‘壹’ 当代公共艺术如何更好的融入普通民众，做到更好的互动。
一、多尊重地方民众的意见，可以通过网络调查、意见收集、比赛等方式了解民众真正的需要。
二、多宣传。一种新兴的艺术，有出现、实践、发展和创新几个间断，老百姓接受新生物，需要认识了解到接受过程。
三、多到民间去了解民众真正的需求，多站在民众的角度去思考，不要一味地追求所谓的艺术，过于个性化而失去了生活味、人情味。
‘贰’ 如何把艺术融入生活之中
想先问几个问题。
在生活中，我们要怎么发现美、感受美、表达美呢？
美与艺术之间有什么必然的联系吗？如果说美才是艺术，那美的标准又是什么？
那怎么才能把艺术融入生活？我觉得要先让自己的心灵变得美丽起来，或者用类似于空灵、晶莹、深沉、博大、宽厚的各种形容词来形容吧。
借用法国着名雕塑家奥古斯特罗丹说过的名言:“ 世界上并不缺少美,而是缺少发现美的眼睛 。”
艺术也是一样，本来就已经在生活中无处不在了，只是你没有发现而已。
那么现在的任务就是，擦亮自己的眼睛，整理自己的心灵，把杂乱的事物通通“断舍离”。
努力做到极致的简洁之后再去追求复杂，这个过程或许已经把艺术融进生活了吧。
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‘叁’ 如何让农村小学美术课贴近生活课题
一、引导学生观察生活，体验生活。
观察是人类认识世界的重要途径。孩子们对世界的认识大部分依靠眼睛的观察，引导孩子们观察生活，捕捉生活中的美，是创造美的前提。小学阶段的孩子对世界充满了好奇，眼睛总是东看看西望望，对喜欢的东西盯住不放。针对孩子的这一特点，我在教学中注意引导孩子们用双眼认真仔细观察生活中的事物，感受大自然的一切。如在教学二年级的《纸拖鞋》时，我先让学生在家里仔细观察拖鞋是由哪几部分组成的？有哪些颜色，最喜欢哪种式样；在教学《小树快快长》时，我利用下午的活动时间，带学生观察了校园里的树，从而使学生了解到树的结构主要由树干和树冠两大部分组成，让学生用手摸一摸树皮，知道了有的树皮表面光滑，有的树皮表面粗糙。通过细心的观察，学生还发现树叶的颜色丰富多彩，树的外形形状各异，可以概括为近似的半圆形、三角形、扇形、椭圆形。通过细致地观察，学生在课堂上用纸做自己喜欢的树时，就游刃有余了……于是，每学期开学的第一节美术课，我都让学生先翻阅一下这学期的美术书，说说这学期的学习内容有哪些和自己的生活有关，需要平时留心观察。于是身边的一草一木，一人一事，月亮、蝶儿、猫儿、鱼儿、自己的妈妈，自己的伙伴、老师……都成为孩子们热衷观察的对象，孩子们渐渐地养成了善于观察的习惯，再加上课前老师有目的、有计划、正确的观察方法的指导下，学生们也形成了正确的观察方法，渐渐学会了用艺术的眼光去观察事物、认识事物，发现了生活中处处都有美，为学生的创造、表现奠定了基础，使学生美之有形，美之有物。
其次，我尤其重视让学生留心收集生活中的各种材料，达到物尽其用。如在教学美术第二册时，学生们翻阅了课本后，就发现了这学期要注意搜集一些石子、瓶盖、包纸、纽扣、珠子、彩色塑料管，各种形状的纸盒、塑料袋、图钉、果冻盒、蛋壳，圈筒卫生纸的卷筒……为了激发学生的搜集兴趣，可以在班组中设置几个纸筒，让学生把平时搜集的可以进行分类，并定期展示，对表现积极的同学，可以鼓励表扬，这样不仅可以消除因学生找不到课堂上急需的材料而耽误教学进程，又可以使学生养成观察生活，留心生活，搜集材料，来创造美好习惯与意识。
二、开展生活化的课内外相结合的美术教学
1、创设生活化的情境，激发兴趣。
生活化是指来源于生活世界，回归于生活世界。情境，是指情景、境地，是在具体场合的情形、境界和情意。生活化情境教学是一种教学方法，就是教师在美术课上根据教学目标，利用各种教学媒体和教学手段，创设一种符合学生心理年龄特点的环境和条件，激发学生的情感共鸣，吸引学生的身心参与，让学生有身临其境的感觉，使学生自觉地全身心地投入到美术活动中来，从而激发学生的学习兴趣。在教学实践中我发现一、二年级的学生对小动物、禽类、童话比较感兴趣，以游戏性活动学习方式为主。如在教学第二册《太空里的植物》一课时，为了使学生消除因没有见过太空里的植物，而产生造型、表现的畏难情绪，所以我让学生们站起来，亲自感受植物的生长过程双臂抱紧了，蹲下，你是一棵植物种子；慢慢站起来，伸展手臂，你发芽，长大了。在我绘声绘色的朗诵声中，学生体验着植物的生活。雨一滴一滴下起来，你们心情怎么样？风来了，你们怎么样？风走了，太阳落山了，你们该干什么了？在我的组织引导中，学生走进植物的世界。一棵棵植物们勇跃的表达着自己的生活。接下来，我又带这些植物们来到太空，让他们说说自己的变化。有的植物说：它会飞了，长出手了，有脚，有大大的眼睛，有的植物说：它会跳舞了，长出了彩色的头发……。有效地情景创设，不仅使学生们兴趣盎然地开始创作，也使学生们在头脑中生成太空里植物的具体形象，为学生大胆造型，积极表现奠定了良好的基础。又如在教学第一册《童话里的小屋》一课时，我这样导入新课：森林里的白雪公主住在小矮人家里，可是可恶的皇后却用大风吹走了白雪公主的房子。这时我头饰扮演魔法师，拿出魔法棒，要帮白雪公主变出新房子。学生们个个迫不急等地睁大了好奇的眼睛，等待着。可是魔法师的魔法却失灵了，只变出一堆堆大大小小、长形、方形的纸盒、彩纸。所以魔法师只好求助同学们，让大家用这些材料帮白雪公主设计更美的新房子。学生们表现的兴趣一下子被带动起来了，要跃跃欲试了，就这样学生在生动、有趣、愉快的学习氛围中完成了童话里的小屋的造型与表现。三、四年级的学生则对卡通明星，生活中的事件比较感兴趣，教学设计可以活动性、合作性学习方式为主。如在教学《可爱的班集体》一课时，我让学生回忆了师生在一起的欢乐的情境，学习了纸版画的制作基本方法，增添了学生学习纸版画的情趣性；在教学《双胞胎》一课时，我用同学们喜欢的樱桃小丸子、奥特曼、大头儿子……卡通明星为素材，可这些卡通明星今天都有了自己的双胞胎兄弟，双胞胎姐妹，在这样喜闻乐见的生活化情境的创设中，学生潜移默化地理解了对称的含义，解决了教学中的难点。教学《老师您好》一课时，让学生观察，记忆自己喜欢的老师的环境特征，讲了讲发生在老师和自己身上的故事。教学《我爱我家》一课时，让学生说说家给自己的感觉，这种充满幸福、温暖的家是谁给你的？……一系列生活化的情境创设，使教学内容紧紧地同学生的生活结合起来，学生们参与美术活动创作，表现的兴趣更浓厚了。而五、六年级的学生却对未知的世界比较感兴趣，可以以探究性，结合实践的学习方式为主。生活化教学情境的创设，使学生对美术课的兴趣普遍提高。
孩子们有了浓厚的学习兴趣，接着就是表现的过程，表现的过程是一个思维连续，高度集中的过程，为了解决以往每周两节课分上，为现在的每周两节课连上，我们的这一想法得到了学校领导的大力支持，使我们创设的生活化教学情景得以流畅的延续，孩子的创新思想也不至于被轻局打断，作业完成的质量从而得到了很大的提高。其次，孩子们都很珍惜这每周一次来之易的美术课，课间，班里的学生的有继续完成作业，有的欣赏别人的作品，还有的在老师的身边谈自己的想法。同时也改变了以往美术教师匆忙收齐本班未完成作业，又急忙去发下一班待完成的作品的局面，使上课的老师有了更多的时间和精力，跟孩子的一起融入到创作的情境中去，大力加深了美术老师与学生的感情。
2、将美术创作与生活留言相结合。
孩子内心的生活世界是丰富多彩的。通向孩子心灵之路要靠倾听与交流。我们以朋友的身份，真诚的态度与孩子交流，我们的一言一行、一举一动都使孩子们感到师生之间是平等的朋友，这样宽松的氛围形成以后，会极大地激发学生的创作思维。然而在实际的教学中，一节课40分钟与每班30——40学生的时间比例，除去我们对学生的新授时间需要10——15分钟，剩下的时间如果平均给每个孩子的时间就更是寥寥无几；而孩子们想对我们交流的东西却很，如果我们视而不见、见而不听，长此以往，势必会导致孩子没有了感受、没有了交流，甚至是不会交流……为了解决这种状况，从去年开始我们对学生作业形式进行了小改革——采用留言式美术作业，即在自己作品的周围附加文字，记录自己在创作作品时的感受或记载自己创作作品的经过。这样就给了每个孩子想对自己说、想对父母说、想对老师说、想对伙伴说的空间与时间。生动的画面，稚拙的留言，正是孩子生活世界的写照，内心情感的自然流露。这种作业的表现形式自实施以来，深受老师和学生们的喜爱。在彼此的留言交流中，不仅增进了师生间的感情，更活跃了孩子们的表现兴趣与欲望，使孩子们的学习兴趣不断的螺旋上升。相信随着时间的推移，这种留言式美术作业将逐渐的散发出它非凡的魅力。
3、通过美术日记，再现生活情境，表达感受
孩子的绘画作品，大多反映孩子的生活，而且大部分的作品都有孩子们自己的生活经历和生活体验。为了培养学生热爱生活、观察生活的良好习惯，我在教学的同时，主动与学校的语文老师沟通，鼓励学生在完成日记的时候可以用绘画的形式来描绘、记叙，主张让孩子们画美术日记。童眼看世界，美术来表达。记日记除了写，还可以画，图画同样可以表达自己的所做、所思、所感，而且比文字形式更有趣，更富有想象力，更具巧妙的表达力。通过整理自己的思维，选取生活中最感兴趣的内容，以美术的视角，用连环画的形式，再配以画龙点睛的文字，来表现事情的经过，表达自己的情感、态度、价值观。起初，大多数孩子想画却不会画，特别是场景和人物的表现方面存在很大困难。针对这种情况，我们鼓励学生在记日记时先尝试着把能用图像表达的文字尽量用图像画出来，如，我、妈妈等一些人物可以画一张代表他们的脸，花草树木、车水马牛、蓝天白云……都可以画出相对应的形象，这种生动有趣的日记形式很快被同学接受了，逐渐的他们便能把自己感兴趣的事情记录并生动地表现下来。比如在去年的那一场四十多年来之最的大雪中，有大部分孩子选择了统一的命题：今年的雪真大呀!在孩子们的美术日记中，不仅生动描绘了雪日景色，还生动记录了大雪带给他们内心的喜悦与感动……在那场大雪中，孩子们所感受到的:雪大、雪美、雪中情等，毫不逊色于我们。从这一张张、一幅幅的精彩的作品中，我们不难发现孩子们经历过的事情越多，感受就越多，题材就越多，体裁也随之更加新颖和绚丽多彩。在这些妙趣横生、趣味盎然的美术日记中不断丰富自己的审美感受，提升自己的美育情操，孩子们在体验美、感受美、陶冶美中，心灵得到一次次升华。
4、及时创作，表现生活
儿童的感受源于对生活的体验，是他们心灵的反映，作为美术教师，我们认为应该及时、正确地引导和激励学生乐于动笔、勤于动笔，及时创作，表现生活。如，举行完拔河比赛，秋游来……同学们回味无穷，我们就引导他们闭目静思，回忆当时难忘的情景，并与同伴交流自己的感受，当他们迫不及待想要倾诉自己的欢乐时，我就及时引导他们把自己想说的内容用绘画的形式表达出来。深秋时候，校园里的菊花开得正烂漫，我就组织学生进行观察。然后，让他的以《菊花》为主题进行创作，这种及时的观察，当然会及时地发现美，同学的也就渴望表现美了。于是，拿起画笔得心应手。画《菊花》时，同学们大多忠实地再现菊花，我就启发，引导他们用简单的点、线、形状来表现菊花，于是孩子的笔下就有了像蜗牛壳、象太阳、象鸡爪的菊花，一幅幅作品中呈现出来的是学生对生活的感受，是学生独特的想法，独特个性的显露。于是《喂鸡》、《挤牛奶》、《秋收》、《宰生》……鲜活的生活为学生的绘画内容注入了源头活水。学生们去生活中体验了美，表现了美，更培养了学生用美术的的基本技能学会了表现美的方法，提高了学生的审美能力和创新能力。
三、运用美术，美化生活。
将美术应于生活是美术教育的最终目的。要培养学生持久的实践兴趣与创造热情，教师必须要善于引导，善于让美术活动走出课堂，在生活实践中举一反三，学以致用，让学生获得创造的满足感与成就感。教学中教师可以根据学校的活动，为学生创设运用美术的生活环境。例如，可以让学生设计校园艺术节的宣传画，布置节日中的教室，给班级出黑板报。设计班级中的学习园地，布置自己的房间，让学生把从美术课上的知识、技能运用在生活中，来美化生活，还可以由课内向课外适当拓展。如学习了《做面具》一课后，我让学生从语文课本中选取适当的内容，制作面具，进行课本剧表演。学习了《真情对印》一课，我让学生把印出来的纹样制作成精美的书签，夹在自己的书中，学习了《编纸条》一课，我让学生大胆地运用农村的蒲草、芦苇、柳条、麦秸……用课堂上编纸条的方法试着编盘子、蓝子、花瓶。学习《石头说话》一课后，有的学生用卵石画美化环境；有的学生把卵石画带回家装点自己的生活空间，增加生活中的视觉艺术情趣；甚至还有些学生问我如何能将卵石作品穿上洞洞，用绳子挂在胸前，用自己创作的美术作品装扮自己。学习《布艺温馨》一课后，学生选用了旧手套、袜子、毛巾、衣服等材料，利用捆扎、填充、缝纫、装饰等方法，做成了各种各样小动物的形象，用旧牛仔裤制作了各式各样的小挂袋，她们把这些玩具挂在家里，美化着自己的生活。学生用废旧纸盒做成的储蓄罐，高兴地把自己多余的钱存了下来。把纸杯、易拉罐经过装饰、组合，变成了文具小管家，学生的文具归类摆放，井然有条。六年级的同学就要毕业了，他们运用所学的美术知识，设计自己的名字，全班同学一起制作了母校纪念留名板，还设计了独具自己风格的毕业留念册，贴上照片，写上了毕业留言，同学互赠，表达情宜，倾诉明天的希望。学生兴致勃勃，兴趣昂然，他们在生活中大胆地运用着美术来装饰，美化着生活。
总之，在教学中，我们应该积极地开发，有效地去利用好美术的生活资源，让美术教学更加贴近学生熟悉的现实生活，让学生感受到美术就在生活中，到生活中也能学到美术从而激发学生对美术的持久的兴趣，学用结合，以达到学以致用，能学会用的效果。
‘肆’ 现代艺术如何走进生活
“艺术本来自于生活，所以生活也就是一种艺术”我是这样理解的。
现代艺术如何走进生活？那首先得知道“现代艺术”的定义吧！
如下：
现代艺术
现代艺术的瓦解起源于古代地中海沿岸（埃及、希腊、西亚）的西方艺术到19世纪后期，出现了转变的苗头，这个苗头进入20世纪后，成为西方艺术的主流，这就是西方的现代艺术。
可以把西方现代艺术看成是一座大厦。由各种不同类型的视觉风格组合而成，建造这所大厦的原理，是科学和理性。这是西方数百年来的思想文化核心，也是我们这里比较缺乏的东西，西方人凭借这些在技术和社会管理方面取得飞速进步；但也带来局限，是抑制生命的部分活力，比如男女相悦离不开自然的吸引力，如果只从职位、收入、门第角度考虑和计算，理性态度是有了，但感情会受影响。所以，在涉及人类情感和性灵的地方，不能只听科学的。
现代艺术的创作，与科学思想密不可分，结构主义与立体派，工业技术思想与未来派、风格派，机械制造形式与达达派的机械图纸绘画，弗洛伊德的释梦学说与超现实主义，还有以理性手法表达非理性的抽象表现主义，等等，都是科学和艺术联手的结果，人们把艺术创作看成是一种有规律可循的造物过程，这样，艺术家出图纸，工厂按照图纸生产艺术品，就成了合情合理的艺术创作程序，1960年后的美国就是这个样子。那时，许多艺术家从事各种各样的工业与材料试验，发明新的合成材料，使用机械装置成为作品的动力系统，声光电磁成为新的艺术资源，下面几项艺术活动能说明当时的情况：
（1）光效应艺术（OPArt），这是一种基于光学知识的心理试验艺术，创作者通过精确校正的色彩和几何形制造出有动感的光色效果，代表艺术家是布里奇特·里列（Bridgei Riley）和瓦萨雷里（Vasa-relev）。
（2）极少艺术（nIlnlnlallsn1），突出特征是以工业方式生产艺术品，追求数学的精确性，代表人物是贾德（Donald Judd）,作品通常是相同单元的重复。
（3)“动态雕塑”（Kinetic Art），有许多代表人物，如瑞士人廷古莱(Jean Tit-ian），制作了变体绘画机器，为首届巴黎双年展制作了一台“有香味有声音的变体汽车”；莱里（Len Iye）制作了有微妙平衡的活动雕塑，等等。
(4）灯光雕塑（Lighi Ari）是雕塑的另一发展方向，其形式类似霓虹灯广告。代表人物是青年艺术家弗莱温（Dan Fla-vin)。
（5）1966年纽约军械库举办《艺术和工程》试验展览，展出许多高科技手段设计的艺术品，并由此带动艺术家和科技工作者的紧密合作。随后成立的’艺术和技术试验”组织，有3000人参加。
还有更多的类似活动，频繁地出现在世界各地，形成风潮。如纽约现代美术馆有“机械”展，惠特尼美术馆有“光”展，伦敦有机械“动力”艺术展，洛杉矾有“工业”展，等等。科技力量由介人艺术发展到支配艺术，西方现代艺术在借助科学力量创造新成果的同时，也把自己送上了不归路。
下面这些艺术家是1960年代艺术与工业结合的代表：
（1）色面抽象画家纽曼（Barnetr-man），以近乎不断重复的方式，制作单一色块。
(2）金属雕刻家大卫·史密斯（David SITiith，1906～65），早年在军事坦克工厂做焊接工人，后来就发展出一种钢雕刻，这种雕刻提供给观众的是它的没有实际功能的机械性品质。
（3)行动艺术与色百抽象结合的画家弗兰肯塔拉（Ftankenthaler,1928-）对抽象表现主义资源的再利用,把艺术变成某种物理信息的表达.(4)黑条画家吏泰拉（Frank：tLixlla，1936-），使用铜和铝探讨不同形状的画布造里，以矩形和棱形为多，创作大、规模的色快分割作品。
二、现代艺术的性质有学者把西方美术的历史概括为三个阶段，即：前现代一现代…后现代。这个分期法中，一切艺术都是围绕着“现代”来确定其时段的，“现代”成了划分历史的坐标，这个分期法狠简单，也容易记，我们不妨惜来一用。
旅美日本文学理论家洒井直木（NaOki SakiIJi）在一篇谈日本后现代文化的文章中说："前现代一现代一后现代的序列暗示了一种时间顺序，我们必须记住、这个秩序从来都是同现代世界的地缘政治构造结合在一起的，现在众所周知的是。这种秩序基本上是十九世纪的历史框架,人们通过这个框架来理解民族、文化、传统和种族在这个系统里的位置."历史阶段的划分不是纯然时间性的，而是和空间纠葛在一起的。这意思是说，在同一时间里，不同地域可能分别处在不同的文明阶段；比如同处19世纪，中国是封建帝制国家，而西方早已进入资本主义，因此，有人说凡是当代出现的艺术都是当代艺术：是不对的，现在我们国家展览会中出现的许多美术作品就不具有当代艺术的特征，甚至不具有现代艺术的特征，这正是东西方地域差别的结果。
无论是“前现代”还是“后现代”，都是与“现代”进行比较后才可能产生的看法，弄清什么是“现代”，是进行这种比较的前提。我们可以从两个角度体察“现代艺术”发生转变的原因。
一种是风格和形式的角度，这是一种数量的概念。从理论上说，我们可以计算出西方现代主义阶段创造的视觉形式和风格的数量，这个数量很多，以倍数超出已往任何时代，也是中国已有美术形式和风格的总和也无法比拟的数量。
另一种是价值的角度，所谓价值，是断什么好，什么不好的标准，价值是质的概念，关系重大。不同价值观导致不同的评价结果，比如，用明清文人的价值观看今天的中国画，就会认为今不如昔。
从数量角度看现代艺术，我们会发现西方艺术家们在短短半个多世纪里，以多角度。全方位的探索精神，实践了艺术形式（架上艺术）变革的各种可能性，乃至没给后人留下多少有待探索的空间。革命已经成功，同志无须努力，后来的艺术家只好另辟踝径。
从价值角度看现代艺术，我们会发现它基本上属于精英文化范畴，能坚守高雅艺术的节操，不屑于与凡俗为伍，这种观念就其本性来说，是历史上贵族文化的衍生物，但社会变化了，精神贵族们失去了世袭领地，也只好去尘世中摸爬滚打。
具体说，现代艺术的价值观表现在下列凡个方面：
(1)追求纯粹。现代艺术追求视觉产品的纯粹性，在创作中只考虑形式要素，忽略其他因素，如历史、宗教，文学等内容的介人，因而促成抽象艺术的发展。一般说，追求纯粹是精英化和专家化的思想，有局限性，等于画地为牢。
(2)提倡原创，这是把体育竞技的标准用到艺术上，把艺术创作看成是艺术史上的破纪录竞争，但体育是优胜劣汰，艺术可不是这样，艺术的发展不是进步，是改变。比如不能因为有了毕加索就说伦勃朗差。
(3)引形式至上，重视形式不是现代艺术特有的习性，古典艺术也非常讲究形式感，但古典艺术的形式服从内容表现，或者说，形式隐藏在形象的后边，而现代艺术是为形式而形式，赋予形式以独立价值和功能。
(4)叫自我中心。现代艺术家多闭门造车，表现自我，不考虑观众，还经常通过怪异行为和奇装异服而显示与众不同，因而作品也十分个人化，不容易理解，也因此帮助美术批评家获得了解释此类作品的特权。
（5）整体单调。这是指在现代艺术流行时期，一切非现代的作品，如传统写实手法的、有民族地域特征的、非发达国家的作品，均被排斥，弄得全球艺术家都要使用“跨国界语言”，因而造成了一定程度的全球性艺术语言贫乏症。
从以上几个方面看，我们就能理解，有反对它的力量出现，是件自然而然的事情。
三、后现代艺术的出现反对现代艺术的力量是在1960年代未出现的。
就在科技强权席卷一切，精英化，纯粹化的艺术山穷水尽的时候，新的艺术活动出现了，这些活动与当时的潮流是那么不同，竟然使西方艺术峰回路转，另开局面。下面就是当时新出现的几项艺术活动：
（1）大地艺术（LandArt或Earth Art），可以看成是室内装置作品向户外发展的结果，最早的样式可以追溯到古埃及的金字塔和英国的斯通亨治圆形石柱，而美洲的广阔土地为当代艺术家提供了展示才能的舞台。以沙漠、高山和草原为原始材料，修整出或附加上巨大的几何形式，是大地艺术的早期特色。最有名的作品是罗怕特·斯迈森（Robert Smithson）的《螺旋形防波堤》，这个堤坝宽15英尺，观众可以沿着堤坝走几圈，除此而外没有任何实用功能。
（2）装置艺术（InstallatiOn），是一种由非艺木材料构成。可在室内短暂陈列的立体展品，其中极少部分也会被博物馆收藏，它是一种布置展品的方法而非艺术特色或风格，所以它可以为许多艺术流派服务。最初的装置由弃置传统雕塑材料而来，其主要定义是：“（1）它们是装配起来的，而不是画。描、塑或雕出来的；（2）它们的全部或部分组成要素，是预先形成的天然或人造材料、物体或碎片，而不打算用艺术材料”。早期装置艺术的代表是德国的达达艺术家施威特（Kllrt schw-Itter），他在1920年代用各种材料将自己的住宅堆满。
（3）身体艺术（BodV art），是创作者将自己的身体作为艺术表达的材料，并结合绘画、摄影、录像或其他现场记录手段。形成的一种非戏剧化的表演艺术，“非戏剧化”是指无虚构、表演和做作成分。如勒瓦（Barry Le Va）的作品就是在相隔十几米的两堵墙之间跑来跑去，直到累倒为止。另一位维托·阿康西（Vito Acconci）曾经是个诗人，心理上有受虐倾向，比如他努力去咬自己身体上能咬到的部位，不咬出痕迹不罢休，还在公开场合手淫，并且架上扩音器将声音传播出去，迫使公众成为“窥淫”者，试图以此冲破社会禁忌，还有一位是克里斯·怕登（Chris Burden），这个人更是受虐狂，代表作《5天囚禁》是连续5天将自己关在一个铁箱子里；另一名作《枪击》是让他的朋友在匕英尺外向他的左臂开枪，这种惊世骇俗手法，使他立刻获得了世界声誉。
（4）概念艺术（ConceptuaI Art），来源于1920年代早期的达达艺术，认为艺术没什么神圣和持久的价值，它的本质是思想或者概念，物理形态的具体作品并不重要，所以也叫思想艺术（Ideaart），后物体艺术（Post Object art）或无物体艺术（De-materialized art），用来记录思想的文字材料，或者对一个事件的照相实录，是概念艺术的常见形态。概念主义艺术家探询艺术与思想或者艺术与知识的关系，这种探询的终点是文字的、数学的或美学与哲学的，从道理上说，这种作品实际上不是用来观赏的，传统的展出形式不适用。但既要展示内在思想又要避免外在形式，仍是长久的难题，那些被看成是观念艺术的作品，多是在美术馆和其他公众场合展出一些临时性的装置，例如随便堆放一些木头、砖块或其他杂物，有一个例子是在美术馆中展出一个巨大的鸟笼，里边有些活的鸟和其他物品，另有一个概念艺术团体则是一些从事随笔写作的人。代表人物有约瑟夫·库苏斯（Joseph Kosuth）、迈尔·波施纳（MeI Bochner）和汉纳·道波温（Hanne DarbOven）等人。
（5）过程艺术（Process art），认为艺术的制作过程比事先的构思重要，体验时间流逝胜于观看静止和持久的物体，力图表达瞬间即逝的短暂存在，此种艺术多使用易于体现时间变化的软性材料，最初的来源是波洛克和德库宁在创作中随意滴溅颜料的偶然性，创作过程多是作者对展出材料的任意改变。代表人物是罗伯特·莫里斯（Robert Morris），他的一件作品是在展厅里堆放一些没有任何价值的混杂材料。他每天去改变这些材料的放置状态，到展览结束时就将这些东西收起来扔掉。
有了上面一些活动，此后的西方艺术就出现两种相反的发展趋势，一种是纯艺术，就是让艺术保持独立品性，以区别其池事物。在纯艺术里，什么是绘画，什么是雕塑，有着明确的质的界定，另一种趋势则是混淆艺术与非艺术的界限，尤其是混淆艺术与生活的区别。前一种艺术的所谓“纯”，恰好是后一种艺术所竭力排斥的东西。而排斥的理由则是认为艺术的本质是启发创造性，人为地划分艺术范围是对刨造力的束缚，只有当艺术与生活融为一体时，艺术的创造力才能在最广泛的程度上得以体现。
新的艺术思想传播迅速，到川的年前后，美国的艺术杂志中就不再是满篇塑胶钢和几何型了，天然材料，行动的过程，环境和观众的介人，语义解析，摄影实录，逐渐成为艺术传媒的主要报道内容。至此，现人艺术的观念、方法和形式有了重大改变，人们说的后现代艺术，就是从这个时候开始的，下过，艺术吏的更迭不是军事交接。下会形成截然两端的局面，所谓新与旧，尾声与开场，往往同时存在，只是论述者为了叙述方便，习惯将纠缠在一起的事实分开来说，囚此，我们常会看到学者们对许多所谓流派运动的开端有众多说法，本文论述后现代艺术，因为要刻意寻找时间推移的秩序，就无法同时兼顾空间的划分,这是要请读者注意的。
促成西方现代艺术在1960年代未转变形态的原因很多，通常认为与下列社会背景有关：
（1）美国在越战的失败，导致反对战争的情绪增长，再加上冷成格局下的国际环境，陵人们对于人类社会和现实生活不抱有大多希望，并进一步开始蔑视已有的人类生活准贝1。在文化领域出现反主流和否定永恒价值的倾向。
（2）工业发展的副咋用。工业的进步曾给人类社会展示了美好的前景，但副作用也越来越明显，环境污染，能源紧缺，有毒废料，核武器危险，陵人们认识到，科学技术在解决一些问题的同时，叉带来了新的问题，人们开始清醒地看待工业进步的利弊得失，对科学方法产生了怀疑。
（3）社会问题突出，丰富的物质生活解决不了精神的问题，战后“垮掉的一代”出现。1968年，欧洲和美国都出现了学生运动热潮。
（4）新思想的出现。欧洲j午多哲学家们对当代文化提出了新看法，从而对艺术界产生影响，这些哲学家包括罗兰巴特、福科、德里达、拉康，利奥塔等人，他们对已有的社会抖学理论提出吠疑，关任多种文化形态，引导人们怀疑任何单一的理论框架和终极判断，在艺术领域则是重新肯定具象的价值，从而导致对追求形而上的现代艺术的脱离。
除了上述外在因素，过分理性儿和科技化是促使艺术方向发生转变的内在原因。需知人类的精神世界和自然生态一样，既变化万端又相互平衡，如果其中某仲囚幸过分发展，就会有相反的力量来克服它。如果科学对艺术干预大多，就会有反科学的力量出现。
四、后现代艺术的价值观1980年代以后，以美国为中心，后现代艺术已经风起云涌，成为新的世界性的艺术潮流。综合地看这些艺术现象，可以明显感知新的价值现在成长，它主要表现在以下几个方面：
（1）不求纯粹，当代艺术不局限于视觉形式，语言文字、音乐戏剧、大众传媒。数码影降、声光电化，只要能传达特定信息，就无所不用，绘画超越平面限制，雕塑结台风景和建筑，展出场地也不局限在画廊扣博物馆，在当代西方，所谓视觉艺术已经与其他门类艺术难分准解。
（2）善侍传统。人类有丰富的传统文化资源，弃之如蔑很可惜，当代艺术家不反对传统，而是利用过去以更新自我。在时间和环境改变后，旧符号可能产生新意义，分冰的“天书”，蔡国强的“草船惜箭”。都是这样。
（3）非个人化，在艺术之上，除了19世纪后期到J）世纪中期这段时间，“个人表现”都不是创炸的主要目标，后现代艺术强调社会功能，使艺术走出象牙塔，贴近大众生活，艺术家以天下任为己任，关心社会问题，积极参与社会活动，不再是特立浊行的另类人物。
（4）多种标准，“多元”是当代艺术的核心观念，虽然国际上仍有主流艺术趋势的存在，但却不再用统一的标准判断优劣，比如承认不同国家，民族，地域的艺术的价值，女性艺术、土着艺术，非发达国家艺术受到重视，等等。但也因此出现繁杂混乱的局面，难以系统化。
综合以上的论述，也许我们可以对后现代艺术有个粗浅的认识：它起源于对现代艺术的反叛，发展出表达思想和传递信息的新方法，观念的更迭，技术的转换，以及它所代表的公众意识、多元价值观和自由创造精神，体现了西方当代文化中的发展趋势，但由于地域，文化和体制的不同，中国美术界还不能在短时期内以整体面貌融入这一全球范围的艺术运动，但这并不妨碍新艺术因素的增长，也不妨碍我们从常识的角度去获得西方当代艺术的知识。
五、杜尚的启发在涉及西方后现代艺术的话题时，不能不提到法国画家杜尚（MarceI Du-champ）调池被人们描述成西方后现代艺术之父，理解他的艺术和生活，对理解西方后现代艺术的诸多奇妙现象大有帮助，但理解杜尚是个难题）因为他的作品与生活都与常人相去太远；难以合理解释。
虽然杜尚的艺术实践止于1930年代。而且在1968年去世，但他旱期的短暂艺术活动却在后来产生了持续的影响力。1913年他完成了第一件现成品艺术《自行车轮》表达对传统作品中注重结构的轻视。并暗示艺术创作中最重要的因素是观念而非制作技巧。《巧克力研磨机八号》差不多是杜尚最后一件架上作品，是对学院派油画的嘲弄。1915年后杜尚定居纽约， 1917年完成《泉》是一只小便器；另一件作品是L.II.O.O.Q,（1919），是给印刷品《蒙娜丽莎》添上小胡子。杜尚最重要的作品是《大玻璃》又名《新娘被她的汉子剥得精光》，该作品从1915年开始制作，至1923年仍未完成。192O年后，杜尚对光学和电影的兴趣与日俱增，川年代后他又将兴趣转到国际象棋上。
杜尚最重要的贡献是“现成品”艺术。虽然从世俗的角度看，把现成的工业产品或是其他物品摆到美术展览会上是荒诞不经的，但事实上这却改变了人类对艺术乃至对世界的整个看法，人们开始质疑传统价值观念和艺术创作模式的必要性，至少。在西方后现代艺术中，“现成品”的影响无处不在，并从以下几个方面给人们以启发：
（1）形式与美都不重要。自古以来，艺术家以创造美的形式为天职，并赋予此类工作以崇高的地位和价值。但杜尚认为美并不存在，艺术和创造艺术的人也没什么特别崇高的地方，他告诉人们，普通物品与艺术品没什么区别，果艺术是美的；那普通物品也是美的，如果普通物品不美，那艺术也好不到哪儿去，所谓艺术的审美价值只不过是人们的成见而已。他把那个“小便池”送进展览会，对打破这个成见起了很大作用。
（2）环境和时间比作品更重要，变现成品为艺术品的决定因素是环境和时间。与作品本身无关。这说明，在一定条件下。任何东西乃至行为都可以是艺术；也可以反过来说，当条件改变时，任何东西乃至行为都可以不是艺术，按中国话说，就是此亦一是非，彼亦一是非，由于环境和时间永远在流动扣变化中，所以文艺复兴的经典“蒙娜丽莎”到了20世纪，就可以被画上小胡于，成为笑料；囱行车轮和凳子放进美术馆里，就等于结构主义的雕塑。
（3）引艺术回到自发和天然的状态，人类最初的艺术活动是自发和天然的，无须专门训练，更没有艺术家和非艺术家之别。但后来就有了分工，艺术成了一项专门的工作，也因此有了专门的关于艺术的标准。显然，这种分工和标准是以往制度的产物。有碍于健全的人性发展。如果在社会条件改变的情况下，仍然把这些已有的标准当成至高无上的法则要人们遵守，就太不合理，“现成品艺术”就是完全不把已有的艺术标准乃至文化尺度放在眼里，以一种看似搞笑而实际上相当深刻的思想，嘲笑了人类在文化领域的拘谨和匠气，从而呼唤一个新的富有自由创造精神的时代的到来。
（4）叫取消技术的限制，人们久已习惯将艺术创作看成是一种专门的技术操作这程，所以才有美术学院和专业画家，“现成品”艺术却与作者的个人技术无关，它只需要一种选择的眼光，而选择是一种思考过程，与物质产品的制作技术毫无关系。杜尚在这里告诉人们，艺术的价值在于思想。有思想，任何物质产品都可以成为艺术品。这种将艺术等同于思想的做法，客观上取消了传统意义上的艺术学科，暗含了艺术与艺术史即将终结的理论判断。
美国画家德库宁（De Koonig）说：“杜尚一个人发起了一场运动一一这是一个真正的现代运动，其中暗示了一切：每个艺术家都可以从他那里得到灵感”，以似乎是随手拈出的“现成品”，轻松地扭转了西方艺术发展的方向，是杜尚留给后人的先驱者形象。杜尚之后，反对一切既定的艺术模式和评判标准，以毫无挂碍的自由精神为艺术创作目标，成了西方艺术界的共识。
定义理解了，大概对你问的问题也有所帮助吧！
‘伍’ 中国民间美术应如何融入现代经济社会
与时俱进。
任何艺术都需和时代衔接，才有生命力；任何艺术都必须保持它的艺术特色并且不断创新，才有活力。
这就需要作者熟悉生活，了解和熟悉时代的需要和这个时代民众欣赏艺术的需要，在保持其艺术特色前提下创新，用具有其特色的艺术表现形式和创新形式表现当代的社会生活内容，创作出当代人民群众喜闻乐见、赏心悦目的作品。这样，才能是其特色保持活力，发扬其艺术特色，赢得市场需要。
一家之见，仅供参考。