表现论从什么角度开始解释艺术

A. 表现论 形式论 模仿论 巫术论 游戏论 跪求 名词解释

模仿说或再现说: 艺术史上关于艺术本质问题的一种主要看法，认为艺术是对现实的“模仿”，到后来，更认为艺术是“社会生活的再现”。古希腊亚里士多德认为艺术是对现实的“模仿”。他首先肯定了现实世界的真实性，从而也就肯定了“模仿”现实的艺术真实性。 俄国19世纪革命民主主义者车尔尼雪夫斯基从他关于“美是生活”的论断出发，认为艺术是对生活的“再现”.

游戏说 起源于“游戏”。这种学说的代表人是 18 世纪德国哲学家席勒和 19 世纪英国哲学家斯宾塞，称为“席勒一斯宾塞理论”。这种说法认为，艺术活动或审美活动起源于人类所具有的游戏本能.

表现说 起源于“表现”认为表现情感的艺术是所谓“真正的艺术”，艺术是艺术家的主观想象和情感的表现。代表人物意大利美学家克罗齐。

巫术说 此种学说的代表人物是英国着名人类学家爱德华?泰勒。他在《原始文化》一书中，最早提出艺术起源于“巫术”的理论主张。

生产劳动说 在我国文艺理论界占据主导地位的理论，是认为艺术起源于生产劳动。代表人物俄国普列汉诺夫和恩格斯.

B. 什么是表现主义艺术有谁对表现主义绘画大师有哪一些呢

表现主义，是指艺术中强调表现艺术家的主观感情和自我感受，而导致对客观形态的夸张、变形乃至怪诞处理的一种思潮，用以发泄内心的苦闷，认为主观是唯一真实，否定现实世界的客观性，反对艺术的目的性，它是20世纪初期绘画领域中特别流行于北欧诸国的艺术潮流，是社会文化危机和精神混乱的反映，在社会动荡的时代表现尤为突出和强烈。
在北欧各国的传统艺术中早就存在着表现主义的因素：在早期日尔曼人的蛮族艺术、中世纪的哥特艺术、文艺复兴中的鲍茨、勃鲁盖尔等画家的作品中都可以看到变形夸张的形象、荒诞的画面艺术效果，这些都表露出强烈的表现主义倾向。
19世纪末，出现了象征主义的影响和现代风格混在一起的第一个表现主义运动，先驱代表画家是荷兰人凡·高、法国人劳特累克、奥地利人克里姆特、瑞士人霍德勒和挪威人蒙克，他们通过一些情爱的和悲剧性的题材表现出自己的主观主义。
20世纪表现主义的主要基地是德国，这决定于德国的社会现实，同时受到尼采的主观唯心主义哲学、弗洛伊德的精神分析学说和斯泰纳的神秘主义的影响。
参考：
http://..com/question/3864945.html?si=1

乔治·巴塞利兹（Georg Baselitz）

1938年生于德国的萨克森，1958年20岁时穿越柏林墙从东德到了西德。1964年，他开始画笨拙粗鲁的农民、牧人和猎人。1965年，他发展出一种颇具表现性的人物画风格，将传说中的英雄人物和神话故事中的人物在被焚毁的德国土地和风景上重现出来。后来，巴泽利兹对绘画的纯粹图像因素感兴趣，而有意忽视叙事性和象征性。从1969年开始，他开始改变主题，画处于混乱世界中的人形。他经常画上下倒置的人体，在这样的画中，人物似乎在向上升，重力似乎颠倒了。而且巴塞利兹的作品很大，高达两米的水彩画在他的作品中十分常见。这一风格也成为他的典型风格。巴塞利兹说：“我想绘画对象不再具有固有的重要性，所以我选择没有意义的东西……绘画客体不表达任何东西，绘画不是达到一个目的的手段，相反，绘画是自发的”巴塞利兹不同于其他新表现主义画家在于他坚持强调作品的形式特征——即绘画作品的个性。

倒立的人，是格奥尔格·巴塞利兹绘画中的典型场景。这位新表现主义绘画大师早已成名，他和已故的波依斯形成了德国当代艺术的两个重要方向，一个仍保持着对传统艺术手法的信念，另一个则走出画布。巴塞利兹认为“我生命中最重要的事，乃是继续画下去。” 上世纪八十年代之后，巴泽利兹渐渐为世界熟知。2003年，巴塞利兹的作品来到中国，在首届“中国北京国际美术双年展”中获得最佳作品奖。

参考：http://ke..com/view/84903.htm

苏汀 Soutine,Chaim 1893-1943

法国画家。其风格特点是涂色厚、笔法豪放、构图节奏激荡。17岁时在其出生地立陶宛维尔纽斯的美术学院学习。他的作品和凡·高的作品颇有相似之处。他笔下的唱诗班男孩、厨师和小厮（如《马克西姆的使唤小厮》）等深受人们喜爱。所画悬挂的鸡鸭和生牛肉等，都是有名的作品。他20年代所画的画像以面部歪扭、四肢变形、爱用单色鲜明色彩（通常是红色）而着称。
参考：
http://www.new-365.com/art/wenxuechazuo/soutine.htm

弗兰克-奥尔巴赫(Frank Auerbach)

弗兰克·奥尔巴赫1951年出生于德国的一个犹太家庭。他8岁 逃亡英国，不久希特勒让他成为孤儿。从1940年到1945年二战前，奥 尔巴赫和一大群欧洲难民一起转移到英国乡间的一所慈善学校，在英 国农村的绿油油的远乡僻壤长大成人。在这里，锅炉房的后勤是德国戏剧天才马克·沃尔德，一个四处碰壁的完美主义者，他试图把校剧 锻打成职业作品。他发现了奥尔巴赫的模仿才能——他装扮的文化名 流至今让人忍俊不禁——奥尔巴赫第一次经历了艰苦的反复演习、着 魔般地投入艺术的训练，他现在还能大段大段地背诵那时熟记的大量 诗歌。从那时起，他成为爱德华时代的笑星们的票友——他为这些老 派行家不厌其烦地演练而心驰神往。他们一点点驯服他们媒介的阻力 的锲而不舍将成为他自己的看家本领。而且，在充满风险、气氛微妙 的老式剧院，他一开始就讨厌那几十年后将摧毁西方艺术的“为人民的艺术”的谬论。“人民要的恰恰是伟大的艺术!”这些靠着自己的千锤百炼，赤手空拳让观众不战自降的笑星们，是艺术中冒险、勇气和自主的典范，这些人让正直为艺的理想品德有了活生生的榜样——这 在年轻的奥尔巴赫头脑中正缓缓地成长定型。 ，1948年奥尔巴赫从中学毕业后成为巴洛夫工艺专科学校的临时学 生。从此走入了大卫·邦勃格(1890—1957)的门下。他是一战前爱德华 时代伦敦艺坛的少年天才，瑟克特的学生， 萨金特曾将他网于翼下， 但在一战中精神崩溃，并且对脚开枪自残。他战后的风格巨变被当成 他绘画那根神经的败坏并且这名声跟了他一辈子。奥尔巴赫面对的是 57岁的失败者、一只离群孤雁。这将载入史册的师承不是源于特权， 而是偶然和画家认家的本能。邦勃格对现代主义的离经叛道不是精神 失常，而是自觉的有魄力的行为。他不可能回到战前那天真乐观的机 器人般的立体主义和未来派对钢铁和进步的讴歌了，那写在堆满腐尸 的弹坑泥塘中的才是人和机器的真理。邦勃格也拒绝当时大多数英国 人物画的平淡乏味的流俗，这使他失去了在前卫中的立足之地，在他 晚年的14年里，没有画廊愿意碰他的画。他靠在巴洛夫工艺专科学校 教一门人体素描课为生。

参考：
http://huanghefu.blog.hexun.com/7522813_d.html

阿美迪奥·莫迪里阿尼 Amedeo Modigliani（1884-1920）

莫迪里阿尼1884年生于意大利，父亲出自富有的银行家族，母亲是荷兰哲学家斯宾诺莎的后裔。莫迪里阿尼从小多病，1902年-1905年曾先后就读于威尼斯美术学院和佛罗伦萨美术学院，二十一岁来到巴黎，传说他在巴黎酗酒、吸毒、风流韵事不断，过着艺术家特有的反传统、反社会的豪放不羁的生活，三十五岁死于肺结核。

莫迪里阿尼的作品虽然受新印象主义、立体主义、原始艺术的影响，但他不像毕加家、马蒂斯、勃拉克或战后的康定斯墓、克利那样，在视觉上成为绘画革命的旗手，而是似乎不合时宜地坚持着15世纪意大利艺术的传统精神。他独具的诗人气质和雕塑家的眼光，深刻地创造了一种特殊的艺术风格。

莫迪里阿尼利用后印象主义对绘画空间的限定和立体主义对色彩的限制从事他的绘画。人物与内部空间一体化，形成一种线条图案或雕塑式的分枝。运用了原始人刻划性格的技法，人物的轮廓线流畅而又准确，优美的拉长手法，并没有怪诞变形的视觉感受。

莫迪里阿尼属于二十世纪初在巴黎被称为"该死的画家"这个下层艺术圈。其绘画风格源于意大利，并在巴黎这个艺术家的温室中得到发展。他的作品题材极其有限，但易于理解，几乎全是肖像和裸体画。早期作品吸取了塞尚绘画的整体形式，并接受了劳特累克用面部特征嘲讽地刻画人物的表现主义手法。1914年，立体派成为巴黎前卫画室的时尚，莫迪里阿尼的作品也反映出立体派的倾向，将构图对角线和结构线条与素描分开，用线条表现面部特征，将侧面像中的鼻子植入正面肖像。晚期作品具有古典风格，画法技巧更加有力，更为流畅，人物造型更自然。头部前倾，姿式优雅，从中散发出宁静、成熟和满足的美感。其作品显露出两大特点：圆柱形的颈部和富有表情的眼睛。后者归功于莫迪里阿尼善于组合面部特征的非凡天赋，无论他采用何种变形，无论眼睛的瞳孔是否画出人物的画面特征，象音乐的和声一般各有自己的位置。

参考：http://www.blog.e.cn/user1/10423/archives/2005/101821.shtml

C. 如何论述艺术起源的五种主要学说

艺术起源的五种主要学说有模仿说、游戏说、表现说、巫术说、劳动说。

1.模仿说

模仿说代表人物是亚里士多德。

模仿说是最古老的理论，始于古希腊哲学家，从最初出现到成熟阶段，含义发生了很大变化，主要是古希腊理性原则的变化所致。

2.游戏说

代表人物康德、席勒、斯宾塞 、谷鲁斯。

最早从理论上系统阐述游戏说的是德国哲学家康德，他认为艺术是”自由的游戏”，其本质特征就是无目的合目的性或自由的合目的性；游戏发生说的贡献在于突出了艺术的无功利性，但是把艺术的起源归于游戏又过于简单化。

3.表现说

代表英国诗人雪莱、俄国文学家托尔斯泰等，还有欧美的一些现当代美学家，影响较大的是奥地利精神分析学家弗洛伊德，他认为艺术只不过是人的心理变化的表现，把文艺的起源归根于人的潜意识活动，是人的本能和欲望的变相满足，是一种“白日梦”。

表现说与再现说相对，关注了作家的内心世界与文学之间的关系，强调了创作主体的能动性和自主性。

4.巫术说

代表英国着名人类学家泰勒，巫术说并不是认为艺术起源于巫术，而是认为巫术意义的生产过程对文学创作有着某种启发意义。

巫术说的论者把精神动机视为原始艺术发生的唯一动力，忽视了恩格斯所说的隐藏在精神动机后面的动机，即人类的物质成产活动，因而未能从根本上解决艺术起源的问题。

5.劳动说

代表希尔恩、恩格斯，在我国文艺理论界占据主导地位的理论。

从根本上讲，艺术的起源最终应归结为人类的实践活动，劳动是人类社会生活最重要的组成部分，但却不是社会生活的全部，劳动以外的其他社会生活的内容，也与艺术的发生有着密切的关系。

网络--模仿说

网络--游戏说

网络--表现说

网络--巫术说

网络--劳动说

D. 表现论认为艺术主要是表现什么

表现论认为艺术主要是表现什么？表现论认为艺术主要是表现物象的形态，表象的特征

E. 艺术表现论的核心是什么

艺术表现论的核心是
发挥艺术家的主观能动性，揭示事物的内在美，使其与欣赏者产生一种共鸣，达到艺我同在的一种境界

F. 表现文学

表现主义文学重视主观世界，特别是精神、情绪、思想的赤裸的强烈的呈露。他们不重视对外在客观事物的忠实描绘，而要求突破事物的表象而表现事物内在的实质。在诗歌领域，表现主义文学与同时发展着的后期象征主义文学有很大程度的相似。但和象征主义不同，表现主义者对社会现实和人类前途有很大的关注，显现出一股干预生活的热情；而象征主义者则往往对宏大的社会题材表示冷漠。在技巧上，表现主义文学相对粗野豪放，不似象征主义文学精雕细琢。表现主义戏剧可以看作是对以易卜生为代表的欧洲自然主义、现实主义戏剧的继承和反拨。表现主义戏剧经常采用内心独白、梦景、假面具、潜台词等手法来表现人物的思想感情。

表现主义文学首先崛起于德国，并在20世纪20年代初达到高潮。其时的德国正经历近代历史上比较动荡的一段时期。工业的腾飞和发达导致知识分子对机械文明的憎恨，第一次世界大战的失败也加剧了德国社会固有的矛盾。在哲学上，庆山此时康德、尼采、叔本华的唯心哲学和直觉主义美学大行其道，这对表现主义文学的兴起也产生了巨大影响。

表现主义诗歌在规模和范围上不及法国的象征主义诗歌，其发展的范围基本局限于德语国家。但20世纪20年代，表现主义戏剧却传入美国，出现了以尤金·奥尼尔为代表的一批表现主义剧作家，其影响力一直持续到20世纪40年代。
代表：卡夫卡

以上来自维基网络

没听说过再现文学这种说法

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你说的那个应该叫做文学的表现论和再现论 还有个叫形式论 是文学理论里的概念。不可以把文体直接跟这些概念挂钩 不管小说还是诗歌都是可以从表现和再现的角度去分析的

再现论
再现论文学观认为，文学的本质是真实的再现生活，真实地呈现、复制和模仿某种生活原型及其背景。
再现论是人类最早的艺术观。在西方以摹仿说为中心的再现理论是长期占统治地位的文学观念，许多艺术家和理论家都确信文学培链艺术的本性在于对自然的摹仿和再现。早在古希腊时赫拉克利特的着作中，就有“艺术摹仿自然”的提法。后来，亚里士多德曾把“摹仿”作为文学理论誉中中的“首要的原理”来讨论。达·芬奇、莎士比亚、库尔贝、别林斯基等都是再现论积极倡导者。
再现论从文学的外部关系上看待文学本质，强调文学对生活的依赖关系，体现了朴素的唯物主义精神和现实主义美学原则。但这种观点过分强调客体在美学中的地位和作用，在一定程度上忽略了文学创作者的主观能动性和创造性，看不到文学源于生活还可以在观念中改造生活、创造生活，从而使作品超越现实生活。文学艺术是人的感性活动和实践活动，应该从人的能动创造性方面去理解，而不应该仅仅把它看成是现实的复制品和替代物。事实上，艺术家所“摹仿”的是他所眼见的自然，作家所“再现”的也是他心目中的现实，这里无不体现了创作主体心灵的发现和创造。现代心理学试验已经表明，人的一切知觉中都包含着思维，一切推理都包含着直觉，一切观测中都包括着创造，不仅视觉形象含有丰富的想象性和创造性，而且人的各种心理能力中都有心灵潜能和经验定势在发挥作用。所以，无论是艺术家的视觉组织，还是艺术家的整个心灵，都不是某种机械的复制装置，更不能把艺术家对客观事物的再现看作是对这些客观事物偶然性表象所作的照像式复制。在旧唯物主义哲学影响下的再现论的缺陷，就在于忽略文学创造的心理机制，低估了作家的主观能动性，把文学看成是某种与生活同质的东西。

表现论
表现论文学观认为，文学是作家的心灵表现，是创作者抒情言志的产物。在这一派看来，文学作品是作家情感、心灵所浸润的创造物。在审美对象化活动中，作家主观世界的意识、心态、感情、理想等因素都需要得到物态化的表现。创作活动就是主体的对象化、情思的形象化、意象的造型化、审美意识媒介化的过程，文学作品就是创作主体对象化表现的结果。
表现论有着悠久的历史。汉代《毛诗序》曾说：“诗者，志之所之也，在心为志，发言为诗。”这里把诗的产生看作是“志”和“情”的必然产物，就是一种典型的表现论。此后的一些文论家和作家，如陆机、钟嵘、司空图、严羽、汤显祖、李渔、叶燮等，都是表现论文艺观的代表人物。如叶燮在《原诗》中说“诗是心声，不可违心而出，”就是这方面的典型论述。
在西方，柏拉图曾把文艺看成是灵感的表现，是主体精神“迷狂”的产物。后来，德国的康德把诗看成是“想象力的自由游戏”，英国诗人华兹华斯明确表示：“诗是强烈情感的自然流露，”而列夫·托尔斯泰在《艺术论》中给艺术下的定义是：“艺术是这样一项人类活动：一个人用某种外在的标志有意识地把自己体验过的感情传达给别人，而别人为这些感情所感染，也体验到这些感情。”后来，表现论文学观经过克罗奇和科林伍德的系统阐述，形成了现代表现主义理论流派，对20世纪西方的文学创作和理论批评都产生了重要影响。
表现论侧重从作者的角度解释文学的性质，重视创作主体的能动性和自主性，强调主体感情和想象对作品的推动作用，以及作者驾驭、改造对象的自由，对文学的性质、特点和规律有许多深刻的揭示，这正好弥补了再现论所忽略的主体性，在理论上有重要贡献。然而，表现论把人的情感和表现这种情感的艺术看成是与外界无关的、纯粹主观的东西，把文学从客观环境和社会关系中波里出来，简单地把文学活动看成是作家本人的自我表现、自我宣泄、自我欣赏和自我确证，过分强调文学创作的绝对自由，又有着明显的片面性。

形式论
这种文学观认为，文学的本质主要在它的艺术形式，在于作品媒介形式的结构组合。形式论与再现论和表现论一样，并不是一个统一的学派，而是一种包含了不同学派观点的文学主张。其主要观点大体有两个方面。一是“内形式论”，即认为文学艺术的性质就在于色彩、线条、语言、声音等形式所激起的心理效应，是客体的形式因素与主体心理节奏形式表现相结合的产物，是对象的自然形式的人化，也是人的心灵形式的对象化。克拉夫·贝尔将其称之为“有意味的形式”，康定斯基则称之为“与人的心灵相应的形式”。二是“外形式论”，即认为文学艺术的性质就在于各种形式要素的规则组合与编排，在于这种组合编制形成的“秩序”和技巧，对于文学来说，就在于它的语言符号形式和如何组成语言符号形式的表达技巧。这种文学观在二十世纪俄国形式主义、法国结构主义和英美新批评文论中得到系统阐述。
形式论文学观的理论价值主要表现在：其一，它赋予了文学形式以本体论的重要地位，提出了以艺术形式的眼光把握文学的新视角，这有利于我们重视文学作品的形式美；其二，形式论把现代语言引入文学研究，强调语言媒介、语言功能的自主地位，沟通了文学同语言学的内在联系，有利于人们认识文学审美的特殊性。
形式论的理论缺陷也是十分明显的。它对于艺术形式的过分倚重和强调，容易导致对文学内容的轻视和否定。另外，形式论的代表如俄国形式主义者、法国结构主义者和英美的新批评派，唯一关注的是文学的语言形式和文本结构，断然否定作家、作品与社会、文化、历史等方面的联系，这样的“形式自律”观，不可能真正揭示文学的本质属性。

除了上述不同观点外，中外文学理论史上对文学性质的解释还有认识论文学观、主体性文学观、生产论文学观、文化论文学观、文艺心理学文学观、人性论文学观、读者反应论文学观等等。

G. 把生活过成艺术，探寻艺术从起源开始

把生活过成艺术，探寻艺术从起源开始

音乐、美图、美文、美食、美人，生活处处能带给我们愉悦和感动，那些具有与之共鸣的感染力，能产生抽离平淡琐碎的形而上的感动和愉悦，就是艺术吗？探寻艺术我们从起源开始。

45000~35000年前的冰河时期，一个欧洲的原始狩猎者发现一块岩石，在不远处看起来就像一只快要躲避开去的斑马，他惊奇的细细察看着这形似动物的岩石，并与他记忆中的斑马对照，很多次的观察记忆后他终于在洞壁上创造出了这只斑马的轮廓，这是艺术的起源吗？

我国山西峙峪曾发现旧石器时代带有刻画符号的兽骨，据碳14的测定，其制作年代距今28135年，当史前人第一次在兽骨上上刻下一些间隔规则的线条时，这就是艺术的发端吗？

艺术究竟起源于何时？是单因素还是多因素促使了它的产生？有多少因素主导了它的产生？目前主要有五种理论：

一、艺术起源于模仿

艺术起源于人类模仿本能的说法是始于古希腊哲学家的一种最古老的理论，在欧洲“雄霸了两千余年”。

亚里士多德曾说：人从孩提时代起就有模仿的本能......,所有的艺术都起源于对自然界和社会现实的模仿。“这一切实际上是模仿，只有三点差别，即模仿所用的媒介不同，所取的对象不同，所用的方式不同”。

德谟克利特也认为艺术是对自然的“模仿”，“从蜘蛛我们学会了织布和缝补；从燕子学会了造房子；从天鹅和黄莺学会了歌唱。”

 音乐模仿人的善良或恶毒的灵魂，“音乐的节奏和旋律反映性格的真相-愤怒与和顺的形象，勇毅和节制形象以及一切和这些相反的形象......”；传统的绘画雕塑模仿现实世界，各种自然形式，特别是原始艺术，“模仿”占有很大成分，如阿尔塔米拉洞穴壁画中有20多个旧石器时代的动物形象，包括野牛、野猪、母鹿等，非常逼真和生动的模仿描绘了动物在现实中的各种神情姿态。

模仿的本能存在于人类产生发展的任何时期，为什么艺术的历史只是镶嵌在人的历史中呢？如前所述模仿出斑马轮廓的狩猎者，他画一只斑马是有原因的，也许是为了猎取，也许为了巫术意义上的占有和禁咒。所以只是模仿，不能说明艺术产生的根本原因，但它应是必不可少的手段。

二、艺术起源于情感和思想交流的需要

对冰河时期那个观察到像斑马的岩石的原始狩猎者来说，他渴望占有真实的斑马，这萦绕在他脑海里的形象成为一种无法释放的沉重感，于是终于有一天他在洞壁上刻画出了斑马，在这儿情感成为艺术起源的主导。又也许某个愤怒的时刻他盯着斑马轮廓，在它的身上加上了长矛的箭头，戳刺流血的痕迹，在刻画这“真实的想象”中平静了下来，在创作里他发现了想要表达的情感，在这儿情感表达成为了艺术的动力。

艺术表现论始于17世纪，其时文学艺术呐喊着要从理性主义的紧身衣中解放出来，强调艺术中情感因素的重要作用。

约翰.霍斯帕斯（John Hospers)把表现概括为四种形式：

1、是艺术创作的心理学意义上动力和过程。

2、是一种情感的激发。

3、是一种艺术的传达。

4、是艺术的属性。

路得维希.蒂克（Ludwig Tieck)说:“我想模仿的不是树也不是山，而是在那瞬间统治着我的灵魂和我的心情。”，表现论在模仿论的外壳下破壳而出！

表现论在过去的两个多世纪里占主要地位，正如在这之前的模仿论占主要地位一样。表现论认为：人类具有传达思想的冲动，艺术的本质在于表现情感，如果艺术家不是借助作品表现他的情感，他将不成其为艺术家，他的作品也将不成为艺术品。

列夫.托尔斯泰也是“表现”论者：“一个人为了要把自己体验过的感情传达给别人，于是在自己心里重新唤起这种感情，并用某种外在的标志把它表达出来.....这就是艺术的起源。”

三、艺术起源于“游戏”

艺术起源于人类游戏的本能主要由18世纪德国哲学家席勒和19世纪英国哲学家斯宾塞提出，在19世纪末和20世纪初曾被许多人信奉。

席勒在《美育书简》中认为，“游戏”是动物和人类与生俱来的本能；人在现实生活中既要受自然力量和物质需要的强迫，又要受理性法则的种种约束，是不自由的，只有在“游戏”时，才能摆脱自然的强迫和理性的强迫，获得真正的自由；这种无目的、无功利的自由活动使人的过剩精力得以发泄，现实压力得以缓解，从而得到快乐和心灵的愉悦。人类这种“游戏”的本能冲动成为艺术创造的动机。

斯宾塞在1873年出版的《心里学原理》中发挥了席勒的观点，认为游戏和艺术都是过剩精力的发泄，美感起源于游戏的冲动。原始人面临各种复杂的环境情景，感受繁多，有机体不能不按顺序的排列去适应环境，这样就产生了意识。意识被规定为内部关系对外部关系适应的一种形式，当动物发展到较高的阶段，机体的所有力量不会完全消耗在维持生命所必须的活动上，积聚的剩余力量也需要消耗，游戏意识正是服从了这个生理需求。

虽然游戏对于维持生活所必须的活动过程没有直接帮助，它并不直接追求功利的目的，但在游戏中所得到的各种器官的练习，对游戏者个人及族群都是有利的，就像猫追逐滚动的线团那样，动物的游戏也是一种假装的搏斗，具有一种生物学上的价值。游戏是一种非自然力量的练习，对于凶猛动物的游戏无非是追逐猎物的戏剧性表演，也就是破坏的本能在得不到现实的满足之下的想象的满足。

所有人类的主要欲望和需要都是由于它们符合生活的本质，符合生物基因算法，当游戏本能在幻觉中演变成审美活动，就产生了艺术，审美活动实质上也是一种游戏。从游戏到艺术都合乎需求。

四、艺术起源于“巫术”

19世纪末、20世纪初艺术起源于巫术的理论逐渐兴起，最早由英国人类学家爱德华.泰勒提出，后来成为西方在艺术起源问题上影响最大的一种理论，至今仍然占优势。

爱德华.泰勒在他的《原始文化》中说：“野蛮人的世界观就是给一切现象凭空加上无所不在的人格化的神灵的任性作用......古代野蛮人让这些幻象来塞满自己的住宅、周围的环境，广大的地面和天空。”，他们对周围的世界感到异常陌生和神秘，令人敬畏，并以为万物有灵，都可以与人交流，这就产生了原始人奉行的交感巫术。

另一位英国人类学家费雷泽在他的《金枝》一书中指出，正是交感巫术成为了原始部落一切风俗、仪式和信仰的起源。巫术所依据的思想原则基本上可分为两种：一种所谓同类相生，或谓结果可以影响原因。二是凡接触过的物体在脱离接触以后仍然可以继续交互发生作用。前者就是模仿巫术，后者为交感巫术。考古发现，人类早期村落定居生活阶段已出现用图画、偶像、假面和模仿性舞蹈在视觉和听觉上再现动物的形象、人的形象、自然现象等。乞求下雨就泼水，乞求打雷就击鼓，这被称之为交感巫术。

人类最早是想用巫术去控制神秘的自然界，这显然办不到；于是又创立了宗教来求得神的恩惠;神也没有理会，于是人类才走进了科学的大门。 

被发现的最早的原始艺术之洞穴壁画，产生于巫术动机的证据是：有的动物形象身上有被长矛或棍棒戳刺或打击过的痕迹。

当狩猎者为狩猎的巫术效果去创造出这种幻觉的真实时，他也从这模仿创造的外观形象中产生真实的幻觉并逐渐导源出一种“纯粹的”审美愉快，无疑，这也是艺术的起源。

  五、艺术起源于劳动

自19世纪末以来，艺术起源于劳动的理论开始广为流传。

希尔恩在《艺术的起源》中专章论述了艺术与劳动的关系：劳动的歌和舞蹈是最典型的例子，可以在现代残存的原始部族那里遇到。

成功劳动的秘诀是对时间、空间间隔即节奏的把握，劳动创造的节奏感成为个体劳动的刺激和群体协作的需要，也成为音乐诗歌的源泉。

劳动创造了人，当然是作为人类才独有的艺术的的根本原因，但艺术的产生也不能简单归结为劳动，从劳动到艺术的诞生经历了巫术礼仪、图腾舞蹈等十分漫长的中间历史阶段，最后才诞生了纯粹审美意义上的艺术。

除了这五种艺术起源理论，还有“季节变换符号说”、“对动物亡灵的哀悼说”、“多元决定论”等，发现最早的艺术是一件困难的事情，特别是各门艺术都有着自己的特殊性，很难被导源于一个单一的因素，因此现在多倾向于“多元决定论”。“就考古学家承认的范围而言，人类第一次的艺术创造活动在欧洲大概最早出现在35000年前的冰河期，它们是由猛犸象、野牛、野马、驯鹿的狩猎者创造出来的。”

了解了艺术的起源，但实质上没有人能回答“什么不是艺术？”。艺术的概念因其内涵和外延都处于不断流变中，从古希腊开始，下的定义已有上百种，从不同的角度探讨艺术的本质特征，但都无法回答：除此之外就不是艺术吗？比起美学，艺术是美学的实践，实践的历史远比理论的美学更为古远，原始艺术是最早的艺术实践，它并不一定是美的但同样具有非凡神秘的艺术魅力，因此艺术并不必须是美的；比起科学，艺术不像科学“是人类真正具有积累性、进步性的唯一活动”，艺术总是一定社会活动条件下人类思想情感的反映，艺术的这种内容不可重复性使它在本质上不是积累的，虽然艺术技巧可以积累。

是的，虽然"艺术没有一个可以毫无例外地运用于所有背景的定义。",但你一定能回答什么是你的艺术，任何你手上做的事，你都可以把它做成艺术，再平淡的生活也可以过得很艺术。

主要参考书目：朱狄着《艺术的起源》，武汉大学出版社，2007年

            彭吉象着《艺术学概论》，北京大学出版社，2015年

Thomas E.Wartenberg 编着《什么是艺术》，重庆大学出版社 2017年

H. 艺术=直觉=表现——克罗齐的结论

艺术=直觉=表现?——克罗齐的结论

克罗齐美学的出现标志着表现论美学的兴起。他的《美学》集中体现了表现论美学的一般原理，他首先把人类的精神活动分为认识和实践活动两大类，认识活动从直觉开始到概念为止，直觉产生个别意象，其正反价值为美与丑，直觉就构成了美学的核心：概念活动产生普遍概念，其正反价值为正与伪，概念构成了科学认识的核心。在克罗齐那里，客观世界是心灵世界赋以形式而创造的，所以“物质”的意义与“材料”同等，“材料”又是由心灵所决定的，心灵在实践活动中产生的感知他称作“情感”(情感在他那里也就是“物质”或“材料”)。“情感”未经直觉还是潜在和无形式的顷裤，一经直觉它才具有形式，才成为审美意象。与直觉相联系的另一个问题是“表现”，他认为情感被直觉的过程也就是获得形式的过程，情感的被直觉到也就是被表现出来，这样一来，直觉与表现也就是一回事，而艺术则最充分地体现了直觉的特性，正是以此为前提雀激简，克罗铅带齐得出以下的结论：①直觉是情感的表现。直觉与表现既然等同，那么直觉也就是情感的表现。②直觉即艺术。克罗齐认为对情感的直觉活动也就是艺术活动。③艺术是创造和欣赏的统一。直觉既然是艺术最基本的活动，无论是艺术创造还是艺术的欣赏都离不开直觉，创造的能力既需要天才，也需要鉴赏力，而欣赏也需要创造和天才。④美即成功的表现。所谓成功的表现就是指情感能被最合适的意象表现出来，否则就不能认为是表现，美就是成功的表现。⑤语言就是艺术，语言学也就是美学。他认为语言也是表现，所以语言与艺术就是相同的。

克罗齐的整个美学都围绕着直觉和表现而阐述，维护艺术感性直觉是克罗齐美学的合理之处，但他把直觉和表现绝对化了，他把感性认识与理性认识也完全对立了，把艺术这一整体的综合活动还原到某些要素上，又把直觉和表现与其他活动对立起来了，这样，他的美学就包含了明显的非理性主义色彩。这些，都对后世有深刻的影响。近代西方艺术、近代西方美学及艺术对直觉和表现片面的强调，都能从克罗齐那里找到最后的理论根据。

I. 西方艺术观念的演变

在今天 ,艺术的多元化似乎已经不算是一个问题了 ,从某种角度看 ,当今的艺术不仅已经多元了
迪弗在《艺术之名》中认为:“在这个由艺术显示并强化了的象征功能之外,人类命名为艺术的东西失去了同一性分裂成为多种多样的艺术以及数不胜数的风格和样式”[1]。迪弗这里所说的艺术的多样性主要是就现代社会这一共时态来说的,艺术在我们时代分化为无数的种类和样式,艺术之名不再具有整合的能力,共名的艺术受到了普遍的怀疑。应对艺术之名失去同一性的问题,波普尔的历史哲学提出了“情境逻辑”的概念,认为对这样一些价值概念,努力穷究其本质不如探讨其历史发展脉络。任何一个名词概念都有历史的所指,回到它的具体时代,在具体情境中探讨,是我们可以做应该做也是更具意义的事。贡布里希的《艺术的故事》就是按照波普尔的情境逻辑重构了艺术发展的特定情境,告诉我们不同时代的艺术面貌解释对于不同时代的人来说,艺术意味着什么,不同时代的艺术在社会中各处于什么样的位置。
就历时的角度来说，西方艺术在观念上可区分为再现艺术、表现艺术、形式艺术和观念艺术，每一种艺术观念针对不同的艺术，适合解释特定种类的艺术。现代艺术从形式艺术发展到观念艺术，抛弃了艺术品的概念，不再强调价值，本身即成了。

用语就像隐喻，我们必须时刻注意不要按字面意义去理解这种隐喻性表达。
—— H·G·布洛克
对“艺术是什么”这样一个涉及本质的观念问题，在后现代的今天被认为是应该抛弃的伪问题，它普遍地被认为是不可能的也是无解的。迪弗在《艺术之名》中认为:“在这个由艺术显示并强化了的象征功能之外，人类命名为艺术的东西失去了同一性，分裂成为多种多样的艺术以及数不胜数的风格和样式”川。迪弗这里所说的艺术的多样性主要是就现代这一共时态来说的，艺术在我们时代分化为无数的种类和样式，艺术之名不再具有整合的能力，共名的艺术受到了普遍的怀疑。应对艺术之名失去同一性的问题，波普尔的提出了“情境”的概念，认为对这样一些价值概念，努力穷究其本质不如探讨其历史发展脉络。任何一个名词概念都有历史的所指，回到它的具体时代，在具体情境中探讨，是我们可以做应该做也是更具意义的事。贡布里希的《艺术的故事》就是按照波普尔的情境逻辑重构了艺术发展的特定情境，告诉我们不同时代的艺术面貌，解释对于不同时代的人来说，艺术意味着什么，不同时代的艺术在社会中各处于什么样的位置。本文的也不期望能给出一个关于艺术的本质界定，只是希望通过对艺术观念的历史追溯，厘清艺术理论史上出现的主要艺术观念，尤其将重点放在疑问多多的现代艺术上，对其观念主张进行更深人的阐释，以对艺术有更深人全面的理解和把握。
就历时的角度来说，不同时代有不同的艺术，不同时代出现了不同的艺术观念，本文将历史上古往今来的艺术分为再现艺术、表现艺术、形式艺术和观念艺术四种，每一种艺术观念都试图从不同角度对艺术进行本质的把握，每一种艺术观念都适合解释特定样式的艺术，只有这样历时和整体的把握才能使我们对艺术的内涵有更深刻的认识。
一、再现艺术
再现艺术观主要从艺术与客观世界的关系来论述艺术，认为艺术是对现实世界的模仿，艺术是现实的一面镜子，而现实主义、自然主义、古典主义都可以看作是这种艺术观念的遥远的回声。模仿说是历史上出现的第一个艺术理论，也是再现艺术观的滥筋。赫拉克利特最早提出“艺术模仿自然”，柏拉图也将艺术看作是对物质世界的模仿，只不过它与理念隔了三重。将模仿论发挥到完善境地的是亚里斯多德，由于亚里斯多德的巨大影响，模仿论影响了西方艺术理论将近两千年的时间，直至i8世纪由于人的主体灵魂世界渐受重视才逐渐式微，被随浪漫主义兴起的表现艺术取代，表现艺术逐渐占据艺术理论的主流位置。因而车尔尼雪夫斯基说，亚里斯多德是第一个以独立体系阐明美学概念的人，他的概念竟雄霸了二千年。再现艺术观将艺术看作是对外在客观世界的摹仿或再现，是对世界的补充和完善，它从艺术与世界的关系人手，从艺术所模仿的客观世界的角度解释艺术，其着重点在客观世界而非艺术。因而在再现艺术中，艺术是次生的附属于客观世界而存在的，它的意义在很大程度上也取决于模仿物和再现对象。既然艺术是对世界的模仿，而按柏拉图的理解，艺术是永远不可能与现实相象，更不用说与理念接近了。亚里斯多德看到了诗歌胜于历史的一面，认为诗歌体现的是可然律和或然律，揭示的是普遍和一般的本质，因而超过了历史对于个别事件的记载。千年以来，正是因为亚里斯多德，再现艺术成了比历史更真实的本质存在。
但《现代艺术哲学》的作者布洛克将模仿与相似作了比较，揭示了模仿和再现艺术的“失真”的本质。布洛克认为“‘相似’是双向的或相互的，模仿却是单向的或仅指一方对另一方而言。换句话说，‘相似’是一种‘对称关系’，模仿则是一种非对称关系”，模仿一词即已宣告了艺术的不利位置。艺术既然是世界的模仿，它就有一个摹本，而艺术无论如何逼真、肖似，也仅仅只是逼真和肖似，它是永远也无法达到摹本的状态，更不用说超越摹本了。而再现一词相对模仿来说，似乎更可以感觉到艺术自身的价值，模仿一词似乎永远无法摆脱摹本，永远无法超越摹本，而再现似乎肯定了艺术世界存在的价值。在这种观念影响下，人们对于艺术的看法便主要强调其题材的价值。因为艺术努力要达到的目标是如客观世界般的真实，因而艺术价值的高低很大程度上与其所模仿的题材对象有很大的关系，题材重要，作品自然重要。西方古典观念将悲剧看作是高贵体裁，喜剧被看作是卑俗体裁，其原因也正是由于如亚里斯多德所说的，悲剧模仿的是比我们一般的人要好的人，而喜剧模仿的是比我们一般的人要坏的人，现实中好人比坏人重要，艺术中悲剧自然也比喜剧高贵。就再现艺术来说，艺术并没有获得自己独立的地位，人们将艺术看作是工具、技巧，是为弥补和完善自然的手段和技艺，艺术的价值和意义主要依赖于外在世界。
二、表现艺术
1、从再现世界到表现情感
如果说再现论主要从艺术与世界的关系人手解释艺术，表现论则从艺术品与创作者的角度人手来解释艺术。再现艺术观着眼于艺术的题材对象，着眼于艺术的再现能力、模仿能力，评价作品时称其逼真肖似生活和客观世界，便是对艺术的最高赞赏了。表现论则着眼于艺术品的独特魅力，并从观照艺术品人手过渡到对于创作者艺术家的浓厚兴趣。再现论的一个理论共识也是一种假设，即世界是客观存在的，且每个人眼中的世界都是固定的、同一的、永恒的，客观世界本身即可作为一个参照系来评价艺术是否真实，是否达到了最好的再现和模仿。表现论则逐渐发现世界的纷乱和差异，世界开始分化不再一统，且人与人间的差异日渐明显，他们从各个不同的作品人手，发现了人的巨大差异，发现了艺术家的独特品质和察赋。这种察赋在柏拉图那里被称为“神灵附体”、一种“迷狂”，在表现论这里则是天才和神似的创造者概念的出现。艺术家开始与创造、天才、神这样一些概念相联系，米开朗基罗最早被人用“神”来喻指，他的伟大创造力在作品中得到了恢宏的呈现。天才和创造这样的概念到18世纪浪漫主义时代才最终出现，标志着主体觉醒和个人化的时代的到来，与之相应的，则是浪漫主义所标举的表现观的出笼。
表现论认为艺术主要是表现艺术家的情感，表现世界在艺术家心中的投射，一种折光，杜博斯说艺术是“外界事物在我们心中所起的印象”，华兹华斯说，诗就是强烈情感的自然流露或诗是人们在平静中回忆起来的情感。与再现论不同，表现主义更强调个人对世界的印象和情感，个人性在此得到了鲜明的呈现，也正在此意义上，里德认为“表现主义艺术是个人主义艺术”、4。表现艺术观最早在18世纪浪漫主义时代崭露头角，之后基本占据艺术观的主流，主要代表是托尔斯泰和科林任德。托尔斯泰在《艺术论》中将艺术看作是情感的传达和交流，科林伍德也明确提出了艺术情感说，认为真正的艺术不是技艺、再现、巫术、娱乐，而是表现情感和想象性的活动。在《艺术原理》中科林伍德提到，“作为情感的表现，真正的艺术与上述一切毫不相干真正的艺术家尽力解决表现某一情感的问题”。现代艺术中的表现主义也可以看作是表现艺术观的后来的子民。应该说现代艺术都是强调主体表现的艺术，都强调艺术家个体对世界的独特领悟和表现，因而现代主义在早期被称为“新浪漫主义”，茅盾介绍现代派艺术时也用此概念。基西卡也认为“浪漫主义的原创性、真实性和个人天赋对19世纪和20世纪的艺术创作有着深远的影响，从这一方面来说，浪漫主义具有典型的现代主义特征”，我们轻易就可看出现代艺术与浪漫主义间精神上的联系。

J. 美学名词解释表现说

表现说 认为艺术起源与情感表现和交流的需要。代表人物：雪莱、列夫托尔斯泰、维隆、乔治科林伍德、苏珊朗格。合理之处：表现说无疑是关于艺术起源问题的最重要的理论之一。情感在推动艺术的发生和发展上有着不可忽视的动力作用，它从本质的角度体现出艺术一个方面的基本特征，因此，今天仍然有许多学者坚持从情感表现的意义上来分析和认识艺术。不足指出：首先，仅仅局限于“表现说”，很难将再现性艺术、创造性艺术的起源解释得十分清楚。其次，人类表现情感的方式是多样的，艺术之外的许多语言动作和表情都可以表现情感，仅仅强调感情的冲动和宣泄还不能完全说明艺术产生的真谛。