如何评价雕塑艺术家

A. 当代艺术家杨兴涛的雕塑作品如何

造型扎实表现力强，是个非常有想法和天赋的青年艺术家。

B. 如何浅谈文艺复兴时期的雕像艺术

文艺复兴时期的雕像艺术

在整个西方美术传统中，古希腊雕塑占有十分重要的地位。西方美术崇尚的典范模式，庄重的艺术品格和严谨的写实精神，可以说都是从古希腊开始的。多年来,这种艺术精髓曾滋润着西方美术生生不息。古希腊悠久的神话传说是古希腊雕塑艺术的源泉。希腊神话是希腊人对自然与社会的美丽幻想，他们相信神与人具有同样的形体与性格，因此，古希腊雕塑参照人的形象来塑造神的形象，并赋予其更为理想更为完美的艺术形式。

古希腊雕塑的特点:

总体特征：希腊艺术是理想主义的、简朴的、强调共性的、典雅精致的，一句话概括是高贵的单纯，静穆的伟大

古希腊雕塑的主要发展阶段:

（一）迈锡尼工艺雕塑 :

迈锡尼城位于希腊半岛南端的伯罗奔尼撒半岛的东部。发生于这个地区的文化因迈锡尼城而得名，史称“迈锡尼文化”，成为克里特文化之后的又一重要文化。
在荷马史诗的记载中，荷马常用“多金的”这个词来形容迈锡尼。其实它并不盛产黄金，但是金银工艺制品相当发达，这是由于迈锡尼人同产金国，尤其是埃及人直接贸易所形成的，其中最引人注目的是金面具、金酒器等。当今考古发现除狮门有装饰雕刻外，雕塑艺术成就主要表现在金银工艺制品上。
动物雕塑在酒器工艺中被广泛运用。《狮头酒杯》是用金箔敲打而成的，形象以写实为基调，着力于装饰雕琢，简练概括，呈现狮子的基本形象特征。最有趣的是有双把手的高脚《鸽子酒杯》，造型不一般，这种形状的酒杯在史诗《伊利亚特》中曾有过描写：“旁边放着一个酒杯，是老人从家乡带来的。它镶嵌着金钉，杯的提耳一共有四只，每个提耳上面站着一对黄金鸽子，好像正在啄饮；提耳下面有两条长柄支持。”这是真实的记录，“史诗”确有史实脊棚根据。
金面具是丧葬品，模仿死者的面容制成，一般是罩在身份高贵的死者的脸上，这些面具实际上就是氏族部落首领的遗像。所以每个面具的面型都有特点：有的浓眉大眼，有的淡眉微现，有的嘴唇紧闭。迈锡尼的这种为死者罩面具的风俗，古埃及人早已沿用，且有明显的宗教含义：为死者留下一个不朽的面容，以便死者的灵魂飘荡四方以后还能找到自己的归宿。迈锡尼人制作面具是否也具有这宗教意思，至今尚无史料证明。
爱琴海艺术从地理环境上看起来似乎前接埃及艺术，后带希腊艺术，但是它决不是埃及艺术和希腊艺术的中间媒介。爱琴海地区的雕塑艺术具有民族的、地方的特征，这种个性特征既表现在艺术形式构成上，也表现在审美意识上。爱琴海艺术形象给人们的视觉感受不像埃及那样地对神灵和法老的崇拜，更多的是对神灵和王者的无视。他们的艺术直接同人类自身与现实生活相联系，艺术形式比起古埃及来更为轻松自然，具有和谐的节奏感和波动律。
克里特历经盛衰，特洛伊战争使特洛伊毁灭，迈锡尼衰落，一帮野蛮的游牧民族阿提卡人南下，一代古老文明便在铁蹄下变为一片废墟。但就在这文明的废墟上滋生出了古希腊文明。

（二）希腊雕塑艺术:

由于北方蛮族南下毁灭了克里特和迈锡尼的文明，希腊人被迫重新创造自己的文明。希腊文明主要表现在希腊神话、建筑和雕刻上。
希腊雕塑分4个时期，即荷马时期(公元前12世纪—8世纪)，因荷马史诗是这一时期唯一的文字史料而得名；古风时期(公元前750年—6世纪末)，因这时期的雕刻艺术呈古朴稚拙的风格而得名；古典时期(公元前5世纪下半期—334年)，指希波战争结束至马其顿亚历山大大帝开始东侵；希腊化时期(公元前334年—30年)，指罗马灭亡埃及托勒密王朝这一历史时期。

1、荷马时期•希腊神话——古希腊雕塑的源泉:

荷马时期的开始，是以多利亚人从希腊半岛北半部南下为标志的，约在公元前12世纪末到11世纪。这个时期是氏族部落社会，已进入铁器时代，它改变了荷马时期的社会面貌：产生了私有财产和阶级分化，樱裤则进入奴隶社会，这时期政治上盛行原始民主制。到荷马时期末已由部落的管理机构开始向国家统治机关过渡。
由于多利亚人的南下，克里特和迈锡尼文化遭到毁灭，希腊纯早文化必须从头开始。
从公元前12世纪到前8世纪的近四百年时间里，遗存的艺术史料甚少。由于荷马史诗在这一阶段汇集而成，并且反映了这一时代的精神面貌，所以史称“荷马时代”。荷马史诗是指《伊利亚特》和《奥德赛》，相传为古希腊着名盲诗人荷马所作。这两部史诗是希腊初期文明的网络全书，正如柏拉图所说，“荷马培养了整个希腊”。换句话说，不了解荷马史诗也就无法理解希腊文明。这又必然涉及到希腊神话，因此又可以说，如果不了解希腊神话就无法鉴赏希腊雕刻艺术。马克思曾说过，希腊神话“不只是希腊艺术的武库，而且是它的土壤”。荷马时代正是希腊神话的形成时期，略知一些希腊神话，对于探讨、鉴赏希腊、罗马乃至后来的文艺复兴美术具有十分重要的意义。
希腊神自成神系，称“奥林匹斯神系”，前后两辈。在未有宇宙之前只有混沌神——卡俄斯。卡俄斯生下大地女神该亚、地深处神塔耳塔洛斯、爱神厄洛斯、黑夜男神厄瑞波斯、黑夜女神尼克斯。两个黑夜神又生下了太空神埃忒耳、白昼女神赫墨拉、死神塔那托斯、睡眠神许普诺斯。大地女神该亚生天父乌剌诺斯，天父又与母结合生六男六女：女儿称提坦女神，男孩称提坦神。天父担心儿女夺权，便将提坦诸神囚禁于塔耳塔洛斯。该亚怂恿最小的儿子克洛诺斯起来反对父亲，受伤的父亲的血滴在地上生出复仇女神厄里尼厄斯和巨神吉伽斯，这就是前辈神族。
克洛诺斯夺了父王之权与妹妹瑞亚结合生了六男六女，最小的叫宙斯。宙斯后来取代父亲主宰世界，又与兄姐及子女组成新的神系家族，生活在希腊人敬奉的圣山奥林匹斯山。人们在艺术品中常见到的诸神主要都是这个神系及他们繁衍的后代。众神之父宙斯罗马名朱彼特，统治天国、人间,掌管雷电，又称天神；天后赫拉，又叫朱诺，掌管乌云、风暴、闪电和雷霆，称天空之神。宙斯的姐姐迪弥特，又叫赛来斯，是农业收获之神。宙斯的哥哥一个叫哈得斯，统治着地狱和冥国，另一个叫波赛冬，掌管海洋，又叫海神。宙斯和勒托生的儿子阿波罗是太阳神，女儿阿特米斯，又叫狄安娜，是狩猎和月亮女神；宙斯和天后朱诺生的两个儿子，一个叫阿瑞斯，又叫马尔斯，主管战争，称战神；另一个叫赫淮斯托斯，又叫瓦尔冈，是火神和工匠之神。宙斯和山岳神女迈亚生的儿子赫尔墨斯，又叫墨丘利，是众神使者和宙斯特使。宙斯与大海神女狄俄涅生的女儿叫阿芙罗狄特，又叫维纳斯，也有人说维纳斯是从海的浪花中诞生的，她是爱和美的女神。从神族家谱来看，希腊神话显然是原始社会群婚制的产物。各种神职是人对自然现象不理解，用想象和借助想象企图征服自然力，支配自然力，从而把自然力加以形象化。这正如恩格斯所说的：“由于自然力被人格化，最初的神产生了。”
2、古风时期的雕塑:

公元前8世纪到6世纪，希腊社会发生了巨大的变化，部落首领的权力完全消失，原始公社瓦解，奴隶制度在希腊形成，开始建立了奴隶制的城邦国家。由于陆地贫瘠，城邦国家之间的矛盾日益尖锐，导致海上扩张和殖民统治。这两个方面互相影响、互相促进，使希腊在政治上与经济上很快成为地中海世界的一支强大的力量。
在荷马时期，雕刻艺术仅是一些小雕像。真正古希腊雕刻史的首页应从古风时期开始。因为古希腊雕刻中最突出的人体雕刻就是在这一时期奠定基础的。
法国美术史家丹纳曾说：希腊人表现人体还有一种全民性的艺术，更适合风俗习惯与民族精神的艺术，或许也是更普遍更完美的艺术，这就是雕塑。人体雕刻艺术是古希腊雕刻艺术之冠。
人们从保存下来的属于古风时期的男女人像雕刻中，可以窥见人类幼年时代的文明成就。古风时期的男子人像雕刻主要是青年全身裸体立像，希腊人称为“库罗斯”（意为“小伙子”）。这些雕像在人体比例和肌肉质感方面都接近真实的人体，面部表情开始生动起来，现出笑容。不管何种身份和职业的人物都用这种微笑表现，成为当时统
一的时代风格，后人称之为“古风式微笑”。
3、希腊过渡时期雕塑:
在希腊艺术发展进程中，由古风发展到古典时期中间有一个过渡时期，指公元前5世纪前半期。在这段时期里希腊经历了一场反抗波斯入侵的着名的希波战争。着名的马拉松战役就在这个时期。
希波战争对古希腊具有深刻影响，严酷的战斗培养了希腊人强烈的爱国主义和奋发图强的精神，产生了伟大的悲剧艺术。在雕刻艺术中出现了战斗，歌颂英雄业绩的主题，无论是表现神话还是现实题材都与古风时代作品不同，与“古风式微笑”形成鲜明对照。产生了具有时代精神的严谨风格：从静态的姿势转向力求表现运动甚至激烈动作；从过去只表现人物的正面发展到表现人物的多种方面。雕刻的技巧更加熟练，逐渐形成一种比例匀称、结构准确、形体明晰的“团块”体系。这时期的代表作品有《驾车人》、《波赛东》、《鲁多维奇宝座浮雕》和《里切亚青铜雕像》等。

4、希腊古典时期的雕塑艺术:
历时半个世纪的希波战争，最终以希腊的胜利而告结束。在希波战争中，雅典是希腊各城邦的盟主，城市虽然遭到战争的破坏，但是战争胜利而缴获的大量财富，又使希腊的经济繁荣起来。作为城邦盟主的雅典，对外以霸主身份发展自己的势力，对内实行民主政治，给人民以更多的富足与自由，从而使雅典成为当时欧洲最美丽繁荣的城市，也使雅典自公元前5世纪中叶进入了“伯里克利斯的繁荣新时代”。
伯里克利斯是位精明能干的政治家，他关心贫苦平民甚于贵族，曾立法不准鞭打奴隶。他还是积极提倡文化艺术的统治者，把雅典建成了全希腊的艺术和教育中心。他说过，“我们没有忘记使疲劳的精神获得休息，我们的生活方式是优雅的”，“我们是爱美的人”。希腊的哲学家和艺术家常常是他的座上客。古典盛期的伟大雕刻家菲狄亚斯就是他的好朋友。由于贤明的伯里克利斯的关怀和提倡，希腊艺术进入最繁荣的时期。
古希腊雕刻进入古典时期后出现了新的繁荣，雕刻家们进行新的探索和创造，突破古风程式，试图在人体直立的基础上将人体的重心移至一足，使另一足自然地表现出一些动态，以表现现实生活中人物的各种运动感。这是古代艺术家美学观的新发展，意味着雕刻家对人与人体美的认识的提高。这时期创造的作品更接近现实的完美人体。

5、希腊化时期雕塑艺术:
希腊化时期一般指公元前334—30年，又称希腊主义时期。这一时期从公元前334年马其顿王亚历山大东征波斯，到公元前30年罗马帝国灭亡埃及托勒密王朝，前后共300余年。
马其顿希腊王经过南征北战，使帝国版图跨越欧亚非三大洲，成为希腊的鼎盛时期。崇尚文化艺术的亚历山大王使希腊艺术广为传播东方，又从古代东方文化中吸收营养，从而使东西方文化开始交流与结合，促进了文明的新发展。随着城邦国家的瓦解，政治、宗教、艺术也逐渐丧失了严肃性和公民性。艺术开始成为满足少数贵族统治者自我炫耀、享乐和粉饰现实的手段。这就使神在艺术中的地位降低，人和人的生活更多地出现于艺术题材中。
同古典时期雕塑相比，希腊化时期的艺术风格多样，既有同古典艺术接近的风格，如《米罗岛维纳斯》等一系列维纳斯雕像，也有体现这一时期生死搏斗、美丑相争的时代精神、掺入悲剧性风格的《拉奥孔》等。希腊化时期的雕塑艺术由于希腊本土雕塑传统深厚，依然成为希腊雕刻艺术的中心。
在古典时期象征至高无上权威的宙斯和城邦保护神雅典娜，在艺术中已不占主导地位，象征爱与美的维纳斯则逐渐登上艺术的宝座，许多姿态各异，模仿普拉克西特列斯的“优美的样式”造型接踵问世。古希腊的艺术家们从人的生活出发，肯定人生，赞美人的美，赋予人的肉体和精神以崇高而十全十美的理想，把人提高到神的高度。人们通过希腊化时代的雕塑家们对维纳斯的创造，可以看到充满人性的女神的永恒的艺术魅力。其中最着名的莫过于《米罗岛维纳斯》。
[编辑本段]古希腊雕塑的代表人物

1、菲狄亚斯 (公元前5世纪初—431年):
古代希腊艺术可以用一个人的名字来象征，那就是菲狄亚斯。他是雅典着名的民主派执政官伯里克利的战友和艺术总顾问，他的艺术创造体现了古典盛期的最高成就。
关于菲狄亚斯的生平，人们只知道他生于公元前5世纪初，于公元前431年去世。菲狄亚斯曾经在希腊各地从事艺术创作活动，在20来岁时就已蜚声艺坛。他的主要创作生涯是在故乡雅典度过的，他一生最辉煌的业绩是在他领导下重建了雅典卫城，完成了众多的雕刻装饰杰作。
整个雅典卫城的建筑雕塑艺术，尤其是巴特农神庙上的装饰雕塑，体现了希腊古典盛期的雕塑成就，它标志着希腊古典雕塑的高峰。罗马帝国时期的希腊传记作家普鲁塔克说过：“它们好像年年常春的神物，能够摆脱岁月的折磨；在它们的结构之中，似乎蕴藏着某种永生的活力和不死的精神哩!”
古代学者认为菲狄亚斯的艺术风格是姿态宁静而高贵，表情肃穆而温雅。对此，后人称为“神明的静穆”。菲狄亚斯塑造的奥林匹亚的宙斯之美不仅使传统的观念益增光辉，而且同神妙的自然也相宜不悖，这正是他崇高艺术的精华。菲狄亚斯胜过一切希腊雕刻家而为后代人怀念和赞美的，正是他身上体现的希腊艺术的精髓：忠实于自然，同时善于净化自然；模仿自然，同时又善于在模仿中驰骋想象力，表现理想。菲狄亚斯正是理想化的巨擘，在他的生前死后，古典风格的特性一直支配着希腊雕塑艺术。

2、伯利克里托斯 (活动于公元前5世纪后半期):

伯利克里托斯是与菲狄亚斯同时代的阿戈斯地方的雕塑家，他自成一派，故称他为阿戈斯派雕塑家。人们只知道他最擅长表现青年运动员的形象，所使用材料都是青铜，现在看到的是大理石复制品。
为了创造美，希腊人发现了比例，而发现人体比例的希腊人首先就是伯利克里托斯。他认为人体的比例要依靠“数”的关系。人体最理想的比例是头与全身的比例为7∶1。伯利克里托斯对人体比例结构的探索，实际上是艺术发展到成熟阶段出现的一种程式化现象。他受哲学家毕达哥拉斯学派关于“美”体现在合理的或理想的数量关系之中的观点的影响，曾着有《法则》一书，专门论述人体比例。
体现伯利克里托斯理论的雕像是《持矛者》和《束发运动员》，这两位裸体青年男子雕像是完全依人体比例为7∶1的法则创造的。他们体格壮健，肌肉发达，雕像还从力学上探索和解决了人体重心和各种动态之间的关系：人体的重心都落在右脚上，左脚因此获得了解放，为适应人体重心的平衡，人体各部分的动作与肌肉也随之作了相应的塑造，表现出力量的美。

3、普拉克西特列斯:
战争给希腊带来极大的破坏，国家再无财力兴建神庙和装饰。大型装饰雕刻逐渐减少，单独的圆雕开始增多；敬神的雕像少了，安慰人们不安心灵的和平女神、爱神、酒神多了。形象的神性也更少，而更多地充满世俗性和人情味。以前那种崇高的英雄气概和雄健有力的艺术风格，逐渐被追求个性和温柔秀美的艺术风格所替代，雕塑的制作技巧更加完善成熟，形式美的创造更受到雕刻家的重视。这个时期最杰出的雕刻家是普拉克西特列斯、斯柯帕斯和利西普斯。
人们只知道普拉克西特列斯是雅典人，早年跟随雅典雕塑家克菲索陀妥斯学习雕塑，承继了老师的艺术风格：男人体形女性化，以前裸体男子那种强壮的筋肉消失，人体变得修长、轻松和柔和，自上而下形成三个自然的转折(头、躯干和下肢)，使整个身体构成S形的曲线变化，男性人体接近女性人体的曲线美。普拉克西特列斯充分发挥大理石质地细腻的特点，努力追求人体肌肉的细腻变化和美妙含蓄的线条，使整个人体具有女性肌肤的丰满圆浑的美感。这种艺术风格的代表作品是《赫尔美斯与奥尼索斯》，它对以后的希腊雕刻风格具有深远的影响。
人们在评论希腊雕刻时，往往把巴特农神庙的雕刻比作壮丽的史诗，而对普拉克西特列斯所雕作的那些男女裸体雕像则喻为迷人的抒情诗。在他所有迷人的作品中审美价值最高、最迷人的是维纳斯雕像，其中最杰出的是《克尼多斯维纳斯》。
4、利西普斯 (公元前4世纪—？)
利西普斯是古典时期最后一位重要雕刻家，擅长青铜雕刻，是西库翁学派的代表。他是马其顿亚历山大的宫廷雕刻家，艺术活动于公元前370—312年间，传说他生平创作了1500余件作品，但没留下一件原作，后世复制的也不多。他承继了波里克列托斯的传统。
利西普斯是位大胆的革新者，善于处理空间，精于掌握瞬息变化的运动姿态，表达人物的个性。他首创了有鲜明空间和着重长宽高三方面的雕像结构和表现复杂动作的方法。他加深了对人体的研究，测定了新的人体比例标准，创作了8∶1的规范，在审美观上倾向于灵巧纤长，人体有细长轻捷之感，具有新的审美理想。他的名作有《刮汗污的运动员》，这件作品人们从任何一个角度看都十分完美，所以是公认的古希腊雕刻中第一件真正的圆雕。还有《竞技优胜者》和《休息的赫剌克勒斯》。
古希腊雕塑的代表作品
古希腊雕塑中的好几项都位列世界十大雕塑中，如：
1、《掷铁饼者》 （作者：米隆）
米隆的《掷铁饼者》 高约152 厘米，罗马国立博物馆、梵蒂冈博物馆、特尔梅博物馆均有收藏，原作为青铜，米隆作于约公元前450 年。原作已佚，现为复制品。雕像选取运动员投掷铁饼过程中的瞬间动作，这正是铁饼出手前一系列瞬间万变动作中的暂时恒定状态，运动员右手握铁饼摆到最高点，全身重心落在右脚上，左脚趾反贴地面，膝部弯曲成钝角，整个形体有产生一种紧张的爆发力和弹力的感觉。形体造型是紧张的，然而在整体结构处理上，以及头部的表情上，却给人以沉着平稳的印象，这正是古典主义风格所追求的。
2、《维纳斯》
《米洛斯的阿芙洛蒂忒》俗称《米洛斯的维纳斯》、《断臂的维纳斯》、《维纳斯像》等，大理石雕像，高204厘米， 亚力山德罗斯创作于约公元前150年左右，现收藏于法国巴黎卢浮宫。 从雕像被发现的第一天起，就被公认为是迄今为止希腊女性雕像中最美的一尊。这尊雕像还是卢浮宫的三大镇馆之宝。
3、《雅典娜神像》（作者：菲狄亚斯）
雅典娜为雅典城的守护神，也是代表智慧的女神。原作为巴底农神庙大殿的主像，全身高达13米，用银白色大理石雕成，局部镶嵌着象牙与黄金，可惜已在拜占庭帝国时代被毁坏。这里介绍的是大理石小型摹制品。在这件女神雕像中，她头戴战盔，身着希腊式连衣长裙，护胸和甲胄上装饰有蛇形饰边和人头像；她裸露双臂，透过薄衣裙可隐见丰艳健美而有力量的身体；衣裙褶纹和饰物造成横竖线条的疏密变化美；她的手势动作可能是执长矛和托物，整个形象富有女性的温柔和充满生命，更多的是人性，绝少神性，这表明希腊化时期艺术已走向世俗化。
[编辑本段]关于古希腊雕塑的知识问答
问：在当今社会裸体艺术还有诸多禁忌的时候，人们更会发问：为什么古希腊雕塑几乎都是裸体的？裸体造型艺术何以如此普遍？大部分雕塑是没有眼球和表情的呢？
答：因为那个时候战争很频繁，而武器又不是很先进，作战胜利很大程度上取决于身体的强壮，所以那个时候人们的尤其是男人，为了守卫自己的城邦，年轻的男子要经常锻炼身体。为了遗传的因素，甚至把那些有些缺陷的婴孩直接处死。在这样的环境之中，那些身材健壮，骨骼和肌肉都很结实的男子就被视为英雄。为了展现完美的身体，城邦还组织运动竞赛，在这些竞赛中，运动员也大多是裸体的。而这样的运动会一般的女子是不允许参加的。
总之因为战争要锻炼身体，裸体的美便反映在雕塑艺术上。古希腊雕塑是那个时代的真实反映。我们今天的人的裸体和古希腊人相比是要逊色多少倍的。也没有裸体的必要。即便是裸体动机也有待商榷。
世界驰名的美国学者伯恩斯教授、拉尔夫教授在其力作《世界文明史》中说；“希腊艺术所表达的是什么？总而言之，它是把人文主义象征化 ———即是把人视为宇宙中最重要的造物而加以赞美。尽管许多雕刻描绘神，但这一点也不减损人文主义的本质。希腊人的神是为着人的利益而存在。所以他赞美神，也就是赞美自己。
古希腊雕塑以其恢弘而博大的崇高感，体现了人对美的理想范式及美好生活的寻求，它是积极、健康而鼓舞人心的艺术。尽管它产生于那么久远的年代，但作为典范，无论是艺术还是精神，都具有一定的现实意义。

C. 吴为山的重要评价

杨振宁（诺贝尔奖获得者、物理学家）：吴为山既扎根于中国传统文化，又从近两个世纪以来西方艺术的伟大革命中汲取灵感，几乎给自己提出了一个塑造中国文明精髓的艰巨任务。
从老子的恢宏宁静，到鲁迅的沉郁峻切，吴为山一次又一次地从中国三千年漫长而复杂的历史中探索着中国二字的真义。他的雕塑打造了一种神似与形似之笑备间的精妙平衡，而这种平衡正是中国艺术的立足之本。
我曾以三个字概括吴为山作品的特点：真、纯、朴。他的每一件大大小小的作品都洋溢着这些特点。
我相信吴为山注定将成为21世纪的伟大雕塑家之一。
荷兰女王 贝娅特丽克丝：吴先生通过塑造儿童，发碰袭毁现并升华了童性，体现了人类对童年的真实情感。他的作品与意大利雕塑家玛格里特有着精神上的相通，在表现手法上善于直接用手来塑造对象，十分真切。
看得出，吴先生所塑的老人是从万千年文化中走出来的。
季羡林（东方文化学者、北京大学教授）：中国古代雕塑造像胥为仙佛造型，出自想象，面目必多雷同。即以全国南北之五百罗汉而论，造像者非不欲塑造不同面型，然而，脱离实际人物，想象究亦有限，其捉襟见肘之窘态在在可见。此等塑像虽不乏浑朴肃穆之气，恐尚不能称为真正艺术也。近代以来人物雕塑崛起，中国雕塑艺术遂进入一新境界矣。吴为山教授英年歧嶷，独辟蹊径，为时代塑像，为文化塑像，又为文化人系列造像。将文化精神溶入历史发展生生不息之长河中，扬中华之文化，开塑像之新天。
熊秉明（法籍华裔哲学家、艺术家）：艺术家往往创作能敏捷挥就者，难能刻画深入，能苦心经营者，少一气呵成之妙。为山作品神速痛快又能供人长期反复玩味，其用思灵活多变出人意表。
袁运甫（清华大学教授 美术家）：吴为山树立了中国雕塑艺术的另外一个大的体系，进一步发展了中国传统雕塑艺术，而且他能够把传统和现代很好地结合起来，变成吴为山先生他所倡导的这种大写意的风格，他的文化理念非常明确，作品形神兼备、气势磅礴，体现了中国文化的重要精神。另外从教育来讲，我们过去整个的美术教育，应当说半个世纪以来一直是俄罗斯和苏联系统的发展，吴为山树立了另一个系统。这个系统是以中国本土文化为主体的，同时也结合了每个人自己不同的艺术追禅芹求，我觉得这是异军突起，他的艺术成就，令人震惊。我衷心祝贺他的成功。
邵大箴（中央美术学院教授 美术理论家）：“吴为山现象”中的核心内容是他的雕塑创作。他的雕塑作品不仅有刚柔相济的鲜明个性，有含蓄而强烈的艺术感染力，而且具有深厚的人文精神。中国文论中分析文艺之美有阳刚和阴柔之分，阳刚之美是一种壮美，他雄浑刚劲；阴柔之美则是一种幽美，他温婉柔和。两种风格的美均发自“天地精英”。艺术家得其一者，即有特点，而能兼有二者，则为大家风范。吴为山的雕塑艺术能达到这种境界，是很值得赞赏的。形神兼备是他追求的目标，但他不是拘谨的写实主义者。他的作品与其说是以形写神，不如说是“以神写形”更为恰当。
范迪安（中国美术馆馆长 美术评论家）：吴为山的雕塑就是思、理、情、艺四个方面相通相生的艺术结晶。
吴为山的重要性在于，他不仅仅是一个文化取向上的清醒者，而且是一个花大力气去发现和创造的实践者。因具有文化自觉意识而发现了传统雕塑的源头活水，又因不断地发现而步步前行，进入传统雕塑世界的灵山道海，既体察到传统雕塑体系性价值，更直接用其中最为突出的“写意”精神。
雕塑这种与人类的精神发展史密切相关的艺术形式需要不断变化与创新，吴为山在“人的主题”与“写意雕塑”这两种雕塑交汇的空间里创造出来的成果，无疑为中国当代雕塑的发展提供了可贵的启示。
饶宗颐（着名文化学者、香港中文大学教授）：《谢为山兄塑像杜诗第一首韵》：为我塑幽姿，妙手臻灵境；狮山兀相对，池月印微影。胸宽象纬近，心同壶冰冷；留影对但丁，前事堪重省。
英国皇家肖像雕塑家协会主席 安东尼·司顿斯：在中国，吴为山无疑是他同辈雕塑家中的佼佼者。他对儒家学说的深邃反思和他为孔子创作的半身胸像构成了南京博物院吴为山历史文化名人雕塑馆的核心。吴为山对传统充满了敬重之情，并有相当好的收藏，包括从前的一些字画和雕塑作品。他最早从事的雕塑项目是上个世纪那些伟大的书法家、画家和科学家的塑像。其中最优秀的作品是出自他对已故的伟大画家齐白石的研究。
小杉三朗（日本干漆雕刻家、毕加索美术馆（法国）名誉会员）：吴为山是一位能够肩负今后现代雕刻艺术发展的雕刻家。就像曾经从浮世绘中发现近代元素的梵高那样，我认为，吴为山是一位能够找到今后艺术之真谛的人，是可以嘱托艺术之将来的人。

D. 近现代雕塑的特征及代表艺术家

外国近现
代雕塑艺术以欧洲最为突出。它曾经产生了
一批杰出的雕塑家和优秀作品。作为欧洲近
代雕塑艺术的代表作，可以三位法国雕塑家，
即乌东、吕德、罗丹的《伏尔泰坐像》、《马赛
曲》、《加莱义民》为例。它们分别代表了新
古典主义、浪漫主义和现实主义三大艺术流
派。法国近代着名肖像雕塑家乌东的《伏尔
泰坐像》，是为法国杰出的启蒙思想家伏尔泰
创作的全身像。雕像自然地流露出伏尔泰明
显的老态和瘦弱的身躯。但是，通过他神采
奕奕的脸部表情，特别是他那似能洞察一切
的敏锐的目光，人们仍能感觉到这位反对封
建专制的不屈的斗士的聪明才智。法国近代
着名的浪漫主义雕塑家吕德的《马赛曲》，是
为巴黎大凯旋门创作的着名浮雕。表现1792
的法国人民在反运蠢森抗普鲁士和奥地利等封建帝
国的战争中，马赛的义勇军开赴巴黎参加保
卫祖国的战斗的历史事件。整个浮雕的构图
复杂而严谨，依靠人物的彼此交旁亩错遮掩造成了
一种千军万马的档枝宏大气势。它成功地反映了法
国大革命时期广大人民群众昂扬的斗争精神，
从而使它成为歌颂法国人民为祖国自由而战的
英雄纪念碑，在世界雕塑史上占有重要的地位。
法国近代最杰出的雕塑家罗丹的《加莱义民》，
是一座表现爱国主义和崇高的自我牺牲精神的
英雄纪念碑。整个雕塑没有固定的正面，可以
从不同的角度去观察。它以深入的心理刻画和
强烈的性格表现为其重要特色，树立了近代纪
念碑雕刻的范例。

E. 如何评价王瑞林的雕塑《Monkey King》

这是另外一种大圣归来，这件《Monkey
King》者世在人们心中的踏着七彩祥云的盖世英雄已经寂寂入定。雕塑作品宛如看尽红尘般，生亦何哀，死亦何苦的孤寂无奈。看来看去，还是悲剧性的英雄最为打动人心。

雕塑家王瑞林，1985年生于辽宁。幼年时，见到徐悲鸿的《奔马图》大受感动，随即开始学画。在其新作《逐梦记》中，雕塑中的动物们承悔世载了新的角色，与自首前肢然融合在一起，托起了自然世界，犹如无人的诺亚方舟。

F. 卡米耶·克洛岱尔 ：天才艺术家的悲剧人生

齐帆齐微课年度第49篇（2358字），累计69801字。

在2013年伦敦苏富比印象派及现代艺术晚间拍卖会上，一座名为《华尔兹》雕塑作品以800万高价落槌。世人也许有偏见，艺术评论家也可能会撒谎，但是金钱不会。这充分证明了雕塑家杰出的艺术才华和创造力。

卡米耶·克洛岱尔，这个艺术史上为数不多的女性雕塑家，最为着名的不是她的艺术，却是作为罗丹的情人，这既是她个人的悲剧也是时代的悲剧。

斯人已逝，艺术永存。在看雕塑作品《成年》的时候，艺术欣赏水平并不高的我，却被深深感动了。艺术作品是艺术家感情的流露。在卡米耶的塑造下，那些双目微合的人像几乎拥有生命，仿佛时时刻刻在蓬勃地呼吸。它们幽怨、倔强，展现了卡米耶高超的技艺和深邃的思索。

 卡米耶1864年12月8日出生在法国勒讷沃，父亲是一名税务官，对她十分疼爱。小时候在基督教义修女会接受了短暂的教育，后来由家庭教师辅导学业，没有受过正规的教育。年少的卡米耶在父亲的书房里博览群书，少女时代就表现出雕塑的天赋，才能受到艺术家的认可。

卡米耶1881年随父亲搬迁到巴黎，进入了巴黎克罗拉西美术专科学校学习，成为布歇的学生。在布歇的推荐下，1883年初，卡米耶成为了罗丹的学生。

作为欧洲三大雕刻家之一的罗丹，此侍卖败时已经名声在外，是业内大佬。能作为罗丹的学生，对于一个19岁的年轻人来说，当然是荣幸的。但是，当他们的关系超越了师生界限的时候，卡米耶的人生就走向了另一个方向。

很多灾难是以幸福的面貌出现的，卡米耶遇到罗丹就是如此。

卡米耶向罗丹要了一块大理石，给他她亲爱额弟弟做一尊雕像，为了感谢罗丹，卡米耶雕了一只青筋毕现的脚送给罗丹。久负盛名的罗丹看见这只脚，看见了卡米耶非凡的雕塑才能，决定要她作为自己的助手。

作为助手的卡米耶，看见罗丹以暧昧的方式和他的luo体模特相处的时候，作为女人的敏感让她非常不适，她决定再也不去罗丹的工作室了。可是当罗丹亲自去找她，她却心慌意乱地答应了，并且从此坠入了爱河。

两位天才的激情碰撞，在不少作品中都有体现，卡米耶曾参与创作罗丹最着名的几件作品，如《加莱义民》，以及《地狱之门》群像的手脚部分。而罗丹的《吻》和《永恒的偶像》等雕塑也正是创作于二人热恋的时期。

作为情人和助手的卡米耶，将其全部热配神情都投入到罗丹的工作中，她没日没夜地工作，住在工作室里，连像样的衣服和鞋子都没有，远离自己的亲人和朋友，罗丹的赞美和光临是她生活中最大的光亮。

激情过后，身份地位的不平等以及对这份感情态度的不同，另卡米耶十分压抑和痛苦。

久负盛名的罗丹，不仅情人众多，而且还有一个从贫困时期开始就对其奉献一切的未婚妻罗斯，并且给他生了一个儿子。卡米耶想要和罗丹结婚，但是罗丹明确表示不可能离开罗斯，不可能和她结婚。

和别人分享一个男人，而且自己身不正名不顺，在她需要他的时候，他可能正在另一个女人身边，卡米耶非常受伤。罗丹之所以对罗斯不离不弃，就是因为她在他成名之前就跟他在一起，做苦工挣钱给他花，全力支持他的雕刻梦想，这么看来，罗丹不是不负责任，只是不能对卡米尔负责任。

在爱的时候一定是真心的，不能感受卡米尔的痛苦也是事实。两个艺术天才的情感纠葛对于罗丹是灵感来源，给艺术带来了滋润和营养，而对于卡米尔却是毁灭性的打击。罗丹从来不答应娶她，经过数次怀孕堕胎之后，卡米尔决定离开她挚爱的人，愤怒地切断感情之流。

可是真正的感情从来都不是理性的，不是你说结束就真的彻底能结束的。离开罗丹之后的卡米耶对他的思念之情从未停止，此时她还为罗丹制造了青铜雕像《罗丹胸像》，并且在参展中获得了“黑白银质纪念章”，卡米尔也被提名为国家艺术协会会员。

正在卡米耶被鲜花和掌声包围的时候，罗丹再一次靠近她，赞美她，请求与她复合。而饱受思念之情折磨的卡米耶很快就答应了。

这该死的爱情！卡米耶的燃烧和陨落都是因为罗丹。老颤如果卡米耶不再和罗丹纠缠，而是以艺术家的热情投入到自己的创作中；如果卡米耶在新的感情中体验新的生活，她创作上的成就应该要比实际上大得多。罗丹永远都不可能娶她，而且罗斯找到他们的住处和卡米耶大吵一架，最后在1898年彻底地去罗丹决裂了。

爱情的伤对于艺术家来说并不是致命的，可悲的是，罗丹之于卡米尔，不仅是情人的关系，更是行业前辈与新起之秀的关系。罗丹可以决定卡米耶的艺术生命。因为和罗丹的关系，无论她创作出什么样的作品，都要在罗丹的阴影下。

因为情感受到重创，卡米耶患了被害妄想症，罗丹对她的影响深入她心，总认为罗丹要迫害她，为了“报复”罗丹，她摧毁了很多自己的作品。生活艰苦而孤独。

人生的最后30年是在精神病院里度过的，卡米耶，这个美丽的女人，这个杰出的的雕塑家，成为了精神病院中普通的女人，人生不再有幻想，不再有罗丹的爱或者打扰，不再创作出任何形状。人生从此彻底枯萎。

一个美丽的少女，一个天分极高的雕塑家，因为和罗丹的爱恨情仇，成了一个精神病人。《诗经》有言，“士之耽兮，犹可脱也；女之耽兮，不可脱也。”这两句话放在罗丹和卡米耶身上，再合适不过了。爱情太过诱人，不能怪她抵挡不住诱惑，人性太过脆弱，经受不起命运的翻云覆雨。

自古以来，被爱情伤害的人不计其数，但是像卡米耶这样在爱情中毁灭的人确实并不多。

卡米耶的一生是压抑苦闷的一生，除了那短暂的爱的快乐，她都在为爱挣扎和痛苦。卡米耶的一生也是孤独的一生，她将毕生的精力和才华都奉献给了罗丹，这个并不能将她带向光明的男人。在她生病之后，她的母亲非常痛恨她，进入精神病院后，她的母亲拒绝和她见面，更拒绝帮助她。为此，我认为她的一生也是可怜的——一个人得不到母亲的关爱就是可怜的。

理论上一个男人并不能决定一个女人的命运，他不是权力的代表没有生杀予夺的权力，但是爱情的力量可能让你成仙也可能让你成魔。我们在为卡米耶的悲剧人生感到遗憾和痛心的同时，希望女性真正的强大起来，能够抵御情感的伤害，释放生命的华美和能量。

G. 介绍3位西方艺术史上的雕塑家，并谈谈他们的艺术特色。

我就介绍三个吧.
1.Antoine Bourdelle(安托尼.布代尔):罗丹的学生,但是他的老师是奔放的风格,他却深受哥特式和古希腊雕塑的影响.他自古代想象中获得启发,立志创作出同样具有厚度,量感,有别于当时流行的优美形体为重点的雕塑.

2.Antonio Canova(安东尼奥.卡诺瓦)他的雕塑是追求形式和完美的象征,也是新古典主义理想的一个范例。卡诺瓦在他成长的威尼斯艺术圈中非常显着,他曾受委托制作公共纪念碑,墓碑,雕像,也曾设立培养年轻艺术家的学校,并曾担任教皇使者,走遍全欧,索回拿破仑战争时期被掠走的艺术品.

3.Donatello(多那太罗):他的最高天赋是能在古典雕塑中注入人性的情感.作为在佛罗伦萨促成艺术改革的一群卓越的雕塑家,建筑师和画家中的一员,多那太罗也被认为是一位文艺复兴风格的创立者.他又是有名的艺术赞助人美第奇所喜爱的一位艺术家.在米开郎琪罗之前,是居于远远领先地位的佛罗伦萨雕塑家，也许是文艺复兴时期所有的艺术家中最具创新力和影响力的一位.

H. 如何欣赏雕塑作品，雕塑在西方艺术史上为何有如此重要的地位

雕塑作为一种以立体视觉艺术为载体的造型艺术，是雕、刻、塑三种创制方法的总称，是用各种可塑材料（如石膏、树脂、粘土等）或可雕、可刻的硬质材料（如木材、石头、金属、玉块、玛瑙、铝、玻璃钢、砂岩、铜等），创造出具有一定空间的可视、可触的艺术形象，借以反映社会生活、表达艺术家的审美感受、审美情感、审美理想的艺术。

从定义上看，在欣赏雕塑中需要注意的几个方面，空间形态、塑造风格、材料运用、情感表达等。而不同时期地域的雕塑还反应了风土人情，社会文化等等，具有承载文化的意义。

下文将主要从古典、现代和当代三个阶段带大家感受一下如何欣赏不同时期的雕塑：

先看古典的：

看到这些作品，是否觉得已经无法区分出这是不是雕塑？

近些年来雕塑发展的形式越来越多元化，甚至很难区分何为雕塑、何为装置、何为工艺……里面的风格也变化多样，对于大众的欣赏层面就会存在更多的迷茫、无从着眼，相对于较为传统的表达方式，各种“稀奇古怪的”特别是实验性的表现方法更让观众摸不着头脑。

所以很难分清这是不是雕塑？当代的雕塑应该怎样去界定？

这里借用美国艺术评论家丹托的“艺术界”的概念，就他所言，“80年代艺术的样式革命已经基本结束，艺术的问题不再是作品的问题而是语境问题。”雕塑也逐渐摆脱媒介的局限，而成为一种话语方式。当代雕塑重要的是现场中话语的指向性，这也是它与传统雕塑的根本区别。

“语境”现在也是一个比较复杂的系统，也没有被完全定义，所以我们姑且简单的理解为“大环境”（包括思想感情、作者的立场、观点、艺术修养、兴趣爱好、表达的时间、对象、前因后果、表达的领域、媒介……太多，不一一赘述了）。

再来看看现在所处的环境，生活的时代，科技大爆炸、人文地域的变化、一切都在快速的更迭。任何一种艺术形态与语言方式都是在特定背景的逻辑关系中产生与发展，面对这个复杂多变的时代，雕塑语言的边界也在不断扩大，对于传统，不抛弃也不固守，但在新的语境中总会获得许多新的可能。跨界创作现在是一个时髦的词，一切的新技术、新材料、新信息，如果能为艺术创作提供资源，能有利于艺术的充分表达，都应该去研究和尝试。科学技术的进步会影响整个社会形态的改变，艺术当然在此列。

认知到人类身处的多元化的社会，也不难理解雕塑艺术的多样化发展，由于个体的视觉经验和生存体验存在差异，所以对当代的雕塑作品观念的解读认知也会有很大差别，甚至有误读的存在，实际上每个人在观看与解读作品时，都是从自身的生存体验出发，都对应于个人情感，连接着真是的自我意识，都是个性化的欣赏，误读是常态。这也是当代许多艺术品在欣赏上的一个特点。

I. 如何评价一个艺术家和作品的价值

评价一个艺术家的艺术价值，以及作品的市场价值，首先要考评该艺术家的艺术灵魂，是不是纯洁的，道貌岸然的艺术家不会有经得起时间考验的作品。其次，艺术家的气度，胸怀，也是决定其作品的关键，心胸狭窄，睚眦必报的艺术创作者怎么可能兼济天下？第三，艺术家的生活经历，社会阅历，对时代和社会的责任感，都决定了他创作时候的敏锐度，思想深度；第四，艺术家的知识底蕴，包括人文、社会、自然科学、哲学等综合修养，也决定了其艺术作品的市场价值和时间价值。
艺术评论，如果不了解艺术家的思想，价值观，人生态度和社会态度，创作过程，不可能写出真正的评论：艺术评论是站在行业和未来来评论，而不仅仅是站在评论者自己的角度来发表主观之见。