如何看待现代京剧的艺术

㈠ 如何评价程蝶衣对现代京剧的看法

我个人觉得程蝶衣就是一个痴迷戏剧的人，不疯魔不成活就是他。他可以因为师傅的一句话，就对段小楼忠了一辈子，当然对现代戏这种在他看来非正统的剧种不太喜欢。一个是为了让别人掏钱看，一个是掏钱让别人看，美在这两者之间差的不是一点半点吧。他说是因为他太单纯，脑子里都是玩应儿，不是局。

㈡ 春节联欢晚会中必会安排京剧表演，却很少得到关注，你怎么看待这一现象

我觉得这和京剧本身和现在的大环境有关，下面分别介绍以下。

京剧是中国的传统文化。是国粹，是遗产。它有着独特的魅力。以前流行最广，贯穿大江南北。也是世界上三大剧体系之一。它有着中华民族的浓厚传统。京剧过于高雅和博大精深，脱离普通观众审美需求。无论是欣赏，还是学唱、学演，京剧对普通戏迷而言都是难于登高山。观众听不进去，看不下去，又参与不了，只能慢慢敬而远之。

所以在晚会上大部分青年人不欣赏它。也欣赏不了它。首先在节奏上，京剧的唱、念、做、打年轻人就耐不下心来。京剧的对白也不是普通话，也不是方言。它的语言叫作“中洲韵，湖广音”。听有时还真听不懂，做工又慢。所以在年轻人眼里京剧是一个古老的、过时的东西。综合来看，跟上时代的脚步是需要的，京剧也需要有一定的改革才能再次大放异彩。

㈢ 传统京剧与现代京剧的异同500字

1、传统京剧与现代京剧的异同：

传统京剧与现代京剧主要区分于题材，传统京剧多表现的是历史题材，而现代京剧多反映的是现实题材；二是程式上区分， 现代京剧的程式与传统京剧有了些变化，不严格按照传统程式但也不脱离传统程式；三是从服饰上的区分；四是从道具上的区分，传统戏的道具的抽象性在现代京剧中大都不存在了，现代京剧比较常用的是实景和真实道具；五是从唱腔上区分，现代京剧的唱腔也不象老腔那么拖沓，不刻意讲究合辙押韵，而是用普通话演唱；六是从念白上区分，现代京剧的念白也不用韵白和京白了，而是用普通话；其次还有化妆、尖团字、上口字等等。自古道：无巧不成书，无苦不成戏。所以凡传统戏的题材大多是以苦为主，所以传统戏更能激发人们的同情心，从而人与人之间更能产生感情上的共鸣。尽管人们不容易听懂唱的什么词，但大家听传统戏追求的就是这个“味儿”。所以，有人说传统戏更美、更有艺术，是有一定的道理的。
而现代京剧大多以现实生活为题材，更能适应现代人、特别是年青人的感情世界和生活的快节奏，她的受众面比传统戏更广更大。既然我们的文学艺术是为人民大众服务的，我们没有理由不去创作一些更多更好的现代精品来奉献给我们的上帝--人民大众！我们需要继承传统文化，我们更应该适应社会，顺应潮流，与时俱进，改革创新，这样才能真真切切、实事求是地把我们的国粹发扬光大，家喻户晓，老少喜欢，万古流传。

2、介绍：

• 京剧，曾称平剧，中国五大戏曲剧种之一，腔调以西皮、二黄为主，用胡琴和锣鼓等伴奏，被视为中国国粹，中国戏曲三鼎甲“榜首”。

• 徽剧是京剧的前身。清代干隆五十五年（1790年）起，原在南方演出的三庆、四喜、春台、和春，四大徽班陆续进入北京，他们与来自湖北的汉调艺人合作，同时又接受了昆曲、秦腔的部分剧目、曲调和表演方法，吸收了一些地方民间曲调，通过不断的交流、融合，最终形成京剧。京剧形成后在清朝宫廷内开始快速发展，直至民国得到空前的繁荣。

• 京剧走遍世界各地，成为介绍、传播中国传统艺术文化的重要媒介。分布地以北京为中心，遍及中国。在2010年11月16日，京剧被列入“人类非物质文化遗产代表作名录”。

3、艺术特点：

京剧舞台艺术在文学、表演、音乐、唱腔、锣鼓、化妆、脸谱等各个方面，通过无数艺人的长期舞台实践，构成了一套互相制约、相得益彰的格律化和规范化的程式。它作为创造舞台形象的艺术手段是十分丰富的，而用法又是十分严格的。不能驾驭这些程式，就无法完成京剧舞台艺术的创造。由于京剧在形成之初，便进入了宫廷，使它的发育成长不同于地方剧种。要求它所要表现的生活领域更宽，所要塑造的人物类型更多，对它的技艺的全面性、完整性也要求得更严，对它创造舞台形象的美学要求也更高。当然，同时也相应地使它的民间乡土气息减弱，纯朴、粗犷的风格特色相对淡薄。因而，它的表演艺术更趋于虚实结合的表现手法，最大限度地超脱了舞台空间和时间的限制，以达到“以形传神，形神兼备”的艺术境界。表演上要求精致细腻，处处入戏；唱腔上要求悠扬委婉，声情并茂；武戏则不以火爆勇猛取胜，而以“武戏文唱”见佳。

4、影响：

• 1919-1935年梅兰芳的海外京剧演出消除了当时西方对中国戏剧甚至中国人的偏见，促进了中国京剧在海外的传播，增进了东西方文化交流。中国京剧这一东方艺术奇葩在世界戏剧舞台上大放光彩。

• 新中国成立后，京剧的对外交流主要是由文化部和外交部组织的，京剧成为国家的文化使者。

• 中国派遣京剧团赴世界各地访问演出，其中梅兰芳先后于1952年、1957年和1960年赴苏联访问，1956年第三次访问日本，为中国传统文化在海外赢得了巨大荣誉。他的高超表演不仅让世界对中国的“国粹”京剧刮目相看，还对日本、欧美的戏剧及电影艺术产生了深远影响，戏剧大师斯坦尼斯拉夫斯基和布莱希特在他们的创作中，都汲取了梅兰芳表演艺术的精华。

㈣ 京剧的艺术形式在现代社会中应怎样应对现代文明的挑战

首先京剧与现代文明是不相冲突，最简单的比喻：书法会因为计算机的发展而淘汰吗？将京剧与现代艺术相结合，这对京剧艺术和现代文明都是有好处的！
京剧的现代化，是针对传统京剧的改革而言的。现代化内容包括：从内容到形式改革传统戏；紧跟时代潮流，创作演出表现新生活的戏；以新的历史观点创作历史戏；改革旧的规制，建立新的艺术生产体制；进行对外的艺术交流；培育新的艺术人才等等。郭汉城先生说，现代戏是现代化的一个试金石。

京剧的现代化，既有思想内容问题，又有表现形式问题，这是统一的现代化标准的两个方面。在开始的时候首先强调的是内容。但这并不是说有了正确的内容就行了，艺术形式无关紧要。恰恰是越到后来，越注意到了艺术形式上的改造和创新。京剧的现代化，不仅仅是创作演出现代戏，而且要坚持“三并举”的剧目方针。对于广大的观众来说，剧目必须是多样多彩的。要有反映当前生活的戏，也要有传统的优秀剧目。在创作现代戏的同时，还必须以新的历史观点和审美取向创作新的历史戏。一面要坚持继承传统，一面也要突破传统。在京剧的现代化、创新当中，更加强调戏曲化。一些现代戏和新编历史剧在艺术表现上，话剧加唱、歌舞喧宾夺主，在舞台上造山、盖楼、堆砌木材钢材，而没有注意戏曲的特色，是制作而非创作。张庚先生提出的“表现说”、“剧诗说”、“变形说”、“外化说”，讲的就是中国戏曲艺术的特色。“戏曲化”的提出，提醒了创作者们，在追求现代化的同时，注意保持戏曲的特色，创造出广大观众喜闻乐见的新戏，使京剧更像京剧。在此基础上恰当地利用、改造传统表演程式，同时在生活基础上创造新的手段，这样创造出来的新京剧，就不但不会不像京剧，而且是一种发展、创新。

京剧艺术是一门动态艺术。动态艺术应该动态保护。就是保护在舞台上，保护在剧团里，保护在演员身上，保护在民间。动态艺术不是博物馆艺术，京剧现在进博物馆，我以为既不现实，也不应该。真要把活灵活现的表演艺术封存在博物馆里，不仅不利于创新、发展、繁荣，恐怕反而会把它推向衰落，而只有创新才有生机。毫不松懈地坚持在艺术上改革创新，搞出好戏来，是京剧艺术工作者的使命和天职。

无论是创新、保护还是人才培养，都是同体制的改革相关联的，既要坚定又要慎重。上世纪50年代初期的改制，对于保护艺人和艺术，对于以后组建大的完整的国家艺术院团，创作新的作品，起过重要的作用。改革开放30年中在艺术管理体制的改革上，几经摸索，也各有所得。管理体制的改革包括所有制性质的转变、布局调整、人才分流交流转化、培育艺术市场、对外交流等。改革的出发点和落脚点，在于有利于解放艺术生产力，有利于出人才出作品，推动艺术的繁荣，有利于为广大人民群众服务。体制的改革和艺术本身的改革，目前恐怕很难确定时间表。但是“流水不腐”、“川流不息”的改革却是需要的。就是要在保护、继承的基础上，不断推陈出新，不断培养造就新的人才，不断适应新时代人民大众的需要，这样，京剧才有希望，才能发展、繁荣。

京剧是我们文化艺术的瑰宝。作为一门优秀的传统艺术，我觉得，继承的比重应该是很重的，创新也好，改革也好，不能离开京剧的根本。我们的京剧人要有志气，要学习、尊重前辈艺术家祖祖辈辈留下的传统，打好根基，才能更好地创新和发展。

㈤ 传统京剧与现代京剧主要有哪些区别

传统京剧与现代京剧主要的区别在于：发声、音乐结构、念白吐字、润腔、化妆方面。

1、发声上的区别

在传统京剧的唱腔中为了追求演唱时候的或典雅、或妩媚、或苍老、或衰败的效果，经常要求旦角演员在演唱的时候使用假嗓、尖声尖气，生角唱腔则在发生声中讲求使用“闷嗓”有时候一些流派为了剧场效果单纯的追求唱声、唱字。

这些发声方法在多年的舞台积累中形成了独特的京剧发声技巧，是京剧艺术区别于其他歌唱艺术和地方戏曲艺术的标志。

现代京剧演唱在发声唱法上，坚持从人物的思想感情出发，借鉴传统京剧中的发声技巧，融合了西洋声乐中的有用部分，进行了大胆的改革和创新。

为了塑造好各个不同人物的艺术特征，现代京剧的发声把字与声紧密的结合在一起，使声音具有宽、厚、高、亮的特点；同时在音色、音域、力度等诸多方面具有较强的控制能力和变化幅度。同时将原有的丹田运气发声法加以发展，充分的利用横膈膜的开闭效果，形成独特的演唱技巧。

2、音乐结构的区别

现代京剧在音乐上的突出成就体现在，他将西方音乐的主题音乐模式带到了京剧音乐设计中。在过去的传统京剧中，我们无法听到一出京剧的主题音乐，只能通过声腔旋律区分西皮、二黄；而现代京剧打破了这个枷锁，为每一个剧目每一个人物都设计了富有标志性的音乐主题。

3、念白吐字的区别

这是现代京剧与传统京剧最标新立异的区别，众所周知传统京剧以湖广韵、中州韵为主，念白讲究伤口。而现代京剧以普通话为基础，念白赋予节奏感。

4、润腔上的区别

润腔是根据表达人物思想感情、揭示唱词所表达的意境、体现曲调所特有的风格，运用各种“润色因素”对唱腔的旋律进一步艺术处理的过程。

传统京剧在这方面做出了一定的艺术积累，特点是：生角唱腔中多用慢的颤音、慢滑音、频繁的力度的变化来表现苍老的、沉稳的感觉;旦角则特别乐于在拖腔上使用慢滑音、下滑音来体现娇柔、妩媚。使唱腔听起来总是千篇一律。

现代京剧在这方面同样改革的非常成功，并归纳了几种常用的润腔方法，如装饰型润腔、音色型润腔、力度型润腔、节奏型润腔等技巧。

5、化妆方面的区别

传统京剧的化妆都很浓，无论哪个行当都是浓妆，净行更为突出，彻底掩盖了本来面目，无论哪个演员扮演，人物只要是同一个脸谱，面目是一样的，因此净行的表演主要靠身段，丰富的面部表情则无法表达。

现代京剧更接近于现实生活，化妆比较淡，没有了脸谱之说，人物的行当在化装方面是不易辨别出来的。因为人物都是淡妆，演员每个眼神、每个表情观众都容易看清，因此现代京剧人物要比传统京剧人物脸上的戏多。

㈥ 如何继承和发扬京剧艺术

继承和发扬京剧艺术要求：

1、是要深入生活，加强创作。走进生活深处，从人民群众的日常生活中挖掘素材、寻找故事，从人民群众的审美需要中汲取灵感、提炼主题，使京剧创作获得旺盛的生命力，这样艺术家们才能更加接地气，使基层成为艺术创作不竭的源泉，才能找到真实反映人民生活的素材。

2、是继承传统，推陈出新。京剧艺术是在继承先辈基础上发展起来的，也是靠创新创造焕发强大生命力的。既要原汁原味地继承经典，更要勇于大胆创造，大胆探索，大胆走向现代化。

3、是服务人民，创演并举。创作一定要演出，好的作品是由演出实践去检验的，一部新创作品只能演几场，就很难说这个作品是好的，是成功的。

4、是培养人才，培育观众。对京剧艺术来说，角儿是根本，观众是基础。培养一大批德艺双馨、行当齐全、流派纷呈的角儿，培育一大批京剧票友、愿意走进剧场欣赏京剧的观众群体，是传承京剧艺术的长期性基础性工作。

(6)如何看待现代京剧的艺术扩展阅读：

京剧表演的四种艺术手法:唱、念、做、打，也是京剧表演四项基本功。

唱指歌唱，念指具有音乐性的念白，二者相辅相成，构成歌舞化的京剧表演艺术两大要素之一的“歌”，做指舞蹈化的形体动作，打指武打和翻跌的技艺，二者相互结合，构成歌舞化的京剧表演艺术两大要素之一的“舞”。

戏曲演员从小就要从这四个方面进行训练，虽然有的演员擅长唱功（唱功老生），有的行当以做功（花旦）为主，有的以武打为主（武净）。但是要求每一个演员必须有过硬的唱、念、做、打四种基本功。只有这样才能充分地发挥京剧的艺术特色。更好地表现和刻画戏中的各种人物形象。

京剧有唱，有舞，有对白，有武打，有各种象征性的动作，是一种高度综合性的艺术。

㈦ 如何理解京剧在当今社会上的地位

京剧之所以登上了现在的所谓国粹地位，完全就是洋大人们的一句中国opera挑起来的。近代的中国境遇悲惨，失去了对自己文化的自信力、判断力和欣赏力。对西方充满了敬畏之情，认为西方的一切就都是好的，洋大人们说什么都是对的。其实洋大人们不过是图个新鲜，就是到了非洲他们看到一切也一样认为好有趣。这完全就是一个垃圾玩意！什么是国粹？体现、升华民族美感、文化的东西才能称之为国粹。比如书法，比如国画。他们传承了几千年，充分将中华民族的文化和审美感浓缩到一张纸上，这才能叫国中之粹。
而京剧不过百年时间，体现的都是最粗浅的东西。京剧兴盛在中华民族最衰败的年代，那是一个基本没有任何文化人的时代，而且是历朝历代当中最没有文化的朝代中最没有文化人的时代。看看那一代不如一代的清朝皇帝，从干隆的那些垃圾打油诗就能看出端倪。很难想象之后比干隆还不如的皇帝们能懂得什么是美。

㈧ 京剧是国粹，但京剧正面临着时代的挑战，你认为发展京剧，应该怎么做好

京剧是中国的国粹，但随着社会的发展，京剧艺术正面临着时代的挑战。京剧改革不应“进”与“退”同时进行。我们不仅要创新，扎根生活，还要保存和崇拜高质量的产品。年轻人不喜欢看电视。如果我们不保存传统，北京作品的魅力就会越来越少。您认为，京剧的发展、不断的创新和改革、京剧的继承和发展必须结合自身的特点，抓住时代的潮流，大胆吸收现代元素，并以新媒体为载体进行广泛的讨论。

京剧在中国的发展是少数几个拥有几千年传统文化的国家之一。京剧，现在被称为“中国文化的精髓”，虽然是在近代形成的，但它的文化源头在中国。一个特殊的艺术范畴是中国作品大师，它包含着传承和发展。随着时代的发展和社会的进步，电脑、电视和手机的强大功能已经占据了京剧的市场份额。2-缺乏创新。许多节目已经在舞台上表演了几十年甚至几百年。不管比赛有多精彩。

㈨ 京剧是中华国粹，为什么得不到现代人的喜爱

中国的三大国宝分别是：京剧、中国画、中医。这三大国宝是我国中华文化的精髓。京剧是我国中华文化的国粹，可现在年轻人们喜欢京剧的越来越少，为什么京剧得不到现代人的喜爱？主要有以下几点原因。

我们中华文化的国粹，却逐渐发展成一种小众的剧目，这不得不令我们反思：为什么会这样？第一个，可能是我们对京剧文化的宣传力度不够，很少人懂得、喜爱并选择京剧作为自己的业余爱好。第二个，就是我们的传统京剧是不是也应该转型，适当加入一些新时代的元素呢？故宫都已经出圈了，而且群众的反应也是很不错的，对此，京剧可以向故宫学习、借鉴一下。

作为中华民族的接班人，我们每个人也要积极保护京剧这个非物质文化遗产，这是独具中国特色的文化，这是中国人的文化。

㈩ 急！谈谈你对京剧艺术的看法与理解。

要求很高，写到六年级小学生的文笔不可能达到，给你点想法让你参考一下吧：
我认为戏剧表演的最高境界不是抵达和照搬生活的原貌，也就是说那些只能把角色演绎得惟妙惟肖的演员只是演技的“亚高明”状态；戏剧表演的最高境界就是在常见和熟知的桥段下表现不寻常的多样的角色经历。也就是说受众对情节和人物背景烂熟于胸，他们期待的不是故事而是演员的演绎过程，这样的表演才是表演艺术的最高境界。也就是说大家明明知道这是个梦，但是都非常投入地和这个造梦人一起分享这个梦想。这就是娱乐，也是我们需要艺术的最大理由。我们应该通过艺术有反思，反思是应该建立在娱乐基础上的，没有娱乐只有反思就是哲学的范畴了，那是少部分人的事情。如果这个世界每个人都沉醉在反思中，这个世界就不可爱了。然而，这是一个娱乐的喜剧时代。
在中国戏剧表演史上，可以做到这样境界的演员并不多。我个人认为有两个人必列其中那就是梅兰芳和周星驰。
我们先说国粹京剧。京剧之所以能够代表中国戏剧的精髓，是因为京剧是一个开放的不断发展的戏剧形式。京剧的核心魅力不是剧情、脸谱、音乐、服装，而是演员的表演。他们不同的人对相同的桥段进行无数次的演绎，每一个人每一次都有不同的表演和感受，这就是我们对京剧表演痴迷的缘故。也是世界上任何一种戏剧形式吸引受众的根本原因。俄国着名戏剧理论大师斯坦尼斯·拉夫斯基在《演员的自我修养》一书中也表述了这样的一个戏剧理念。
京剧艺术的发展动力主要是演员的发展，如果演员不能够理解表演精髓的话，戏剧表演的进步只是徒有其表的，自从以梅兰芳为首的京剧表演艺术家为首的四大名旦给京剧带来极大影响之日以来，京剧发展到今天几乎可以算是止步不前的。原来戏迷对京剧的期待是对演员表演的期待，而不是对表演内容和角色的期待。而今天，绝大部分仍然对京剧有所爱好的戏迷已经把注意力重心转移到对京剧的形式创新和内容创新上，而且还有很多观众已经把听京剧作为提升自身艺术修养的砝码和途径。京剧本身是民间的最贴近民众的表演艺术，到今天如此需要呵护需要仰视，已经失去了他作为平民娱乐的功能，这是戏剧表演发展的失败。但是在这一过程中我们不难发现，表演一旦离开演员的丰满个性，戏剧表演就会丧失其核心灵魂，就是一个不变的静止的和单调的艺术形式，也必将是没有生命力的。京剧的衰落不代表戏剧本身的衰落，它只代表一种错误态度的衰落。周星驰电影会不会衰落，主要看他的态度是不是衰落的态度。下面我们先探讨一下京剧和周星驰电影的共通之处：
京剧艺术的巅峰时刻和周星驰电影的在以下两个方面不谋而合：
第一、演员高于戏剧本身。京剧的表演就不必细说了。长期以来周星驰的表演已经绝对凌驾于电影本身，因为周星驰电影其实一直在重复相同或者相似的桥段，但是每一次他的表演都让人过目不忘，都能引起每一个市井小民的共鸣。他不可能超越，也没有必要超越，他属于平民娱乐，离开了平民娱乐周星驰就可以出局了。受众对周星驰的期待已经绝对超越的电影本身，大家都在等待他一同一种姿态出现让自己找到自我解嘲的理由和实现梦想的期待。
第二、平民性和流行性。京剧早期源于民间成于宫廷，真正受到普遍推崇又是在民间。京剧在巅峰时期的平民性和流行性昭然若揭。周星驰电影影响的不是所有人但绝对是今天社会的主流人群或者是即将成为主流的人群。他改变了这些主流人群的言行、举止、思维等等。更令人惊奇的是一个甚至不足一提的电影演员竟然能够获得权威学术机构颁发的语言贡献奖，他带给整个华语电影太多的神话和奇迹，他是到目前为止民众公认的最具有草根色彩的演员之一。林林总总的事实表明了他的确是一个极具平民色彩和影响力的电影演员。
这两点已经足够表明这两件似乎不靠边的事物是如何相近。但是京剧的衰落并不代表周星驰电影也会衰落。我认为周星驰如果有一天不退出这个创作主体，他就不会衰落。因为他面对电影的态度可以证明我的观点。

曾经有人以《拒绝正经周星驰》为题写过一篇文章。他担心周星驰的喜剧会和京剧一样逐渐没落。他担心一介草民走入高雅艺术殿堂之后忘乎所以，他担心周星驰的“创新”丧失了他作为周星驰本身存在的价值。其实，大可不必如此。周星驰所作的一切都是在努力让自己的艺术生命更长久。他试图尝试的任何一种元素都是属于他作为演员力保和主流人群的一致性和超前性所做出的努力。尽管在他的内心隐藏着太多的孤傲，但是他并没有在这么多次的赞赏和肯定中迷失自己，我们始终都只看到一个头发花白、清瘦、疲倦并且谦和大度的男人、那个在银幕上嬉笑怒骂、癫狂灿烂、嚣张跋扈、恶搞卖弄、隐忍凄惨、自怨自艾、自我陶醉、自作自受、自欺欺人、自以为是的家伙不见了，他去了哪里？他其实没有迷失，很多时候，我们就是电影里的那个人，忽隐忽现地在生活的某个角落。而他在演员和角色之间游走，他现在几乎是每一天都在思考自己应该以什么样的面貌面对他充满期待的人，这个过程代表了一种专业的用心的甚至苛刻的创作态度，这是个痛苦的过程。卓别林说过，喜剧演员最长的艺术生命不超过4年，而周星驰自从走红以来到今天已经超过了14年，这14年可以说是一直保持着一个巅峰的状态，有低迷也只是相对的。所以说周星驰是继梅兰芳以后中国表演艺术史上最伟大的演员。除了他长久以来深入人心的表演和对人们生活态度、思维方式、语言习惯的超常影响之外，他还是作为一个被普遍认为格调低下的喜剧演员而艰难存在的。他的精神气质和京剧艺术里的“丑”角异曲同工。“丑角”和“喜剧角色”有着同等的认知基础，这类角色是戏剧表演里的最难把握也是最难脱颖而出的。要一个喜剧演员和正剧正面人物保持同等长久的艺术生命，是非常困难的。所以说，这个人已经不单单是个演员。严格意义上讲2000年以前的周星驰仅仅是一个成熟演员和不成熟的导演，而今天的周星驰，他在保持不断进步和不断严谨自律的前提下已经不自觉地推动了华语电影艺术的快速进步，从这个意义上讲，他的确是个艺术家。如果说谁可以成为华语电影市场的破冰人，那么他必是不可忽略的角色之一。
有人说他现在是个传道者，一个伪君子。其实这是我们内心面对成长对自己提出的质疑，跟他有关又跟他无关。我们这一代人随着自己年少轻狂时对周星驰的痴迷，到今天我们已经成熟事故的时候仍然怀恋那个永不磨灭的年代。即便是表面上如何隐忍、深刻、淡定，外衣下面仍是一颗不肯媚俗的心。而周星驰正是我们期望的那个可以嘲讽一切的人，我们需要的是一个一成不变的嘲讽、颠覆、恶心一切的周星驰，他像一个梦想一样若即若离。有一天他有所变化我们就不愿接受这个梦想将要破灭的现实，我们必然提出质疑。这实际上是我们自己的事情，与周星驰无关。但是周星驰毕竟就是周星驰，他的内心和精神气质是不会变的。他从来都不想把自己往高雅艺术上靠，他知道自己擅长做什么也知道自己需要表达什么。我在这里引用他在上海交大的一段谈话清晰地表达他的内心感受：“说真话，对于中国传统的文化这方面，我知道的肯定不及大学生多，更加不及那么多教授、老师多。但是我觉得在任何一个地方诠释这个文化，都是要宣扬一些人类的正面精神生活态度，还有就是我们的爱心。所以我觉得也是有共同的地方，在我的电影里面，我也有这种感觉，如果可以把这些正面的态度，正面的精神透过电影宣扬一下，这也是我拍电影其中一个目的。关于我拍的电影，当然我自己拍电影都是我自己的一些感想，对于生活当中的一些体现。我拍电影最大的目标我相信是提供一个好的娱乐给广大的观众，一定要说教育还是怎么样的东西，但是如果观众可以从电影里面感受到一些对他有帮助的他觉得开心的事情，这也是我非常想做到的事情。”这些朴实话语里面的包含的就是他的诚恳。由此，我们不必为他太过担心。我们再看他一次次的高校之行，初衷大概如下：
一、打拼多年都没有得到主流的官方的认可，直到《少林足球》普遍认可，他只是想证明正剧可做到的，喜剧一样可以。别人可以做到的他也可以。
二、他需要更多地了解年轻人的想法和期待，他对自己保持巅峰状态有期待的，因此他必须知道自己做出什么样的作品才能得到大家的认可。高校是他最应该关注和感激的地方。根本不是什么无厘头文化走进象牙塔高雅艺术殿堂。可以说这是一个无厘头喜剧时代，或者说这是一个无厘头悲剧时代。他在重复悲剧，大家便以为是喜剧，仅此而已。
在我的眼里他是代表这个悲剧时代的最显赫的人物，他代表了一种艺术形态巅峰的创作态度和生存状态。正如同曾经的京剧艺术的那般活色生香。