怎么画艺术品用颜料

⑴ 用什么材料来画艺术品。

题主问的是什么呢？一般架上绘画材料有丙烯和油画颜料，还有我国传统水墨，油漆和喷漆用于涂鸦绘画。颜料大致可分为化学颜料和矿物颜料。

⑵ 画数字油画的技巧

数字油画

数字油画，又名数字彩绘和编码油画，是通过特殊工艺将画作加工成线条和数字符号，绘制者只要在标有号码的填色的区内填上相应标有号码的颜料，就可以完成的手绘产品。数字油画具有很强的装饰性和独特的艺术魅力，它并不是简单意义上的填涂，它的`魅力在于每个人都可以运用自己独特的绘制方法来完成画作，运笔方式的不同使得每幅画作都有它独特的生命，也就是说每幅画作都是独一无二的原创艺术品，而消费者得到了不仅仅是真正的艺术的体验，更加是DIY乐趣。

画数字油画的技巧

1.从浅色开始涂起，比如白色，淡黄色等。由于丙烯颜料有覆盖性即使画错也无妨，可以等颜料干后深色覆盖修改。

2.建议涂两遍颜料，浅色由于不好覆盖黑色数字可以涂更多遍，但要等颜料干了再重复涂色。颜料尽量厚重些，这样更有油画的效果，并且尽量保持笔划的一致方向。

3.涂颜料时请注意要做到颜色压颜色，将色块的黑色线条覆盖，保证油画的真实性哦。

4.丙烯颜料容易干，用多少就从吸管里挤多少，这样既可以保证密封性，又防止颜料干化。但丙烯颜料有水溶性，即使颜料干可以兑水溶解。

5.绘画结束后颜料干透后涂亮光剂，亮光剂的作用可以使颜色更加亮丽并且凸显油画的笔触。另外在画面上形成一层保护膜，避免时间长久不好清理的困扰。

6.亮光剂只需薄薄一层，涂上后放在通风处24小时晾干即可。这个步骤可根据个人喜好，因为丙烯颜料原本就有一定的光泽，亮光剂只是在时间上保证了长久性。

⑶ 拇指画(手指画)用什么颜料去画

拇指画用水粉颜料，沾在手上画就可以了。

手指画有专用的手指画颜料。一般也可以用水粉颜料、国画颜料，无毒的人体彩绘颜料、丙烯颜料、纺织颜料、绘画颜料等代替。

自制手指画颜料配方：
1、3勺糖（汤勺）
2、半勺盐、半勺淀粉
3、一杯面粉（杯子就用饭锅里的量杯）
4、一杯水
5、食用色素
制作方法：
1、将所有原料搅拌均匀（色素除外），加入水，彻底搅拌成面糊，不留任何小面疙瘩。

2、倒入锅中，小火烧15秒，一边烧一边搅拌，让淀粉和糖发挥作用。

3、面糊分装入瓶，滴入食用色素，开始调配想要的颜色。

自制的颜料保质期1个月，想保存长些就多放些盐。因为保存期短，要尽快使用。糖的作用是增加粘度，淀粉是保持分子稳定，盐是保持色劳度和保质期更长。

(3)怎么画艺术品用颜料扩展阅读:

指画起源新说

——源于岩画的一个佐证

指画起源于唐·张_“以手摸绢素”说，沿袭已久，各种研究指画的书籍里都在引用不疑。为什么张_会在这时候突发奇想“以手摸绢素”？他的手指画有何奥妙？他之前有没有人“以手”作画？

在秦砖汉瓦的砖上，有人发现了真人手纹印和足印，那手、足印，实际是用手、足直接“创作”的艺术品——指画、足画，这应该在唐代以前就有了。

那时并没有“笔”，除了用锐器（如尖石头、木竹片、骨头等）凿刻外，就是用手指直接在陶器上“作画”。

这石板上的画，就是后来发现的史前岩画。

1998年，我曾在山西吉县柿子滩比较近距离地观察过那里关于人祖生殖繁衍的岩画，很为那些先民艺术品的制作方法感到惊讶。不久，我在一家书店翻阅到一本精装本彩印《岩画》，这是一部以图例为主的书。

在新疆富蕴县离城约60公里的喀啦布勒根乡唐巴勒塔斯村，海拔1020米的半山腰山崖上，离地面25米处，有一洞窟，高11.5米，深11.8米，宽20米，洞口向日出的东方。在这一洞窟中，有一个突出现象是两个手印。

这是因为古代生产力十分低下，每前进一步都要付出极大劳动，先民们用勤劳的双手奋力苦斗，披荆斩棘，不断取得新的成绩，他们必然对手的神异功能产生十分崇拜的感情，把手看作取得一切胜利的象征，所以不仅在富蕴县的洞窟中赭绘巨大有力的手掌形，在哈巴河县洞窟及其他岩刻上也常见手掌形（《新疆岩画》24页）。

手印岩画遍布全世界，在新疆天山南北各条大山中的岩画上都可找到手掌形。据陈兆复教授说，世界各地手掌形的描绘方法。

“例如，西班牙的卡斯特罗（Castallo）洞窟，在巨象、野牛、牡鹿等动物画的周围，有成群的手印，也有把手印直接印在动物的形体上的。

法国西南部诸洞如加加斯（Cargas）等发现尤多，数目可达100个以上，澳洲土人的洞窟壁画和美洲印第安人的岩画中，也时有发现”。

可知世界各地的手印很多。在亚洲泰国鸟汶府孔尖县拍店的岩画上，发现有将近200个人手掌图，大人和小孩的都有，呈红色或深褐色或黑色。

离拍店不远的拍蒙地区，岩画上也有人手掌图。而在中国陕西新石器时代遗址中已发现有手掌印。赵国华先生认为“这伸张的五指和手掌纹，既是表示‘五’，‘极多’。

结合到岩画，五综纹饰的内涵，我们便可以判定原来是祈求生殖繁盛，人口多多增长”（以上均引自苏北海着《新疆岩画》555页）。

岩画，是文字产生之前最早系统地记录人类生存活动、人类经济形态、思想意识、先民赖以生存的自然环境的艺术体现，它反映先民从野蛮到文明的复杂进程面貌，那些作品古朴苍拙、高度抽象、极其简练，非常传神。

它是生活原生态的实录，又是高于生活的原始艺术珍品，为研究后代指画的发展提供了参照实物。

在新石器时代的彩陶器上，先民们用研石磨细赭色、褐色和黑色等矿物质，再溶入水中，然后直接用手指当工具在陶器的外壁上勾勒点缀纹饰借以表现他们的观念意识。

还有那些留在岩石上的‘狩猎图’，这种人类蒙昧时期用手涂于岩壁上的‘艺术兴趣’，就是最原始的‘指画’吧”（2007年第一期《中国指画》09页吴润龄：《原生态与手指画》）。

综上所述，对指画追本溯，追到岩画时代，并非本人的一己之见。至于指画发展到清代，有高其佩掀起了指画高峰，指画大师虞小风已经有翔实的论述，就用不着我在此赘言了。

⑷ 如何手绘T恤 3种方法来手绘T恤

目录方法1：使用画笔1、找一件纯色的T恤，洗一下，以免缩水。2、找好制作的地方。3、在T恤里放一块硬纸板。4、使用布绘颜料画上你的设计。5、晾干颜料。6、取出纸板。7、大功告成。方法2：使用模板1、洗干净T恤，防止缩水或板结。2、腾出工作区域。3、在T恤里放一块硬纸板。4、放置模板，务必要放好。5、将颜料挤在纸盘上。6、将油漆涂在泡沫刷上。7、将颜料轻轻涂在模板上。8、在颜料干之前取走模板。9、将颜料完全晾干，看情况可以用熨斗熨。10、取出T恤里的纸板。方法3：使用喷漆1、洗T恤，避免缩水。2、将折叠后的报纸或纸板塞进T恤内，防止喷漆渗到T恤背面。3、放置模板，必要时确保其固定。4、去通风的地方准备。5、给T恤喷漆。6、在上第二层涂料之前让油漆晾干15分钟。7、在取下模板、报纸或纸板之前，让油漆再晾干10到15分钟。8、将T恤再晾干几分钟。想穿一件特别的T恤去参加派对、集会或活动却怎么也找不到？或者想在一个无聊的夏日找点事情做？为什么不手绘一件T恤呢？手绘是一个绝佳的方法，能将平平无奇的T恤变得特别而有创意。手绘T恤的方法有很多，从自己动手到使用模板喷漆！无论选择哪种方法，你最后都会做出富有创意的独特T恤。
方法1：使用画笔
1、找一件纯色的T恤，洗一下，以免缩水。即使T恤上的标签注明经过了"预缩"处理，还是洗一下比较好。这样可以防止出现板硬，不好上色。
2、找好制作的地方。在桌上铺上报纸，把碍事的东西挪开。放几张纸巾（用于吸墨）和一杯水（用于漂洗画笔）也是一个好主意。
3、在T恤里放一块硬纸板。纸板的尺寸应与T恤大致相同。把纸板轻轻滑进T恤，不要折叠。这样可以防止颜料渗到T恤背面。你还可以叠几张报纸。必要时也可以使用旧杂志或广告传单。
4、使用布绘颜料画上你的设计。如果不敢直接上手画，你可以先用模板和记号笔勾勒，然后再填充。考虑使用不同形状和尺寸的画笔; 平刷可以画出漂亮利落的边缘，尖刷则非常适合描绘细节。如果你的设计中要用到多种颜色，比如笑脸，那就得先涂背景颜色。等颜料晾干后再做细节处理。
使用专为布料上色的画笔。这类刷子通常由尼龙制成，刷毛较硬。不要使用天然毛刷，如驼毛，因为太软的刷毛无法承载厚厚的颜料，画出漂亮的图案。
5、晾干颜料。如果着急，可以用吹风机加快晾干速度。在颜料完全晾干之前不要取出T恤里的纸板。颜料晾干后，你可以将T恤翻转，给背面上色。纸板放在T恤内，将颜料晾干。
6、取出纸板。如果颜料粘住了纸板，不要惊慌。只要用手指在T恤和纸板间轻轻拨动一下，就可以把它们分开了。完成后扔掉纸板，或者也可以留到下一次染色时使用。
7、大功告成。
方法2：使用模板
1、洗干净T恤，防止缩水或板结。这样可以让颜料更好地在T恤上染色。
2、腾出工作区域。在桌上铺满报纸，还可以在手边放一些纸巾，一纸杯水和纸盘（或调色板）。
3、在T恤里放一块硬纸板。这样可以防止颜料浸到T恤的背面。如果没有纸板，也可以折一些报纸或旧杂志。一定要铺平了。
4、放置模板，务必要放好。可以用布绘专用模板或普通模板，也可以用薄塑料、冷冻纸或卡纸制作模板。甚至可以用绘画胶带来画几何图案！确保模板在T恤上放平，否则颜料会从模板边缘下方渗出。如果你用的是布绘专用模板，它背面可能会比较粘。你要做的是把它弄平。
如果你用的是普通模板或自己做的模板，把可重复使用的胶水喷涂在模板背面，再把模板压紧。
如果用的是冷冻纸，把纸的亮面贴在T恤上。在T恤上画完后再撕掉冷冻纸。
5、将颜料挤在纸盘上。如果你要用到各种颜色，最好找一个大纸盘，或者几个小纸盘，每种颜色放一个。
6、将油漆涂在泡沫刷上。也可以用迷你油漆滚筒（最好是橡胶材质）来上色。最后，你也可以用画笔，适用于较为精细的模板。
7、将颜料轻轻涂在模板上。不断轻轻地涂抹，直到把想要的范围都涂上色。如果你用的是油漆滚筒，只需将其滚动即可。试着向内上色，从模板的边缘向中间移动。这样可以防止颜料从模板底下漏出。
8、在颜料干之前取走模板。布绘涂料在变干的过程中会形成一层厚厚的涂层，如果取模板的时间太晚，颜料就会有裂缝。
9、将颜料完全晾干，看情况可以用熨斗熨。这样可以让图案更持久。在你设计的图案上放一块棉布，用熨斗熨平。
10、取出T恤里的纸板。现在可以穿着它出去炫耀啦！
方法3：使用喷漆
1、洗T恤，避免缩水。即使T恤上表明已经"预缩"处理，但还是洗一下比较好。而且T恤上会涂有板硬的材料，使其摆在商店里的时候更易铺平。这种板硬的材料使得油漆不易粘附。
2、将折叠后的报纸或纸板塞进T恤内，防止喷漆渗到T恤背面。报纸或纸板要足够大，适合T恤大小，不用拉扯。一定要抚平上面的褶皱。
3、放置模板，必要时确保其固定。你可以用布绘专用模板或普通模板，也可以用薄塑料，冷冻纸或卡纸自己制作模板。你甚至可以用绘画胶带来做人字形条纹！模板要平放在布料上，不然颜料会从边缘下方渗出，使图案模糊不清。如果你用的是布画专用模板，它背面可能会比较粘。把它按在T恤上弄平。
如果你用的是普通模板或自己做的模板，将可重复使用的胶水喷涂在模板背面，再将其按在T恤上。
如果你用的是冷冻纸,将纸的亮面贴在T恤上，然后用未加热的熨斗按压。
4、去通风的地方准备。在户外进行是最理想的，如果不行的话，找一个窗户很多的大房间，打开窗也可以。在工作区域多铺一些报纸，穿上旧衣服或围裙。最后，考虑一下戴副塑料手套，喷漆会把一切搞得乱七八糟。如果你在室内工作感到头昏眼花，休息一下，到户外呼吸新鲜空气。
5、给T恤喷漆。首先，摇动罐体30至60秒，让罐子与模板保持15至20厘米的距离。长时间来回喷涂。不用担心喷涂不够厚，你可以再多喷一层或两层。喷涂之前使用透明密封层。这样有助于你在绘画时更好地控制喷漆，防止其渗入布料。喷涂漆之前确保密封层干燥。
6、在上第二层涂料之前让油漆晾干15分钟。你可以用吹风机加速烘干。等油漆变干后，开始喷第二层；现在你应该会看到油漆变厚了。如果你愿意，可以用不同的颜色进行部分喷涂，得到扎染效果。
7、在取下模板、报纸或纸板之前，让油漆再晾干10到15分钟。取模板时要非常小心，因为部分油漆可能还是湿的，尤其是边缘部分。与布绘颜料不同，你可以等喷漆干燥后再取模板。这是因为喷漆不会像布绘颜料那样形成厚厚的层，使图案出现裂缝。
8、将T恤再晾干几分钟。晾干后就可以取出纸板，穿上T恤了。
小提示纯棉T恤效果最好。
如果觉得布绘颜料太贵，可以试一下添加“布料介质”的丙烯颜料。这两种颜料在工艺品商店都有售。
你可以在艺术品或工艺品商店里买到纯色T恤，喷漆，布绘颜料和模板。
用冷水清洗手绘T恤。最好手洗。让它自然风干。
使用不规则形状的海绵来上色。将海绵撕成简单的形状，蘸一些布绘颜料。用海绵轻轻将图案印在T恤上。
你可以用普通模板或“负模板”。普通模板是镂空的薄片，你在镂空的形状内作画。负模板本身是形状，你在它周围作画。
如果你的手比较稳，可以用模板和记号笔直接把图案画到T恤上。用画笔小心地填充图案。
如果T恤老是移动，把它钉在纸板上。
如果你用的是负模板，考虑用蘸有油漆的橡皮擦在模板周围标上圆点。
你可以使用自粘纸或冷冻纸制作负模板。
取一枚印章，或把柠檬切成两半，浸入油漆中，然后按在衬衫上。
警告手绘T恤不持久，时间久了图案会褪色。
你需要准备

⑸ 画数字油画的技巧

画数字油画的技巧

数字油画，又叫数字彩绘和编码油画或色块画。通过先进的特殊工艺分色处理技术将画作、图案相片等进行加工处理，经十几道工序制作而成将原本的画作加工成线条和数字符号。下面我给大家介绍画数字油画的技巧，希望对大家有所帮助，欢迎阅读!

数字油画

数字油画，又名数字彩绘和编码油画，是通过特殊工艺将画作加工成线条和数字符号，绘制者只要在标有号码的填色的区内填上相应标有号码的颜料，就可以完成的手绘产品。数字油画具有很强的装饰性和独特的.艺术魅力，它并不是简单意义上的填涂，它的魅力在于每个人都可以运用自己独特的绘制方法来完成画作，运笔方式的不同使得每幅画作都有它独特的生命，也就是说每幅画作都是独一无二的原创艺术品，而消费者得到了不仅仅是真正的艺术的体验，更加是DIY乐趣。

画数字油画的技巧

1.从浅色开始涂起，比如白色，淡黄色等。由于丙烯颜料有覆盖性即使画错也无妨，可以等颜料干后深色覆盖修改。

2.建议涂两遍颜料，浅色由于不好覆盖黑色数字可以涂更多遍，但要等颜料干了再重复涂色。颜料尽量厚重些，这样更有油画的效果，并且尽量保持笔划的一致方向。

3.涂颜料时请注意要做到颜色压颜色，将色块的黑色线条覆盖，保证油画的真实性哦。

4.丙烯颜料容易干，用多少就从吸管里挤多少，这样既可以保证密封性，又防止颜料干化。但丙烯颜料有水溶性，即使颜料干可以兑水溶解。

5.绘画结束后颜料干透后涂亮光剂，亮光剂的作用可以使颜色更加亮丽并且凸显油画的笔触。另外在画面上形成一层保护膜，避免时间长久不好清理的困扰。

6.亮光剂只需薄薄一层，涂上后放在通风处24小时晾干即可。这个步骤可根据个人喜好，因为丙烯颜料原本就有一定的光泽，亮光剂只是在时间上保证了长久性。

⑹ 在团扇上画画除了水粉还能用什么材料

还能用丙烯颜料。

丙烯颜料一种绘画颜料，由溶解于矿物油精中的聚甲基丙烯酸甲酯（见ACRYLIC RESIN）所制成的分散性颜料，有时称它们为纯丙烯颜料或可塑颜料，以区别于含有丙烯和其他水溶性树脂所制成的聚合颜料。

丙烯颜料不会发黄且速干，很容易用矿物酒精或松节油洗掉，这些特点使它们适用于绘画保存工作中的补画（INPAINTING），用以修补损毁或遭到涂抹的部分。添加了增塑剂（PLASTIC IZER）的管装丙稀颜料，被厂家冠以马格纳（magna）颜料的商品名称出售。

类似的还有一种不溶于松节油和矿物酒精，称为马格纳上光油的特殊乙烯基树脂（vinyl-resin）溶剂。由于马格纳上光油具有丙稀颜料易溶以致无法反复涂绘的特点，所以亦可作为隔层油（ISOLATING VARNISH）使用，在油画中也能发挥相同作用。

(6)怎么画艺术品用颜料扩展阅读：

丙烯颜料的特点：

1、可用水稀释，利于清洗。

2、速干，颜料在落笔后几分钟即可干燥，不必像油画作品那样完成后需等几个月才能上光。喜欢慢干特性颜料的画家可用延缓剂来延缓颜料干燥时间。

3、着色层干后会迅速失去可溶性，同时形成坚韧、有弹性的不渗水的膜。这种膜类似于橡胶。

4、颜色饱满、浓重、鲜润，无论怎样调和都不会有“脏”“灰”的感觉。着色层永远不会有吸油发污的现象。

5、作品的持久性较长。油画中的油膜时间久了容易氧化，变黄、变硬易使画面产生龟裂现象。而丙烯胶膜从理论上讲永远不会脆化，也绝不会变黄。

6、丙烯颜料在使用方式上与油画的最大区别是带有一般水性颜料的操作特性，既能作水彩，又能作水粉用。

7、丙烯塑型软膏中有含颗粒型，且有粗颗粒与细颗粒之分，为制作肌理提供了方便。

8、丙烯颜料有毒，但对人体不会产生伤害。只要小心不要误食就行了。

⑺ 儿童画教程｜颜料喷溅表现激情动感《砰砰砰！酒瓶碎了！》

课程准备

1.课程类型 少儿趣味美术课程

2.参考课时 90分钟

3.工具材料 素描纸、记号笔、水彩笔、颜料

课程构思

酒，是一种无论古今中外都流行的饮品，酒的种类多样，有葡萄酒、啤酒、白酒、米酒等等，世界各国的人民对酒的热爱从古至今，随之，也催生了多种多样的酒瓶设计。小朋友们，你们知道吗，酒瓶作为一件玻璃制品也是有着它独有的美感的哦，当人们将啤酒喝完后，很多人会选择丢弃，但在国外有很多艺术家将啤酒瓶废物利用，使用丙烯颜料等绘画材料给它们进行装饰，普通的啤酒瓶就能摇身一变，成为一个别出心裁的艺术品。不仅如此，酒瓶有着它易碎的特性，当它碎裂时，酒液四溅，玻璃炸开，因为这一动感的场面极具冲击力，所以设计师们也会将这样的画面用于平面设计中，给人们视觉上带来另类的享受。在今天的的课程中就让我们以酒瓶为主题，结合剪贴、吹墨等多种技法，设计一款漂亮的酒瓶，同时绘制出酒瓶碎裂的一瞬间的动感场面，在锻炼小朋友们色彩搭配能力、装饰能力的同时，培养小朋友们发现生活中的美，抓住美感瞬间的意识，然后我们一起来看看参考教程吧！

情景描述

与一般的美不同，酒瓶这一玻璃制品碎裂的一瞬间，伴有危险、伴有凌乱感、伴有力量感，伴有所有我们视觉能接受的最大冲击力，这一富有动感的画面为许许多多中外设计师使用，让我们拿起画笔，一起来画一画这一经典的设计构图吧！

教学重难点

1.绘制酒瓶的外形，并用丰富的色彩进行对酒瓶的装饰。

参考和观察酒瓶的各色造型，抓住酒瓶的特点绘制出一支完整的酒瓶。酒瓶的形态多种多样，有长条形，有圆形等等，但是无论酒瓶肚的形态如何，酒瓶都是保持着上窄下宽，瓶口圆窄的特点的。在绘画时，选择一款自己喜欢的啤酒瓶外形进行绘画。

2.运用富有想象力的花纹和色彩，为啤酒瓶进行装饰，体现花纹和色彩的美感。

当人们将啤酒喝完后，很多人会选择丢弃啤酒瓶，但在国外有很多艺术家将啤酒瓶废物利用，使用丙烯颜料等绘画材料给它们进行装饰，普通的啤酒瓶就能摇身一变，成为一个别出心裁的艺术品。在绘画的时候，你也可以大胆地展开想象，为啤酒瓶装饰美丽的花纹和色彩。

3.学习运用吹墨的趣味技法，结合剪贴的手法模拟酒瓶炸裂，液体四溅的动感，塑造出冲击力十足的画面。

将彩墨滴在画面中合适的位置，用吹墨的技法使得液体在平面上不规则地流动，模拟出液体溅射的质感；使用剪刀剪出不规则的裂口形态，并剪出碎片型，模拟玻璃碎裂时的质感，两者结合，我们酒瓶炸裂、液体溅射的画面效果就出来啦，小朋友们一起试试吧！

绘画教程

准备一张素描纸

用记号笔在纸上画出啤酒瓶的外形

用记号笔以点线面的方式

为啤酒瓶装饰富有美感的花纹

用水彩笔为啤酒瓶花纹进行涂色

运用邻近色、对比色进行搭配体现色彩的美感

用剪刀沿着轮廓

将画好的啤酒瓶剪下来

准备彩墨或者水彩颜料

在纸中心吹出啤酒四溅的液体

将剪下来的啤酒瓶从中间不规则剪开

并剪出一些碎块体现玻璃碎片

将剪碎的啤酒瓶

粘贴固定在喷溅的颜料上

课后点评

⑻ 请问网上哪里可以学到用颜料作画的技巧

先学几何.买书回来临摹.
注意透视和明暗.
学的还可以的时候就买静物书临摹.
觉得还可以了就写生.画画自己家里的瓶瓶罐罐.
等画好这些了.就去找个班跟着学.
但是一定要注意.一定要正确的.
有一些不好习惯,一旦养成,是很不好改的.
所以我劝你还是找个老师学.

打好基础了,在自己学.
素描，简而言之就是单色画。却又不尽然，毕竟素描涵盖与牵连的东西太多，解决的问题也太多，素描过程是同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。当今美术院校各专业都把它作为基础课，虽然各专业的侧重点不同，油画重体积、调子，国画重线条，版画、设计重结构等；但素描的共性是差不多的。同时，素描作为独立的艺术种类，自有其独特的艺术价值，当然，专门的素描艺术家并不多，大都是兼职者，如诸位大师们，他们寥寥几笔的创作草稿就已经价值不菲，你根本不用分是基础性强的速写还是独立的艺术品。这些即便看似寥寥几笔的素描作品，其后面的功力也非常了得，有时随便一条起伏弯曲的线条，体现的却是艺术家对形体、结构、特征、节奏、韵味、艺术史的深刻理解与掌握，于其背后的艰辛也自然不言而喻了。

下面谈谈本人对素描的理解，又或者可以说是十几年来教与学的体会。下面几部分有内容上的交叉，这是素描的综合性决定的，每一部分只是素描综合体中的一个理解侧面，它们的关系是分解与重组。

1. 理解多少就能表现多少

总体来讲，素描是很理性的，素描的过程是脑、眼与手高度结合的人的活动。大脑是总指挥，充实的理性显得尤为重要；眼睛偏感性，生动、鲜活，但常常出现片面与误差；手只是实现脑眼商量的结果的工具，只要听话就行了，属于技术类（当然还有其它工具）。所以大脑要不断地学习与思考，只有思考才会有创新，会思考是人区别于动物的最大特征。首先，要学美术史，了解美术的发展过程，了解诸大师独特的成长过程、艺术理念、风格区别及技巧表达，经过不断评判思考后才能给自己正确地定位，促使自己更好地发展，从而避免茫然失措和重复浪费；学习素描就不能不学习达?芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、丢勒、鲁本斯、康伯夫，仅仅知道契斯恰科夫是不够的。解剖学、透视学诞生给素描注入了更多的科学理性因素，而解剖学、透视学这两门学科就需要花时间精力去学习与掌握，比如：表现一个人，仅仅了解表面的轮廓起伏而不知道其下的骨骼构造、肌肉走向作用及视觉上的透视变形是不行的；每画一条线、一个起伏都要能体现解剖学和透视学知识，这些内在知识能使素描作品更深刻、更完整。构图知识使素描作品更趋于完美和个性化，更有画面感、更有艺术性。对结构、特征、比例、形体、朝向、节奏、对比、点、线、面等要素的熟练运用与驾驭，无疑对素描的充分表达起到深度与广度的关键作用，几何概念的把握与深入塑造技能又起到画面的宏观与微观的调控作用。照相机的发明、网络时代的来临使素描从客观的世界中解脱出来，从而更关注后工业化人的思想情感的无限空间，素描更呈现多元风貌。

显然，拥有如此丰厚的知识储备，你就要做个优秀的指挥家 ，而且要在直觉、激情中尽情地艺术表现。

2. 基础·能力·素质

素描是造型艺术的基础，素描学习训练的目的在于培养学习者正确的认识能力、观察能力、造型能力、表达能力和审美能力，宽厚扎实的基础已经成为进入艺术殿堂必备的素质，就如同高楼大厦的根基，厚实、深藏、无华；也像武术中的站桩功，站都站不稳，“功夫”也只是个花架子。初学者学习素描一定得沉住气耐住寂寞，要能吃苦，要有难度意识，冰冻三尺非一日之寒，古人百步穿杨、庖丁解牛也非一日之功。但光凭理头苦干是不行的，要有意识地培养自己正确的观察与表现能力。观察方法通常指整体与比较，如：眯着眼睛看大体，在整体中比。而细节特别是精彩的细节却要瞪大眼睛地近距离观察，而且你描绘的如是正面，最好从侧面或顶部来观察物象，这样多角度的立体考察对表现物象的结构、起伏、特征、转折是有帮助的；要能敏锐地判断感悟到表达对象独特的形象特征、精神气质，能从平凡中发现美的形式、美的韵味，并能迅速地选择相适应的又是自己的方法加以表现、处理。素描作为一种绘画形式，有其自身的艺术生命力，单凭“基础”两字已难以容纳素描的全部意义，它不单是打基础那么简单。有时，培养良好的审美素质，可以为一生的艺术活动奠定基础。

3. 基本功与创造力

基本功好，是不是就创造力强呢？不一定。事实上很多优秀的艺术家的基础功并不很“扎实”，特别在艺术走出现代派进入后现代的当今，创新观念成为主流。但在我国，那种只顾埋头拉车不抬头看路的纯技术“人才”还大有人在，这也可以说是我们基础教育的一大通病。我们之所以要搞素质教育，现在又要推进基础教育的课程改革，主要是针对我们人才的创造力的普遍低下这一致命问题的。我们不缺扎实的基本功，而且可以说世界领先，我们缺的是领引世界的原创力。所以，处理好基础教学与创造性思维的培养两者之间的关系就显得非常重要。现在，有必要更新我们的基础观，打基础不只是死记硬背、机械重复训练，也可以是广泛的阅读、欣赏、见识、交流、合作、讨论、调查、综合、比较、怀疑、探究、想象、创造、逆向思维、发散思维、打破常规等，在日常学习生活中逐渐培养创造力。打素描基本功与训练创造力应该是可以同步的，因为素描负载着全部有价值的艺术信息，也包含创造力，艺术的本质就是“创新”，回顾一下美术史就清楚∶只有具备创新价值的艺术家才能被记载。所以，要做个学艺上的有心人。

4. 关于主动性

学习素描的主动性，一是指行动上的积极实践，二是指思维上的勤于探索。二者合二为一，光说不练不行，光练不想也不行。我们常说某人学习很主动、作品很有想法，就有这意思。即使是初学素描，也不能纯客观地再现，一定要加入自己的主观感受、理性理解和主观处理。以通过学习素描来感受生活、认识艺术。要用自己的大脑来思考，要用自己的眼睛来看世界。主动性是一种学习状态，一种会自觉寻求各种方式获得知识、能力的方法，要珍惜利用书店、图书馆、网络、美术馆、博物馆等学习资源，不要太依赖你的教师，要能积极自修，勤于动脑，放眼世界，要会主动地对各种信息进行知识分类、归纳、批判、取舍。在多元中不迷失自己，在前进中不断学习。

5. 到位与拉开

“到位”的内容包括构图、结构、特征、形体、比例、朝向、节奏、力度等等，到位是一种基本功、一种能力，它同我们通常听到的“准确”、“逼真”的意思并不完全相同。“到位”更多地是指主观感受、艺术上的到位，层次要高一些，主观的发展空间也大些，就是“真实”也只是艺术上的真实。“拉开”则是一种人文素质，一种主观手段，“拉开”的内容包括∶艺术语言、形体特征、黑白灰、主次、虚实、强弱、刚柔、浓淡、曲直、前后、疏密等，是更高意义上的简化与归纳，它比“到位”又更加主观、自由，是艺术家个体主观能动性的精神表现，是一幅成功素描作品的重要指标，是风格的俗与雅、格调的高与低的主要区别所在。

“到位”与“拉开”，相当于客观与主观、描写与表现、丰富与简练的关系；它们对立统一、相互牵扯；过分的“到位”显得沉闷、平庸，需要“拉开”来注入生气与活力；过分的“拉开”又显得花、碎、简单，需要“到位”加以整合，难就难在如何掌握这个“度”，或者说“恰到好处”，适当的“过点”也并无坏处。齐白石的“似与不似之间”理论也有这一层意思。

6. “黑白灰”的重要性

这里强调“黑白灰”概念的重要性，完全是出于多年经验的明证，因为它的确给我及众多学生带来许多好处。将素描或者所有色彩的学习、设计、创作中导入“黑白灰”概括手法，特别对于初学者将有事半功倍好的效果。具体的操作是：将表达的物象，不管有多复杂、多凌乱，在明度上都把他（它）们概括归纳为画面黑白灰三大块，这是一种对宏观整体的主观把握和有序组织，而任何一块又包涵许多层次（调子、体面），只是它们必须在“黑”、“白”或者“灰”的绝对统治之下；一般“灰”块的层面较为丰富，“黑”块的层面较为简练，三大块各自的面积具体而定，但必须得有。这样就可以很容易地克服画面的“灰”、“乱”、“脏”等初学者常见毛病，从而使作品的画面结构更加有力、层次更加分明、组织更加有秩序。

“黑白灰”是一种对画面主动的整体把握与控制，它的意义可能还会更多。

7. 线条的意义

世上本无纯粹的线条，苏派只承认点的连续排列（面）。然而，艺术就是艺术，是人的精神产物，虽然有科学性，但绝不能等同于科学的“真”，一加一并非等于二，艺术里是没有标准答案的。线条是主客观世界反映在艺术家精神世界的产物，线条是视觉艺术最基本的语言，是一种概括和“抽象”，它既古老又现代，而且永远不会过时；所以在素描世界里艺术家与线条是形影不离的，一出手就是线，更可以根据主客观的需要尽情发挥。线条的艺术表现力是非常强的，我们至今无不被千年前的敦煌壁画中飞天飘逸的线、以及永乐宫壁画中大气恢弘的线条所折服。线条不仅表现物象的轮廓、区域、结构、特征、转折（形体或两色之间）、节奏等，还可以表达艺术家的主观情感，当时的冲动、激情，是一种主观的高度提炼，有时成为作品中的灵魂所在，于是就有了线的硬实有力、线的行云流水、线的运动及线的旋律等。线条的运用其实很讲究，既理性又感性，并非“外形线”那么简单，线条要注意表达出物象的来龙去脉：线的前后穿插、线的粗细强弱，哪里该用？哪里不该用？怎么贯气、怎么疏密对比？都有学问。仅一个边线，就有造型、特征、空间、虚实、强弱等内涵的体现。线条应该比调子（面）层次高，因为它是艺术家主观的产物，是一种“精神表现”。

8. 调子是服务者

要端正一个认识∶不要为调子而调子，调子只是形体结构的服务者。就是说，即使用调子要体现内在的结构、起伏，要围绕形体结构这一中心来进行，反对用似是而非、模棱两可或者重无用处的调子；调子最好配合线条来运用，线条是外轮廓的高手，调子是表现内形体积、质感、层次的强者；如果线条是建筑中的地基框架，那么调子则是内外装饰，两者相辅相成、相互补充、相互促进。以前盛行的苏派素描，把调子推到至高无尚的位置，什么只有一个高光不用涂调子其余全都要涂调子，什么没有实际存在的线只有看不见的面啦，这种过于物理、刻板的教学理论体系，使得当时神州一片灰暗、软弱、无力。在艺术上，过度求科学的真就丧失自己本应有的许多特有的优势。

不过，调子还有一种功效：可以渲染背景气氛、调节画面节奏，使画面浑然一体，更加美整。

9. 强调“特征”的意义

在初学素描就导入“特征”概念，会有一种走捷径的感觉。“特征”包括在所表现的物象中，也包括作者所表达的艺术语言、风格。首先，形体结构与特征结合起来，就可生产“象什么”的第一印象，如某人看起来像苹果、像冬瓜、像剪刀，成语中“骨瘦如材”，还有俗称的“月儿眉”、“三角眼”、“大蒜鼻”、“樱桃嘴”等等；还可以用“外形特征”和“内形特征”来描述；“外形特征”可借鉴剪纸艺术某些技巧；其它的，如画面阴影、空白、发须、衣领、布纹等，总之，你认为值得描述的对象及细节，都可以有意挖掘其特征美；抓特征美就是人为的主观突出对象某些与众不同的特点，或重视某些画面可视的形，“宁过勿不及”，这样“严重”地对待，促使画面远看有视、近看有“形”，大的整体、小的局部都会显得耐看，有分量。“特征”的概念，在素描表现中应该是贯彻始终的。

10. 重视“修改”

这里的“修改”类似于一般意义上的调整，所不同的是：调整大都基于常规的循序渐进，而“修改”则是基于主动表现中的果敢、直干；因为敢画、敢错，才有“修改”的必要；而每一次的“修改”都是一次思索、进步的过程，有时大刀阔斧的“修改”竟是一种升华、或是一种起死回生。因此，不用怕脏、不用过分地小心谨慎，要敢做敢为；不用担心留有改过的痕迹，这痕迹应该是前进的足迹。

“修改”是一种脚踏实地的学习态度，一种自信进取的学习探索。初学者常常一错就重来，总想立竿见影、急功近利、一鸣惊人，却不知是一种浮躁的表现。

以上诸言，虽然本人屡试屡灵，但也只是一家之言，难免片面、失准；不过也算是肺腑之言，自以为在多元化能够并存的今天应该还有它的位置，因为，有关素描教学的讨论永远也不会结束。

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初学美术正规训练范画速写

很多初学绘画者，包括有些已经进行过一些素描训练的学画青少年想画速写，总感到无从下手。在与这些初学绘画者的接触中，我总是尽量告诉他们一些速写方面的训练方法，但是有更多同样需要这方面知识和技法的初学绘画者，我无法接触到。他们中有许多人由于学习条件所限，没有机会接触这方面的老师。为此，我想借这次出版机会，将自己十几年来的一些速写教学心得和方法整理编写出来，献给那些有志于学画的青少年，为他们的学习助一臂之力，使他们在速写学习的过程中少走弯路，掌握正确的学习方法，接受到较为科学的速写正规训练指导。

学画难吗？美术教育家徐悲鸿先生曾说过，有中等以上智力的人，通过努力，都能学好绘画。看来只要肯努力，钻进去，逐渐摸到规律，原来感到难的问题也就变得不难了。在初学绘画的青少年中，有的人儿童时代就画过儿童画，有的临摹过卡通画、连环画等，有的虽然没有动手画过速写，但一直对速写很感兴趣。这些都是通向速写专业训练的良好开端。

速写是在较短时间内迅速将对象描绘下来的一种绘画形式，它具有收集绘画素材、训练造型能力两大方面的功能。速写最能表现出绘画者敏锐的观察能力和对物质世界的新鲜感受，画面生动感人，是速写的一个显着特征。因作画时间短，在描绘对象时，放笔直取，它可随时描绘我们周围生活中的任何物象，特别擅长描写运动中的对象和转瞬即逝的动态。速写描绘的题材远远超出课堂上素描练习内容的范围。所以，常画速写能使我们养成注意观察周围生活的良好习惯。长期坚持画速写，可为日后搞美术创作和美术设计积累下丰富的艺术素材。速写又是一种锻炼动手能力的良好训练方法。我们提倡从学画阶段开始就养成画速写的良好习惯。有些内容的速写训练又可以理解为素描的短期作业形式，在进行相对长时间的素描训练的同时，多画速写，做到长、短期作业穿插进行，是绘画基础训练的一种良好方法，因此，速写又是一种对素描训练的辅助练习形式。

有些绘画大师，如十七世纪荷兰画家伦勃朗、十八世纪英国画家荷加斯、十九世纪德国画家门采尔等都是速写方面的高手，我国许多着名画家在速写领域也取得了很高成就，形成了独特的个人风格。如叶浅予、阿老、黄胄、刘文西、周思聪等。他们中间有的从没有机会进入正规美术院校学习，而是以速写作为绘画训练的基本形式走上成功之路的。有志于学习绘画的青少年，只要肯努力，保持高度热情，勤学苦练，多动脑筋，方法得当，持之以恒，就一定能画好速写，为绘画学习打下坚实的基础。

速写要求在较短的时间内画出所需要表现的对象。所以，以线条形式来描绘形象，是速写表现中最直截了当的一种方法。线条除了具有描绘对象形体的功能外，其自身还具有艺术表现功能，它可体现出丰富的内涵，如力量、轻松、凝重、飘逸等美感特征。作者在画速写的时候，会不知不觉将自己的艺术个性，通过线条的运用而流露出来。以线造型是速写中最常用的表现形式。除此之外，线面结合也是常见的形式之一。有时在结构转折处衬些明暗调子，能增加速写艺术的表现力，使画面的气氛更加变幻丰富。除以上两种形式外，纯明暗的速写较少见。当然有些画家因追求自己画风的需要而作这样的形式探索也是有的。但这不能成为初学速写者训练过程中追求的目标。

本书主要讲授速写的一些基本知识和训练方法，试图在初学者对绘画的一般兴趣和写实造型规律之间架设一座桥梁，愿大家一起走进绘画学习的专业训练阶段。

速写的工具与材料

速写用的笔，初学者可选用2B型号的铅笔或炭笔，因这两种笔在速写训练过程中较易掌握，待有一定基础后也可用钢笔和毛笔作画。
速写用纸没有什么特别讲究，70克左右的普通白纸即可，也可用新闻纸（印报纸用的纸），新闻纸适宜用炭笔作画。初学者可利用各种零散纸练习。现在一些美术品商店出售专门的速写本，这为速写练习提供了更多的方便。
另外，外出画速写时，应准备一个小画板或小画夹。

绘画是一种将长、宽、深三维空间中的立体物画到长、宽二维平面的纸面上，但又要产生准确、真实的立体感的表现形式，因而绘画艺术离不开透视知识的运用。

一般来说，透视形式主要有两种，即平行透视和成角透视。平行透视是指所画立方体的某一立面与画面相互平行，这个面不发生透视消失现象；成角透视是指立方体的相互垂直的两个立面都与画面成一定的角度，在画面上，两个立面都发生透视消失现象。
视平线是指与人的眼睛等高的那条水平线。心点是指作画者垂直于画面上的那一点。

速写训练的基本方法

速写训练是对学画者观察能力、分析能力、理解能力和表现能力的全面训练。速写训练中对观察力的训练，不仅要训练眼睛看得准，还要训练在作画时有正确的观察方法。什么是正确的观察方法？一般说来，以我们平时看东西的习惯来作画，往往是看到哪里画到哪里，这是一种局部的观察方法，用这种看一点画一点的观察方法作画，不能做到表现对象的本质关系。我们要画好速写，就要改变这种局部观察的习惯，学会整体观察的方法，养成整体观察对象各种造型结构关系的习惯。这种整体观察方法要求在作画时观察对象要有整体意识，在画某一点、某一局部时，不要只盯着一点看，而是要将所画的这一点、这一局部与其他部位相互比较，对所要画的局部与其他部位的上下左右关系及它们之间的内在结构关系做到心中有数，从整体关系下笔。这种比较的过程，实际上就是整体分析和理解对象的认知过程。正确的观察方法，只有通过大量的练习，才能逐步真正掌握。速写训练是练眼、练脑同时又是练手的过程。绘画是一门技艺性很强的艺术，下面就速写训练的一般顺序及一些学习方法和作画步骤进行阐述。

一、由简到繁
初画速写，可先从较简单的描绘对象入手。如一个小木凳，一双随便摆放的雨靴，一件挂在墙上的衣服。作画时先画对象外形轮廓的大关系，用直线画出基本形，注意线条的长度比例及各线条的倾斜度。在此之后，再充实些细节。例如画一张凳子，凳面与凳腿的关系是大关系，而榫头及局部特征等都是细节，这些细节可在进一步深入阶段逐渐画完。
“繁”的物象是指结构关系较复杂的对象。如：枝叶茂盛的大树、衣纹繁多的人物等，作画方法也和画“简”的东西一样，先从大的方面入手，确定了大的关系后，再充实细部。要将复杂的物体理解为是由各种简单部分组成的，然后将各简单部分画在复杂的大关系之内，这样完成起来就有条不紊。画复杂物象较难处理的一点，就是整体与局部的关系。画各个细部时，要注意到它们各部分之间的关系，同时还要照顾到整体的大关系，不要因描绘细部而使整体显得琐碎。只要我们把握好先画大关系，后充实细部的原则，画“繁”的对象便不会感到困难。
由简到繁的训练从大的题材上讲，可先画花卉，后画树木风景，最后画人物。

二、由静到动

初画速写，应先从静止的对象画起，稍熟练之后，再描写处于运动状态下的物象。静止的物体或处于不动状态下的人，有利于初学速写者在作画时能从容地观察对象，反复比较所描绘对象的各种结构关系，使初学速写者能在认真研究描绘对象各种结构关系的基础上下笔。作画时用线要肯定，线条是为了表达对象的形体关系，交待清楚结构造型而画的。线条的来龙去脉要有根据，这个根据就是被描绘物的结构。

初学速写者在作画时应将所画的速写与描绘对象进行反复比较，从而纠正画得不准确的部位。速写造型练习的最佳描绘对象就是静止的物象和不动的人物。我们看到许多速写范画，一个轮廓有时有几根复线。这就是对作品进行矫正而产生的痕迹。

画动的物象，如动态人物、动物等，需要在掌握一定的静态速写的基本功后再结合结构规律、运动规律加以训练，这样画起来就容易得心应手了。有关动态速写的注意事项及作画步骤，在后面的有关部分将会阐述。

三、由慢到快

画速写并不像我们有些初学者所想象的那样，下笔如写草书，一挥而就。因为画速写的过程，是一个对形体观察、理解、表现的造型过程。这一过程，初学者须仔细体会，扎实描画。逐渐熟练了，画速写的速度就会快起来。初学者应先画慢些，如人物速写每幅可在45分钟至1个小时左右完成，以后可逐步过渡到半小时画一张或一刻钟画一张。并且在训练过程中还要不时的将慢、快训练方法穿插进行，这样才能在速写训练中既得到扎实的练习，又掌握到速写的一些方式方法。

四、从描绘有规律的对象到描绘无规律的对象

初学速写者首先要画一些有规律的对象，这样有利于把握造型的准确性，并掌握速写的一些技巧。描绘有规律的对象，可先画一些基本形明确的花卉和重复出现的有规律的人物动态。在掌握了一些速写基本技法之后，再画一些无规律的对象，如杂乱无章的灌木丛，转瞬即逝的不规则的人物动态。有规律的对象较易把握，通过中轴对称性原则，可以获得较准确的轮廓。而规律感不强的对象，则较难把握，需要有一定速写基础后，方可对之速写。

五、临摹与速写相结合

学画速写的过程，应该是临摹优秀速写范画与对着对象写生相交替进行训练的过程。临摹的目的是为了学习前人的技法，如对形象的概括、取舍、交待结构以及一些用笔用线的技巧等等，尽可能在临摹中获得体会。另外，类似速写形式的优秀的线描画、连环画都可以临摹。通过临摹可以学到一些概括形体、处理衣纹、疏密穿插等方面的速写技法。另外在初学速写的过程中还要多临摹优秀的艺用人体解剖图谱，以求在临习的过程中掌握人体的基本结构知识。要做到临摹与速写反复交替进行，这样临摹才能有体会，才能将临摹中学到的东西运用到速写中去，真正变为自己的东西.
还有就是,你喜欢服装设计,.就要好好的练习速写.