如何维持艺术与市场的平衡

A. 举例说明艺术发展与经济发展不平衡的现象,并解释艺术发展的演变轨迹

例如，魏晋南北朝时期，中国社会动荡，经济衰退，饥荒和战争不断。这是中国政治上最黑暗、最混乱的时代，但“这是精神史上最自由、最自由、最富有智慧和激情的时代”，“也是最具艺术精神的时代”（见宗白华的《美学漫步》）；
在18世纪末和19世纪，德国的物质生产落后，但它产生了一些杰出的艺术家和思想家，如歌德和席勒。19世纪的俄罗斯是文艺的鼎盛时期，但当时经济相当落后，甚至存在农奴制。这些经济和艺术发展不平衡的经典例子值得思考。尽管这一非常着名的观点一直是“艺术独立”倡导者的重要理论基础，但它也被那些蔑视马克思主义立场的人进一步强调，认为这种“不平衡关系”只能证明艺术与经济之间的间接关系。然而，它不能成为否认经济基础和人类物质生产活动在限制和决定艺术活动方面的作用的理由。
艺术发展的演变轨迹：
一、西方艺术的发展大致可以分为七个阶段：史前艺术、古代艺术、中世纪艺术、文艺复兴艺术、17-18世纪欧洲艺术、19世纪艺术和现代主义艺术。
二、原始艺术（从原始社会到希腊时代）、古典艺术（从希腊时代到1860年代）、现代艺术（从1860年代到第二阶段）、后现代艺术（从第二阶段到1980年代）、当代艺术（从1980年代到现在）
三、中世纪艺术可分为早期基督教艺术、拜占庭艺术、罗马式艺术和哥特式艺术。早期基督教艺术自基督教受到迫害以来就存在了。直到313年，后来继承王位的君士坦丁才接受了基督教，为基督教成为国家宗教铺平了道路，从此基督教开始流行。罗马墓穴的装饰工作室是我们研究的早期基督教艺术的唯一可能形式。早期基督教对图像的使用具有很强的象征意义。不仅仅是圣经中的一些奇迹和旧约和新约中的许多故事。

B. 你对艺术创作与艺术市场关系的理解

艺术创作和艺术市场我认为不能完全混为一谈，艺术是纯真美好的，市场的利益性太浓，艺术和市场有太多的牵扯，艺术的价值何在，我喜欢完美的艺术，不受物质和利益的熏陶，真真正正的艺术！！一个艺术创作，没有哪个艺术家会说，我创作出来的艺术作品就是为了去卖去，就是为了去赚钱，那样的艺术追求也只会是短浅的，创作出来的艺术作品的价值也大大的折扣了，或许只能称为商品，不能称为艺术作品了！！如果你想成为一个艺术家，那么走进生活，亲近自然，追求那种纯真，那种美好去吧！！

C. 如何看待商业性和艺术性的关系

艺术与商业并非水火不容
它们是互惠互利
你中有我，我中有你的关系。
首先艺术商业化，指的便是艺术的流通。其中包括艺术品流通，艺术家流通，艺术观念流通和艺术机构活动流通。艺术品在流通过程中，必定会增加其受众量，这也就为它本身的传承提供了更多可能。比如18世纪中期的欧洲音乐逐渐商业化，从海顿到莫扎特等作品，大部分都是当时各大音乐厅和各种组织的私人委约作品。正是这样，才使音乐成为一种平民化的娱乐活动，使无数乐谱流通和传承，避免了将音乐家的作品陷于无人问津的境地。
艺术虽然承载着人类文明最辉煌的一面，但它本身并不能作为物质满足人们的根本需求。因此艺术家也需要融入商业社会，混得基本的口粮才能维持创作。

艺术同商业的融合，让普通人通过商业化的艺术接触到当代艺术，也是拉近大众和艺术之间的距离的最佳方式。商业为艺术和大众架起一道沟通的桥梁。日本艺术家村上隆将日本漫画借由商业传递到世界各个角落，他同奢侈品牌lv的合作，为lv设计了一整套视觉形象系统，让樱花包成为经典。同样的，中国艺术家岳敏君也是如此，把艺术做成产业，再用商业推广自己。对于艺术家来说，这是一个双赢的合作。这种特殊的合作方式为他们实现了深度的多向互动，通过“公共化”而实现了其作品和个人价值的扩大和增长。

艺术品是精神产品，不仅具有价值，还具有使用价值。一般来说，人们收入的提高与受教育程度呈正相关关系，经济的发展在客观上刺激了人们对艺术品的需求和渴望，而市场恰恰可以满足人们对艺术品个性化的要求。各类艺术中，最容易同大众产生关系的便是公众艺术。而公众艺术通常也同商业共同成长。
以美国艺术家Kurt
Perschke的作品为例。他在世界各地不同城市安放一个15英尺的红球，每个特定的位置只持续一天，成为“世界上运行时间最长的街头艺术品”。受到众多媒体的报道和艺术机构的关注。它的存在不但为大众的生活增添一抹丰富的色彩，也为相应团体和艺术家本身带来了经济效益。

谈到艺术和商业的问题，还有个无法忽略的人就是美国波普艺术家安迪沃霍尔。20世纪50年代，他敏锐地感知到了当时美国消费社会的状态，用丝网印刷的方式，复制了如玛丽莲梦露和金宝罐头等商业形象，获得了巨大成功，开创了波普艺术的时代。在《沃霍尔的哲学》一书中，这样说道“赚钱是一种艺术、工作也是一种艺术、最赚钱的买卖是最佳的艺术。”

1992年，艺术批评家吕澎就提出“艺术走向市场”的口号。但艺术如何走向市场，还是一个难题。与其说艺术受到商业的影响，倒不如说艺术引导商业，才是正常的行为。
拿开启了工业设计先河的设计师雷蒙德罗维来举个例子。他同美国汽车制造商合作，设计了车型细的节油型汽车；同冰点冰箱合作，做了内部调整，奠定了现代冰箱的基础；还承接产品包装和企业设计，小到邮票、口红、可乐瓶子都有他的创意。纽约时报干脆称他为，塑造了现代世界形象的人。罗维将设计美学融入到现代生活的每个细节中，这样的艺术，才能有效地转化成商业。

写在最后：
艺术如今必然是和商业挂钩的，没有资金运作，艺术根本无法得到传播。如果艺术完全脱离商业价值，那艺术都无法养活自己，那艺术何以成为职业呢？
艺术是不是应该以商业价值为唯一取向，就值得商榷了。尽管如此，也只说这是以艺术性为取向的艺术，那是以商业性为取向的艺术。但艺术市场的独特性在于，反而往往是以艺术性为取向的作品，具有更高的商业价值。

D. 艺术品的流通规律

艺术商品流通是连接艺术生产与艺术消费的纽带和桥梁，是艺术产业发展的先导。深入研究和科学阐释艺术商品流通的特点和规律，对按照艺术商品流通规律的客观要求，规范、发展和完善艺术市场，扩大艺术商品流通和艺术交流，对推动艺术产业结构调整，增强艺术产业的整体实力和竞争力，具有重要的理论意义和实际应用价值。
一.艺术商品流通与社会精神文化环境相协调规律
艺术商品流通，是以艺术商品（服务）为流通客体、以货币为中介的艺术商品交换为核心内容、以艺术市场为载体的艺术经济运动过程。
1.流通的艺术使用价值要与社会精神文化环境的要求相适应。艺术使用价值的意识形态属性要求与社会精神文化环境相协调。要求艺术流通牢牢把握先进文化的前进方向。既要突出时代的主旋律，又要十分注意不同艺术门类、品种、风格、流派的表现内容、表现形式、表现方法的多样化。同时，要求引导艺术消费者培养和树立文明、健康、积极向上的审美观念和高尚优雅的审美情趣，提高艺术修养和欣赏格调，始终把社会效益放在首位。
2.艺术商品流通的布局、结构、规模、发展速度要与社会精神文化环境的发展要求相同步。在艺术市场发挥配置艺术资源的基础作用的过程中，市场需求会引导艺术商品流通的格局、结构、规模和发展速度与社会精神文化建设的发展要求相适应。市场机制的功能会引导艺术商品向供求平衡的方向运动。但是由于市场机制的盲目性、局限性，政府还必须运用价格、税收、利率等经济杠杆和经济政策，综合运用必要的行政管理、法律法规和舆论监督手段对艺术流通加以宏观引导、监督、调控和管理。同时，对产品型、社会公益型艺术流通给以大力扶持和倾斜，以弥补市场配置的不足。
3.艺术商品流通在与精神文化环境相协调的互动中不断发展。艺术流通以艺术使用价值为媒介，形象地富有情感地艺术化地传播各种自然和人文科学知识，培养人们自由观照和把握事物形式秩序的能力，以艺术的方式掌握世界的能力，使人们在“求真”的探索和实践中，感悟和追求“美”的品格和境界；通过艺术使用价值传达的政治理念、理想信仰、道德规范，引导、培养人们把握和弘扬积极进取、蓬勃向上的时代精神，提高推动社会文明进步的能力，使人们在“求善”的历程中，化解人际关系的矛盾，实现观念、文化和制度的沟通与超越，积极引导人们对社会进步事业的向往和追求；在艺术使用价值传达的审美信息的熏陶和浸染下，培养人们感受美、鉴赏美和创造美的能力，在“求美”、自我确证、自我完善的追求中，实现情感与心理误区的超越，淡化功利的诱惑，拯救扭曲的心灵，熔铸“美”的情感和高尚的情操。在与社会精神文化环境的相互影响、相互作用中，艺术流通才能不断获得新的发展动力、流通理念和流通空间。
二.艺术商品流通的价值规律
艺术品作为流通客体的艺术商品是艺术本体与艺术载体的统一体。艺术商品的价值是
由艺术本体的价值和艺术载体的价值两部分构成的。
1.艺术本体价值形成的个别性
营构艺术本体的创作构思设计劳动是自主的、复杂的、个体化的精神生产劳动，具有极强的自由性、主体性和独创性，是不能集中、批量、标准化生产的。因而，也是不同艺术门类的劳动者独立的创造。它不是标准化、社会化的生产物，因而，它的价值量没有、也不能用“社会必要劳动时间”来衡量，是难以与同类劳动进行确切比较的。
当然，艺术本体的价值量并不简单地等于生产它的单纯的“台上1分钟”的“个别劳动时间”决定的价值量。而是由以创作主体长期训练的探索性劳动量、反复练习、排练的实验性劳动量等“台下10年功”的累积劳动量为依据，以承认艺术创作经验、艺术传达和表现的技能技巧、个人禀赋才情的差异、社会影响和时尚因素、以及稀缺程度为基础的市场认同的个别必要劳动时间决定的价值量。
2.艺术载体价值形成的个别性和一般性
艺术载体是创作主体外化、物化其构思的审美意象的物质媒介系统。艺术传达制作劳动创造艺术载体的价值，大致分为三种情况：一是原创艺术载体。这种创造的劳动具有独特的个性和风格，是个体化的，其创造的价值量无法用社会必要劳动时间确定。二是人工复制的艺术载体。这类载体的复制劳动虽然没有独创性，但却需要有丰富的经验、高超的技艺和娴熟的技巧，具有传达制作的模仿性、复杂性。这种劳动同样是个别的，也是不可比的，其价值量也难以用社会必要劳动时间计量。三是机械复制的艺术载体。如平面作品的排版、印刷，歌曲磁带、歌舞、戏剧、影视录像带的录制、复制和光盘的刻录，电影胶片的拷贝等等都是可以批量、标准化、社会化生产的，其创造的价值是能够、而且必须由社会必要劳动时间来确定和计量的。
3.原创和人工复制艺术商品的价值形成具有个别性。
机械复制艺术商品的价值形成是艺术本体价值形成的个别性与艺术载体价值形成一般性的对立统一。从质的方面看，原创和人工复制的艺术商品的价值主要表现为由市场认同的个别必要劳动时间决定。机械复制的一般艺术商品的价值，本体部分由市场认同的个别必要劳动时间决定，载体部分由社会必要劳动时间决定。从量的方面看，原创艺术商品一样一件，件件不同。人工复制的同种艺术商品数量有限。因而，在这两类艺术商品的价值构成中，艺术本体的价值分值很大，在单位商品中占有较大的比重。而机械复制的一般艺术商品数量巨大，在它们的价值构成中，艺术本体的价值分值极小，单位商品中包含的比重微乎其微。因此，载体制作劳动创造的价值反而成为主要的了。正是这种价值构成的二元性决定了艺术商品的价格与其他商品价格的根本区别。
三.艺术商品流通的供求规律
艺术品从价格与需求的关系来说，艺术商品的需求量随价格上升而递减，随价格下降而递增，呈反方向变动的负相关关系，这就是艺术商品的供求规律。但由于艺术使用价值的意识形态属性，价格仅是影响艺术供求的重要因素之一，并不是唯一因素。艺术使用价值的质量对艺术供求具有不容忽视的重要影响。社会潮流、时尚因素、广告宣传、审美习惯都会影响艺术供求。
一般地说，收入越高的消费群体，用于艺术消费的开支越大；艺术商品的价格越适合消费者的购买力水平，需求越大；价格超出人们的购买力水平，价格越贵，需求越小。文化程度越高的消费群体，需求越大；艺术修养越高的消费群体，需求越迫切；艺术偏好越强的消费群体，需求越痴迷；艺术品位越高的人士，需求越理智。闲暇时间越充裕的消费群体，越有时间满足艺术需求。艺术信息、艺术交流条件越好的消费群体，艺术需求的视野越开阔、选择面越宽、针对性越强；艺术设施设备越完善、艺术氛围越浓重，需求的满足程度越高。艺术教育越发达，有潜在艺术需求和具有潜在艺术供给能力的艺术人才越容易脱颖而出；社会越尊重艺术劳动、尊重艺术人才、珍视艺术创造成果，满足全体国民艺术需求的潜在供给能力就越大。对外艺术交流越发展，越能拓展和满足国外对中国艺术商品和服务的需求。当然，由于交流是双向的，国外艺术商品进口越多，越会抑制中国国内对本国艺术商品的需求，这是一个问题的两个方面。
近些日，中央美术学院艺术市场分析研究中心发布《2010年艺术品市场年度报告》。该报告称，2010年我国艺术品市场的整体规模继续呈现快速增长，市场交易总额达到1694亿元，年增长率为41%，较之2007年阶段性峰值的1561亿元，实现了历史性的突破。其中艺术原创作品和古董艺术品的交易总额为989亿元，占全球市场份额的23%，首次超越英国上升至全球第二位。其中，美术品拍卖收益（包括绘画、装置、雕塑、素描、摄影、版画）达到了204亿元，同比增长16%，并以占全球份额的33%首次超越美国位列世界第一。
预计今后十年中国的GDP可以保持以每年7%的速度增长，再加上每年3%的通货膨胀，意味着中国经济在十年后的规模将达到80万亿。根据一个国家的金融资产和GDP之间的比例，十年以后中国的金融资产的规模应该在320万亿人民币。2005年，世界上老牌的商业银行巴克利（Barclays Bank），曾经根据各资产长期的历史投资回报得出结论：全世界机构投资者和有钱人应该拿出5%-10%的资产配置在艺术品上。这样的资产配置比例，意味着在2020年中国会具有16-32万亿的艺术资产的潜在需求。如果到那个时候，我们市场的发展能够满足16万亿中的25%，也就意味着中国在2020年时艺术品市场的规模会达到4万亿人民币。中国艺术品市场一年的交易额只有500亿人民币。即使中国艺术品一级市场，也就是拍卖市场的交易额在这10年中间可以增长20倍，还是会存在3万亿的缺口。这个缺口正是艺术品资产化所存在的发展空间。按照每年5%的上市发行量与5%的发行费用，保荐公司每年可以带来75亿的发行收入。另外，总量4万亿的艺术品资产市场，按照资产管理费率1%的保守估计，每年可以带来400亿的资产管理收入。这475亿收入意味着40万个十万年薪的工作机会， 并每年可增长10%以上，即4万多个新创就业机会。这可为我们每年约35万艺术类学科本科、专科毕业生提供良好的工作机会。正如证券市场的发展催生了会计和律师两大行业，艺术品资产市场也必将在中国建立起艺术品评估与确权两大行业。
不过，由于一些地方文交所的艺术品拆细交易的问题，也导致一些社会质疑。我们不得不承认，这个市场由于刚刚起步，因此市场的监管在相当的程度上是缺失的。我想有以下几点可以考虑：第一，市场上所存在的比较混乱、价格飙涨的现象，是市场发展早期应有的现象，其根源在于市场的容量太小，而从另外一个方面来说市场的流动性又太大。 我们应该看到，中国证券市场的早期，实际上也曾经存在过同样的问题。
第二，建议借鉴中国证券市场早期发展的经验。当我们成立了各地文交所之后，有关部门可成立文化艺术市场联合办公室，由文化部、宣传部、文物局和证监会来对市场进行联合监管。
第三，坚持在发展中规范，而不要在早期求全责备，把门槛定得太高。“水至清则无鱼”，市场就有可能窒息在过度的监管之中。第二，应该以市场化的手段为主，以行政手段为辅，尽量利用市场自身配置资源的高效能力。第三，可以让各地尝试不同的发展模式，通过实践来实现优胜劣汰，产生成功的发展模式。另外，从交易所的角度，也要注意自律和风险防范。在这一点上，如今好几家交易所已经认识到了这样的问题，大家已经采取了一定的防范措施。

E. 艰难的艺术市场下求生存用什么方法

我觉得在如今的情况下，人们越来越浮躁，对于艺术的追求和欣赏往往只浮于表面，很少有人愿意为了艺术而买单，真正懂艺术的人毕竟只是那一小部分，所以在这种大背景下，艺术家们要想能够在艺术市场求生存，就要和现代技术融合在一起，比如打广告或者说发短视频进行直播。

不管怎么说，好的艺术终究会有人欣赏，因为总有那么一部分既有购买力又懂艺术的人会为艺术买单，所以那些真正是艺术大师的人不用考虑，在此次方法中，这一次提供方法的是给那些艺术水平一般，且不能接触那些高级层次，只能面对普通大众进行售卖的艺术家。

可以去做兼职
没错，如果在你的主营业务上，他没有办法帮助你能够求生，那么只有你去接一些兼职，比如说找一些软件去进行帮别人绘画的单子，帮别人画肖像画，一单可就有几百块钱呢，如果你的技术再好一些，接收的人群再高级一些，那么你一幅画卖上个几千块也是极有可能的。

F. 如何看待商业与艺术的关系

不是所有商业化的艺术都是艺术 ，不能把所有的创作都统称为艺术，为了盈利而诞生的艺术，首先他的出发点是为了获取利益，满足市场，虽然称之为艺术，但在更本上与单纯的艺术相差甚远，在创作目的上没有可比性。商业化的艺术有自身存在的价值，不是所有作平都可以成为艺术，也不是所有艺术都可以被商业化，在这样一个关系中，可以看作一个优胜劣汰，适者生存的过程，毕竟现如今的社会不是所有人都能读懂艺术，想要存活并被人了解，社会化是唯一的捷径，但不是唯一的途径！

G. 市场营销与艺术的关系

市场营销是策略，而艺术是传递感知的方式。
说简单点，就是比如你有某个东西要卖给别人，怎么卖这是策略，然而在卖之前你要把你的商品推到人们的面前，那就需要看起来好看，口碑好。这就涉及了人的两大感官，视觉与听觉。因此这就需要艺术对商品的修饰，使大众对你的商品有好感，有了好感就自然会有销路。艺术对商品的修饰便是营销策略的第一步。
再简单点就是，将营销与艺术结合便是广告。
纯手打哦~亲~
没功劳也有苦劳啊，打发点噶~