反艺术对当代有什么意义

1. 求助，当代艺术和现代艺术的区别

这确实是个不容易区分清楚的问题，先从时间概念上理解，会简单容易些。

‘当代’是指当前这个时代，但真正描述‘当代艺术’，就并不仅仅是时间概念能定义了！

现代艺术起源于19世纪后期，20世纪后成为西方艺术的主流。现代艺术，又被称为“现代主义”或“现代派”的艺术，是指20世纪以来，区别于传统的，带有前卫和先锋色彩的各种艺术思潮和流派的总称。现代艺术概括为三个阶段，即：前现代、现代、后现代。现代艺术的价值观表现为：追求视觉纯粹性；提倡原创；形式至上（赋予形式以独立价值和功能）；整体单调；表现自我（不考虑观众，经常通过‘怪异’显示与众不同，因而作品也十分个人化，不容易理解）......

‘艺术’是极难被定义的，这是一个可以从古希腊（甚至更早期）的欧洲哲学开始说起的大问题，这也是 18 世纪美学作为学科独立以来所不断激烈争论的课题。艺术的定义，目前也还在不断地变化发展，要在简短的篇幅内系统梳理它不是一件容易的事情。康德在《判断力批判》中，将“审美”看作是一种判断力（judgement），一下子把审美拉入到了一个“无功利、无目的、无概念”的境地中，从而，艺术被赋予了（或者说被要求具备）一种自律性。

在最初美学独立的历史时期中，艺术面临着一个困境。黑格尔首次提出了这种困境，他称之为‘艺术终结’。在他看来，当时的艺术，在形式表达上已经趋于完满，无法再创造出更多新的形式以满足人们探索“绝对精神”的需求。他会在《美学》中写：艺术的形式不复是心灵的最高需要了。我们尽管觉得希腊神像还很优美，天父、基督和玛丽亚在艺术里也表现得很庄严完善，但这都是徒然的，我们不再屈膝膜拜了。

于是，此后的艺术作品开始‘反艺术’，纷纷表现出对传统的批判性——而后来这个时期的批判性状态，被命名为现代性——现代艺术随之产生。所以，在现代艺术中，技艺的确不那么容易判别了，特别地，技艺几乎无法再以功利性的方式进行判别。而要去理解现代艺术中的‘技艺’，就必须回归到现代艺术在艺术自身历史的上下文中的位置。这种‘判别’转变为一项依赖理论和历史知识的思维活动，距身体本能的感觉性则疏远了。

现代和当代最具价值的艺术作品（尤其是现代主义的作品），早已不再是古希腊那种‘高贵的单纯，静穆的伟大’。一个虚设的例子：假设毕加索一时灵感所至，把自己一条旧领带涂成蓝色，那么这将会是一幅价值很高的艺术作品（按 Danto 的说法就是：‘这幅画画得 非常流畅仔细，每一笔都很洁净：它是对绘画的一种拒斥。’）；而某个小孩子胡闹把爸爸的领带涂蓝了，即使他能弄得跟毕加索一模一样，那条领带也不是艺术作品，而那个小孩子也并不因此显露出什么艺术才华。 毕加索在传统美术技法上的功底自然不必再多怀疑。而毕加索的作品成为了具有超高价值的艺术作品，是因为他的作品被放到了艺术自身历史的语境中而解读——脱离开艺术史发展的上下文，毕加索的作品无法显现出如此重大的意义。要理解西斱现代艺术，就必须时刻意识到‘传统’的存在。 按照 Arthur Danto 的说法，艺术作品是存在于‘艺术界‘的；艺术作品要获得某种身份，必须是在一个‘理论氛围‘——艺术史、艺术理论、艺术批评内。换句话说，毕加索的作品回到古希腊，当然就无法成为那段历史上下文中的经典——毕加索的画无法凭空从古希腊那些石头里蹦出来。 当然，你完全有理由怀疑，具体艺术作品的高额价值，是资本市场绑架下的一种权力象征。然而这不妨碍艺术作品仍有可能（并极大可能地）退回到艺术语境本身中，去冷静地显示自身在美学上的批判性价值。

2. 艺术对社会生活的重大意义

艺术来源于生活，也是学校教育的核心学科，并强调指出艺术与教育一词根本含义的密不可分性。缺乏基本的艺术知识和技能的教育决不能称为真正的教育，没有艺术的教育是不完整的教育，进而系统地阐释了艺术教育的极端重要的价值。

艺术依然可以穿破全球化生产流水线的意识束缚，从而继续印证和发扬文化的多样性。在思考和知识层面的需求上艺术也依然体现着功能性：已知的各种科学方法论必须建立在逻辑线索上，而艺术则用无以言表的感知方式使得体验现实世界和现实世界之上的风景。

当代艺术日常生活特征

当代艺术家的实践往往介于形而上的哲学思考和具备日常生活特征的视觉因素之间，同时经过现代主义时期创作者的实践，艺术已经具备了广泛性跨文化的效能。无论是评论家还是公众，当凝视或讨论艺术作品，意识到创作者所穿越的文化边界时，个体知识结构被抚摸的快感油然而生。

一边脑子里充满了各种换算公式其中也计算到了不同人群的快感触发点，一边日复一日重蹈着现代艺术早已完成的实践。这种做法在当下特别是公众社会范围内因为有着“艺术”的庇护伞而不断调整着自身的正确。

3. 艺术教育在当代社会有着怎样的价值和意义

前 言

美国国家教育科学院

做过一个有5万多本科毕业生参与的问卷调查。

其中有一个问题是：什么知识最有用？

毕业1-5年的答案是“基本技能”

毕业6-10年的回答是“基本原理”

毕业11-15年的结论是“人际关系”

而毕业16年以上的则提出：艺术最有用

这一调查，与其说是人们对自我成长经验的总结，不如说是这个时代对艺术教育越来越急促迫切的呼声。那么，艺术教育在当代社会究竟具有怎样的价值和意义呢？

对个体而言

艺术教育是生命早期发展的主要动力，是全面提升个体素质与能力的重要路径。每个儿童都拥有一颗艺术的心。

对学校而言

对学校而言，艺术教育是碎裂学科的粘合剂，是倦怠时刻的兴奋剂。使学校生活张弛有度，充满活力。

对家庭而言

对家庭而言，艺术教育是日常生活的诗意化，是道德教育的愉悦化。

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对社会而言

美国学者艾伯利斯明确指出：“艺术教育有利于形成一个有内聚力的社会。”

对民族而言

对民族而言，艺术教育是传续民族精神的瑰宝，是积淀民族文化的法宝。艺术和艺术教育天生与民族和民族文化血脉相连、水乳交融。艺术和艺术教育，二者在相互作用中，共同提升着一个民族的审美品味，锻造着一个民族的文化之魂。

对人类而言

对人类而言，艺术教育能够帮助我们形成看待世界的第三只眼，交给我们开启世界的另外一把钥匙。人们一旦学会了用艺术的眼睛去看待世界，也就会自然而然地用这只眼睛省察日常生活、反观自我成长，从而在心灵上发现自我，在精神上获得丰盈，在生命上感受意义，在人生中活得从容。

总而言之，艺术教育在人的发展、社会进步的进程中具有不可替代的重要作用，柏拉图甚至有这样一个的观点：艺术应成为教育的基础。可以说，不重视德育，损害的是一代人的道德水准；不重视智育，损害的是一代人的认知水平；不重视体育，损害的是一代人的身体健康；而不重视艺术教育，损害的则是一代人的心灵世界，损害的是一个民族的精神、想象力和创造力。

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4. 现代艺术之父塞尚的绘画思想对后世的影响

塞尚是出生于法国的一名着名的画家，塞尚的绘画风格不同于当时许多有名的画家，因此他的画作得不到社会主流的认可。画家的艺术沙龙都不愿意接受他的画作，仅有一小部分崇拜者认可塞尚的作品。那么，塞尚属于哪个画派呢?他的画作有着怎样的特点呢?

塞尚作品

19世纪是印象派的时代，当时涌现了许多印象派的大师，如莫奈，雷诺阿等人，而塞尚也与他们相交，并亲近他们，但是实际塞尚欣赏的却是其他的画家，因此塞尚的画很不受当时主流社会的重视。那么塞尚的画属于哪个画派呢?严格意义上说，塞尚还是属于印象派的画家，但是印象派的后期的主要代表人物，他将印象派淡化的轮廓的风格又重新建立了起来。因而许多人认为塞尚又不属于印象派。那么塞尚属于哪个画派呢?

20世纪，塞尚被人们推崇为现代艺术的代表，由于他的画作风格与以往典型的印象派画家有着很大的区别，而塞尚在他的画作中也追求立体感，重视画作的轮廓，因而有人认为塞尚属于立体主义的画家。塞尚十分喜欢画静物画，他的很多作品都是静物，虽然塞尚也有许多人物画，但是塞尚都是通过用表现静物的方式祥乎来完成人物画的作品。塞尚的静物画里面充满了各种立体几何形状的物品，因此很多人认为他应该是立体派的画家。塞尚是将绘画技巧从印象派过渡为立体主义的代表人物。

塞尚和杜尚为什么是划分时代的分水岭

塞尚和杜尚是两个画家和艺术家。他们都是法国人，杜尚后来入了美国籍。塞尚是1839-1906的人，相当于中国的清末那段乱糟糟的时间，杜尚是1887-1968的人，相当于新中国成立前后的时间。乱世出英雄，乱世也出杰出艺术家，塞尚和杜尚以他们超高的创造力和思想感悟力，成为那个时代的代表人物。那么塞尚和杜尚为什么是划分时代的分水岭呢?

杜尚照片

塞尚和杜尚都是人本位的追求者，他们之前占据主流的是充满宗教感的古典与传统画派，让人高山仰止。塞尚不要那些前前后后的文学故事，他就要看到的苹果和人，他要用他的双眼传达到他的内心，纯物即所在，所在即所画，他关心物质实体和对其结构的解构，充满真正的科学精神。后来的抽象派和立体派都接受了他的这些想法，毕加索说他像大家的父亲，那些传世惊作受他的影响很深。

杜尚则更为有趣，人们把他归入达达派，其实他是超自由的。实验艺术、超现实主义这些打破常规的东西都粗颂是他喜爱的。达达主义简单说是反艺术，不要那样理性、标准、条条框框，要随兴而至，甚至是无意义。杜尚的《泉》，是一只男用小便器，世俗的惊悚就是他最会心的笑意。后来的所谓现代艺术，都秉承了他的这种思路，他是某种心灵境界上真正的先锋战士。这也就回答了塞尚和杜尚为什么是划分时代的分水岭了。

塞尚和杜尚为什么是划分时代的分水岭，总的来说，他们谨凳悉都敢于挑战传统和惯性思维，他们通过艺术和具像表现出来，他们给了人性最大的自由和尊重，人们欣赏他们，也是对自我的尊重，人更像人，人是人，人性永存。

塞尚的艺术成就

保罗塞尚被认为是历史上最伟大的画家之一，他是传统艺术和现代艺术的分水岭，被尊称为“现代艺术之父”。他强调绘画的纯粹性，重视绘画的形式构成，在创作当中也一直保持着对色彩的特殊应用和对空间的合理构造。这位伟人为后世留下了很多财富，塞尚的艺术成就也非常多。

塞尚作品

塞尚的艺术成就之一在于建立了完全不同的理性世界。印象派的画家都反对传统的绘画方式，但是实际上却没有人能够跳出传统的束缚，但是塞尚做到了，他融合了两个派系的特点和自己的想法，创造出能被大家接受的个人风格。尽管只是在细节上稍加改动，但是塞尚真正的突破了传统的目标。他把传统的绘画理念逐渐分割开来，变成各种各样的风格。从单一的画风变成各式各样争奇斗艳的画风，后来出现的许多着名画家，也是从塞尚这里得到的启发。

塞尚的艺术成就还表现在引发了崭新的艺术方向。美术历史上把绘画的时期分为是塞尚之前和塞尚之后，可见塞尚对于绘画的卓越贡献。在塞尚之前，画家都是模仿自然或者再现自然，衡量技术的高低就是画得逼真与否，塞尚强调艺术是画家个人的创造，要打破保守的观念，以画家为主体去自由的创作。

塞尚真正的推动了西方绘画史的发展，对此后的绘画艺术产生了巨大的影响。艺术家的天性终于得以释放，艺术也得以发展。

塞尚对后世的影响

一个画家能够为后世留下令人称赞的优秀作品，说明他绘画成就还不错。如果他还能够对后世的绘画产生影响，那么他就是画家中的佼佼者。塞尚被称为“现代艺术之父”，他的绘画成就可想而知。他除了给后世留下优秀的绘画作品之外，塞尚对后世的影响也很大。

塞尚作品

塞尚对后世的影响之一：美术理念方面。在塞尚之前的绘画理念、美术理念，基本上是以“模仿自然”为主，也就是越逼真的画出自然的模样，这件绘画作品就越好，这是标准。而塞尚在这个基础上有更深入的研究，他觉得，美术作品的好坏不仅仅跟逼真程度有关系。塞尚认为，一个美术作品、艺术作品，仅仅模仿自然是不足以称之为艺术的，还要融入画家的主观想法，否则全部画家画出来的作品都一样，不能称之为艺术。这个理念，打破了美术史上的传统规矩，后来的画家在绘画上不再只追求逼真，开始追求真正的艺术。

塞尚对后世的影响之二：造型艺术方面。塞尚的一个成功之处在于他在绘画方面的发展以及对后世的贡献，对后世的影响在于他把原本不在一条线上的印象派与古典派融合在一起，开创了一种用色彩来打造形态的绘画方式。印象主义是光影与色彩的结合，古典主义体现三度空间概念，塞尚不满足于单一主义的绘画方式，把它们融合在一起，用简单的“舞台”来呈现场景，用丰富的色彩来呈现体积感和空间感。这种印象与古典两种主义融合而作出的画，对后世影响力巨大，尤其是对野兽派。

5. 62-阿多诺（Theodor Adorno）否定辩证法•反艺术

阿多诺是德国文论家，在文论与美学方面，是法兰克福学派成就最大的一位，开创了否定性文论。阿多诺的文论可从三个方面去把握。

第一，否定的辩证法——文论的哲学基础。

阿多诺美学思想中与马义关系最为密切的，就是通过文艺来否定现代社会的异化现实，即工业文明和受其支配的大众文化。这种鲜明的社会批判色彩正是基于其“否定的辩证法”。

1. 从黑格尔到卢卡契的“同一性”辩证法，认为“同一陪掘老性”是虚假的幻影，硬性要求将不可调和的种种矛盾同一化；而真正的唯物辩证法，即否定的辩证法，指向差异之物，其真实含义永远是否定性的，否定之否定仍然是否定。

2. “同一性”辩证法认为“整体是真实的”，实质上是维护消灭差异的强制性社会结构；否定的辩证法则认为“整体是虚假的”，目的在于调动千万个差异性个体来反抗“整体性”囚牢。

第二，艺术的否定性本质。

在芦升否定的辩证法的基础上，阿多诺认为现代艺术的本质是“对现实世界的否定的认识”。

1. 阿多诺认为艺术是完全不同于现实的、现象学意义上的“幻象”，是对现实中尚未存在之物的先期把握。因此，艺术也就是对现实中同一性假象的否定，是“达到社会的社会性逆反现象”，是对现实世界的“反题”。

2. 现代艺术应打破传统艺术追求整体性的幻想，采取不完美、零散化、破碎化的形式原则，来实现其否定现实的本性。正是这种对美的外观的抛弃，导致了“费解”，令现代艺术区别于传统艺术。

3. 现代艺术通过对美的感性外观的否定而成为“反艺术”，这并非消灭艺术，而是通过对外观的否定和消解而赋予艺术新的生命，恰恰在艺术的解体中拯救了艺术。

第三，艺术的批判和拯救功能。

1. 阿多诺认为，既然现代艺术的本质是否定性的，其主要功能自然就是社会批判——艺术通过追求尚未存在的东西而与既存社会分离决裂，即“艺术通过单纯的此在批判了社会”。比如贝克特的《等待戈多》，就是将意义放在历史上揭示去虚无性，无意义成了审美内容和审美形式。

2. 现代艺术因其批判功能而具有拯救功能——现代艺术将现实中丧失的希望、未散蔽被异化的人性重新展现在绝望的人们面前，从而拯救人性，拯救现实，“艺术就是对被挤掉了的幸福的展示”。

3. 阿多诺所说的批判和拯救功能都只在精神意识领域，不具有实践性——现代工业文明使得革命几无可能，所以对现实的否定只能采取精神批判和意识革命的形式，“对社会的批判就是认识的批判和批判的认识”。阿多诺终未超越从精神到精神的唯心史观和审美乌托邦。

6. “反艺术”的达达主义

1. 达达主义（Dada）是1915年至1923年间出现的一种艺术流派运动，由一批年轻艺术家和反战人士领导，通过反美学的艺术主张和抗议活动表达他们对资产阶级价值观的不满，以及对第一次世界大战的抗议。

2. 达达主义诞生于第一次世界大战之后，1915年的纽约就开始出现端倪。世界大战之后世界格局发生巨变，艺术界的精神也产生了变化。达达主义是原始主义从另一个层次走向极端的体现，它的本质是质疑到底什么是艺术，打破原有的艺术框架。

3. 达达主义是一种国际级的意识形态，不只存在于艺术行业，在文学、政治主张和社会运动方面有更多的体现。例如无政府主义，就是达达主义在政治方面的体现。

4. 第一次世界大战给整个欧洲带来了巨大的伤害，而战争开始的源头是上层阶级的矛盾，是传统权威在左右世界的发展，导致战争爆发，生灵涂炭。因此主张反战的达达主义所秉持的精神根源，是反对旧世界的秩序。

5. 达达主义的主张表现在艺术中，就是拒绝传统的艺术审美体系。传统的艺术审美追求秩序嫌差、平衡、和谐且令人愉悦，达达主义就追求混乱、非理性、不舒适，本质上是要击溃掌握传统艺术话语权的审美精神。

6. 达达主义名称的来历有很多种说法，比较主流的说法之一是艺术家理乍得·胡森贝克（Richard Hulsenbeck）将一把刀插进一部法语字典中，刀尖正好戳中了“Dada”这个词。另一种说法是“Dada”这个词是小孩在学会说话时能够发声的第一个词语，以此命名代表着与传统知识、文化和意义的脱离，追求无序的、反艺术的、纯天然的表达方式。

7. 阿尔普，全名让·阿尔普，或者汉斯·阿尔普（Jean Arp / Hans Arp，1886-1966），是达达主义艺术的代表人物。他的母亲是法国人，父亲是德国人，因此他在法国时用让·阿尔普这个名字，在德国时用汉斯·阿尔普这个名字。

8. 达达主义最早诞生于苏黎世，因为一战爆发后瑞士成为中立国，很多艺术家逃到这里。其中一批罗马尼亚艺术家来到苏黎世，在讨论中产生了达达主义这种艺术倾向，阿尔普就是其中最具代表性的艺术家。

9. 阿尔普的作品集中代表了反艺术雕塑，他认为任何艺术创作都不应该参考既定的形象。阿尔普曾参加过康定斯基的蓝骑士画派，康定斯基是以自己强烈的主观情绪指导自己的创作，阿尔普却恰恰相反禅者衫，他追求的是一种无意识的创作。

10. 阿尔普的作品色彩单一，对于线条走向的主观控制非常弱，似乎是在梦游或者进入潜意识的状态下创作的。阿尔普的作品中哪怕能看出既定的形象，也有着信马由缰的感觉，非常随机化，更像是一种天然的形成。

11. 阿尔普在雕塑艺术中的一大贡献是解决了作品底座和作品之间关系的问题。传统艺术家做雕塑，要考虑摆放的问题，因此不得不考虑雕塑的底座。阿尔普则是将底座和作品本身融合在了一起，让雕塑更具整体感。贺腔

12. 杜尚，全名马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp，1887-1968），是达达主义的代表艺术家，他最为着名的代表作《泉》，是将一个随意买来的小便器签上假名字，送去艺术展。虽然被拒之门外，但这部作品被认为是20世纪最具有启发性的一件艺术品。

13. 《泉》这件作品虽然没有什么技术含量，但却非常具有达达主义的精神。这件作品没有任何创作过程，所有适用于艺术的标准和审美情趣都不适用于它，艺术的意义在这件作品中被彻底打破。

而作品所使用的小便器，原本是人们日常生活中会用到一件商品，但是由于被送去参加了艺术展，放进了博物馆，导致它原本在现实世界中所具备的意义也不复存在。因此，这件作品是彻头彻尾地体现了“反艺术”。

14. 杜尚通过《泉》这件作品提出了“什么是艺术”的问题，日常生活用品剥离了原有的价值意义，就能够成为一件艺术品，成为传统艺术疆界之外新的领域。《泉》这件作品后来直接导致了现成品艺术的诞生。

15. 皮卡比亚，全名弗朗西斯·皮卡比亚（Francis Picabia，1879-1953），是一位对达达主义有着卓着贡献的法国艺术家，他创作了很多用钢笔绘制的绘画作品，例如他的代表作《达达的流动》，将“Dada”写在了画作中，并追求反艺术的机械化形象。

16. 皮卡比亚的代表作《达达的流动》具有浓烈的对传统艺术的反讽意味。这部作品看上去似乎是皮卡比亚设计了一个机械装置，其间如电流一般流动的，正是很多传统艺术大师的名字，是一种打破传统艺术框架的创作。

7. 艺术批评具有什么样的价值和意义

1．艺术批评的理论价值
艺术批评的理论价值，存在于批评的理论建构和精深的内涵之中。
其一，是指艺术批评以其鲜明的理论建树和旗帜显现其独特的价值。艺术批评的理论价值不仅在于对个别的艺术作品进行分析、研究和评价，而且能够根据艺术史和文化史来探索艺术活动的规律，检视艺术创作原理或方法论的形成，这样，就对艺术创作等艺术活动各个环节具有了指导性意义。
其二，是指艺术批评逐渐确立了自身的理论体系。这一体系，在整体的人文学科中，不仅具有独特的学科意义，而且综合了人文科学与社会科学部分领域知识体系，形成了综合性与交叉性的理论体系特征。
2．艺术批评的精神价值
首先，艺术批评蕴含着一定的哲学精神。艺术批评家对批评客体的深层解读比一般欣赏者更能触及到艺术作品内涵的各个层面，一个艺术批评家能够凭借自己丰富的哲学知识和敏锐的洞察力，准确地把握艺术作品中所表现的宇宙、生命、人生、社会、人与自然的关系等哲学问题，并能把这些深层的精神内涵从艺术作品的形式和内容中剥离出来。
其次，艺术批评包容着丰富的美学思想。批评家承担着分析、阐释、评价艺术创造及其作品审美价值的重任，通过探讨艺术家的审美追求、成败得失，凸显出时代的美学精神，及其批评家主体的审美认知。第三，艺术批评具有深刻的时代精神的内涵。时代精神是代表了一定时代主流意识形态和社会价值取向的精神形态，艺术活动及其作品中，时代精神构成艺术价值的一个基本因素，成功的艺术作品往往能够以其丰富的热情和真诚，多姿多彩地充分显示和张扬时代的普遍精神。通过艺术批评，能够把艺术作品中蕴涵的时代精神内涵予以解析和揭示，从而深刻地展现艺术作品的精神实质及其价值。
3．艺术批评的历史价值
艺术批评的历史价值主要体现在以下两个方面。
其一，一定历史时期的艺术批评具有浓郁的时代特征，为人们认识特定时期的精神、文化状况提供了翔实的材料和依据。在人类历史的不同时期，都嵌印着人类艺术创造的智慧和才能，以及每一个民族浓郁而鲜明的艺术气质。艺术批评通过对不同历史时期艺术活动及其作品中蕴涵的民族文化传承、民族精神、民族心理、民族审美趣味和理想的关注和揭示，可以起到弘扬优秀传统文化和当代文化，建设富有活力和生机的民族精神的作用。
其二，不同历史时期乃至不同国度、民族之间的艺术批评具有比较的意义，对于揭示艺术批评的规律具有重要的价值。古今中外艺术批评理论及其发展演变的历史是人类宝贵的精神财富，通过对于不同历史时期，或不同国家、民族的艺术批评加以梳理和比较，可以揭示艺术批评发展的个性和共性，对于把握艺术批评理论的历史发展规律具有重要的价值。

8. 与平常相反的艺术称为

反艺术。反艺术”是个数租意义很难固定的词:它很乱毕信灵活哗轮，有时指一事物，有时则指另一事物。它还具有橡胶般的弹性，有时它和它的反面被说成是同一事物。