了良好的载体。关于这一点，艺术早先的多维视觉方式走进了二维空间，这是艺术文化的一个重要转折点，是一个永远值得纪念的里程碑。佛罗伦萨的杨凡爱克兄弟的油性化工颜料发现开启了西方近600年西洋绘画先河，列澳纳多·达芬奇的人体解剖实验，米开朗琪罗的人体骨骼肌肉雕刻在科学认知中升华为强有力的视觉艺术，工业革命、现代信息光电技术的出现，产生了令人眼花缭乱的现代艺术、后现代艺术，科技进步使人们将对艺术的核心内容以及艺术形式产生观念性的蜕变。

当人类从蒙昧状态中摆脱出来，哲学观念、宗教方式就深刻地影响着人们生活方式，艺术从来也没有离开过这些观念和方式的影响，从来也没有离开人类的精神和物质生活的需求，人类的生存空间以及生活方式一方面决定着艺术形态，艺术形态的演进也推动着社会生活的方方面面，改变着人类生活，促进社会生产力和人类文明的更高程度。艺术，一定的程度上使人的行为意识得到改变，使人的精神生活得到平衡，似乎在人的所有感官和意识中，艺术与审美是联系在一起的。创造艺术和接受艺术基于人们永远是不同步的，所以人类文明之初是没有艺术概念的，随着社会分工就出现了被称之为艺术品和艺术家的界定，当社会高度发达之后，人们对所有的视觉物都会产生极高的要求，那所有的视觉物都是最美的，其实，那个时候艺术概念也就不存在了。

2、门类·延生·作用·方式

任何一种艺术形式的出现，都是社会经济文化发展过程的必然，蛮荒时代，只有追逐和获取兽类数量记录的快感，于是在原始艺术中，有了岩洞壁画，西班牙阿尔塔米拉洞窟中受伤的野牛群大概就是先民们庆祝这种胜利所留下的印记。非洲黑人强烈的音乐节奏和夸张变形的传统木雕所传达出来的是那种黑色人种特有的生存气候、生理特征和生活条件综合性的张力、躁动以及旱土、热风的赤道意味。中国东南沿海一带至今仍然所流传的南音，记录的是两晋时期晋人衣冠南渡和闽越人融为一体而又怀念故土那种丝丝哀怨、委婉而又切切之情。

无论是哪一种艺术门类和艺术形式或是具体的艺术样式，都是人的意志与理式的产物，傅雷先生在翻译《艺术哲学》一书中反复表述出艺术产生的根源，艺术永远离不开时代、民族、土壤等这三个基本关系。回望艺术长河，无论是拜占庭时期的壁画、罗马时期的雕刻、文艺复兴时期的艺术，还是17世纪法国的洛可可装饰、 19世纪的俄罗斯绘画，在艺术视觉描述上很难以找到不是对物象的描摹。但是18—19世纪的西方音乐传统中所再现的交响乐却已经离开了对大自然的模仿，而从抽象的符号替代情绪的表达和情感的抒怀。帕格尼尼的小提琴奏鸣曲所传达出来的感情不能不让人们走进生活与自然，又从琴弦中感悟到艺术与生活的升华。中国秦代的兵马俑既是秦汉时期对征战和守卫勇士的刻画，又是秦始皇称雄天下的永恒理想。也许那个时代的兵勇就是那样的单纯、执着与一往无前。汉代的艺术粗犷雄浑、大器而又洗练，霍去病墓前的石刻灵兽，实际上是对战将武功不绝的纪念和猛士浩气长存的延伸，现在看来，不妨认为是当时凝固的行为艺术，秦始皇所留下的万里长城不能不说就是当时最为现代的大地艺术雕塑。尽管不同的民族，不同的理念，不同的生存环境传达着不同的艺术方式，传统与现代在艺术信息的传达方面并不存在差距，可以说，人的感知因素与表现因素对于艺术而言是被放在第一位的。

艺术从发生学的角度进行巡视，我们不能忽略不同的民族和国度都离不开实用、愉悦、游戏、典式的作用。青铜时代的中国，钟鼎饕餮夔纹传递的是不可抗拒的神的权威，也是统治阶级震慑和稳固社稷的工具，没有任何一种怪兽的力量可以与想象和创造中的神兽相比拟。东汉末年以降，佛教的兴起和佛教艺术的发展带来了丰富多彩的艺术门类，先后出现的云冈、龙门石窟石佛塑像蔚为壮观，敦煌壁画瑰丽而超逸，工程浩大，寺庙经幢石塔星罗棋布，使中国的石窟与建筑，石窟的壁画、雕刻，在艺术形式和人的心灵教化上获得了有机的统一。最富有传统艺术特征的水墨画，仅用单一的颜色，却要表达有色的视觉感官，是世象的抽象，是镜象的灵动。中国的京剧经过几百年的演变，用一种套式和唱腔表达，固执地改变人们对原本世态的视听方式，让人们津津乐道，余韵缭绕，老少皆宜且透出对生活与艺术的激情与自信。令人神往的欧洲古堡坚固、神秘，基于当时是建筑材料、实用安全的需要，既是中世纪王公贵族的堡垒与家园，同时又是权力与地位的象征，我们现在还可以欣赏到的却是一种历史的回声与经典建筑之美。民俗布饰“布老虎”寄托当时中国山东农村习俗中希望下一辈儿孙都成为虎虎生气的人，其抽象的装饰样式、稚拙的造型、鲜明的色块和线条至今仍然传达着民间布艺装饰的审美信息。

3、技艺·经验·传承·更新

艺术长河的发展历经了一个相当漫长的过程，正因为隔绝，如今的艺术才多姿多彩，也正因为缺少交流，各种艺术门类的延生基因才可能出现平衡式、个性式的生态，在各自的萌芽和成熟传承当中透射各自的文化习俗、民族心理以及民俗伦理内涵。技艺是各种艺术门类成熟的标志，也是其各种社会属性的寄托和反映，技艺本身在某种程度上表达着艺术的综合尺度，在技艺家的身上凝结着某种个性化艺术属性的展示点，同时也是技艺者生理特异、心理意志、个人化训练的结合体，艺术的最高层次是极其个人化的诠释，在通俗人们的眼中称其为绝活。在过去的相当一段时间当中，艺术教育是非普遍化，许多艺术样式仅仅是师傅教徒弟或亲缘繁殖，甚至一脉单传。现在看来，艺术教育涵盖着教育的共性和审美的普及意义，对于某种经典式艺术样式的传承，可能会留下一定的遗憾。当我们重新审视积淀我们崭新文化的各种辉煌成就时，我们会对创造新的文化艺术样式产生由衷的迫切，于是不断重复的艺术样式会给新的艺术创造带来新的阻碍，不断的更新是艺术自身新陈代谢的本质，离开了这一点，艺术也就失去了应有的活力。

造型艺术样式的成熟需要的相当的积累过程，艺术的积累与固守在某种程度上是相当必要的，同时也不可回避地要面对和经历优胜劣汰和大浪淘沙，人的认识观和人的情感需求是艺术样式存在的风向标，但是并不等于今天生活在信息时代的人们可以忘却锻造青铜、烧制陶器、弯弓骑射的年代所诞生的艺术遗产。继承和尊重所有为人类的文明进步所创垫的艺术足迹，在一定的程度上，人的创造物都具有艺术化的概念，所不同的不过是被承认与不被承认而已，有没有被传播，有没有可以被认同的机遇和可能，这是一个正确认识和理解艺术是什么的重要前提。

面对着新的社会状态，视觉造型艺术的样式以日新月异的速度在翻新。新石器时代，先民一个石锛的进化要经过漫长的时期，也许是上万年的时间，那是因为人类改造世界和制造工具的能力受到极大的限制。知识经济与数字时代的当今，一个造型设计的创意，只要把思路和想法输入计算机，或者复制一个造型物件，再经过数码扫描分析，瞬间便可得以实现理想的造型效果。这种创造性的速度和时间差异，使我们和古人似乎就在今天和昨天，毛泽东有一句着名的诗句：一万年太久，只争朝夕。新的改造世界的精神理念与新的科技工艺方式的重大突破，过去的一些概念正在被肢解和重构，我们已经不可能用一个古人的石锛来应对今天的生活，这样说来，现代艺术中某些超越现实的理念以及行为方式就变得非常容易理解了。从全新客观的角度看待艺术是非常必要的，科学技术理性超越艺术情感的可能性正在产生，但是人对艺术的态度永远是需要人文的、愉快的视听觉概念。

4、精英·大众·艺术家·工匠

有一个问题是值得分清楚的，那就是艺术同时具备几个概念，无论在哪一种社会形态，特别是艺术在社会文化中占有相当份量的时候，艺术同时具备精英与大众不同的区分。大众化艺术在整个社会文化层面上占据了起码有95%以上的份量，而精英艺术所占的比重是非常少的，况且精英艺术中还有大众化的一些过渡成分，当然大众化艺术中也大众化的精英部分。无论如何，代表社会科学之一的文化艺术之中必然是精英艺术与大众艺术的合奏，大众艺术是具有普遍意义的，它所包含的是社会普遍的视听觉审美认同，其中社会伦理、主流政治、民俗文化、民族传统、装饰潮流、科技环境、语言文字、影视图像之中的审美表达方式均带有通俗化特征，而精英艺术所包含的是纯艺术审美的理论创新，纯个性化的艺术和边缘化的艺术，以及纯形式化的艺术，没有大众艺术也就不存在精英艺术，但是精英艺术是对大众艺术的提升，是不可或缺的。在20世纪的艺术舞台上，假如没有柴可夫斯基、毕加索、卓别林、凡高、柯勒费支、邓肯、梅兰芳等的精英艺术，过去的一百年将显得非常的寂寞。在社会文化舞台上，离开了大众化艺术的支撑，精英艺术就显得苍白无力，如果没有精英艺术的引导和批判，大众艺术会在通俗之中更加“悠然自得”。工匠是非常重要的艺术群体，他们的技艺和非创造性的艺术理解方式得以保存和维护艺术样式的个体生态，一个没有艺术匠人的社会，是无法延续艺术积淀的。现在艺术家的身份标签也具有多重性，基本界定在大众艺术的层面上，被社会认可的艺术家既有与社会认同相适应，又具有自己独特的艺术观。充斥在社会艺术层面上的绝大部分属于艺术工作者，他们是社会艺术的中坚力量，没有他们的努力，社会艺术会变得非常平淡。随着社会艺术普遍程度的提高，衣食住行中已经离不开经过设计的美，大到一座摩天大楼的外观设计，小到一个打火机、茶杯、纽扣。人们已经开始用挑剔的眼光在实用性的背后，寻求美感的附加值，这都需要艺术家和美术工作者的协调与努力工作。假如人们日常生活中的艺术感官都要非常费劲地去猜想艺术概念和艺术的深刻性，那么普遍民众的艺术需求将显得十分的负重，日常生活中喜闻乐见的艺术审美情趣还是人的第一审美需求，人的审美是不能回避功利性的。其实，深刻的审美潜藏在通俗之中，一件日用品具有实用价值后，如果离开审美价值，显然与人是有相当距离的，因为的人的天性是爱美的，商业社会为什么会把香车与美女放在一起，大概就是这个道理。

现代艺术的一个代表特征就是摩登与前卫，观念与行为，形式与内容都具有一定程度上对现行的观念和方式产生强有力的怀疑、批判与破坏，然后重构新的艺术概念和艺术形式。艺术方式的多维化基于艺术门类是一个泛艺术的概念，在过去的几百年当中，绘画艺术更多的是在一个平面上做文章，在一个平面的关系上进行多维空间的描绘与塑造，现代艺术观念却告诉我们一个方式，那就是绘画艺术必须从架上绘画的神坛上走下来，必须加入行为与过程，必须离开单一的描绘方式，而用更多的综合去满足和适应工业与信息时代人们眼前所能感受到的活生生的世界。现代艺术的另外一个特征就是逆反思维和心理情绪的综合性表达，其重要的目的就是反对单一的固定的既定的艺术方式，从而使人们把艺术和人的资源、自然的资源和社会的资源糅合在一起，实质的意义在于人的艺术必须回到生活当中去。人的艺术必须符合人与自然和谐的规律，必须从科技理性中回到符合人性的需求的方式上来。

⑥ 中国当代艺术的现状如何

中国当代艺术发展迅速，百花齐放。

在中国，当代艺术已经发展到可以完全与任何地区的当代艺术齐头并进的地步，其中的每位艺术家和每件艺术品和国际整体的艺术概念和创作状况构成比较关系。评价即必须遵守所谓的“对立法则”。

在当代艺术中，无论作者属于哪个国籍或者身在哪个地方进行创作，作为一个个体（或者小组）的艺术家，其作品必须在整个人类信息所能到达的全部的当代艺术范围内，与其他艺术之间形成对立。所谓对立就是相对独立，独立就是显现差异。

相关发展：

在中国当代艺术界，大多数批评家过度放大了艺术市场的力量，并且大多数批评家和艺术家达成了某种联系，批评被利益所左右，使得大多数批评家的文章没有思想且没有公正性可言，艺术批评变成了艺术表扬，这成了谋求利益的一种途径。

这使得人们无法正确地去看待和了解当代艺术。越来越多的记者在相关艺术媒体报道时的词汇解释如出一辙，看不到新鲜的想法和见解，更看不到独特的批评或评论。

从商业性来看，当代艺术很有可能成为一种有效的商业文化，如今，中国当代艺术在国际商业市场上的影响力日益增大，无论是作品形态还是艺术语言作品价格都有了显着的提高，不得不说这是中国当代艺术商业性取得的一大进步。

⑦ 有人说并不是当代没有艺术大师，而是人们对艺术家的要求提高了，你怎么看

我们说，艺术大师是人们对艺术家的最高评价和褒称。一般地说，只有在某一艺术领域或开宗立派或独树一帜或成就卓着的艺术家才配冠以艺术大师这个称号。

达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔为什么被称为艺术大师，因为他们同为西方古典主义油画的开创者，他们又各自独树一帜风格独具，达芬奇“精细严谨”，米开朗基罗“雄浑豪放”，拉斐尔“唯美宛约”，他们的油画对后世油画产生了重大而深远的影响。鲁本斯为什么被称为艺术大师，因为他是巴洛克绘画艺术的重要代表，他的油画成为十七世纪油画西方油画的重要特征之一。

当然，随着社会的发展进步，人们的艺术审美欣赏能力水平也日益提高，对艺术创作的要求越来越高，越来越多样性多元化，因此对艺术大师的评判鉴定标准会越来越高。但是这并不是影响大师产生的主要因素。确切的讲，当代有没有艺术大师，不是当代的人们确定的，而是当代以后的事情。