为什么说画画是再现的艺术

① 美术中的再现与表现

再现 是用艺术的手法将原来有过的事实还原.例子如:用绘画的手法再现红军抢渡大渡河的历史时刻.

表现 是用艺术的手法将事物表达.例如:用绘画的手法表现春天.

再现 是确实存在过的事实,表现 一般是将抽象的事物具象

② 为什么说艺术作品是表现与再现的统一

艺术的再现和表现与艺术的诞生和发展相伴随,主张再现论者和主张表现论者,观点迥异,亦有不同的创作实践.但在艺术创作中,再现和表现不是泾渭分明地截然分开的,而是相对的,相辅相成的.艺术创造的要义是对主体和客观的整体建构,即对内在情感和外在世界的整体把握.艺术形象是艺术活动中客体的再现与主体的表现的统一。
“客体再现”，即艺术家在创作的时候，如实地描写事物的客观形态，是客观的现实生活再现于艺术作品中。再现固然要描绘得像生活本身那样生动可悲、可信，但再现决不是照相式的有闻必录，而要经过艺术家的选择、提炼、集中和概括，甚至在再现时允许有某种变形，即在再现过程中已体现了艺术家的创作性劳动。
“主体表现”，就是艺术家把自己对生活的认识、评价，把自己的内心感受、思想倾向、爱与憎，把自己所肯定的或否定的情感态度，甚至自己的意志、冲动等等，都熔铸于形象之中。

③ 为什么说艺术作品是表现和再现的统一

表现即画面现存的事物给观看艺术作品的人的心灵和感官的感觉
再现则是把画面上所表现的感情与事物
真实再现

④ 再现性绘画和表现型绘画的差异主要存在于哪些方面

再现是美术创作的基本手段之一，着重反映对象的客观特征。在再现性美术作品中，艺术家对他所认识的对象或社会生活进行描绘，感性的，理解的因素比较显着。但艺术的再现不是对现实的机械反映，不是纯客观的复制现实，艺术的再现离不开艺术家的认识、选择、提炼、加工和改造，体现艺术家的目的和本质。
表现是美术创作的基本手段和方法之一。着重反映作者主观感受。艺术家运用艺术手段直接表达自己的情感体验和审美理想，理性的，情感的因素比较显着。
都是写实的，是与现实生活肖似的，即和我们对现实世界的视觉感受是一致的。这样的作品，称为再现性美术。
“再现”是美术创作的基本手段和方法之一，“一般指艺术家对他所认识的对象或社会生活的具体描绘，感性的、理解的因素比较显着，在创作手法上偏重于写实和逼真，即追求感性形式的完美和现实的真实，在创作倾向上偏重认识客体，再现现实。”
这种着重反映对象的客观特征，真实地再现客观世界，通过对客观世界的摹仿描绘，表达艺术家主观情感、思想的美术创作理论和美术创作，统称为再现论和再现性美术。
“再现”更是西方美术的传统手法，西方古典绘画、雕塑属于再现性美术。古希腊哲学家赫拉克利特（约公元前540～前480年之间）、亚里斯多德（公元前384～前322年）都曾论述过艺术应描绘出酷似原物的物象。所以课本中所讲的两个古希腊画家比赛谁画得逼真的传说是毫不奇怪的。达·芬奇也曾说“绘画是自然界一切可见事物的唯一模仿者”。“画家的心应该像一面镜子，经常把所反映的事物的色彩摄进来，面前摆着多少事物，就摄取多少形象。”文艺复兴时期的艺术家们，以其再现性艺术的巨大影响，使欧洲再现性艺术得到发展并达到极高的水平。19世纪末叶之前的欧洲美术，基本上属于再现性美术。
表现性绘画是以客观对象为媒介，主要在于表现达作者主观的精神，那思想情感或审美理想等。画面的艺术形象予以夸张，变形的处理或予以荒诞的组合等，从而创造一个新的艺术世界。

⑤ 什么是艺术的再现性和表现性

“艺术来源于生活，又高于生活”，这是被讨论了几个世纪的宏大命题。古今中外，无数文学家、艺术家、文艺理论家，几乎都有关于此命题的论述。时至今日，关于艺术与生活的命题，不但没有过时，而且显得越来越重要。因为，当代很多艺术家的艺术创作，已然远离了生活，远离了时代，远离了情感，而一味地沉浸于对传统的模仿，或者是一种想当然的所谓“创新”，而恰恰缺失了对现实的观照，对生活真实的观照，对艺术真实的观照，对艺术家主体情感的观照，对人类情怀的观照，从而呈现出一种虚无性。 艺术对的生活观照，主要表现在两个层面：一是艺术的再现性，一是艺术的表现性。艺术的再现性与表现性是艺术所不可或缺的重要因素，是统一的。艺术的真实首先是生活的真实，情感的真实。当然，这种真实是建立在客观世界的真实基础之上的，也即再现的真实。所以，再现性一般是指艺术家对客观世界的真实描摹，古希腊的雕塑艺术，一般更侧重于以模仿性为主的再现性审美特征。
但是，这种再现性又不能脱离于表现性而单独存在。再现性必须是以情感表达为基础，它不可能离开艺术家的主观能动性，因为，艺术作品中再现的真实并非是对客观现实的克隆，而是具有表现性质的再现，是一种艺术的真实。艺术的真实与生活的真实、客观的真实之间，有着一种紧张而密切的关联，但又各个不同。
人类的生活来源于对客观世界的认知，这其中也包括审美认知。所以，人类的生活中，本来就包含着一种艺术的审美。也正因如此，艺术也就与客观世界之间，通过“人类的生活”这一桥梁，建立起了必然的联系。然而，艺术又不完全等同于客观世界。艺术的真实可以建立于客观世界的真实描摹基础之上，但艺术的真实却并不等同于客观世界的真实，而必须反映生活的真实。相比于客观世界的真实，生活的真实又更进了一层面。然而，生活的真实与艺术的真实也不完全等同。艺术的真实是对生活的真实的进一步提炼，它来源于生活，但是又高于生活，是对人类生活的审美化与艺术化，是融入了艺术家主观情感的真实。可以说，艺术的真实主要是艺术家主体情感表达的真实。艺术并不必然表现生活真实的全部，而是侧重于表现人的内心情感的真实。
古往今来的伟大艺术家和艺术作品，无不是对客观世界和人类生活的真实表现，然而，更是对人类情感的进一步抽象和表现。人类艺术，从古典主义向现代主义和表现主义的迈进，表征着艺术的一种人文主义进程。
作为中国艺术的主要形式，书画艺术的表现性和再现性功能都在对生活真实的观照中，表现得十分突出。
中国史前时期的彩陶和岩画艺术中，即有大量表现狩猎、战争、祭祀、劳动等的生活场面。早期的艺术，是先民们蒙昧时期对客观世界和人类生活的一种审美化体现，当然，这种体现，更多是对自然世界的客观描摹和形象表达，而到后来，艺术越来越从形象表达走向了抽象表达，进而能够脱离具象性的自然事物，从而更自由、自在和高度抽象地表达内心情感。尤其是书法，作为一种线条艺术，当它完成了从描摹具象事物向抽象表达的过渡之后，书法艺术、尤其是草书艺术，成为了人类生活中一种具有最高情感的艺术形式。它使艺术家的情感处于巅峰状态，正如东汉书论家蔡邕所说：“夫书者，散也，欲书先散怀抱，任情恣性，然后书之。”理论性地指出了书法是一门表现人的主体情感的艺术。而表现性、抽象性、抒情性和时间性也构成了书法艺术的四大基本审美特征。因此我们可以说，书法也同样具有一种表现主义精神。这种表现主义精神，在唐代的怀素、晚明的徐渭、清初的王铎等人身上都体现得淋漓尽致。徐渭之狂草和水墨葡萄，是非理性主义的产物，而这种非理性主义主要是基于对现实强烈不满的情感本体而产生的，徐渭可看作是中国表现主义之重镇。而这种表现主义精神，恰恰是建立在艺术家对现实生活强烈观照的基础之上的。它也从另一侧面印证了，书画艺术之于生活的密切关联。
但就当代书画创作而言，很多书画家一味地将自己置身于传统与创新的绝对二元化语境之中，无所适从，难以自拔。侧重于传统的艺术家，往往与现实及生活脱节，而专注于创新的艺术家，又往往失去了文化的根脉，从而使自己陷入了狂怪粗野和形式主义的深渊，而这背后，恰恰是真实艺术情感的缺失，这就是当代书画艺术表现主义精神的缺失。或者说，是一种伪表现主义创作。
为什么会出现这种状况呢？这是当代书画艺术家总体缺乏文化修养、生活历练和艺术提炼之缘故，片面地将艺术之形式构造与情感追求割裂开来，或者是片面地认为，只有夸张的形式构造才能更加强烈地反映艺术家之内在情感。
形式主义与表现主义之于艺术创作来说，是一对矛盾。形式主义是艺术创作所要摈弃的，而表现主义则是古典艺术和现代艺术精神的精髓。然而，形式主义与表现主义在晚明时期，却达到了一种完美的结合。晚明是形式主义的高峰，董其昌、徐渭、王铎、黄道周、傅山等，都成了变革家。董其昌变革了墨法，王铎变革了章法，傅山变革了美丑观。应当说，晚明是中国书法现代性嬗变的起讫点，也是中国书法创作非文人化流变的一个起讫点，对当代书法创作格局有着重要的影响。
当然，这背后有一个晚明“尚奇”的艺术思潮的支撑。“尚奇”思想对书画创作的形式主义取向产生了至为重要的影响。尤其是晚明江浙等沿海地区资本主义的萌芽和自由市场的兴起，打破了传统的文人成长机制，使得文人突破了原有必须依附于官僚体制的关系，从而通过自身的艺术创作和自由地艺术品买卖就能维持生计，也直接促成了书画艺术市场的萌芽。艺术市场的兴起，对于艺术家艺术创作的影响是至为重要的。晚明社会，出现了大量的市井文化艺术和着作，比如当时的小说、戏曲、传奇、书画艺术等都在文本风格和艺术表达形式上，极力追求大众化、市场化和市民化的品味，并向市民传达一种“尚奇”的审美取向。我们从当代某些书画家的创作中，也能看到这种影子。
比如在历届的书法国展获奖、入展作品当中，就能看到许多以追求“奇”和“势”取胜的书家。大多数获奖作品都追求笔墨的夸张、字型的怪异、章法的奇诡、线条的怪诞和幅式的巨大上，将形式主义发挥到极致。然而，这种形式主义营造的背后，却是真正的表现主义精神的缺失。
在我看来，当代书画创作已经进入了非文人化和形式主义泛滥的时代，这是与表现主义精神格格不入的。当书画越来越非文人化的时候，书画实际上也就很难成为一种真正的高雅艺术了，因而也缺少了表现主义精神，从而走向了低俗化和世俗化。根本原因是，书画艺术创作中，缺少对“生活的真实”和“艺术的真实”的提炼，没有现实的穿透力和历史的厚重感。
其实，在对“生活的真实”与“艺术的真实”的塑造上，齐白石就是一个典型。齐白石的最大贡献，就是把日常生活事物审美化、文人化和高雅化了。他善于在生活中发现美，在生活中提炼美，齐白石笔下的美，并不是高高在上的，并不是将自己置身于世外桃源，而是将“艺术的生活”与“生活的艺术”融合在一起。他笔下的素材，几乎全是日常生活中的花花草草：白菜、萝卜、辣椒、芋头、葫芦、丝瓜、葡萄、玉米、鱼虾、青蛙、蟋蟀、蚂蚱、老鼠、油灯、农具等等，不一而足，这些寻常又不起眼的但与人们生活又十分密切的物象，却在白石老人笔下化腐朽为神奇。
但需要说明的是，白石老人对这些日常生活事物的表现，绝不是客观的描摹和再现，而是带着自己浓烈的生命情感，将其高度抽象化、拟人化、情感化和文人化了。齐白石的伟大创造正在于，他将平民主义精神与古典主义精神、表现主义精神及精英文人精神完美地结合在一起，从而开创了中国书画艺术的现代转型。

⑥ 再现性美术和表现性美术的差异

表现性意象和再现性具象 东方艺术是重表现的；西方艺术是重再现的。然而近世纪东方艺术由古典的、表现的转向现代的、再现的。西方艺术则由古典的、再现的转向现代的、表现的。这种东、西方艺术逆向发展的趋向，汇聚于全球化潮流中，预示着反方向回归。认识上隐约出现了艺术的“十字形”交叉线。 如同属肖像性绘画作品：梁楷（南宋）的《泼墨仙人》与17世纪荷兰通派维米尔的《站在窗口读信的女人》，前者是通过夸张、变形和狂放的笔意来表现的，后者是通过精确的写实手法，如达·芬奇所说的“绘画要象镜子般映照自然”。自古希腊时期的苏格拉底、亚里士多德、毕达哥拉斯等，从那时起，西方美术很长一个时期都力图运用理性的数学方式实现对事物的模仿。在达·芬奇的《蒙娜丽萨》这幅画里，再现性是与审美客体生命本质精微体现相联系的东西。 西方美术募仿的视觉可靠性还体现在透视问题，到了文艺复兴时期，作为科学的透视学和解剖学的兴起奠定了西方绘画再现法的基础，从拉斐尔的《圣母的婚礼》；曼特尼亚的《哀悼基督》；维米尔的《读信的妇女》；席里柯的《梅杜萨之筏》；列宾的《伏尔加纤夫》等作品中可以明显地看到透视学在西方绘画中所具有的举足轻重的作用。西方绘画努力从科学天地中寻找如透视学、解剖学、光学、色彩学等学科渗透到绘画中去。西方绘画的审美趣味，在于真和美，真指对象的真实、环境的真实。它讲究比例、明暗、透视、解剖等等科学法则。 中国绘画总体上倾向于表现性，易经（公元前18世纪～7世纪）就以六条基本线的完形和断裂组成不同的图象。中国画的内涵、隐喻、言不尽意、意在言外显示出中国艺术的重性灵、重“意在象外”，象外意、象外之情把艺术的审美对象由外部世界转向内部世界，把艺术的传导力由再现转向表现。 中国绘画是尚意，西文绘画是尚形，中国绘画重表现，重情感，西文绘画重再现，重理性。 中国绘画的中心观念是“气韵生动”。“气”是画家的内在激情冲动“韵”是“气”表现在画面上的某种韵味、情趣。中国绘画讲传神，包括对象的内在精神，画家自己的主观情思。“传神说”从人物画移到了山水花鸟画，山水花鸟得到了人格化的表现。明朝唐志契说过：“山性即我性，山情即我情，水性即我性，水情即我情。”指的就是画家要表现自己的真性情。

⑦ 绘画是一种什么样艺术

主要就是造型艺术和空间艺术。

在艺术用语的层面上，绘画的意义亦包含利用此艺术行为再加上图形、构图及其他美学方法去达到画家希望表达的概念及意思。

绘画理论基础知识形体的点、线、面我们所描绘的物体都是立体的，而最基本的形体是立方体、球形、柱体与椎体。素描写生可从这四类形体出发，去研究主体构成的基本因素与形体塑造的关系。点表示位置，是形体塑造的标记，对于造型有着特定的数量意义。

先看位置点，找出它的基点与顶点、右点、左点、近点和远点，这些点规定着物体的整体范围和个面之间的大小比例关系。再看转折点，这些点如同交通枢纽，联系着形体中的线与面。

(7)为什么说画画是再现的艺术扩展阅读：

绘画的整体意识：

整体意识的建立在绘画领域中是一个很重要的因素，对学生将来的绘画发展产生很大的影响。无论是从事何种绘画创作，都要涉及这个问题。整体是相对局部而言，局部是整体的一部分，局部存在于整体之中，而整体通过局部得到体现。

对于初学者来说，一方面是加强对整体意识的理解，另一方面是在观察和表现中关注整体关系，克服注意力局限在某一个点上的不良习惯。

例如在画一个头像时，必须整体地观察对象，如画眼睛时要考虑到和耳朵或鼻子之间的关系，而不能孤立地画眼睛，陷入局部，必须相互对比，要把它们有机地联系起来。整体存在于造型的各种因素里，从轮廓到色调，从形体表现到空间表现无处不在。

培养整体意识可从观察事物入手，多观察多比较，这样才能明确各个事物之间的关系，以便更好地把握整体。从整体到局部、从局部再到整体，贯穿于整个作画的过程中，反复比较，培养局部与整体关系的能力，建立良好的整体意识。

⑧ 再现性美术和表现性美术的差异

美术创作的两种基本手段和方法。再现着重反映对象的客观特征，表现着重反映作者的主观感受。
再现 一般指艺术家对他所认识的对象或社会生活的具体描绘，感性的、理解的因素比较显着，在创作手法上偏重于写实和逼真，即追求感性形式的完美和现象的真实；在创作倾向上偏重于认识客体，再现现实。再现具有平易近人、真实写照、形神兼备等特点，一般为观众所喜闻乐见。中国自先秦时代就十分重视绘画的再现特征，如《广雅》中说："画，类也"，《释名》中说："画，挂也，以彩色挂物象也"。再现也是西方美术创作的传统手法。如古希腊的赫拉克利特认?quot;绘画混合白色和黑色、黄色和红色的颜料，描绘出酷似原物的形象"；文艺复兴时代画家L.达·芬奇说："绘画是自然界一切可见事物的唯一模仿者"，"画家的心应该像一面镜子，经常把所反映事物的色彩摄进来，面前摆着多少事物，就摄取多少形象"；19世纪现实主义雕刻家A.罗丹说："艺术上的唯一原则，是把看见的东西抄录下来"。中外历史上的大量美术作品，如唐、宋的山水花鸟及人物画，希腊、文艺复兴、新古典主义和现实主义的美术，都是使用再现的或偏重再现的手法，其特点是感性的现实和冷静的理智起主导作用,观察缜密,技法严格。
艺术家追求对现实的再现是美术史上的主要倾向，其作品具有独特的审美魅力，拥有广大的群众基础。艺术中的再现不是对现实的机械反映，不是纯客观地复制现实，而是艺术家按照美的规律将他所认识的现实运用线条、色彩、青铜、大理石等物质媒介体现出来。艺术中的再现离不开艺术家的认识、选择、提炼、加工和改造，体现着艺术家的目的和本质。
表现 一般指艺术家运用艺术手段直接表达自己的情感体验和审美理想,理性的、情感的因素比较显着,在创作手法上偏重于理想地表现对象或抛弃具体的物象，追求超感觉的内容和观念，采取象征、寓意、夸张、变形以至抽象等艺术语言，以突破感受的经验习惯；在创作倾向上则偏重于表现自我，改变客体，表达理想。艺术中的表现具有震憾人心、高度概括、不求形似等特点。自宋以后，中国的文人画开始从着重真实地再现客观现实向着重表现主观情感方面转移。苏轼反对以形似论画，主?quot;寓意于物"；倪瓒说"所谓画者，不过逸笔草草，不求形似"，"聊以写胸中逸气耳"；石涛则强调"我之为我,自有我在","借笔墨以写天地万物而陶泳乎我也"。西方美术自19世纪的浪漫主义到现代诸流派，大都强调主观、个性、情感及自我表现。E.德拉克洛瓦认为在绘画中"情感的表达应该放在第一位"，画家"应该按照自己的气质来表现"；H.马蒂斯说"我首先所企图达到的是表现"，"我的道路是不停止地寻找如实摹写以外的表现的可能性"；表现派艺术家更是强调直抒情感，表现主体意识，如克尔希奈说："我的绘画是譬喻，不是模仿。形式和色彩不是自身美，只有通过心灵的意志创造出来才是美"。美术创作中的表现手法，特点是理性的观念和强烈的情感起了主导作用，自由创造，不受已有技法的约束，带有较大随意性。
表现，适应了西方现代派美术的总思潮，对于现代艺术的发展有很大影响。事实上，对主体的表现是美术创作中不可缺少的一个因素。任何美术作品，都在不同程度上是艺术家主观思想感情的表现，是他的个性的表现，是他的主体意识的表现，同时也是他对社会生活的审美评价与审美理想的表现。
相互关系 在书法、工艺美术和建筑中,艺术家无需从外部造型、色彩或纹饰上去模拟外物、再现现实，而是通过自由运用形式美的规律，从作品的外在形式上对自身作情感上的直接肯定，表现出一定的情绪、格调、审美趣味和审美理想。在绘画与雕塑中，再现不能完全没有表现，表现也不能完全脱离再现，两者或者达到完美的统一，或者各有侧重程度的不同，但并非以一者取消另一者。再现与表现，作为艺术创作中的街只�臼侄魏头椒ǎ�旧聿⑽抻帕又�郑��强梢苑直鹗视∑煌�贝�⑸缁帷⑻宀谩⑻獠摹⒎绺瘛⑷の兜鹊男枰�吞匦浴?
再现与表现这一对术语，有时也被用来表明不同美术种类或不同艺术风格的作品的一般固有特点。例如说"书法是表现的艺术，绘画是再现的艺术"；"西方的绘画是再现的，东方的绘画是表现的"；"古典艺术是再现的，现代艺术是表现的"。

⑨ 绘画艺术的基本特征是什么绘画是造型艺术

绘画与美术其它门类的根本区别，是作品的平面性。从欣赏角度，绘画艺术具有以下主要的特点：

1．二维空间上创造出三维空间

绘画是在二维空间上，依靠明暗和形象结构表现物象的凹凸，造成立体幻象，令观者感到物、象是立体的。并通过物象大小、遮挡关系、透视变化和色彩变化、虚实等手法，造成深远的空间效果。

2．再现性绘画描绘的精确性与表现性绘画展现主观世界的多方面性

长于描绘是传统绘画的艺术特点。

再现性绘画描绘的精确性，可以达到乱真的地步。如本课图版选印的《有鲑鱼块和柠檬的静物》中，可以感受到所画物象形体质感的逼真性。虽然随着不重形似的中国写意画和西方现代绘画的兴起，精确的描绘已不被人们所重视，但商品广告和工业设计、建筑设计的效果图仍然体现着绘画这一特点。

与再现性绘画相反，表现性绘画则是着眼于表现主观世界。不仅表现主观心态、思想哲理，还可以描绘幻想、梦境，如《错误的镜子》。有些表现性绘画排除描绘的技术性，但它必须有感人的艺术魅力。其艺术魅力，在于形式的独创性，手法的新颖性，造型给人视觉冲击的强烈和形式美感。

3．不同画种的艺术美

各种绘画因工具材料和技法等因素，形成各画种独特的艺术趣味和画家驾驭艺术语言的功力美感。中国写意画，是利用宣纸吸水的敏感性和洇晕墨色的艺术效果，讲究线条要有力透纸背的力度美，用墨具有变化和厚重感，笔墨构成气韵生动。油画，讲究色彩要有浑厚、凝重和丰富、和谐的美感。版画讲究“刀味”、“木味”等和印制的美感。水彩画讲究水、色彩和笔法形成的明快、清丽、水分丰润的艺术美。

4．构图是绘画的基础

构图是对绘画艺术语言进行组织，使之构成一幅完美的画。构图是绘画艺术的基础，也是能否表达作者构思和给人以形式美感之所在。从欣赏的角度来讲，应注意把握绘画构图的以下几方面：

①宾主关系明确，位置安排得当。例如油画《开国大典》，毛泽东站立于人群前面，居主要地位，身着深色服装，在明亮天空衬托下显得突出，并在灯穗的飘向、栏杆透视线的引向和其他人物精神意向的作用下，使观众一眼便注意到这一伟大人物和看出所表现的伟大事件。

②构图结构形式与内容相统一。作品的画幅和艺术语言的结构形式，是为了贴切地表达内容。例如日本画《白夜光》表现的是开阔而宁静的意境，利用长方形画幅和水平线给人以平静舒展的心理作用，将树木沿着条状带的结构形式进行组合，弱化个体树木的显明性，强化水平线给人的宁静感。中国画《太行丰碑》，画家用竖幅构图，将山按方形结构组合，并运用强烈的黑白对比构成一种坚实、敦厚、沉重的宏大气势，与将太行山作为抗敌的历史丰碑立意相吻合。

③色彩与表现内容的统一。色彩是最富有表情的形式因素，画面的色调对内容的传达起到重要作用。例如，《开国大典》色彩富丽明快，《白夜光》色调暗绿、深静，都与表现内容相统一。

④构图要符合形式美法则，给人以形式美感。

⑩ 艺术的再现与表现

艺术形象作为艺术家对于社会生活从感性到理性认识的成果，这就存在着一个认识的正确与否或者真实与否的问题。自古以来的理论家和有创造性的艺术家都十分重视艺术的真实性，至于真实性如何体现，就涉及到我们的主题，对于艺术真实性的 表现 与 再现 两种方式

我们普遍认为艺术来源于生活，那么 再现 就是指艺术家在其作品中对他所认识的客观对象或者社会生活的具体描绘，在创作手法上偏重于写实，认识客体，模仿现实。
艺术的再现不是对于客观现实的机械反映，而是艺术家将他所认识的客观现实，按照美的规律，通过一定的物质媒介如语言，文字节奏线条等充分传达和表现出来。由于有了创作主体的参与，作品反映的客观世界的真实性就具有了两方面的意义。

表现说是一种关于艺术起源与艺术本质的学说，与模仿说（再现说）相对立而存在。所谓的 “表现”，就是指艺术家运用艺术表现手段来表达自己的情感体验和审美理想，偏重于表现主体意识，突出强调艺术家的主体决定作用，认为艺术作品本质上是艺术家主体生命意志的表达和外化。
最早主张表现说的是法国美学家 魏朗 ，他认为艺术的价值全在于他表现感情范围的深度与广度
克罗齐 把艺术表现说推向极端，认为 “艺术的本质是直觉” ，对现代西方美学产生了重大影响
倪瓒 说：“所谓画画，不过逸笔草草，不求形似”，“聊以写胸中逸气耳”