艺术作品评价法应该观察哪些

⑴ 鉴赏美术作品应从哪几个角度进行

1、看构图。整幅画面的构图是否突出主体、背景是否干净、主体位置是否恰当，构图是否平稳，还有造型是否准确。

4、看明暗关系。也就是黑白灰，或者说光线的关系。整幅作品的黑白灰关系是否明确，是否能够形成整体感，还是看起来很散，黑白灰不明显，会造成画面灰暗，或者找不到光源，没有立体感。

3、看色彩关系。所谓色彩关系，无非就是色彩是否有冷暖对比，是否在画面上表现出了环境色、固有色和自然色，简单的理解，可以理解成色彩的丰富程度。当然，色彩不可过，太过丰富，没了章法，就显得乱了。

4、看一张画的透视关系，近实远虚、近大远小，是否做到了。

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提高美术鉴赏能力的方法:

1、学会看纪录片，了解一下艺术基础知识

很多纪录片中会帮助大家去发现生活中的点滴美，同时可以编导的视觉去思考、去学习，这是一个既贴近有容易的办法。

2、在网上关注一些艺术论坛、人士

虽然现在是个速食的时代，但是审美永远不会被淘汰，在速食时代过后必将 到来的就是内容的净化，而这项工程早已开始并持续不断地在推进着。

3、有机会多去参加一些艺术展、博物馆等

如果说参展需要门票花钱，那博物馆就是一个很好的选择，很多博物馆都有免费开放的时间，在作品前多停留一些时间用来思考，而不是只为了打卡拍张照，素养便会一点一滴的培养起来。

4、多看一些相关类型的书、听一些讲座

做事还是要有个师傅领进门，相比网上纷乱的、无从考究的言论最好还是要去多看书，内容会更加的充实饱满，例举也会更加的深刻，如果条件允许，更可以去一些大家的讲座，听听他们是如何来看待和思考艺术的，这会对你的美术鉴赏能力有很大的提升。

⑵ 鉴赏美术作品的四种基本方法是什么

1、美术鉴赏

在美术鉴赏的基础上就能够产生一定的“美术批评”，自己根据一定的标准，对美术作品或美术现象所做出的理论分析和价值判断。

2、感悟鉴赏

感悟式鉴赏所要求的主要是从观看者自身的经验出发，充满想象力和激情地去欣赏美术作品。在欣赏过程中，可以任由思维驰骋而不受限制。这种鉴赏方式比较适合于写意性和表现性的艺术作品，因为这类作品所追求的不是客观地记录形象，而是通过主观化的形象处理来表达艺术家的情感。

3、社会学鉴赏:

应该意识到美术这种文化现象不是存在于真空环境之中，而是有着特定社会阶层和社会生活的烙印。要理解不同创作目的以及社会背景对艺术家的影响。

4、比较式鉴赏

比较式鉴赏的目的，是为了更好地把握每件作品的特色。俗话说，有比较才有鉴别。但在比较式鉴赏中，需要根据具体情况来分析。美术作品的好坏是可以通过比较来确定的；但在很多情况下，作品之间并不存在谁好谁坏的问题，仅仅是表现方式和风格上的不同而已。

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美术鉴赏既涉及美术作品本身的艺术魅力和审美价值，又涉及鉴赏者的知识、能力、修养和复杂的心理过程。可以说，美术鉴赏受到主客体两方面条件的制约。

这两个条件即美术鉴赏的客体条件(美术作品)与主体条件(鉴赏者)。美术鉴赏的客体条件是指被鉴赏的美术作品，如果客体不具备一定的审美价值与艺术价值，便失去了鉴赏的意义与价值。

美术鉴赏是运用自己的视觉感知、过去已经有的生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。

⑶ 怎样欣赏一副美术作品，去看画展的时候应该从哪几个方面来评估一幅画

看画展对于绘画爱好者来说既是提升对绘画艺术了解的学习机会，也是一次难得的精神享受。

看画展也是一门学问。同样是看画展，走马观花看画展跟仔细品味看画展得到的是不同的感受，不同的收获，不同的效果。

四是，看画要看画创作的时代及其背景。比如张择端的《清明上河图》创作于北宋时期，不仅代表了近一千年前那个时期的绘画水平，而且反映了那个时期的经济社会人文情况。不仅具有很高的艺术价值，而且具有很大的历史文化价值。再比如欧洲文艺复兴时期的绘画为什么多是宗教神话题材，为什么有那么多人体油画，如果了解了文艺复兴所处的时代环境背景，了解了文艺复兴的主旨，对这些就有了清楚的了解。

总之，看画展时，对参展作品要全方位多角度的审视欣赏解读，这样才能获得充实丰富的艺术享受，也才能对所欣赏的画作出比较客观中肯的评价。

⑷ 怎样鉴赏一副国画艺术作品，从哪些方面着手呢，专业知识问题如何解决

1、我们要了解哪些时期的画是注重透视关系，而哪些时期的是不那么注重的。例如古典主义时期的画特别注重透视，那么你欣赏画的时候，就应该把这一点考虑进去。在那些不注重透视关系的风格里面，你就不应该用透视来判断画的好坏。 2、光影，通过观察画中光的用法，可以判断出你所欣赏的画作所处的时期，同样也能反应这种风格的特点。例如印象派的画特别注重光与色的关系，这时候你就必定要把光考虑进来。 3、构图，构图的好坏可以直接体现在画面里。好的构图一般都有构成感上的平衡。另一方面，作者还可能通过构图来反应更深层次的含义。所以努力分析构图，对欣赏画作是有帮助的。 4、技法，一幅画往往会用到多重多样的技法。你可以通过细心观察，大胆猜测作者所用的技法是什么。这些技法可能会为你今后的作画带来帮助。 5、了解作者，通过了解作者的人物性格以及他的亲身经历，可以很好的读懂画作要表达什么。作者生活中所经历的痛苦和快乐都会反映在画里。 6、了解题材，绘画的题材有很多种，我就拿人物来举例子。例如古典时期的西方油画钟情于画人物，人物往往和宗教相结合。这时候你就需要了解《希腊神话》《圣经》这两本书了。因为里面大多数是叙事性的故事，如果你没读过这两本书，是绝对不知道画中在讲述什么的。 参考资料：网络-美术欣赏

⑸ 你认为一幅油画的好坏该从哪几个方面去评估

油画以其形象直观色彩明艳又易保存等特点受到越来越多人们的喜爱。如何评估一幅油画的“好”与“坏”，是一个综合性的问题，严格地讲，也是一门“大学问”。

我不是油画鉴赏家，只能在这里谈点个人粗浅的看法。

一，一般来讲，衡量一幅油坏的好坏，首先要看油画的“品相”。就好像两个人谈对象第一次见面，最注重的就是对方的相貌身材，第一印象至关重要。看画也是如此。首先要看这幅画是否明快、干净、完整、亮爽，给人以美感。

画中，古希腊神话中的爱神美神维纳斯侧身躺卧在露天的景像中，沉静、安宁、柔美、俏丽。看上去她睡的很香，仿佛在做着一个甜美的梦。远方的蓝天、白云、山丘、树木、房屋，近处的绿地草坪，和沉睡中的维纳斯和谐地融为一体，构成一幅人与自然“人景合一”的美丽图景。

法国十九世纪画家莫迪里安尼的油画以“构思精巧，动作夸张，色彩艳丽，表达强烈”而独具特色。他的代表画作《侧卧的裸女》，2015年在美国纽约佳士德拍卖会上拍出1.74亿美元(人民币10.5亿元)，并当场被人买下收藏。

⑹ 如何判断一件艺术作品的好坏

评价艺术的好坏，创作者是被动的，欣赏者才是主动的。艺术终究是为了共享和传达而服务的，所有的艺术都得回到欣赏者身上，自娱自乐、自卖自夸总归是是狭隘、片面的。艺术的好坏不应该由创作者本人说了算，而应该是由足够多的人欣赏后评价，尽量去除了个体主观性后综合而成的。这也是审美去精英化的核心，评分系统的合理存在就是一个实例。 对于欣赏者来说，艺术作品的好坏应该分为两个角度进行评价。 一个是评价艺术作品的水平，也就是从技术层面偏理性地评价其“传达方式”。这是基于核心知识体系来评判（对于绘画就是笔触、色彩组合、构图等，对于音乐就是曲式、配器、编排、吐字、换气、押韵等），已经有了一个总结出来的大致完善的标准，不掌握到一定的水平是绝对不可能在范式上有所革新的，或者说这些创新是不被承认、不能自成一派的（对于绘画就是哪些颜色搭配在一起就是不搭调的、把构图的关键集中在角落就是不合理的，对于音乐就是相隔几度音程听起来就是不和谐的、九和弦就是比七和弦还要不明朗的）。“外行看热闹，内行看门道”，大众对于这些细节基本一无所知的情况下，就需要受过正规系统的相关教育的专家来评判（在这方面真正的专家并不会出现太大的分歧），这时候大众就应该去学习专家的意见，进而提高自己的专业素养。另一个是评价艺术作品的内涵，也就是从情绪层面偏感性地评价其“传达内容”。这就没有统一的标准去评判，也没有没有任何可供参考的东西（对于绘画就是色彩的选择等，对于音乐就是副歌旋律的走向等）。“一千个读者，就有一千个哈姆莱特”，审美是一个很私人化的东西，完全基于个人喜好，每个人都能结合自己的经验和性格领会作品的情绪渲染和深层意义，说到底就是作品能不能让自己产生共鸣。这时候专家作为一个个体也是有主观性的，所以大可不必盲目跟随专家对于艺术作品的喜好，而应该忠于自己独一无二的感动与启发，每个个体的独立主观的感受都是有价值的；但是专家却能够更接近创作者的创作初衷，这对大众艺术眼光的锻炼是很有借鉴意义的，具体原因会在下文提到。（这个时候就得说，大家根本没有必要有随波逐流的从众心理。有些居心叵测的人为了提高艺术作品的商业价值，借机营销炒作，这就会使得大众原本的审美一定程度受到外界影响，将个人纯粹的审美有意引导为“政治正确”般的从众审美加以混淆。） 以上两个部分，即艺术作品的水平与内涵，在很多情况下是相互融合的（比如绘画中想要表现力强应该用冲突的色彩复杂交织还是相近的色彩大片渲染，音乐中想要表现情绪浓厚应该用真音还是假音），但终究是不可混淆的两个概念。所有人都有权利表达喜欢与否，但不是所有人都有能力说出作品的水平高低。所以对艺术作品好坏的评判，离不开受过正规艺术教育、艺术品位较高的“专家”对大众正确的引导作用。所谓艺术领域的专家，应该是一些能通过核心知识体系从作品中分析大众看不见的水平细节，又能借此比大众更准确地解读出创作者的创作初衷的人。好的艺术作品不一定是直观易懂的，但一定是触动人心的；专家与大众的评价不一定是一致的，但专家一定是比较接近创作者的创作初衷的。当专家的意见和大众的意见不一致时，大众就应该尽量客观地分辨专家的评价中有哪些是对于艺术作品水平的判断、哪些是对于艺术作品内涵的理解，选择性吸收、扬弃式学习。“作品诞生了，作者死了”，创作者在作品里留下了一种解答（创作初衷），但作品本身可以有无数种解答。虽然创作者通过作品传达的内涵是唯一的，但欣赏者给出的理解可以是非常多样的，甚至可能与创作初衷背道而驰。这就导致很可能同一个作品放在某个时代里被大众认为高端，放在另一个时代就完全不同，这完全能够解释和接受（不过要明确创作者推进艺术发展的贡献肯定是毋庸置疑的）。而欣赏本身就是为了先给出自己的解答，再让自己之后每次的解答接近于创作者的解答的概率更大；保留自己的解答，并接受创作者的解答——这就是提高自己的品位的过程。 总而言之，一件艺术作品公认的好的标准在于水平扎实工整或者高端前卫、内涵深刻入骨或者具有新意。前者往往分歧不大，有争议的往往在后者。随着审美去精英化的趋势、大众艺术品位的提高，相信对于艺术作品的好坏的争论会平息很多，这是大家乐意看见的。

⑺ 一幅字画要从哪几个方面去评价它的好坏

当前，书画收藏界已把藏品的要求提高到真、精、新层面上。“新”，比较容易理解，它指作品品相的完好如新。如现藏上海博物馆的清初大画家吴历作于康熙十五年的《湖天春色图》，虽历经300余年，至今仍纸本完好，墨色如新，堪为古画“新”的佳例。而“真”与“精”在书画鉴藏中，不免有人混淆，如有的人在鉴别真伪中，往往用艺术的优劣来论画的真伪。如见到某一作品画得“精”，即为其“真”，反之则认为是伪作。这种评判，在根本上有悖书画鉴定“真伪第一，优劣第二”的基本法则。
所称作品的“真”，是指该作品确实为署名者的手迹。而作品的“精”，则是对艺术成就所做出的评判。因此，两者为完全不同的概念，即“真”属客观存在，不能以主观去改变；“精”的优劣，属艺术，存在着主观上的差异，它会因鉴藏者的欣赏能力、视角、喜好等方面的不同而产生差异。因此，两者之间并不具有必然的联系，同时也可以看出“精”很难有一个明确的标准。譬如，已故画家李可染曾自称“废画三千”，假如把他的“废画”归诸一般的画家，也许就堪称精品了。
然而，有些鉴藏者在以“精”为“真”中，还往往将尺幅大、画面繁密、青绿重彩、工笔双钩之类的作品当作“精”的条件，这些与过去鬻画润格中以画件尺幅的大小、画科的不同、内容繁简等论值类似。殊不知有不少作伪者就是以此来迎合这种心理，达到牟利目的。因此，在书画鉴别中以“精”为“真”的认识是颇为不当的，它不符合书画鉴别的辩证法。有关书画真伪与好坏的关系，在鉴定界历来有这样两句话：“真的不一定好，假的不一定坏”，说明了“精”与“真”的辩证关系。
因此，从事书画鉴别，首先是辨其真伪，然后才能评其优劣。否则，如一件作品看上去画得好，但却是伪作，那么所谓的“精”也就没有了意义。又如有些作品尽管草率疏简，但确是真迹，因不“精”而认为是伪作，这也违背了客观事实。所以评判一件作品艺术上的优劣，必须在对作品真伪鉴定之后，再根据作者的特长、风格演变等作具体的考察、比较，然后作出评判。诚如谢稚柳先生在《论书画鉴别》中称：“在真的尚未判定之前，批判优劣的阶段就还未到来，两者之间的程序，批判优劣，不可能不在认识书画真伪之后。”如果将两者的程序颠倒的话，就不免会产生错误。
当然，在书画鉴定中也需要以作品的艺术水平，作为鉴定的辅助依据。鉴别真伪只有通过对作品本身的笔墨来认识，因为“绘画之至是风格，形成风格是一幅画的整体，形成画的整体是技法，形成技法的是笔墨”（谢稚柳《鉴余杂稿》）。由此可见，鉴别真伪必须从考察笔墨入手，并通过对作品的时代风格、特征等来鉴别，惟此才能做出符合客观事实的结论，在确保“真”的前提下再来求得“精”和“新”。
同一位书画家的作品价格为何差异很大(作者：何小川)

近年来，艺术品市场开始出现异彩纷呈的局面，经济发达地区的普通百姓也开始关注艺术品市场，笔者在艺术品评估中经常遇到这样的咨询—为什么同一位书画家的作品价格竟会差异很大呢？

要回答这个问题，首先需要介绍一下艺术品评估的相关知识。艺术品具有使用价值和交换价值，使用价值体现为它的艺术价值，这是专业评估师评估的重点，交换价值就是指市场价格，评估师评出艺术价值之后，按照一定程序测算出交换价值，以此定出市场参考价格。一个优秀评估师测算出来的市场参考价格，应该接近或等于正常成交价格。

根据自己评估经历，我认为同一位书画家作品之间出现价格差异，主要有以下因素： 首先，书画作品的价格与作品的大小尺寸有关，同一位书画家的作品有大有小，在拍卖行、画廊、书画店当然售价也就不同。

其二，一个书画家的作品创作大致要经过几个时期，即学习期、成长期、成熟期、高峰期和衰退期，学习期的作品一般不被人认可，价值较低；成长期风格尚未形成，技法一般，价值也不高；成熟期风格形成、技法娴熟，价值较高，成熟期往往也是高峰期，精品和代表作皆出于此。根据专家研究分析，一个艺术家一生中的作品代表作占，精品占，一般作品，应酬之作。近年来的拍卖记录显示，应酬之作仓促潦草，即使是名家所作拍买价格也不高，而同一位艺术家的精品的价格往往是其一般作品的十倍乃至数十倍。值得强调的是成熟期不等同晚年时期，一般来说是年纪愈大，技巧愈成熟，但这并不表示晚年的作品更好。这很容易理解，因为艺术家也难免受到社会动荡、家庭波折和个人情绪等多种因素的影响。例如谢稚柳、陆严少大家都公认他们的早期作品比晚期的更好。

其三，同一位书画家的同等作品在不同的地区价格也会不同。例如，同等作品在经济发达的广州、上海一般高于郑州、合肥，而文化非常发达的北京，同等作品的价格则又会高于上海、广州。还有各地区喜好有所不同，例如，江浙和上海人喜欢海派、浙派、新金陵画派的东西，他们喜欢收藏吴昌硕、任伯年、陆俨少、黄宾虹、傅抱石、林散之等人的作品，首都和天津人喜欢收藏齐白石、李可染、黄胄等人的东西，广东、港澳人则喜欢“岭南画派”名家的作品。这种地区性的喜好也必然导致同等作品在不同地区价位的差异。 其四，同一件作品在不同的年代，因为人们审美观念等因素的变化，市场认可的价格往往也大不相同。 其五，题材的不同也会对对作品价格产生影响，如具有时代特色的作品，特别是那些被传媒多次报道、大众耳熟能详的作品，其价格往往不断看涨。例如，傅抱石的代表作《毛主席诗意册》以万人民币成交（曾创其作品拍卖的最高纪录）。 其六，书画作品价格还受到爱好圈子、商业包装等因素的制约。例如，陈逸飞的画作充满着东方情韵，迎合了西方巨富们的“东方情结”，受到西方收藏界的追捧，有了高层次的目标买家，画价自然也就居高不下。还有一种情况是，同一位艺术家，由于他的家乡和工作地的作品流传量较多，其相应的价格也低于其他地区，即所谓物以稀为贵。例如，某位着名画家的作品，在他的家乡江苏价格相对较低。此外，还有个别拍卖行炒作等非正常因素，这里就不细述了。 通过以上分析我们看到，有些因素导致的价格差异是正常的，而有些因素导致的价格差异正是为投资者提供了机会。书画爱好者购买书画作品时，一定要保持清醒、理智的头脑，要不断地学习和研究书画艺术的相关知识，了解作品的真正价值即艺术价值。此外，还必须懂得由于书画家不同的艺术根基，资历和功力决定了其作品的价值区别。书画作品的价格在一定程度上是艺术价值的体现，名家的作品，因其知名度和艺术造诣高，其作品市价也远远高于一般书画家。当然，书画作品是一种特殊的商品，其价值是不能完全由价格来衡量的。也就是说好的作品不一定就能卖得高价，卖得高价的也有平庸之作。如果要把收藏某某书画家作品作为投资，还应当参考专业评估师对这位书画家的相关评价。