怎么理解艺术加技术

㈠ “艺术家”要怎么定义如题 谢谢了

艺术家 开放分类： 文化、艺术、行业、高雅欣赏 指具有较高的审美能力和娴熟的创造技巧并从事艺术创作劳动而有一定成就的艺术工作者；既包括在艺术领域里以艺术创作作为自己专门职业的人，也包括在自己职业之外从事艺术创作的人。 艺术家是社会分工的产物。在人类早期阶段，精神生产与物质生产尚未分离的时候，技术娴熟的工匠就是早期的艺术家。尔后，随着生产的发展，社会分工中体力劳动与脑力劳动的最后分野，使艺术生产成为一个独立的精神生产部门，从而为专业艺术家的出现提供了客观条件。同时，人类长期的劳动实践还为艺术家的出现创造了主观条件：一方面，它创造了艺术家的审美的感官、灵巧的肢体、健全的心理结构、熟练的技巧、能力等；另一面，它创造了人的丰富复杂的精神世界，创造了整个社会对艺术不可缺少的审美需求。没有这种需求，也就不可能有艺术家的产生。 艺术家是进行艺术创作的主体。作为创作主体所具有的构成因素中，发达的审美感受能力、创造性的想象、丰富的情感和娴熟的艺术表现技巧是艺术家的主要内涵。丰富的生活经验和对生活的敏锐而深刻的洞察力是艺术家必须具有的素质。对人生的严肃态度、对人类命运的巨大责任感是艺术家的主要道德品格。艺术天赋对于艺术家来说，也是十分重要的。成功的艺术家总是具有某种突出的艺术天赋。就某些艺术种类如绘画、舞蹈、音乐艺术来说，创作主体艺术天赋的重要性显得尤为突出。伟大的艺术家是人类灵魂的工程师。因此，艺术家应该是具有较高思想修养和良好艺术修养的人。传大的艺术家同时也是思想家。艺术家的思想在艺术作品中是通过血肉丰满的艺术形象表现出来的，这就比抽象的理论更富有生动性。艺术家对社会实践具有极大的反作用力。这种反作用力主要是通过艺术家所创作的艺术品来实现的。它既可能给人以心灵的安慰，也可能给人以精神的鼓舞；既可能给人以虚静恬淡，也可能给人以骚动不安；既可能使一个民族的精神稳固和加强，也可能使它解体和涣散；既可能提高一个时代的趣味，也可能败坏一个时代的趣味；既可能对一定的社会起“润滑”作用，也可能对一定的社会起“磨擦”作用。如果说，科学家给自然以秩序，伦理学家给社会以秩序；那么，优秀的艺术家则给精神以秩序，在一个想象的空间里，给整个宇宙以最后的自由与和谐。 随着社会文明程度的提高，参加艺术活动的人也将越来越多。为了适应社会不同层次、不同阶级的艺术审美需要，于是便有了所谓严肃的艺术家类型和通俗（流行）的艺术家类型之分。这种现象广泛地见之于各个艺术领域。此外，还存在着一支人数众多的艺术家类型，即民间艺术家。这一类型艺术家的存在，与民族传统、民族审美心理和趣味、民间工艺、风俗等密切相关，同是艺术家队伍中一支不可忽略的力量。因此，在进行美学或艺术学研究时，无论对哪种类型的艺术家都不应该忽略。 【古代艺术家称呼】 音乐舞蹈方面的叫伶人 书画方面在宫廷的叫画师 民间的叫匠人——以前没有书法家这个概念，只要会写字的，人人用毛笔呀！那时侯唯有“善书”之称耳，特别厉害的开宗立派的有称“圣”如王羲之。

求采纳

㈡ 技术和艺术

        技术和艺术在一些方面具有对立关系，思考起来有些的意思，也是应一位学霸君的建议。事情的内容是他喜欢摄影，觉得现有设备不能满足他的技术精进和艺术创作的需要，所以想买个更好的相机，我的观点是先学理论，还有艺术水平、经验阅历、思考想法、实践创新等方面，要不断锻炼才能形成。他的观点是自己的技术水平已经有一定积累，有些东西会受到设备的限制，即使是创意和想法也需要相应的设备具有能够达到要求的能力才能实现。可以归为“工欲善其事，必先利其器”的主张。其实这事因人而异，也要具体问题具体分析，所以我今天讨论的不是个别问题，而是从更具共性的方面试简单分析技术和艺术的关系。

        技术是可重复的，而艺术是需要创造的。创造性不仅体现在艺术上，同样体现在科学上。不论是科学还是艺术，当它成为可重复的工作时就形成了技术，这样说有点宽泛，比如各种艺术家，可重复部分是他们的基本功，可以看做是他们的技术，而艺术部分在于他们在各自领域的创新，这也引出下一点。

        技术是可普及的，而艺术是展现个性的。同样是建筑，普通的建筑师展现的是他们广泛都具备的建筑技术，而具有独立风格的建筑师的作品具有艺术观赏性。一个特例——独门手艺，它可以是艺术形式或艺术作品，而且是极少数人掌握的熟练技巧，但这并不与技术可普及相矛盾，未能普及可能跟社会大众对艺术的选择和拥有手艺的门派自身传授有限制有关。

        从熟练度来说，艺术创作应该是生疏的，是一种尝试，而技术应该是熟练的，是一种再现；从复杂度来说，艺术创作是复杂的，技术也可以是复杂的，那是对于外人来说，对于拥有技术本身的人来说，技术的重复、熟练度的提升可以降低给人带来的复杂感。艺术的复杂不只是技术手段的复杂运用，更是一个创作过程中思考，感受，表达的沉淀。

        技术是理性的，更可以说是机械的，而艺术是感性的，灵感是稍纵即逝的。技术为了维持现状，艺术为了精进发展。扩大一下话题，理性是追本求源，感性才是生物的特性，而人类通过理性了解和改造世界的目的就是极大地发挥感性特性。回到原话题，技术是为艺术服务的，新艺术往往建立在新技术之上，但这只是一种手段，感悟和想象才是艺术不竭的源动力。顺便说一句，艺术也会包含深刻的理性思考，因为如上面说的，它有时也要揭露事物的本质。

        看网上一位老师的博客在讲课时有同学提问问技术和艺术的区别，讨论一番后，老师举了个栗子：在世界各地的，我们都能看到蒙娜丽莎的油画，非常的美。你们认为这是技术品还是艺术的品。学生说是技术品。老师问为什么是技术品。学生说，因为这些油画都是别人模仿画出来的。老师问，蒙娜丽莎的真正艺术品是谁呢？“是达芬奇的原作。”学生齐声回答。老师说：那么，现在能不能说出艺术与技术的差别呢？艺术是独一无二的，不可再造的；技术是可以成批生产的。

        下面是网上找到的蒙娜丽莎的翻版，但这不能说只是技术，而是艺术再创作，和单纯的技术是不同的。

        说点题外话。学霸君想买新设备，当然他准备自己攒钱，下面的情况只作为说明，而非评价。我觉得我们大多都应该经历过或见过，小时候或别人小时候买了一个玩具或别的什么心爱的东西，过了一阵又想买另一个新的或更好的，家长会说：不是已经买了一个了吗，为什么还要买，这时，小朋友就会找理由说旧的怎么不好，新的怎么好。即使是大人，也会有这样的现象，不过就算是成熟的人有这样的表现也无可厚非，因为他能为自己的行为负责，父母阻止孩子也是替孩子考虑行为后果。再说极端一点，能为自己的行为负责，即使为艺术献身也算是活得自由的偏激表现。说得再大点，如果不是万物集中的态势，或我们还处在集中的初期，人均责任会很小，我们的自由度很高，不过集中度低时未能提高技术水平，不能很好地服务艺术，但是，你知道这个但是有多可怕，看看最下面的阅读原文就知道了。这也说明了技术虽然是艺术表现的途径，但并不是源泉。

       最终小结一下，献上网络：技术是人类为了满足自身的需求和愿望，遵循自然规律，在长期利用和改造自然的过程中，积累起来的知识、经验、技巧和手段，是人类利用自然改造自然的方法、技能和手段的总和，但是也是需在在实际中多多磨练才能找到自己技术所在地。最后一句感觉有语病，整体意思就是说技术是实现更好的生活的基础，而科学、艺术等等在前面探路的学科是我们发现更好生活的希望，而这希望的源泉是我们的想象力、创造力。

        关于学霸君买设备这件小事，我个人的想法是玩技术不如玩艺术，当然从玩技术到玩艺术的路是没问题的，为此拼搏赚钱也是人生经历，重要的是自由的活，虽然我们都存在于不可知的必然性之下。艺术需要的就是自己的感觉，走自己的路，别人都在忙着搞艺术。

㈢ 技术和艺术的区别

按传统理解，搞技术的人与搞艺术的人是不同层次的，实事上也应该如此，但现在这个社会上，技术与艺术就有些混淆，有时很搞不懂。
根据我自己的理解，技术是一种带有一定技巧的简单劳动，而艺术是一种创造性的劳动。根据我这一理解，现在这个社会上的艺术家就很少了，比如现在流行的唱歌、跳舞类的人员一般不在这之列。纵观历史，基本没有几个靠唱歌留芳后世的，就是因为这一流人缺乏创造性，纯粹就是掌握了一点发音的技巧而已；可是作曲、写作人员留名的就不少，比如音乐界的贝多芬等人现在之所以有名，不是他的钢琴弹得好，而是他的曲谱得好。但看看现在这个社会，什么人都在唱歌，当然自娱自乐可以，但要冠以艺术甚至家之类就有点说不过去了。因为从本质上讲，唱歌运用声带的技巧与用手下地劳动是没有区别的。还有美术，要称得上是艺术的东西一定得下很大的功夫，如果是写生、描绘的话就只称得上是技术活。当然，还要说明的是，每个人做的工作不一样，对某种工作的热爱程度也不一样，对同一种工作来说能够掌握的程度也不同，但这决不是影响对技术与艺术理解的障碍。
另外，还要说的是，技术工作一般来说是艺术工作的基础。比如音乐、美术，对声音理解得深、对色彩把握得准都有利于艺术创作。但作为一名技术工人，如果对某种工作（如焊工、钳工、车工等）掌握到一定程度是不是也可算是艺术工作呢？因为这和掌握小提琴的拉法是没本质的区别。
所以说，我们在用艺术与技术时还是要特别注意的，否则对真正的艺术是一种玷污

㈣ 你怎样理解“艺术家”这一概念

富于幻想，浪漫，想象力丰富，创造力强的人，通过艺术品把自己的思想表达出来的人.
古希腊时期，尽管创造了许多杰出的艺术品，但当时人们并不是用今天我们看待艺术的眼光看待它们，而是将其当作一种高超的技巧的结果。中世纪时期，艺术有两种含义，一种以是文科艺术，包括：修辞、逻辑、格律和语法；一种是高级艺术，指算术、几何、音乐和天文四大学科。这其中一些，在当时被称为自由学科。然而，所谓自由学科并未包括绘画、雕刻、和建筑，很象中国古代周时的“六艺”学说。文艺复学时期，艺术是一种高超技巧的观念又得以重新恢复，但是艺术家当时仍是被视为工匠。虽然达?芬奇等具有广泛人文知识的全才式艺术家大量涌现，绘画、雕塑和建筑等造型艺术的地位得到了提高，但由于在他们的实际创造行为中，艺术研究与科学研究很难分开操作，并且又都是按着契约者的表现要求和完成期限来工作，因此仍未具备我们今天所理解的“艺术”或“美术”做为一门感性创造学科的特质。

㈤ 什么是艺术家

什么是艺术家，是从自觉的艺术到艺术的自觉，由此，艺术就变得无比艰难。 艺术家的工作是把艺术个性化。艺术中没有超越，只有区别，成功者都是在千差万别中显露自己。艺术家的个性魅力成了他艺术的灵魂。如何把个性魅力变成个性艺术？艺术家们各有各的秘密。 凭仗着他们的努力，创造一个世界。这世界不是现实世界的复制。智慧到处发光，才华到处流溢；所有颜色都是语言；所有声音都有灵性，所有空间都充满想象。
艺术有它神秘的规律；由于艺术的本质是生命，艺术家生存在自己的艺术中。艺术一旦完结，艺术家虽生犹死。长命的办法唯有不断区别别人，也区别自己。这苛刻的法则便迫使艺术家必需倾注全部身心，宁肯在人间死掉，也要在艺术中永生。艺术家最大的朋友是寂寞，伴随艺术家一生的是忽冷忽热的观众、读者，和一种深刻的孤独。 这便是大家心中的艺术家，天生的苦行僧，拿生命祭奠美的圣徒。但如果没有他们，人类的才智便沉没于平庸，生活化为一片枯索的沙漠，好比没山，地球只是一个光秃秃黯淡的球体。
这是唯美的艺术家的境界，曾经在搜狐上看到一篇母子的书信文章，我永远的记录了下来，内容如下：“首先做艺术家需要奉献精神！有人说，搞艺术，必须成为善于超脱的投入者，善于投入的超脱者。此话诚恳而实在。人家有吃肉的滋味，我有吃菜的品位；别人有说名道利的情趣，我有墨池飞鱼的乐趣。这才是艺术家的心灵。要做到这一点，需要宽心静气，将生命和热情全部倾注于事业和艺术。使画中胆魄更博大，令心里诗韵更充盈，做无愧于时代的人，做一个大写的人。人如果想高尚，就要学会并且做到宽容和理解、原谅和大度。虽然要做到很不容易，但是只要努力就能够做到。”
儿子，请试着去尝试一下，去追求一种超凡脱俗的精神境界，争当一个品德高尚、心灵善良的艺术家。千万别当唯我主义、狂妄自大并以个人的好恶去控制别人的暴君。也不要将忌妒和仇视的眼光投向那些社会中的贵族阶层，因为以上两种做法都是不明智的。这样为自己制造痛苦或使自己陷入痛苦，都是对自己、对他人的不公。妈妈想告诉你：生活原本是美好的，是某些不自律的人破坏了这种美好，妈妈要求你不要做这种人。
妈妈愿意和你一起学会做一个高尚的人！让我们共同朝着这个目标而奋斗。儿子就要出发了，妈妈的心，将伴随着你同行！
现在之所以提这样的话题，主要是为了让许多即将走入艺术家行列的新人意识到，艺术虽然有一定的商品属性，更重要的依然应该是它的社会属性和意识属性。
文字于笔，笔如刀。
写这篇文章只是用自己的文章叙述的方法正言一些论点，在网络上看到所谓的伪善型的评论家对景德镇现代陶瓷穷其所能的进行贬低。的确一些艺术家受物质利益驱使，把艺术当成了赢利的工具，大大降低了作品的艺术性。但是一味指责批评会毁掉一个行业的的艺术生命，这种“棒杀”，是很可怕的。 然而，正是这些隐藏在伪善的外表下这类人，却在为了自己个人私利，导演着愈演愈烈的焚火攻势。
现代陶瓷收藏行业起飞也就这么几年事情，在这短短的几年内现代陶瓷收藏能够起飞到现在这个程度得益于市场的垂青，但是也是因为现代陶瓷收藏有他的艺术基底，平地是不可能起高楼的。
现代陶瓷艺术品市场的迅速膨胀，当然也使得许多艺术家的心态发生了一系列的变化，这个是显而易见的，而如果用窥一斑而见全豹的心态就很片面了，市场发展到这个程度，我们做的不是“棒杀”，而是需要引导，艺术家通过劳动获取报酬，是无可非议的。国家也在大力发展文化事业和文化产业，文化艺术资源可以转化为生产力，可以带来经济效益。而如何正确帮助艺术家辨识经济利益和艺术追求的目的，这个就是媒体工作者的责任，也是一个媒体工作者的道德。
有某些这个行业行走的人都因为各种原因对这个行业有着诸多的不满，其中有被市场抛弃的、被艺术家群体抛弃的、个人恩怨、行业抵触等等，他们将自己的心中的忿满化之的是语言上的表述，将一些小的东西夸大，然后无限制的夸张，续而，恐怖化。就如这个文章所要探讨的金钱与艺术的问题，这类阴暗的人群不是去引导而是竭尽所能贬低，试着想想，一个心态阴暗的人，他的话语怎么能够公正表达。可是当这些话语伪装在其伪善的外表下却在故意对他人产生错误的引导。
这个行业如果要健康的发展，艺术家需要进行引导、自律很重要，但是同时也要收藏家自己认真看清楚一些文章和言论，看看写这些言论的人的背景和发展历程以及现在的行业地位和他所从事的工作，您就会明白他真正的用意和立场。

㈥ 如何理解艺术、科学与技术相互之间的关系

如何理解艺术、科学与技术相互之间的关系

艺术是科学技术的升华，新的艺术形式大多产生在新的技术之上。
而科学技术发展到一定阶段，也就是一种艺术形式
太抽象、太理论了，呵呵……
艺术设计，所要处理解决的就是这个关系，这非常不易。
所以，国内许多人把学艺术设计看作是一个成材的捷径就大错特错了！
最早艺术有纯艺术和工艺美术之分。纯艺术多是艺术家做，比如大画家之类。工艺美术

就是手工艺者的活，社会地位也很低。手工艺者多是身兼设计者，生产制造者，商人数

职。设计并没有从中脱离出来。
但是科技带来的工业革命发生后。工业大生产的趋势下，设计逐渐成文一门单独的学科

，从艺术中分离出来。所以没有科学，没有工业生产，也就没有设计的独立。
简单回答就这样。具体的，如果你要写论文或者准备考试，网上又找不到详细资料的话

，建议你还是去买本书。一般艺术设计概论或者艺术设计史之类的书就行。
我有一本《艺术设计概论》。李砚祖编写的。有这方面的资料。你可以考虑。

科学和艺术，是人类思维之树的两大主权，是人类文化的两翼，是人类心血、劳动和智

慧的结晶。科学与艺术的互动作为人类社会重要的文化现象，将贯穿整个人类社会的历

史。本文以人类思维的生成与演进为中心逻辑线索，从对人与自然以及人与其类群(或社

会)的矛盾运动的考察分析中，实事求是地得出了科学与艺术互动的必然结论。以此为基

础，作者进一步认为，实现我国未来科技创新还应当开辟另类途径，即：紧紧围绕科学

与艺术的互动作好...
科学和艺术，是人类思维之树的两大主权，是人类文化的两翼，是人类心血、劳动和智

慧的结晶。科学与艺术的互动作为人类社会重要的文化现象，将贯穿整个人类社会的历

史。本文以人类思维的生成与演进为中心逻辑线索，从对人与自然以及人与其类群(或社

会)的矛盾运动的考察分析中，实事求是地得出了科学与艺术互动的必然结论。以此为基

础，作者进一步认为，实现我国未来科技创新还应当开辟另类途径，即：紧紧围绕科学

与艺术的互动作好文章，始终坚持不懈地充分动用各种艺术手段，做好科学普及、青少

年儿童创造力培养等方面的工作。 全文由前言、科学与艺术的关系文献研究、科学与艺

术同源、科学与艺术互动以及结束语等部分组成。前言部分引出论题，交代写作目的和

动机，等等。科学与艺术的关系文献研究部分对他人的研究作了概括总结，点明立题的

现实意义。科学与艺术同源部分，列出科学与艺术同源的宇宙学和人类学依据，指出作

为“人为”和“为人”事业的科学和艺术，二者共同的客观基础是人与自然，二者产生与发展

的源泉是人与自然以及人与其类群(或社会)之间的矛盾运动。

㈦ 什么算文艺或艺术又算技术

在当下，要想分清什么是艺术、什么是工艺技术，似乎很难。凡是与技艺沾点边或与文化沾点边的事情，都有人想着向艺术上靠。或许，从更广阔的意义上讲，这些都应该属于艺术的范畴。但，若我们要从纯文化与人类文明进程来审视，又该如何区分艺术与工艺技术呢?

简单的理解，艺术应该是一种审美文化创造活动，而工艺只是技术性的制作。即便如此，还是让人难以理解，因为艺术通常离不开技术，再纯粹的技艺里面常常似乎也会伴随着那么点艺术的成分。如此一来，艺术与工艺技术的分别就更难弄清了，怪不得今天会有人大声疾呼艺术创作需要工匠精神。

艺术从工艺升华而出

其实，艺术与工艺技术这种含糊不清的关系，在历史上从来就没被分清过。我们知道，几乎所有人类艺术，最早都出自于工匠性的技艺。文艺复兴以前的西方艺术家，大体都属于工匠阶层，与普通的泥水匠并没太大差别。衫差而在中国，古代画师们也都属于工匠，即便阎立本那样贵为丞相的大画家，都还会为工匠身份感到自卑。当然，西方社会并不会对工匠进行特别的歧视，一个优秀泥水匠仍会有贵族般的自豪。而在中国，由于儒家思想构建出的森严等级体系，即便到今天仍没多少人愿头上顶着个“匠”字。在此般文化语境下，来讨论艺术与工艺技术的区分，最否会让人联想到更多呢?

与其说艺术源于工匠的技艺，不如说艺术是工艺的升华。任何优秀的人类传统艺术，都离不开精练技艺。西方古典艺术离不开，东方古代艺术也离不开，即便是宣称不以技艺取巧的文人绘画，也是离不开长期的技术训练的。但仅有熟练技艺并不算艺术，只能是工艺，这样做出来的东西只会是“匠气”的。只有当创作者在技艺的基础上，将自己对文明的思考、生命的灵性注入作品中，才能称为艺术。由此得知，艺术的本身，并非复制，也并非工艺性制作，而是一种文化创作活动。艺术创作者身份并不在于是工匠还是艺术家，更在于其是否对人类文明进步有极积贡献。如，切利尼本是文艺复兴时期的一名金匠，却以艺术家的身份被载入历史，不只是因其曾制作出过多么华贵的金银工艺品，而是其在熟练技艺基础上，将自己的思考、将生命热情倾注于那些不朽的雕纤神塑作品中，为人类文明史增添了不可缺失的内容。又如，米开朗基罗创作的西斯廷天顶壁画，从技艺上讲绝对让任何一个时代的艺术家难以相比，但那里面仅仅只有技术吗？

艺术是出自生命毁塌亏本源

如果说艺术创作一定要是能促进人类文明进步的，会让大多数觉得太大太空。对于许多心地单纯的艺术家来说，才不会去考虑这些无聊的空洞话题呢，他们只乐意做自己喜欢的工作。事实上，如果一个人整天去想那些空洞的东西，也根本就搞不了创作，艺术应该是接近生命本源的东西才对。从小的个体上来讲，艺术创作应是将自我生命体验进行自由的释放。由于造型艺术是对形象或形体的创造来实现的，技艺就成了不可缺少的基础。然而，再好的技艺也只是一种技术，精糂的技艺能生产出非常好的商品，却不一定能创作出优秀的作品。只有当一个人将自己的文化思考、内在情感、生命灵性与技艺融为一体时，才有可能进行艺术创作。同时必需注意的，这些技艺以外的生命内在体验，除了一个与生俱有的生命灵性外，更多源自文明的给养，源自文化上的修行。很难想象，一个完全脱离文明社会的人，还可以进行艺术创作。

㈧ 技术创新问题：艺术家+观光者+伐木工人+小鸟=树的综合含义，怎么理解

我先说一下我个人的理解，首先，艺术家的话就说明对于技术的创新是有一定的创作基础的，因为艺术家善于创作，并且有着非同一般的眼返告光。第二个观光者的话，应该是意味着与艺术家相对的群体，也就是现实生活中你的技术产品开发出去所面对的技术应用群体，应该就是要关注你的使用对象，你所开发的产品应该铅世亩以广大的应用群体为基础，通俗的说就是你要生产适合人民应用的产品，满足应用群体的需求，至于伐木工人的话，我的理解是要实践？不怕辛苦，肯动手动脑，脚踏实地的进行技术创新，最后一个小鸟，一般有树的地方就会有鸟，所以我感觉这应该是一个产业之间的合作关系，也有可能是产业链的效益，或者说是鸟和树之间的友好合作，放在技术创新这一块来讲，应该就是你开发出来的产品要找到相对应的合作方或者是合作伙伴，两方相辅相成，互利互槐森惠，我的理解大概是这样。

㈨ 技术与艺术 - 艺术作品的双重价值

（在中文中“艺术”一词指包括绘画，音乐和诗歌电影等等一切艺术类别，而在英文的一般运用中则主要指视觉艺术，并且是指纯艺术风格的视觉艺术，如绘画和雕塑等。本文中“艺术”一词兼用这两者的习惯，在主要指视觉艺术的同时，也兼指其它一切包括在“纯艺术”范畴的艺术形式，如诗歌，音乐等等。）

1。艺术作品的双重价值：技术和艺术

任何一件艺术品，都包含两方面的价值：技术价值与艺术价值。技术价值是针对在一件作品中艺术家所采用的方式方法而言（技术的娴熟程度），艺术价值是针对艺术家在作品中注入和传递的主观因素而言，如情绪，观念和思想等等（虽然观念和思想在我个人对纯艺术的理解中几乎不占有任何重要位置，但它们的确是从属于和技术价值截然分开的主观因素范畴）。

在视觉艺术中，技术价值大致包括以下两方面的意义：1。对现实的再现技巧，即绘画中的写实技巧；2。对材料的掌握。比如油画和水彩画的材料就非常不同，在运用时的技巧也不同。欧洲从文艺复兴开始到印象派时期的绘画都具有非常高的技术价值，因为这个时期的所有作品，由于透视，光影，人体解剖等等学科都趋于完善，所以都具备非常逼真的现实主义效果。而在材料的运用方面，油画也从文艺复兴开始后渐渐成熟起来，给写实的表现创造了条件。所以在写实技巧方面，欧洲在从文艺复兴时期到印象派这一段时间的美术作品无可争议地具有非常高的价值。

艺术作品的艺术价值则是个非常模糊和主观的概念，其标准也是变化万千，各说不一，并且随时代的变化而变化的。曾经，艺术完全是随心所欲，毫无标准的；曾经，技术价值几乎完全成了唯一的标准；曾经，艺术作品的思想性被看成高于一切；曾经，技术价值又被贬低到毫无价值的地位。所以，对艺术价值的争论似乎是最无效益的，对艺术价值的定义，也是历史上最主观最武断的，基本上是100%因人而异。如果说艺术作品的艺术性其实就反映了艺术的无标准性，此话并非夸张。

然而无论艺术作品的艺术价值如何因人而已，有一点却是没有争议的：艺术的独创性。这个词包括两方面的含义：创造性和独特性。之所以艺术的“创造”区别于工厂的“生产”，之所以艺术作品是“作品”，而不是“产品”，就在于艺术作品既有着和产品一样的“创造性”（从无到有的过程），又有其不可复制的“独特性”（相对于“产品”的批量生产性）。所以叫“独创性”。任何一个抄袭别人的艺术家，任何一件没有独特风格的艺术作品，都绝对不会得到最终的价值认可。所以，这个“独创性”是艺术史上（尤其现代艺术中）最重要的价值标准。

另外，以上的“技术”和“艺术”价值也和告液可以和艺术的“形式”与“内容”相比较：“技术”可以基本（只是“基本”）等同于“形式”，“艺术”可以基本等同于“内容”。然而在越是主则衫观和抽象的艺术中，前者（“技术”和“形式”）越是接近于后者（“艺术”和“内容”），以至于完全等同。

2。技术价值和艺术价值之间的关系

a.“技术”对“艺术”的影响

虽然艺术作品的这两种价值之间并非截然分开没有关系的，但两者却不一定是像很多人理解的成正比地增长的，即：技术越精，艺术价值就越高。很多艺术家具备非常真实地描绘自然的技巧，但他们的作品除了像和照片一样 – 对自然的拷贝之外，没有任何主观内涵，而某些技巧并不那么娴熟的艺术作品（如梵高的作品），却具备强烈的独特语言，成为历史上不可取代的杰作。

不过，从另一个角度来看，如果把“技术”不只是简单地看成写实主义的技术，而看成艺术家表达自己的独特“语言”，那么，又的确是技术越成熟，艺术性越高。以欧洲现代艺术为例，很多画家在早期的技巧多为写实，自我风格孙友腔并不明显，所以虽然在传统技巧上很娴熟，但在表现自我的“技巧”上并不自如。然而随着个性的成长，这个表现自我的“技巧”（风格）上越来越成熟，所以他们的作品的艺术性也越来越强。除极少数没有经过传统训练的艺术家以外，几乎所有画家的艺术生命历程都证明了这一点。

中国古代的士大夫艺术，按西方的传统技术为标准来看，是非常“拙劣”的，然而在艺术性上（个人认为）却是非常成熟的。中国画只在 “个性表达”这一点上逊色于西方现代艺术，而在艺术的“纯粹性”上，即艺术不是思想的“附庸”而是独立的感性语言这一点上（这一点也是西方现代艺术的最主要的追求之一），中国的艺术，一直是处在“纯艺术”的高度，从来没有落入理性的“误区”（这和中国人的非理性思维传统关系很大。虽然“非理性”这一点在思想意识形态上使中国落后，但却使中国传统艺术大受其益）。

之所以说中国士大夫艺术在“个性”上逊色于西方艺术，除了中国文化对个性的压制的特点以外，还在于中国画有着一整套严格规范的技巧系统，限制了艺术家的个性表达。中国画的这个技巧系统是源于中国画的特殊材料限制，导致艺术家在材料运作时 “为所欲为”的可能性非常小，所以艺术家的个性都或多或少地被掩盖在技巧所规定的效果范围内。比如画竹，任何一个中国画家画竹都必须遵循中国画材料-水墨所规定的技法才能做出一定的视觉效果，所以画出来都有一定风格限制。然而，中国画中并非完全没有个性的存在（比如明末清初的石涛和八大山人，两者就有非常明显的风格不同），只是这个个性存在被掩盖在看似相同的风格中，需要一定的“眼力”才能辨认。

不过，无论如何，中国画材料对艺术家的限制是很明显的，这不能不说是中国画难以发展的一个巨大障碍。西画的材料能创造出各种不同的视觉效果，给人的个性表现提供广阔的空间，的确是一个真正热爱绘画艺术的人的最佳选择。

另外，这个材料对风格的限制的“缺陷”同样也存在于中国音乐中。古代乐器的音质都非常特别，音域也不如西洋乐器开阔，所以其表现力相对贫乏。当然这个特点同时可以被看成是中国传统音乐的特点，或者“优点”，因为它能创造出一种独特的旋律和音质效果。但无论如何，由于中国古代乐器的“表现力”受限制，所以很难有继续发展和创新的可能。

b。艺术价值的绝对“权威性”，技术价值的次要性

很多人轻易地把艺术作品的技术价值当成艺术作品的全部价值。拿弹钢琴为例，一个钢琴弹得娴熟的演奏家很容易被一般人理解成为“音乐家”，然而这两者却有“质”的不同：一个技巧娴熟的演奏家可能根本不能写作出任何独特的音乐作品。所以如果从“创造性”- 这个艺术的最基本的衡量标准来看的话，这些单纯的演奏家都不能算是真正的音乐家。当然，有很多演奏家能把大师的作品的原始创意再现得非常准确，或者甚至富于新意，但无论如何，演奏家终归是在“再现”别人的作品，和作曲家有本质的区别。再拿绘画为例，一个能把对象画得和照片一样真实的画家也最多只能使画匠而已。所以，技术，永远不可能成为衡量艺术作品的首要标准，更不能成为唯一标准，艺术作品的最重要标准，甚至“唯一”标准，永远应该是其“艺术价值”。

然而，艺术的魅力和“问题”，都正是出现在这个“艺术价值”上，因为如前面我已经提到，它几乎是一个完全没有标准的概念。这个“艺术性”，其实就是艺术的“无标准性”，而这个无标准性，导致了很多真正的艺术家的作品得不到承认，也同时导致很多“无价值”的作品被市场炒作成“杰作”。这，是艺术的无奈。然而，尽管无奈，我们仍然需要认识到这一点，即：艺术的非理性和无标准性，才正是艺术的真正价值（魅力）所在。 人，曾几何时萌发了理性，习惯了用理性的标准来衡量一切，导致了力图在艺术中寻求一种可以被测量的标准的习惯，而这个习惯其实从一开始就是完全错误的（ 注：从这个意义上看，西方的理性主义艺术实际上是“误入歧途”。不过也正因为这个“误入歧途”，西方人以比东方人更为坚定的态度再度回到了感性 ）。理性，永远不是人性的全部性质。艺术，永远是不可以被理性测量的。也正因为艺术的非理性，不可测量性，艺术，才能填补我们理性的不足，使人性达到圆满。

3。艺术的“个人化”导致艺术的“平凡性”

如果我们认同本文一开始给艺术价值的定义 – “艺术家在作品中注入和传递的主观因素”，我们就不难看出，艺术是非常个人化的，即：艺术表现从动机到目的，都是以个人的需要为轴心的。而之后我们也谈到艺术的“独特性”之重要。所以，真正的艺术家永远是为自己而创作。那么，为什么还有博物馆的存在呢？我认为这是人类对艺术的需要和尊重。但这个需要和尊重，是发生在艺术作品诞生之后的事，而不是和艺术创作本身相关的因素。一个为了出名，或者立志要让自己的画进博物馆的人，或者立志要“为人类”而创造艺术的人，永远不可能创造出真正的艺术作品（或只能创造出虚假的“艺术品”）。

而正因为艺术是 个人的 ，所以艺术也同时是 平凡的 。当一个平凡业余画家画出了让自己心满意足或者心潮澎拜的作品时，这件艺术作品就已经完成了其艺术使命了。从这个意义上看，艺术其实是没有高低之分的。事实上，在民间我们经常可以看到一些业余艺术家创造出非常不一般的艺术作品。这些民间“艺人”，一是没有机会成名，二也是不在乎成名，因为他们在创作的过程和结果中自己就已经非常满足了。

那么，为什么历史上还是有大师的杰作流传千古？我认为原因是多重的。其一，是前面提到的，人类有着对艺术和美的需要和尊重，所以有了艺术市场和博物馆的存在；其二，是机遇。有些画家是因为市场需要或市场炒作而出名，有些艺术家的作品却不能得到市场的承认而被忽略。这些被忽略的“大艺术家”，我个人认为历史上可能是数不胜数；其三，是作品中的“共性”（相对于我前面提到的“个性”）。在出名的艺术家中，那些真正有价值的作品（相对于出名了的但却是虚假的“艺术品”），是因为他们除了“个性”之外，还在很大程度上反映了人类的“共性”，所以这些作品能激起观众的共鸣。当然，之所以这些艺术家的作品体现共性，我个人认为绝非艺术家们刻意追求的结果（象前面提到的那样“为人类而创作”），而是这些艺术家自身的个性内涵之丰富以及对艺术语言的领悟能力之透彻所导致。所以，一个内心世界丰富的艺术家，创造的作品自然是内涵丰富的，富裕感染力的，而一个个性单调的人，再怎么追求“深刻”，再怎么宣泄自己的“激情”，也无法创造出感动他人的作品。所以真正的大师们，无论他们的作品能引起多少人的共鸣，他们唯一努力做过的，就是尊重自己的感受。

4。“技术”的可学性，“艺术”的不可学性

认为艺术可学的人，大凡都是把艺术的技术价值看成艺术的唯一衡量标准，而忽略了，或者根本不知道“艺术价值”的存在。艺术作品的技术部分因其“系统性”和“理性”，所以是可传授的，也就是可学的。任何一个有起码的智商的人，不需要“艺术细胞”，都能学会写实的技巧，画出像样的写实作品，或者弹一手流畅的钢琴。而智商越高的人，学起来越快，技术就会越娴熟。达·芬奇就是一个聪明绝顶的人，所以他的绘画非常细腻写实，在当时是非常令人震撼的“技巧”，但其艺术部分的价值，则是仁者见仁智者见智的可争议话题。

艺术的艺术部分，却因其“非理性”的特点，成为不可学习的。就像有些人天生味觉超常敏锐一样，有些人对色彩，对形，或对音乐的旋律等的领悟超出了其他人。这些对艺术形式超级敏感的人，就是真正禀赋艺术天才的人。这些人，无论他们是否可以很快地掌握传统的技巧，他们都能够在音符，色彩和线条等这些艺术形式中感受到其与自身生命的共鸣，即：在艺术活动中得到极大享受，从而创造出富于个性的作品。

再比较达·芬奇和米开朗基罗的作品。两者都有坚实的写实技巧，但达·芬奇的作品理性而冷漠，米氏的作品激情而富于生命力。据说达·芬奇对米氏持有的强烈的嫉妒心，如果这个传说是真实的，我个人认为就是因为芬奇看出米氏作品中透露出的那份自己所不具备的真正艺术天赋。

虽然说艺术天赋不可学，但人在艺术方面的灵感却有可能或多或少地在后天的生活经历中被削弱甚至抹杀。所以有些人在很晚的时候才发现自己的潜能，重新从事艺术，大器晚成，这样的例子也举不胜举（梵高，高更都是例子）。而一个好的艺术教育家，除了技术的传授以外，最要的，就是启发学生发现自己的潜能。当然，如果学生真的没有潜能，再怎么启发也是没有用的。

综上所述，在艺术作品的双重价值 – “技术价值”与“艺术价值”中，“艺术价值”始终是最重要的。而这个最重要的标准由于其“个人性”和“独特性”，导致了“无标准性”和“平凡性” – 所有的艺术作品，都是因艺术家自身的需要为动机和目的而创作的。所以一旦一个人创造出了自己所以喜爱的作品，无论此人是着名艺术家，还是无名的普通人，这些作品都算是完成了其“艺术使命”，都是艺术“杰作”。由此，一个家庭主妇在兴致所至时信手涂抹出来的绘画，和博物馆中作品，其间并无“质”的差别。

分析了艺术作品的价值之后，笔者还认为，艺术，这个人类精神劳作本身的价值，或者说艺术的本质，其实还不在于作品 – 不管是其数量还是质量， 而在于享受生命和感受美。因为艺术，就是我们的生命的体现，而我们每一个人的生命本身，才更是一件我们永远无法超越的“艺术杰作”。 有了这个理解，我们才能真正懂得何谓“人人都是艺术家”，何谓“人人平等”，才能理解到，只要一个人能享受生命带给我们的一切，每天都为全新的日出和日落而惊叹，每年都为四季变幻的大自然而称奇，那么无需绘画弹琴，这个人就是真正的“艺术家”，这个人就在艺术的“实质上”和“大师”们站在同一个高度。

“无为而无不为”。老子的名言可谓人间至理。

㈩ 什么才是真正的艺术家画家什么是技术高手画匠

什么才是真正的艺术家画家？什么是技术高手画匠？如果用简单的一句话来概括这二者之间的区别，那就是他们一个是在创作作品，一个是在制作作品。

作为一个真正的画家，不仅要有相当的艺术修养造诣，有娴熟的绘画技法，而且还要有绘画的独立思想和绘画的创新意识，甚至还要有专属的个人绘画风格。画家所追求的不只是绘画技法的表现，还有画家绘画主题、思想情感、审美理念的表达。画家的画，应该不仅具有原创性，而且具有独创性；不仅具有艺术性，而且具有思想性；不仅具有通常意义上的审美意义，而且具有与众不同的特色与气质。

安格尔的《泉》被公认为是人体油画的巅峰之作。从这幅正面全身呈站立姿态的人体油画中，人们看到的是清澈纯净典雅质朴和庄重，得到至纯至真至美的艺术享受。这正是画家审美思想创新能力独创意识的集中体现。资料介绍，安格尔画这幅画用了26年，从50岁画到了76岁。