艺术摄影如何提炼

① 如何在摄影中运用线条表现力

导语：在摄影中运用线条来增加图片的表现力，这是一们基本功，下面我们就来看看如何在摄影中运用线条表现力。

一、线条的提炼

1、线条的存在

比如方形的桌子，长主形的柜子，有棱有角，有面有分界线，圆的球、圆形的柱子等有孤形的线条，树木有垂直线，河岩有曲线，车船、树、瓜果等生活中任何一样东西都有自己的形状和轮廓线条，物体的不同运动，也呈现出不同的线条组合，站立着的人和跑着的人线条结构都不同，由于人们在长期的生活中对各种物体的外沿线条轮廊及运动物体的线条变化有了深刻的印象和经验，所以反过来，通过一定线条的组合，人们就能联想到某种物体的形态和运动。因此，所有造型艺术都非常重视线条的概括力和表现力，是造型艺术的重要语言。

摄影艺术同样必须重视线条的提炼和运用，要善于利用角度，光线，镜头等自身特有的手段，把不同物体的富有表现力的外沿轮廓加以突出和强调，使之清晰简洁，借以再现准确、鲜明、生动的视觉形象，说到线条的运用时，有些一般理解为某种线型的排列组合或者某种线条的`图案美和线条趣味，实际上只会在画面上塑造可视的形象都离不开线条的提炼，比如，要想再现人的表情，动作，姿态，必须选择角度，光线等，将人的面部线条动作姿态的外沿轮廊线勾画出来，平展在画面上，人们才能感受其表情，姿态和动作的内容，并受到感染，否则，形象就会消失。所以说，线条是各种造型艺术表现形式的灵魂。

2、线条的功能

线条的功能可以归纳为以下三个方面：

(1)、线条可以作用于画面的整体结构和主体形象的总的姿态，不管是大海、森林，还是高山和深谷，看到的自然现象，并根据其特点，选出横、直、曲斜等线条形式，在画面结构中发挥主要的作用。

(2)、线条可以通过对主体、陪体和背景等细部的刻划，造成不同的质感，量感和空间感。

(3)、线条在造成一件作品的旋律、节奏和意境方面，也起着很重要的作用。

线条并不是客观存在的实体，只不过是因光的作用形成的各种物体的轮廓线，不同影调之间的分界线和由过度色块所组成的线型，甚至是根本不存在的人的视觉以及断续模糊的虚线，这些不同的线条，大都是在作品完成后期才能看到。在实际生活中从事摄影创作活动时，如果不认真分析、观察、体验，就有可能忽视或体会不到线条的存在，因此，要对摄影眼的锻炼、才有可能充分利用线条来完成构图。

3、线条的特点

把线条的特点和作用归纳分析，对进行摄影创作很有帮助。

线条有各自不同的特点：

(1)、垂直线条：可以促使视线上下移动，显示高度，造成耸立、高大、向上的印象。

(2)、水平线条：可以导致视线上下移动，产生开阔、伸延、舒展的效果。

(3)、斜线条：会使人感到从一端向另一端扩展或收缩，产生变化不定的感觉，富于动感。

(4)、曲线条：使视线时时改变方向，引导视线向重心发展。

(5)、圆形线条：可以造成人们的视线随之旋转，有更强烈的动感。

用垂直线条表现英雄形象和工业建设场景，这样有助于烘托形象高大，雄伟，向上，挺拔的艺术效果，突出人物的精神面貌和场景的巍峨气势。用横向联合线来表现群众活动场面，农业生产和山水风光等内容作品，以强调画面的辽阔，舒展，秀美宁静的气氛。用倾斜线条来表现动体的体育活动，舞蹈等对那些需要加强画面结构的变化和刻划生产活泼形象的作品也会有运用。用曲线和圆线时，多为了强调画面的纵深感和动感使画面结构更加丰富更富有艺术性。

线条的形式看起来好象很复杂，实际上只有进一步归纳起来，只不过仅有直线和曲线两大类，直线包括着垂直线立平线和斜线。曲线的线条形式虽然比较丰富，但基本上都是波状线条的各种变形。

二、线条的运用

1、一幅画面要根据拍摄对象的特征

选择和提炼一但富有代表性的线条来表达内容，感染观众。任何艺术都不是自然主义照搬生活，都要对生活进行概括和提炼，摄影艺术也不例外，凡是用取景框选取到画面上来的景物，都应该经过作者的选择、安排和提炼，其中重要的是运用线条。对鲜明简洁的线条形式呈现于画面，以发挥主线的表现力和概括力。

2、运用某种线条结构来传达感情

在造型的艺术中，线条是重要的抒情手段，由于人们在长期的现实生活中对某些物体的线条结构积累了深刻的印象和感受，因此一拍到某种类型的线条结构就会产生了联想，激发起相应的感情色彩，艺术家们在长期的艺术实践中对线条定格表达感情的能力非常重视，艺术理论中对线条的表现力有这样的详述：水平线表现平稳，垂直线表现崇高，曲线表现优美，放射线表现奔放，斜线富有动感，圆形线条流动活泼，三角形线条稳定等。

摄影者应该有诗人的心灵，要把现实生活中各种物体的线条结构看成是生命的对象。树木、花草、山、石等自然界的物体，要仔细研究外沿轮廊线条的形状，姿态和伸展方向，利用各种形似来抒情。

3、运用富有特征的瞬间所展示的线条来结构表现动作和情节

运动着的对象物体的形状姿态，轮廓线条则是正在不断地运动和变化的，所以要提炼运动着对象的线条结构，除了其它的造型手段外，抓取瞬间具有极其重要的意义，不同的瞬间，动体呈现的线条结构就不同，其造型表现力也不同。

(1)潮点的瞬间，动体的线条一般舒展流畅，刚劲有力，如跳高、跳远、戏剧、舞蹈跳跃等。在高潮点按下快门，形状线条优美舒展，能展示运动和力度和技巧，感情奔放。

(2)、运动的力的积聚阶段;线条姿态富于变化，引而不发欲伸未展，婉转蕴藉。

(3)、有些动作情节中富有表现力的姿态轮廓线条常常是在动作已经开始，但未完成之际，这样的瞬间姿态会促使观众在想象中去完成动作的连续性。

(4)运用线条的排列组合，创造画面的节奏和韵律。

线条的重复排列成视觉上的节奏相似线条的变化和差异产生韵律。画面上线条的形状不同，排列疏密不同经人不同的视觉节奏，有的明快、有的柔和、有的急剧、有的缓慢。

最后，应该强调，线条的运用，一定要有利于主题的表达，要与内容紧密关联，不能脱离内容单纯追求线条效果。在摄影创作中要灵活运用。

② 艺术摄影技巧

你对人像摄影感兴趣，而且想知道快照和艺术的差别?以下几点是关键：和音乐一样，视觉艺术依赖于(形状、颜色、曝光的)和谐、(纹理的)韵律，以及安排元素(布景和模特)来讲述 故事 。下面就让我为大家介绍一下艺术摄影技巧。

艺术摄影技巧1、用光

用光是摄影的头等大事。停一下，回过头去反复读上面那句话，直到把它深深印在脑子里。毕竟，摄影艺术的本质就是通过捕捉某个场景的光线来创造一种艺术的演绎。从本质上讲，摄影就是用光绘画。

在摄影术和闪光灯发明之前很久，古典画家们就知道把绘画主体安排在大窗子附近。大窗子就像巨大的柔光箱，创造合适的光线，让画家捕捉到他们想要的情绪。没有好的光线就根本不要去按快门，否则你的照片和那些菜鸟拿着傻瓜机瞎拍出来的不会有什么两样。

艺术摄影技巧2、主题

主题

你必须得有光才能拍照，所以光列在第一条，它绝对是摄影的基石。但主题也是同样重要的。一个好的主题比一个好看的模特要有用。场景，衣着，支撑物，饰品，姿势以及情绪表达，他们结合起来讲述一个故事。而摄影师得保证这是一个值得讲述的故事。

艺术摄影技巧3、对焦

对焦不仅仅是考虑对在那里，还要考虑这幅人像要用多大的景深来表现。你想要多大程度上虚化背景/前景?主体有多少部分需要合焦?通过适当的镜头搭配，你在这方面可以有相当大的灵活度，而这能对你作品的效果产生巨大影响。

此外，不要忽视转换焦点的可能性。 一般而言合焦在眼睛上是好的，但我也常常合焦在嘴唇，有时为了创造一种戏剧化的张力，我会使拍摄主体脱焦而将焦点对在其他地方，比如说手，或者模特拿着的某件物品。在我最喜欢的一张作品中，我把焦点对在棋盘上，用非常浅的景深，并把主体的脸照得非常亮以至于高光处严重过曝。

艺术摄影技巧4、背景

背景的一般原则是保持简单。拍好环境人像不难(我就拍了很多)，但很容易被背景转移了整张照片的关注点。对于初学者来说需要注意避免的一点是“融合”就是说在照片里背景和前景在看上去有种要融合在一起的趋势。比如要小心别让背景里的树看上去像是从主体的脑袋上长出来的。

艺术摄影技巧5、构图

业余作品和专业作品的一个关键差别就是构图。一个伟大的人像摄影师考虑形状、构图、框架、角度、负空间、以及把焦点设置在哪里可以获得最大的视觉冲击等等。6、色彩

你若是为了色彩而拍片，那就应该确保色彩之间互相协调。如果颜色不协调，可以换衣服、场景等等......直到协调为止。画家不会随机抓个颜色就画，为什么摄影师就得在颜色方面任凭摆布呢?

艺术摄影技巧7、曝光

曝光不仅仅是获得适当的曝光来记录场景那么简单。 比方说在亮暗对比特别强烈的场景中你就得作选择。你可以为暗部获得适当的曝光，或者为亮部获得适当的曝光，但通常你无法两者兼得。这可以是件好事，因为你可以选择高调拍摄或者低调拍摄，用曝光来强调一些部分并弱化其他部分。

艺术摄影技巧8、纹理

照片是二维的，因此很难表现出好的纹理感。 最好的 方法 是使用强烈的形状、构图以及光线角度来衬托场景中的纹理。

③ 艺术摄影的技巧

在摄影中当我们首先认定照片可以被分为不同类型时，按照这样的推论接下来自然是三段论式的演绎了，于是就进入种+属差的分类，如果找到了一个中辞，也就把大辞和小辞必然地联系在了一起，因而前提和结论之间的关系似乎就不言自明了。而参于其中的心灵活动就被遮蔽在这种貌视合理的划定里了，心灵的绵延被理性的容器强制地分解确定成为本质，而这所谓的本质被理性的翅翼带进了思辨的真空，不会再遇到任何的抵抗。但这样的飞越是否能在心灵之境翱翔呢？ 。摄影的逻辑在于表现存在的多样性方面，创制者选入一种特殊的方式向我们展现其本己存在的某个可能，在理性逻辑无意义的地方获得诗性的意义。在此所借用的“逻辑”二字，与源于爱利亚派存在论的唯理逻辑不在同一个范畴，而恰恰是在巴门尼得所指向的那条意见之路上，诗性的意义才更向我们展现出澄明之境。爱利亚派形成的西方存在论逻辑传统，在回答人的“是之所是”只是得出这样一个定义：人是会说话的动物，而心灵之境被断然地拒斥之外。新存在论在回答人的存在问题时，尝试在被巴门尼德禁止通行的意见之路上去重新构建人的存在（生存），而艺术也就在这种新存在下获得了其自足的发展。
既然动摇的是传统逻辑演绎的存在论观，对于摄影重构的基础依然应该在于存在的基地上，只不过是以新存在论的存在者层次上的存在结构出发，来对摄影的“在/是”，利用展示的手段，而不是演绎的方法进行阐释。就如非欧几何对欧几里德几何方法的重构一样（卡西尔《人论》）而对于摄影而言，首先可切入的研究领域既是纪实与艺术这个争论不休的话题，“纪实与艺术的存在观”这当是一个值得梳理的话题，对于过去关于纪实与艺术的争论有典型的四种观点，都是在二元论上进行的对立展开，而新近的观点中，或是把纪实的外延扩大使艺术被纳入纪实中，或是反之，以结束二元的对立状态，但结果仍是在传统的存在论中打转。若是从新存在观中来对其进行清理时，纪实和艺术被认为不是断然对立的存在。通过这样来解构传统摄影观，目的是在于清理出附着在摄影本身上污泥，打扫干净后，以还原出摄影的本来面貌。于是从新存在论出发来探求摄影的成问题之处将是映入我们眼帘的新的视野。正如传统思想方法的轴心是传统的存在论一样，新存在论依然是新视野思维中的轴心，在引导语言转向的三个因素方面，新存在论是从根本上动摇了逻各斯的中心，而符号论，语言论，及后现代等等无不是在新存在论的圭章里展开其对传统存在观的批判和颠覆，传统存在观的视域只是被限定在某个由新存在论得出前提的范围内的演绎，也就是在时间的维度上被限定于当前化。时间上的当前化是巴门尼德一直到黑格尔的传统存在论的表现形态，因为在传统存在论中，时间也只是作为存在物的一个种属。当前化的视界使传统存在论失去了历史性的存在域，变为只是此在的在场（《存在与时间》。时间与自我同一是现代思想中最显要的特征（《现代性面面观》），缺乏历史性视界的传统存在论越来越备受质疑，其带来的二元对立也越来越不能不可疑地演绎出人生存问题的独特品性，因为，作为一种存在的方式的时间维度，使存在的结构性基质被放入到生存的过程中时，存在才能获得了本己的领会。
在体验存在的过程中，从中国摄影或思想的现代发展过程来观之，则是常常被外来的他性的东西打断，很多由之于西方社会自发生成的本己的存在方式，于我们则成了他性的当前化的物，无论其思维多么的新，却始终不是从我们本己的领会中生成出来。因而这种他性的艺术于我们则是非艺术的，因为对于我们是非在的。比如象一些后现代的东西，为什么对于我们就缺少“艺术”性的领悟呢？即便有些先锋们，前卫们乐此不疲，而他们所呈现给我们的东西却很难和我们有更深的沟通，这种沟通的困难在于这些东西的他性所具有的。而那些参预制作者自身也不是处于一种本己的领会，因为他们存在的历史性决定了那些被他们拿来的东西对于他们而言也是他性的。这种他性使其呈现的作品只能是观念性的了，因此，新存在论的时间性，存在的非种属关系，存在的呈现方式等等在消除纪实与艺术的二元对立的同时，也带出了观念摄影之为何物的问题，由此为引导摄影语言的转向扫清障碍作好准备。
艺术摄影多是人们在照相馆拍摄的。拍艺术摄影的时候，人们需要经过化妆，并且穿上很多华丽的衣服。通过灯光和背景等效果，拍摄之后的效果可谓是非常漂亮的。从某一方面来讲,通过艺术摄影我们可以充分的展示自己。

④ 如何读懂艺术摄影

艺术可以用多种方式多种方式去表达，而恰好摄影是一种表达方式。摄影艺术和绘画艺术在构图方面是不尽相同的。
艺术之所以是艺术，与它所用的材料和工艺之间只有一部分的关系，它的最重要的特点还是在于艺术家从题材中提取基本的视觉美点并以感人的方式再现他们的才能，同理摄影也是这样的，摄影是记录美好生活的一种方式。
相机作为一种工具它可以帮助艺术家创造出某一特定的艺术作品，可以说相机是一种反映使用者思想的灵敏的工具。好的山水树木婀娜多姿的花草总是引人入胜，当我们去拍照时即使聚焦清晰曝光正确但有的时候拍出来的照片依旧缺乏生气。但相反一些不美的自然景色人和不规则的物体却能拍出美的照片。
一张照片之所以漂亮需要我们把内在的想象力和娴熟的技巧结合起来，当然了我们需要一双发现美的眼睛。一张好的照片是既不违背自然形式又高度简化，敢于大胆处理线条.色彩.形状和质感的那些作品。艺术就是汲取这些最本质的视觉美点，使之处于突出地位，剔除那些妨害中心思想的成分，或使之处于次要地位。
我们要善于发现生活中的视觉美点，且在我们的生活中视觉美点有很多，摄影家就是善于从普通的题材中发现这类作品的线条.色调.形状和质感，形成一幅美丽的构图进而形成一张美丽的照片。
有时候照片里的看到的东西难以解释，但许多东西仍然可以弄清楚的。有些摄影者生来就很敏感，在一些无所作为的地方一下子发现奇迹。但一些摄影者需要后天启发才能发现它们。我们中的大多数人要提升对摄影艺术视觉美点的敏感，培养我们的能力进而拍摄出优秀的摄影作品。
摄影是是一项两面性的工作一项艺术也是一项技术，需要我们在实践中不断地打磨锻炼在前方不断前进的路上找到须与自己的路

⑤ 如何提升摄影的艺术观赏性

摄形作为一种视觉平面艺术，具有非常显着的艺术观赏属性，其艺术氛围的营造和诗情画面的表达，不仅需要一定的艺术感悟能力，并且必须有比较坚实的摄影技术和画面的构筑能力。摄影是摄影技术、构图能力、艺术感悟和审美意识的综合表现。

一、符合大众审美取向

艺术具有个性，也具有共性，大众的主流审美意向是摄影创作中不可忽视的重要因素。要实现与广大观众在审美意识上的共鸣，首先要尽量在构图上符合主流图片的基本要求：有规矩，有章法，画面干净整洁，有比较优秀的画面质量等。其次，在摄影作品的意境和思想性上做到主体明确，主体突出，简约明快，传达比较时尚的主流审美观念。这不仅是摄影图片必须具有共同审美属性，也是摄影构图的最基本要求。

(超近距离拍摄以夸张的透视强化被拍主体，含苞待放的花蕾因此显示出极大冲击力和立体感，释放出内在的生命活力来感动观者，同时也张扬了拍摄者个性。)

⑥ 艺术摄影的观察与表现方法

摄影艺术作为艺术形式的一种新兴形态，在其发展过程中，与多种传统的艺术形式有着千丝万缕的联系。摄影艺术与传统艺术门类有着相同的生产过程，即对认知对象与社会生活的“再现”与“表现”。下面一起跟着我来看看吧！

摄影是一种造型艺术，也是一种视觉的艺术。任何事物的发展都离不开其滋生的土壤，摄影作为社会工业文明的产物自然摆脱不开当时的社会，它不可能脱离当时社会状况发展，因此，摄影必然会印下深深的时代烙印；任何人类文明的发展都有其前进的风向标，即思想。中国近代史是个思想急剧蜕变的过程，摄影不可置疑的受到这种思想变革的影响；摄影是科学技术与艺术完美结合的产物，既然它有技术的成分，那么照相机技术的进步无疑也推动着摄影的发展的一股强大的力量。进而社会上又出现了“纪实摄影”和“艺术摄影”。

一、艺术摄影

（一）艺术的基本概念

艺术是社会生活在艺术家头脑中能动反映的产物。艺术对艺术家个人来说，它是一种爱情地寻觅方式和过程，也是自己艺术思想和观念不断发展的印迹。

（二）艺术摄影分析

首先我们要知道什么是“艺术性”，艺术性是指文学艺术作品通过形象反映生活、表现思想感情所达到的准确、鲜明、生动的程度以及形式、结构、表现技巧的完美的程度。摄影起源于绘画，在最初的几十年里，摄影创作主要是仿效绘画的经验，整个艺术摄影的历史，实际上是那些模仿绘画的摄影家在试图证明摄影也能够创作出像绘画那样的作品来。然而，在这一阶段，摄影并没有得到承认，人们普遍认为：利用物理和化学手段制作出来的照片，并不能称为艺术，只有通过手工制作出来的东西才能称为是艺术，所以许多摄影家在制作照片的时候，特别注重摄影画面的画面效果，把一张张照片制作的虚无缥缈，其实质是借助于摄影手段进行的一种绘画创作。到19世纪末20世纪初，纯影派摄影的出现才让人们的观念产生了改变，纯影派摄影提出“只有通过纯粹的真，才能得到完美的美”，通过他们的图片让人们发现原来生活中的美是无处不在的。

（三）观察方法――视觉思维的核心

1.视觉思维的观看与联想―创作立意针对艺术形象的选择与观察整理过程的习惯（方式方法）进行整体观察。

2.光与影的造型整理与视觉组织的概括观察。

3.形式提炼的视觉规律和思维选择的组织结构的布局观察。

4.影调色彩视觉传递的感悟观察。

5.提取视觉中心的强化观察。

6.视知觉想象力的思维观察。

7.整体与主旋把握的提纯观察。

8.细节和质感固有结构的联系观察。

9.注重形态在空间变化中闪光的捕捉观察。

10.瞬间意识下视觉停点的节奏观察。

11.空间与形态格调构成的审视观察。

12.观察中的视觉设计-自如性与创造性艺术灵感深化的总体视觉思维。

由此可见，从飞逝的时间和空间运动中截取艺术表现的瞬间，并赋予它永注而清澈的存在意义，让艺术的“观察”超越最敏锐的“眼睛”。这就是观察与创作或创作与观察一脉相承的出发点。

（四）表现方法

重点研讨艺术细节的驾驭和艺术中的偶然性问题以外，它还同时具有艺术的特征，摄影的纪实性与艺术性往往是相互统一存在的。摄影艺术创作是艺术反映生活、表现生活的程序过程和归宿。即在创作过程中，分析研究和掌握该过程中，各个环节中的思维方式、观察方法、瞬间物化手段和艺术处理技巧等理论技法。换一句话说，摄影创作也是艺术家对生活作出即兴反应的前提和归宿。

（五）摄影艺术中的“再现”

摄影艺术在最初期，只是作为绘画等传统艺术形式的一种辅助工具而存在的，但为什么摄影又能在短短的百余年的时间内，脱离传统艺术形式辅助的功能，自成一派，形成一种新兴的艺术门类呢？这正是因为摄影有着对客观事物真实的记录能力，有着直观并且快捷的记录真实的能力，这是其他艺术形式所不能比拟的。

真实性与时效性是新闻摄影的根本，而这两点恰恰印证了摄影艺术创作过程中的“再现”。在新闻摄影创作过程中，创作者没有太多的时间去考虑拍摄角度，构图形式，以及被摄对象的状态，必须放弃思考与等待，更不可能要求相同的`新闻瞬间在以后的某个时刻再次发生，所以力求在最恰当的时间记录下最真实的瞬间。并且，在整个创作的过程中，需要创作者有一定的拍摄经验，也就是摄影瞬间的预见性和惯性，要做到不论最感人的瞬间是发生在被摄对象高潮的前期，中期还是后期，都可以凭借经验，准确且有效的把握住，最终将整个新闻事件再现于摄影作品中，以最真实，最快速的方式展现给观众，使新闻摄影作品达到一定的群众效应。

（六）摄影艺术中的“表现”

在人们的社会生活中，有意识的“人”作为社会形态的主体，往往在感知周围活动的过程中，或多或少的加入了自我的主观意识，从而让原本真实存在的物体，在人们思维传达过程中有了一定的变形，这种变形，正是我们对客观事物的思维再造，是一种自我思维意识的锤炼和升华。自摄影这门技术被发明以后，很多摄影创作者一直在探索摄影发展的各种可能。从十九世纪中延续到二十世纪，不断的有摄影者提出新的理念来争取艺术界的认同。怎样将源于绘画的摄影，提升到一个更高的阶段，是很多摄影创作者苦苦追求的。

艺术摄影作为审美意识的外化形式，强调创造性和独特性，侧重审美价值；社会纪实摄影作为人文精神的物化形式，强调纪实性和社会性，侧重历史价值。

现代摄影的观念，在艺术再现向个性和理念艺术表现相继的过程中，个性和理念的典型化专题选材到纪实、记录、文献等体裁的把握，从生活实体到形式格局，都以全新的角度、姿态和动意，寻觅到标新立异的现代艺术语言中，升华出个性视觉心态的传递方式。这是现代艺术的形象思维的运动发展，是在继续观察中去思考，不断捕捉心灵火花的过程；这一随意性朦胧的创作心态和手法，成为现代摄影的鲜明特点，就好像有一条无形的视觉艺术潜线，连带着主观控制的拍摄创意，技法表现和构成的创意、现代艺术意识和理念的独创、启发和诱导，从被拍摄实体的客观氛围，潜泳到达现代艺术摄影主观效果的彼岸。

⑦ 摄影从手机开始：04浅谈摄影艺术

摄影从手机开始-目录

1. 手机是最好的摄影入门工具
2. 手机和单反相机摄影的区别
3. 什么是好照片
4. 浅谈摄影艺术
5. 影响手机照片的关键因素
6. 曝光基础理论
7. 理解摄影构图
8. 掌握人像摄影构图
9.风光构图实战

要学习摄影，首先要回答一个问题，什么是摄影？什么是摄影艺术？摄影是光与影的结合，是光的绘画，是技术和视觉观察力的结合，是技术与艺术的结合。摄影是有意识、有思想、经过思考和提炼的艺术作品。

网络上面对摄影的解释是，摄影一词来源于希腊语，是“以光线绘图”。摄影是指使用某种专门设备进行影像记录的过程，也就是通过物体所发射或反射的光线使感光介质曝光的过程。这个定义一定是一个理工男总结的，因为他从科技的角度解释了摄影的技术原理，而忽略了摄影作品的内容的艺术特点。

摄影艺术是瞬间的艺术、视觉的艺术。摄影艺术是一门科学技术和艺术相结合的现代造型艺术，它是摄影者使用照相机作为创作工具，根据创作构思，运用摄影技术和技巧，按照摄影艺术的审美规律和特点，把人物或景物拍摄下来，再经过后期的暗房或软件处理，塑造出可视的艺术形象，反映人类社会生活和自然现象，表达作者的情绪、情感、思想的一种视觉艺术样式，也是艺术家对社会生活进行提炼、加工、改造的生活原生态艺术化的再现过程。

摄影艺术表现现实生活中的形象，具有直接、真实、具体、生动、鲜明的特征，使人从摄影作品中得到认识和感染，这是摄影艺术的特长和优势。摄影艺术主要有以下几个美学特征：

纪实性是摄影艺术独特的本质特性，是它区别于造型艺术其他门类而独立的基础。书法、绘画、雕塑、建筑等艺术形式都无法做到在短时间内记录人物或景物，只有摄影才能做到。生活中我们接触到的大量摄影作品，都是以纪实性为主要特点的。

一张黑白照片，片中一位小姑娘手拿铅笔，睁着一对大眼睛望着前方……这张名为《我要读书》的照片，推动了希望工程的发展，改变了数百万贫困家庭孩子的命运。

世间万物都是在不断发展变化、运动中，摄影艺术只能拍摄事物发展运动过程中的一个片段、一个细节、一个刹那。现实生活丰富多彩，瞬息万变，许多珍贵的瞬间是可遇而不可求的，机会稍纵即逝，所以创作的机遇显得十分重要。一副作品是否成功，瞬间的发现和抓取，起决定性的作用。

“现代新闻摄影之父”法国亨利·卡蒂埃-布列松创立了决定性瞬间理论。特指通过抓拍手段，在极短暂的几分之一秒的瞬间中，将具有决定性意义的事物加以概括，并用强有力的视觉构图表达出来。“在摄影中，最小的事物可以成为伟大的主题” 。布列松提出了摄影史上最着名的“决定性瞬间”观点。他认为，世界凡事都有其决定性瞬间，他以决定性瞬间的摄影风格捕捉平凡人生的瞬间，用极短的时间抓住事物的表象和内涵，并使其成为永恒。

布列松在梦露不经意间抓拍了这张照片，从这一凝固的瞬间里，人们看到了梦露的天生丽质和娴雅风度。

这张照片是布列松抓拍艺术中代表性名作。在前景中跳跃的男子，其身影恰好跟背后招贴广告中跳跃女郎相似，一前一后，互相呼应，相映成趣。这个拍摄瞬间，也就是布列松心目中的“决定性的瞬间” 。

《男孩》(1958)是布列松的一幅脍炙人口的名作。一个男孩的两只手里，各抱一个大酒瓶，踌躇满志地走回家，好像完成了一个光荣而艰巨的任务。照片中的人物，情绪十分自然真实。

摄影艺术在自己的发展过程中从其他造型艺术中得到借鉴，逐步形成自己独特的造型形式和典型化的方法。摄影家把自己的艺术构思，用高度的摄影造型技巧所摄的的形象，经过一系列暗房制作（胶片摄影时期）或数码后期处理（数码摄影时期）的工艺程序，所制成的画面（照片）称为“摄影艺术作品”。

构图、光线、影调（色调），为摄影艺术三种主要造型手段。它们赋予人们以丰富的形式感，有空间感、立体感、质感、运动感、节奏感等等。

构图是摄影成败的第一步，是为了表现照片的主题思想，对画面上的人或物及其陪体、环境的安排，最终达到主题突出的目的。构图的常见方法有九宫格构图、水平线构图、框式构图、斜线构图、曲线构图、三分法构图等等。

九宫格构图用三条线把画面平均分成9块，中心块上的四个点就是画面的黄金分割点，用来安排被摄主体都会让画面更完美。

水平线构图。水平横线象征着宁静、宽广与博大，在画面中能产生同样的感觉。海平面和地平线都是比较明显的水平线。

框式构图是利用前景中的物体将被摄主体框起来，既可以赋予照片纵深感，又有利于突出主体。

斜线构图能够表现动感、力量和方向，通常具有极强的动感，还能让画面有对称感。

曲线构图通常表现为优美、浪漫、优雅和变化，观赏者的眼睛很容易被这种线条所吸引而产生没的共鸣。在人体摄影和具有曲线特征的景物摄影时非常适用。

三分法构图是指把画面横向或竖向平分为三份，被摄主体位于三分线上，具有构图简练的优点。

光影是摄影的灵魂。无论是自然光还是人造光，掌握它们的特性是控制光线的必修课。光主要有四个特性：色温、方向、品质、反差。

色温主要来区分光源的颜色。晴朗无云的天空，在没有太阳直射光的情况下，标准日光大约在5200~5500K，白炽灯的光色是暖白色，其色温表示为2700K，而日光色荧光灯的色温表示方法则是6000K。

利用自然光进行拍摄时，由于不同时间段光线的色温并不相同，因此拍摄出来的照片色彩也并不相同。例如，在晴朗的蓝天下拍摄时，由于光线的色温较高，因此照片偏冷色调；而如果在黄昏时拍摄时，由于光线的色温较低，因此照片偏暖色调。利用人工光线进行拍摄时，也会出现光源类型不同，拍摄出来的照片色调不同的情况。

光的方向。根据光线与被摄物体的位置，光的方向可以分为顺光、逆光、斜光、半逆光、顶光、底光等等。只有在理解和熟悉的基础上，才能巧妙精确地运用这些光线位置。

1.顺光：光线的照射方向与照相机的拍摄方向一致。景物的色彩饱和度很好，画面通透、颜色亮丽。但缺乏立体感和塑形感，可以利用不同景深对画面进行虚实处理，凸显主体景物的层次感。

2.逆光：光线的照射方向与照相机的拍摄方向相反。景物的边缘有明显的光线轮廓，画面有明显的明暗反差，从而产生剪影效果。但被摄主体会因为曝光不足而失去细节。拍摄时尽量使用镜头遮光罩或是遮光板以防止镜头进光。

3.斜光：光线的照射方向与照相机的拍摄方向成45度的夹角关系。斜光是风光摄影中运用较多的一种光线，受光面构成明亮部分，背光面形成阴影部门，这种光线非常适合表现景物的层次感和立体感。

光的品质。取决于光源的大小和拍摄物体的距离。一个小的点光源拍摄物体的背后投射边缘清晰的阴影，大面积的发光体投射的阴影较为柔和，当它被移动到离拍摄对象足够远的时候，就变成一个点光源了。根据这个特性，光可以分为硬光和软光。

不同的光质有不同的物理特性，而这些特性也赋予了光线以情绪。硬光增大了背光面与受光面两者的反差，有很强的明暗对比，突出被拍主题的轮廓。硬光的光线更加集中、过渡快速，对比强烈，适合强势的画面，适合表现男性的力量和强壮；软光光线比较柔和，被摄主题没有明显的受光面，背光面和投影，软光的画面比较细腻，适合表现女性的柔美。

光的反差又称为对比。一般指摄影中，被摄场景的暗部和亮部的受光比例。在摄影中是画面的明暗反差。反差大则画面视觉张力强；反差小则柔和平缓。很多摄影人所说的硬调即是高反差，软调即低反差。

风光摄影的光比控制只能等待时间或等待天气，调整拍摄角度或者通过渐变滤镜来改变光比大小。而在人像摄影中光比的控制多采取人工干预。户外人像摄影，可通过反光板缩小光比，也可通过吸光板（黑色）增大光比。

影调，是指一张照片的明暗程度，照片明亮，浅色的部分多就是高调；照片整体深色，暗的部分多的照片就是低调。 不亮不暗的正常的照片为中间调 。

色调，是指拍摄的整体影像的色彩成分，偏重于哪种色彩，就是那种色调。色调容易带上情绪色彩。就像中国红，作为中国人情感哲学里的正面色彩。色调又分冷色调和暖色调，红色、橙色、黄色--为暖色调，蓝色--为冷色调，黑色、紫色、绿色、白色为中间色调。

自摄影诞生之日起，科技始终是摄影赖以发展壮大的基础要素，摄影的发展史，是技术和艺术并行发展的历史。其他的艺术形式，则对科技的依赖程度没有这么强烈，例如音乐和美术领域，二胡乐器在唐代已经定型，北宋时已经有了相当高的演奏技巧。在汉代发明纸张以后，画家用毛笔在纸上绘画，才逐渐演变成现在的中国画。

自达盖尔的银版摄影术开始，从湿版到干版，从黑白到彩色，从银盐胶片到数字，从单反到无反，每一次技术上的革新都为摄影家的创作带来了便利和变革。随着软件技术和AI智能计算科技的发展，将来手机的摄影功能更先进和智能，唯一限制的就是拍摄者的想象力。

希望大家能用好手机，拍摄出精彩照片。

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⑧ 如何让你的摄影作品更具艺术感

一、寻找灵感

艺术摄影创作的主体是丰富多变的自然、社会和人，这就决定了艺术摄影的创作过程充满了随机性、偶然性，不可能是某些思想、观念、技巧的简单重复和影响再现。

灵感是摄影者观察思考的突发性以外结果，它来源于摄影观察的客观世界，生成与摄影者的主观思考。丰富多变的客观世界可以引发摄影者的创作医院和激情，这样的激情处罚摄影者的表达欲望，而此时灵感的出现就成为可能。可以说，灵感的出现是意料之外，情理之中。灵感是给予摄影者启迪和推动创作的重要因素，反过来创作的极强又会迸发出新的灵感，艺术摄影表现的日臻完美就是在这样交互激励的过程中形成的。

灵感的出现源于摄影者的无边想象力，浏览各种创意作品以及其他文化，成为培养我们想象力的方法，而真正把握灵感并将其转化成艺术作品就需要艺术修养的技巧和支撑。

五、采样并置

依据类型学的原则，将同一主题，甚至是造型本身也极为相似的对象进行拍摄，然后组合成棋盘状的格局，或是成组的单幅照片，这种采样并置的手法在艺术摄影中较为常用。

我们发现采用采样并置手法的艺术摄影作品经常选择社会性的对象作为主体，如建筑、人的肖像等，而可以回避自然物品，这是因为，这种搜集、分类的方法是将自然科学研究的系统学移植到艺术摄影中的结果。如果直接选择动植物作为这类工作的主题，其结果会非常接近动物的分类目录，这不是我们艺术摄影关注的范围。

六、涂抹与修改

摄影图片获得的图像造型结实锐利，色调层次丰富，涂抹上去的手工笔触，即使是精心的描绘，也难于嵌入摄影的空间之内，显得专横而暴戾。尤其是当笔触充满手工的痕迹时，这种暴戾感就越强烈。美国与暑假赖利居室利用这一点制作了大批看似残忍的自画像，日本的荒木经纬也如法炮制很多作品。

⑨ 如何体现摄影的艺术性

1 纪实性特征
帮助达盖尔确立摄影术的法国国会议员阿拉戈，在摄影术发布的当天发表感言：“考古学家将从这项新技术中得到多大的好处呀！光把刻在底比斯・孟菲斯及卡纳克等地的巨大石碑上的象形文字摹写下来，就需要花20年的时间，还要有大批擅长描绘的工匠，而假如利用银版摄影术的话，那么只需一个人就能完成同样规模的任务……”在这段激昂的陈词里，阿拉戈所着重推介的是摄影术精确摹写客观事物的能力，也就是摄影艺术的“纪实”能力。“纪”，同“记”，所谓“纪实”，就是逼真、精确地表现现实生活中存在的各种事物或现象，摄影艺术的这一特征来源于透镜成像的共轭关系和感光材料的光敏特性，是摄影艺术的技术性所赋予的。在摄影术诞生之初，一名记者向没有见过摄影术的读者解释摄影为何物时，曾经形容为：“就像在马路上拿着一面镜子，周围的景物都极细致地反映了出来，然后把镜子带回家中，这些景物就永远留在上面了”。①这是对于摄影艺术纪实性特征的形象阐述。
摄影艺术的纪实性有着三个层次的不同内涵：首先，摄影艺术能够精确地复制客观对象，这时的纪实性表现为真实与逼真；其次，摄影主体必须亲临活动现场，即便是用摄影艺术表达摄影艺术家自我的情感，也必须在一定的现场拍摄其中的事物或现象，这时的纪实性表现为一种现场性；最后，摄影艺术只能表现一定时间和空间范围内的事物，对于过去和将来的事物没有表现能力，这时的纪实性又表现为一种现实性。②摄影艺术纪实性的这三个方面的内涵，对摄影艺术的本质和创作手法作出了规定，但在某些时候，如果刻意坚守纪实，又会对摄影艺术创作造成一定的阻碍。对此，摄影艺术界曾有过激烈的论争，部分新闻摄影专业人士坚持“写真纪实”的观点，认为人们之所以需要摄影，是因为它是对于真相的记录，照相机面对的必须是真人、真事、真景、真情，否则就不是“照相”，而是“照假”。他们还认为具体可视形象的记录，是摄影艺术的特点乃至生命所在，是摄影艺术自立于艺术之林的依据，摄影艺术的真实性和其他艺术的真实性是有区别的，其他艺术的真实性是概括的，可以虚构编造；而摄影艺术的真实性必须实现真人、真事和真场景这“三真”的统一，才能实现摄影艺术作品的美。另一些以艺术创作为主要方向的摄影人则坚持“技术纪实”的观点，他们认为写真纪实论只适用于新闻摄影，对艺术摄影而言，纪实只是一种自然属性，是由摄影艺术的技术条件所带来的，但这种纪实并不等于真实，真实也未必需要纪实才能实现，摄影艺术的真实性和其他艺术所要求达到的真实性一样，是必须发挥作者的主观能动性才能达到的。从摄影艺术的发展历程来看，如果没有萨洛蒙、布勒松等坚持写真纪实的摄影艺术家们的努力，今天的读者就享受不到那些决定性瞬间赋予眼球的冲击；而如果没有曼瑞、哈尔曼斯等摄影艺术家的奇思妙想，读者也就感受不到图片中异想天开的广阔世界。正当写真纪实论者与技术纪实论者争论得不可开交的时候，一些折中主义的理论家抛出了“广义纪实”和“狭义纪实”这两个概念。他们把“狭义纪实”界定为事实和形象真实的一致性，要求照片的内容必须是现实生活中的真人真事，必须忠实地记录当时特定的环境和人物的真实情景；“广义纪实”则是指在艺术摄影中，摄影艺术的真实性有着更广泛的含义，只要拍摄者选择的题材具有现实生活的真实性和典型性，就可以在创作过程中对素材进行加工，并创造条件完成创作。③
关于摄影艺术究竟应该具有怎样的纪实性，相信每位读者都有自己的见解。对于新闻摄影而言，纪实无疑就是“写真纪实”，图像与事实之间不能存在人为的、主观造成的差距。当然，由镜头特性或特定条件下的快门速度、光圈大小所造成的变形是可以理解的。对于艺术摄影来说，摄影艺术家必须在记录客观事物的基础上对图像进行一定的艺术变形，从而将自身的思想情感、审美理想和艺术情趣渗透到摄影画面的艺术形象中去。
新闻摄影的写真纪实是建立在技术纪实的基础之上的，在很多情况下，照片中的“真”只是一种表象，要真正地使纪实等同于真实，还需要摄影艺术家的精心选择、提炼与概括。因为在现实生活中，真善美和假丑恶总是交织在一起，有些看起来是真的事物或现象，却来自人为的操纵与控制，这时的“纪实”只能是一种“真实的谎言”。对此，法国摄影理论家吉泽尔・弗伦德在着名的《摄影与社会》一书中曾指出：“它（照相机）看起来既精确又公正。摄影比起其他任何媒介来都能更好地表达统治阶级的意志，并以那个阶级的观点来解释事件，因为摄影虽然极为逼真，但却具有一种虚幻的客观性。镜头，这只所谓没有偏袒的眼睛，事实上允许对每一事实进行可能的歪曲……。”而有些在我们看来再虚假不过的画面，却从宏观层面上表现着生活的真实，《穿着军装的天使》就是鲜明的例证。这张图片是侵华日军占领广东时摆拍出来的，表现的是一位“将难民视作自己母亲背往避难所的皇军勇士”，还附了这样一段文字说明：“这是我皇军真正的写照：占领广东当日夜晚，由于敌军放火焚城后逃逸，全城许多地方都陷于火海之中。在大火及浓烟密布下，许多城里的居民都收拾细软衣物开始逃难。在此情况下我军本着‘人饥己饥，人溺己溺’的人道精神，在尚未开始享受胜利的果实之前，就立刻卷起衣袖于海珠公园建立避难所，协助收容难民。”如果单从技术纪实的角度来看，这的确是一张纪实照片，但照片的内容却是日军为了欺骗世界舆论而耍出的卑鄙伎俩。
摄影的纪实性特征还常常使其成为一种鲜明、有力的证据。1906年，着名的“南昌教案”发生后，法国传教士诬称县令之死实为自刎，北京《京话日报》在3月29日的第570号刊登了南昌知县江召堂的遗体特写，并附文字说明――“江西南昌知县江大令召堂被天主教请酒谋杀，兇手便是劝人为善的教士。教士既下毒手，又肆口捏造情形，说是自刎。本馆再四辩白，今特把江大令受伤的照像，做成铜版，印入报内，请大众看看这样自刎的有没有。”这是中国第一次真正用照片报道重大新闻事件，也是中国新闻照片参与民族斗争的第一次。在现代法庭审判中，以摄影照片为代表的影像资料已成为重要的“呈堂证供”，因此，如今各家司法鉴定机构都在积极地招募、培训具有影像司法鉴定资格的专业人才，以鉴别这些影像证据的真实性。
2 瞬间性特征
摄影艺术纪实性特征的第三大要义，乃是“只能表现一定时间和空间范围内的事物，对于过去和将来的事物没有表现能力”，不论是在传统胶片时代还是今天的数字时代，这都是一条颠扑不破的真理，照相机所记录下的被摄对象，只能是快门从开启到闭合这一短暂时间内被摄对象的瞬间状态。摄影艺术的这一瞬间性特征，既赋予了自己一定的优势，也为自己带来了一些缺陷。
首先是与电视相比较而言的。20世纪40年代，电视从问世到风靡世界只用了几年的时间，到了70年代，它已经对报纸造成了强烈的冲击。1972年，曾因出色的摄影报道而拥有4

000万读者的《生活》杂志“36岁而亡”（《国际先驱论坛报》语）。电视的冲击，是其消亡的主要原因。与摄影相比，电视的优势主要表现在有声的动态图像上，而电视可以现场直播的特点，也使其比摄影报道更具时效性。
其次，摄影艺术的瞬间性特征也为摄影造假提供了较大的空间。事物的真实性是在时间的流动与空间的转换中体现出来的，例如丘吉尔在卡什的相机面前表现出狮子般的愤怒，并不意味着愤怒是其性格的主要特征（其实愤怒是每个人性格中都具有的一面），而摄影图片的造假者也可以利用摄影艺术的这种瞬间性特征，去摆布、导演出各种各样的瞬间，以证明某种现象或某件事物的真实性。
再次，摄影艺术的瞬间性特征给摄影艺术创作带来了一定的难度，人们常说摄影是一门遗憾的艺术，也是针对摄影艺术的瞬间性而言的。画家和文学家可以凭借对现场的回忆或他人的口述来重现现场，而摄影艺术家一旦错过一个精彩的瞬间，就再也不可能挽回了。玛格丽特・伯克・怀特曾说过：“当我在拍摄照片时，如果忽然有人跳出来挡住我的镜头，我会为此急得发疯――甚至会气得立刻把他杀掉！要知道，在一次采访中，最精彩的镜头往往只有一个，稍有延误，就会消失得无影无踪。”
虽然瞬间性会为摄影艺术带来上述缺陷，但它赋予摄影艺术的优势仍然是主要的。摄影的“代名词”――布勒松将摄影艺术中的瞬间称作“决定性的瞬间”，并以一生之精力来实践这一口号。摄影史上优秀的纪实类作品，大多以抓取了情态生动、富于张力的瞬间取胜。具体来说，瞬间性特征给予摄影艺术的优势主要表现在以下几个方面：
第一，类似于中国绘画中的“留白”，摄影艺术对于瞬间画面的截取，能够引发观众对于这一瞬间的前后两个时间段的联想，从而赋予摄影作品无穷的张力。
第二，作为唯一的一种能够以高度清晰的静止、凝固的形象来定格社会生活的技术手段，摄影艺术能够高度集中观众的注意力，使他们有时间、有条件也有兴趣对画面中的形象进行细致的观察和分析。摄影艺术家郑鸣的《望长城内外》就是一幅用凝固的形象来定格历史的经典之作，画面中的英国女王伊丽莎白和丈夫在长城观光时，不停地出现左顾右盼、目不暇接的动作以及不一致的惊喜表情，当两人再一次“分道扬镳”时，拍摄者毫不犹豫地按下了快门，一个耐人寻味的经典瞬间便被永远地凝固下来了。
第三，摄影艺术的瞬间性能够将三维空间的社会生活凝固在一个二维平面中，从而使作品比电视更易于阅读，也更易于保存。
瞬间是转瞬即逝的，正所谓“人不能两次踏入同一条河流”。也正是因为美好的瞬间一旦失去，就不可能上演第二遍，所以摄影是一门“遗憾的艺术”。这对摄影艺术家抓取瞬间影像的能力提出了较高的要求，一般来说，以手脚麻利、眼光敏锐、思维敏捷为基础的抓拍是获得精彩瞬间的前提，关于这一点，将在后面的章节中具体阐述。
3 图像性特征
摄影艺术之所以是摄影艺术，是因为它使用一种不同于文字的特殊的视觉语言来诉诸观众的眼球，这种视觉语言直观生动，容易为观众所接受。与文字相比，摄影艺术的视觉语言还具有一个极为重要的优势――超越地域界限，能够为不同国家、民族的观众所理解。在2006年3月举行的第二届中国国际新闻摄影比赛（华赛）评选活动中，来自俄罗斯的评委菲力克斯・施马格尔・阿拉诺维奇曾说：“图像不是方言，图像可以作为一种国际语言让人交流，这很有趣。”④
20世纪90年代开始，由于视觉图像传播在大众传播媒体上的广泛兴起，人们开始把今天的社会称作“图像时代”或“读图时代”，“图像取代文字”、“一图胜千言”等说法也应运而生，这实际上是人们对于摄影艺术图像性特征的一种误解。不管是视觉语言还是文字语言，传递的都是信息，图像或文字只是信息传递的载体和媒介，究竟是用图像还是文字来传递信息，要根据信息本身的特点来进行选择。譬如会议新闻报道，我们可以选择文字来传递其中的重要信息，如决策、决议等。摄影的手段则主要用于表现会议中的一些新人物、新现象，或是抓取会场上的精彩瞬间以改变会议报道冰冷、僵硬的传统面孔。
要想充分发挥摄影艺术的图像性特征赋予其自身的优势，摄影师必须在拍照时通过各种方法来强化照片的视觉效果。之所以讲求构图、用光与色彩，为的也正是这个目的。在这里，着重介绍“视觉冲击力”这一重要概念。从画面的视觉效果这一角度来看，优秀的摄影图片大概可以分为两种：一种是意境深远，回味悠长的，这类图片的画面并不是十分“惹眼”，但由于具有深刻的主题，观众能够在细细品味中发现它的艺术魅力；另一种是不需要观众进行什么思考，直接在画面的结构上就能获得强烈的视觉感受的，摄影图片所具有的这种能力就是视觉冲击力。
在竞争态势异常激烈的现代媒介环境中，发挥摄影艺术作品的视觉冲击力已经成为平面媒体克敌制胜的重要法宝，大幅封面版图片的运用就是强化视觉冲击力的手段之一。
要强化摄影艺术作品的视觉冲击力，需要摄影师从内容和形式两个方面着手，而惊心动魄的内容能够引人入胜，即使不具备奇特的形式也能够造成强烈的视觉冲击，如亚当斯的《枪毙越共》和迈克・韦尔斯的《乌干达干旱的恶果》。这就要求摄影师注意选择那些信息量大、感人至深并具有强烈象征意味的瞬间；富有情调、幽默诙谐或是气势恢弘的场景也能够强化摄影艺术画面的视觉冲击力；而使用广角镜头、靠近拍摄、转换视角等技术手段，同样能够使画面产生奇特的效果。
除了纪实性、瞬间性和图像性之外，摄影艺术还具有一种物质性或称技术规定性的重要特征，在第一章“摄影艺术必须以技术作为依托”一节中，我们曾对科技与摄影艺术发展的关系作过详细的论述。简而言之，摄影艺术是一门对技术手段和物质条件有着高度依赖的艺术，摄影艺术的发展，始终与摄影器材的发展密切相联，这是任何人也无法更改的必然规律。