㈠ 如何欣赏美声歌曲
如何欣赏美声歌曲
美声和其他严肃音乐艺术的受众群体成长缓慢，这确实是文化发展的一道难题。下面和我一起来看如何欣赏美声歌曲，希望有所帮助！
如何欣赏美声歌曲
首先，观众或听众应当摒除偏见，以完全开放的心态来接触美声唱法的艺术作品。人们通常以为，源于意大利的西洋古典唱法艰深难懂，演唱的外国曲目更是阳春白雪，拒人千里；再加上演唱者大多西装革履或大袖长裙，作派规矩古板，缺少时代气息，观众无法得到放松和愉悦。还有人说，通俗歌曲和民歌曲调流畅，容易上口，互动性强。其实，就像各类美食都能提供营养一样，各种风格的艺术也能带给人们精神享受，只不过侧重点或场合不同而已。经典的美声作品是经过岁月的筛选流传于世，旋律优美隽永，节奏丰富有致，内容发人深思，单凭词曲本身和演唱者的技巧创造出的感染力就足以使人回味无穷。
如果能够坐下来耐心听，剩下的事情就容易了。对于艺术表演，人们通常需要从作品本身和表演者技巧两个层面去感知体会。从音乐层面去欣赏美声声乐作品对普通听众而言并没有严格统一的标准，也无需太多的理论知识作基础。声乐作品基本上可分为艺术歌曲和歌剧选曲两大类；对于艺术歌曲和歌剧选曲的欣赏侧重点应当有所区别。前者的歌词多为着名的古典主义、浪漫主义诗作，作品着重再现原作的意境和含义；后者则常常是戏剧人物的内心独白或人物之间的思想交流和情感冲突，更多地强调人物性格的刻画和戏剧性。事先了解歌词大意无疑对欣赏作品大有裨益，但是不知道或听不懂外文歌词也不应妨碍听众的欣赏过程。声乐作品的作曲家所处的时代不同，艺术风格迥异，作品带有本民族的鲜明特征；然而他们表达人类喜怒哀乐的音乐语言又具有一定的共性，听众可以完全从感性的角度去捕捉作品的主旋律及其发展变化，感受在变幻节奏下高低音符的各种组合造成的音乐及其审美效果。
优秀的声乐作品也具有声声悦耳、琅琅上口的特征，也会在心中引起共鸣。如果不是在音乐厅，那么听众在欣赏过程中应当试着跟随演唱者一起哼唱，这样可以消除初期阶段对美声作品产生的生疏感，缩短自己与作品的距离，充分体会作品的优美动人之处。
选择合适的入门曲目非常重要。通常一首声乐作品大约3—6分钟长，如果你2分钟内还没有发现歌曲的主旋律或者那个旋律无法打动你，可能说明这个曲目的艺术水平不高或者不适合你的欣赏能力。我建议初级爱好者把中国作品《我住长江头》和外国作品《我亲爱的爸爸》（普契尼歌剧《贾尼·斯基奇》选曲）作为自己的美声艺术之旅的起点。这两首作品长短适中，结构简单，节奏舒缓从容，旋律优美而鲜明，具有美声作品的典型特征；同时它们又代表了不同的民族风格与文化传统：前者清丽悠远，细腻精致，后者浓墨重彩，华丽奔放。还可以选择悠扬动听的新疆民歌《曲曼地》和《圣母颂》（法国作曲家古诺改编）。
从技术层面去欣赏美声歌曲相对来说有点难度，不过这和听京剧没有本质区别，多听一些行家推荐的经典唱段、多听听不同歌唱家演唱的相同的曲目，就可以根据自己的爱好掌握一套评判演唱技巧的标准。声乐技术欣赏可以分为声音技巧和表演能力两方面。如同京剧有“生旦净末丑”之分，美声唱法的歌手分为男女高音、男女中音和男低音等声部。歌唱家通过严格的专业训练和长期的艺术实践，逐渐熟练地掌握复杂的发声方法，使他们与常人无异的发声器官变成常人难以企及的演奏乐器，可以奏出高亢嘹亮、坚韧挺拔的高音或是浑厚强劲、震撼人心的中音低音。听众需要判断演员是否能够完整地演唱整个作品，演员的音色是否明亮干净，声音是否一致并具有穿透力（优秀的歌唱家在音乐厅演唱时无需扩音器也能使最后排的观众听得清清楚楚）。
美声歌唱家的表演能力来自他们的技术功底、对作品的理解、文化修养和经验积累，主要通过声音来实现，同时辅助以有节制的面部表情和有限的肢体语言。歌唱家通过对作品中每一个乐句强弱快慢的细微处理，通过对声音和气息的正确控制，真实艺术地再现作品的思想内涵，把音乐中包含的喜怒哀乐准确地传达给听众并使之产生共鸣。这一点是区分杰出艺术家和平庸演员的试金石，听众可以在长期的对比欣赏中体会到。
声乐爱好者想要在声乐技术鉴赏方面有所提高，需要经过样板研习和实际探索两个阶段。样板研习就是收听或观看歌唱大师演唱的经典曲目，从整体上获取对美声唱法的感性认识；随着经验的增加，还可以逐步感受到不同歌唱家的独特风格和擅长之处。如果可能，尽量选择歌唱家在40—50岁之间的演唱版本，这通常是他们艺术上的巅峰时期。帕瓦罗蒂、卡雷拉斯和多明戈是大家熟悉的杰出男高音艺术家，卡拉斯、提芭尔蒂、萨瑟兰、佛莱尼等则是女高音歌唱大师的代表，他们在上世纪70—90年代的作品堪称男女高音曲目的典范。喜爱男女中音的朋友可以选择迪斯考、巴托莉演唱的作品。上述大师的作品在市面上比较容易找到。
实际探索就是经常收听或观看高水平的美声歌唱表演。在欣赏过程中保持一个客观平和的心态，不要让歌者的各种头衔左右你的判断，也不要因为演唱者是初出茅庐的新手而过分苛求；不要为演员在台上夸张多余的表演所迷惑，也不要只注重演员在高音上的表现而忽视其对作品的整体诠释。注意在声音、技术以及表现力等多方面对比不同演员的风格与水平。顺便提一下，由于商业化的录音录像制品可以经过后期制作处理，要想了解歌唱家的真实水平，最好是观看其现场演唱或实况录像。
如何欣赏美声唱法
美声学派的发声方法源于意大利，有其许多优点和科学性；但普及到世界各国声乐界，就加上了许多人的自我认识、自我理解的理论。因此，就出现一个老师一种方法的说法；甚至，许多声乐专家所总结的理论，有许多地方都是互相矛盾的；虽有其共同点，但实在是差别很大，分门别类各有千秋。中国人有句古话师父领进门，修行在个人我们只要用心，加上勤奋和老师的指点，我们就会很快掌握美声的发声方法。
美声歌唱的创始人G卡奇尼在他的《新音乐》的序言中介绍了这种演唱方法。继而18世纪的PF托西、G曼奇尼，19世纪的.F兰佩蒂、M加西亚等又着书作了详细阐述。美声唱法在演唱技术上的特点如下：
呼吸
要求有饱满的气息支持和灵活自如的呼吸控制能力，因此，排斥啜泣时的锁骨部位的呼吸法和胸式呼吸法，主张胸腹混合式的横膈膜呼吸法。美声歌唱的格言是谁懂得呼吸和吐字，谁就懂得歌唱正确的呼吸方法是良好发声的基础。
起音
美声学派把轻松、明亮、准确、圆润的起音，看作是正确发声的关键，是调整气息及喉头状态以及集中共鸣的最基本的手段。起音分软起音和硬起音两种，初学者宜以练软起音为主，跳音练习也是一种很有益的练习，它实际上是一系列的起音，有利于锻炼呼吸支持、喉头的积极配合和集中声音的共鸣。良好的起音应以最少的消耗取得最大的效果。在良好起音基础上的演唱，可以使声音有弹性，有持久力，节约声带和体力消耗，延长演唱寿命。
声区
声区的统一是美声歌唱训练中的试金石，美声唱法取得声区统一的主要方法是：强调唱好各声区间的过渡音，就是唱上行音阶时，要把前一个声区的最后3个半音，唱得稍带下一个声区的特征（即虚些、假些、暗些）；唱下行音阶时，较高声区的最后下行的3个半音，要唱得稍具有较低声区的特征（即实些、真些、亮些）。这样逐渐的量变的过渡就可避免由于从这一声区到另一声区的突变而产生的破裂音。
声音的连贯
声音的连贯是气息流畅和喉头稳定、共鸣良好的反映，又是美声歌唱的旋律线条优美动人的主要特点。破坏声音连贯的原因是多种多样的：起音不准确，滥用滑音；声区不统一，音量忽大忽小，音色忽明忽暗，或出现破裂音；呼吸控制不佳，气息逼紧；元音的共鸣部位的不统一〔特别是窄元音（i，e）和宽元音（a，o，u）之间的不统一〕等，都影响声音的连贯。声音的连贯首先是元音间的连贯。用发子音的部位来唱元音（特别是在高声区）是造成声音不连贯、不统一或白声的原因之一。
灵活性
用快速的音阶、琶音、跳音或装饰音练习，或用花腔的华采段来训练歌唱者声音的弹性和灵活性，是美声学派教学中的一个重要内容，它可以促进声音松弛而富青春活力，有利于延长演唱寿命。
音质
明亮、丰富、圆润而又具有金属色彩、富于共鸣的特殊音质，是美声歌唱的特征之一。人们往往从音质上来检验学派的正统性。良好的音质是良好的声带闭合、适度的气息冲击、适度的喉的低位置、适度的软腭提起，喉部及咽部肌肉积极但又不僵硬、不紧张的配合，正确的舌位，松弛的下巴和口型，自然而美好的歌唱心理状态等因素的综合的协调一致的产物。理想的音质是既明亮又圆润，既结实又松弛，即所谓又明又暗
微颤
歌唱中正常的微颤应是每秒钟6~7次，过快或过慢都会破坏声音的连贯或造成不悦耳的音质。过慢的微颤又称声音摇晃，是喉头压得过低，过分追求声音的深度或洪大音量所致；过快的微颤又称声音碎抖（亦称羊声），是下颌肌肉紧张和过于追求明亮或甚至白声所致。歌唱中微颤的快慢又与歌曲内容及情绪有关，激动时快些，宁静时慢些、平稳些，它又是一种强有力的艺术表现手段。4个世纪以来，美声歌唱的演唱风格、演唱技巧随着时代、作品的发展而发展，至今仍盛行不衰。
欣赏美声作品您应当摒除偏见，以开放的心态来接触美声唱法的艺术作品。人们通常以为，源于意大利的西洋古典唱法艰深难懂，演唱的外国曲目更是阳春白雪，拒人千里；再加上演唱者大多西装革履或大袖长裙，作派规矩，缺少时代气息，观众无法得到放松和愉悦。还有人说，通俗歌曲和民歌曲调流畅，容易上口，互动性强。其实，就像各类美食都能提供营养一样，各种风格的艺术也能带给人们精神享受。
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