‘壹’ 什么叫艺术家
艺术家，通常认为，就是艺术的制作者。艺术首先是艺术家制作出来的物品，自然地，是艺术家使艺术成为艺术，没有艺术家，艺术似乎是不可能的，艺术家以及他的艺术制作活动是艺术的主导因素。逻辑地看，艺术活动首先是艺术家的制作活动，艺术作品也是艺术家的制作活动的最后结果。
随着西方近代理性主义的高扬，人的价值，个性自由，人的主体性等问题得到了普遍的关注，浪漫主义艺术潮流也随之勃兴，艺术强调艺术家个性的自由张扬和展现，自由、创造、天才等概念成了这种潮流的主导性范畴，艺术家成为艺术的主导因素。与之相应的是艺术“表现说”对传统的“模仿说”的反叛。18、19世纪的浪漫主义思潮，标榜“自我表现”，冲破了“模仿说”的罗网，“表现说”于是兴起。表现说批评模仿机械复制，强调艺术必须以表现主体情感为主。康德最早提出“天才”论，强调艺术是天才的创造和表现，提出天才是和模仿精神是完全对立的观点。在康德的先验哲学中，主体性问题被强调到了极致，人是目的的问题是康德哲学的基本出发点，这样，他就是从艺术家的活动出发，肯定了天才和创造在艺术制作中的巨大意义，他认为天才是一种天赋的能力，这种天赋因素是艺术的决定因素，这样艺术家在艺术制作中的作用被康德充分地加以肯定了。德国浪漫派画家德拉克洛瓦认为，人即使练习作画，感情的表达也应该放在第一位。德国直觉主义哲学家柏格森认为，诗意是表现心灵状态的。意大利表现主义美学家克罗齐更是干脆宣称艺术即直觉，即抒情的表现。表现说把艺术本质同艺术家主体情感的表现联系起来，突出了艺术的审美特性。中国的言志说、心生说和缘情说大致上是与表现说相类似的观点。较之模仿说，表现说不是从艺术作品而是从艺术家作为逻辑起点来探讨艺术的意义问题，更明确地来说，就是把艺术家的情感作为艺术的核心和关键性问题。但同样可以看出，在这种以艺术家以及艺术家的情感为主导的艺术问题的探讨中，照样包含着对艺术更为极端的本质主义化的倾向。
首先，艺术活动是以艺术家为主体的活动，我们绝对不否认艺术家对艺术制作活动的意义，正因为艺术家的存在以及艺术家的制作活动的水准的高低，就自然决定了艺术作品的产生和水准的高低，否则那些非凡、伟大的艺术作品是不会产生的。但是，我们把问题拓展开来看，如果说，艺术家的制作的结果是艺术作品，推而广之，就是艺术。那么，是什么使得艺术家的制作得以成立？也就是说成为艺术作品，成为艺术，是他赋予的他的制作品的风格，还是情感，还是其他？这些都无法说明这一问题，而且会使问题再一次陷入到循环论证中而无法自拔。进一步的问题也就是，在艺术家的制作活动开始之前或进行中，他是否明确或已意识到他正进行着艺术活动，是否明确他的制作的结果将是一件艺术品而不是其他，如果是这样，那他已经就是按照艺术的模式和规则来进行艺术产生，那么，艺术的创造性又怎样灌注其中，艺术家的主体性又如何体现出来呢？这些问题又涉及到了艺术的意义问题，这就促使我们从其他方面而不是从艺术家出发去探究。显然，从艺术家为逻辑起点来探讨艺术的意义，认为艺术家就是艺术的立法者，艺术家使艺术作品得以成立的观点，同样使得问题简单化了。不难发现，艺术创造并非艺术家为遵守规则而遵守规则，实际上只是为了某种艺术创造才去遵守这样或那样的规则，艺术家不是遵循了某些规则而成就了艺术。因此，需要有另一种线索来研究艺术家是如何赋予艺术品的艺术性或者艺术质量以及艺术规则的艺术质量。
‘贰’ 什么是艺术家
什么是艺术家，是从自觉的艺术到艺术的自觉，由此，艺术就变得无比艰难。 艺术家的工作是把艺术个性化。艺术中没有超越，只有区别，成功者都是在千差万别中显露自己。艺术家的个性魅力成了他艺术的灵魂。如何把个性魅力变成个性艺术？艺术家们各有各的秘密。 凭仗着他们的努力，创造一个世界。这世界不是现实世界的复制。智慧到处发光，才华到处流溢；所有颜色都是语言；所有声音都有灵性，所有空间都充满想象。
艺术有它神秘的规律；由于艺术的本质是生命，艺术家生存在自己的艺术中。艺术一旦完结，艺术家虽生犹死。长命的办法唯有不断区别别人，也区别自己。这苛刻的法则便迫使艺术家必需倾注全部身心，宁肯在人间死掉，也要在艺术中永生。艺术家最大的朋友是寂寞，伴随艺术家一生的是忽冷忽热的观众、读者，和一种深刻的孤独。 这便是大家心中的艺术家，天生的苦行僧，拿生命祭奠美的圣徒。但如果没有他们，人类的才智便沉没于平庸，生活化为一片枯索的沙漠，好比没山，地球只是一个光秃秃黯淡的球体。
这是唯美的艺术家的境界，曾经在搜狐上看到一篇母子的书信文章，我永远的记录了下来，内容如下：“首先做艺术家需要奉献精神！有人说，搞艺术，必须成为善于超脱的投入者，善于投入的超脱者。此话诚恳而实在。人家有吃肉的滋味，我有吃菜的品位；别人有说名道利的情趣，我有墨池飞鱼的乐趣。这才是艺术家的心灵。要做到这一点，需要宽心静气，将生命和热情全部倾注于事业和艺术。使画中胆魄更博大，令心里诗韵更充盈，做无愧于时代的人，做一个大写的人。人如果想高尚，就要学会并且做到宽容和理解、原谅和大度。虽然要做到很不容易，但是只要努力就能够做到。”
儿子，请试着去尝试一下，去追求一种超凡脱俗的精神境界，争当一个品德高尚、心灵善良的艺术家。千万别当唯我主义、狂妄自大并以个人的好恶去控制别人的暴君。也不要将忌妒和仇视的眼光投向那些社会中的贵族阶层，因为以上两种做法都是不明智的。这样为自己制造痛苦或使自己陷入痛苦，都是对自己、对他人的不公。妈妈想告诉你：生活原本是美好的，是某些不自律的人破坏了这种美好，妈妈要求你不要做这种人。
妈妈愿意和你一起学会做一个高尚的人！让我们共同朝着这个目标而奋斗。儿子就要出发了，妈妈的心，将伴随着你同行！
现在之所以提这样的话题，主要是为了让许多即将走入艺术家行列的新人意识到，艺术虽然有一定的商品属性，更重要的依然应该是它的社会属性和意识属性。
文字于笔，笔如刀。
写这篇文章只是用自己的文章叙述的方法正言一些论点，在网络上看到所谓的伪善型的评论家对景德镇现代陶瓷穷其所能的进行贬低。的确一些艺术家受物质利益驱使，把艺术当成了赢利的工具，大大降低了作品的艺术性。但是一味指责批评会毁掉一个行业的的艺术生命，这种“棒杀”，是很可怕的。 然而，正是这些隐藏在伪善的外表下这类人，却在为了自己个人私利，导演着愈演愈烈的焚火攻势。
现代陶瓷收藏行业起飞也就这么几年事情，在这短短的几年内现代陶瓷收藏能够起飞到现在这个程度得益于市场的垂青，但是也是因为现代陶瓷收藏有他的艺术基底，平地是不可能起高楼的。
现代陶瓷艺术品市场的迅速膨胀，当然也使得许多艺术家的心态发生了一系列的变化，这个是显而易见的，而如果用窥一斑而见全豹的心态就很片面了，市场发展到这个程度，我们做的不是“棒杀”，而是需要引导，艺术家通过劳动获取报酬，是无可非议的。国家也在大力发展文化事业和文化产业，文化艺术资源可以转化为生产力，可以带来经济效益。而如何正确帮助艺术家辨识经济利益和艺术追求的目的，这个就是媒体工作者的责任，也是一个媒体工作者的道德。
有某些这个行业行走的人都因为各种原因对这个行业有着诸多的不满，其中有被市场抛弃的、被艺术家群体抛弃的、个人恩怨、行业抵触等等，他们将自己的心中的忿满化之的是语言上的表述，将一些小的东西夸大，然后无限制的夸张，续而，恐怖化。就如这个文章所要探讨的金钱与艺术的问题，这类阴暗的人群不是去引导而是竭尽所能贬低，试着想想，一个心态阴暗的人，他的话语怎么能够公正表达。可是当这些话语伪装在其伪善的外表下却在故意对他人产生错误的引导。
这个行业如果要健康的发展，艺术家需要进行引导、自律很重要，但是同时也要收藏家自己认真看清楚一些文章和言论，看看写这些言论的人的背景和发展历程以及现在的行业地位和他所从事的工作，您就会明白他真正的用意和立场。
‘叁’ 艺术家的作用
艺术家 指具有较高的审美能力和娴熟的创造技巧并从事艺术创作劳动而有一定成就的艺术工作者；既包括在艺术领域里以艺术创作作为自己专门职业的人，也包括在自己职业之外从事艺术创作的人。
艺术家是社会分工的产物。在人类早期阶段，精神生产与物质生产尚未分离的时候，技术娴熟的工匠就是早期的艺术家。尔后，随着生产的发展，社会分工中体力劳动与脑力劳动的最后分野，使艺术生产成为一个独立的精神生产部门，从而为专业艺术家的出现提供了客观条件。同时，人类长期的劳动实践还为艺术家的出现创造了主观条件：一方面，它创造了艺术家的审美的感官、灵巧的肢体、健全的心理结构、熟练的技巧、能力等；另一面，它创造了人的丰富复杂的精神世界，创造了整个社会对艺术不可缺少的审美需求。没有这种需求，也就不可能有艺术家的产生。
艺术家是进行艺术创作的主体。作为创作主体所具有的构成因素中，发达的审美感受能力、创造性的想象、丰富的情感和娴熟的艺术表现技巧是艺术家的主要内涵。丰富的生活经验和对生活的敏锐而深刻的洞察力是艺术家必须具有的素质。对人生的严肃态度、对人类命运的巨大责任感是艺术家的主要道德品格。艺术天赋对于艺术家来说，也是十分重要的。成功的艺术家总是具有某种突出的艺术天赋。就某些艺术种类如绘画、舞蹈、音乐艺术来说，创作主体艺术天赋的重要性显得尤为突出。伟大的艺术家是人类灵魂的工程师。因此，艺术家应该是具有较高思想修养和良好艺术修养的人。传大的艺术家同时也是思想家。艺术家的思想在艺术作品中是通过血肉丰满的艺术形象表现出来的，这就比抽象的理论更富有生动性。艺术家对社会实践具有极大的反作用力。这种反作用力主要是通过艺术家所创作的艺术品来实现的。它既可能给人以心灵的安慰，也可能给人以精神的鼓舞；既可能给人以虚静恬淡，也可能给人以骚动不安；既可能使一个民族的精神稳固和加强，也可能使它解体和涣散；既可能提高一个时代的趣味，也可能败坏一个时代的趣味；既可能对一定的社会起“润滑”作用，也可能对一定的社会起“摩擦”作用。如果说，科学家给自然以秩序，伦理学家给社会以秩序；那么，优秀的艺术家则给精神以秩序，在一个想象的空间里，给整个宇宙以最后的自由与和谐。
随着社会文明程度的提高，参加艺术活动的人也将越来越多。为了适应社会不同层次、不同阶级的艺术审美需要，于是便有了所谓严肃的艺术家类型和通俗（流行）的艺术家类型之分。这种现象广泛地见之于各个艺术领域。此外，还存在着一支人数众多的艺术家类型，即民间艺术家。这一类型艺术家的存在，与民族传统、民族审美心理和趣味、民间工艺、风俗等密切相关，同是艺术家队伍中一支不可忽略的力量。因此，在进行美学或艺术学研究时，无论对哪种类型的艺术家都不应该忽略。
【古代艺术家称呼】
音乐舞蹈方面的叫伶人 书画方面在宫廷的叫画师 民间的叫匠人——以前没有书法家这个概念，只要会写字的，人人用毛笔呀！那时候唯有“善书”之称耳，特别厉害的开宗立派的有称“圣”如王羲之。
艺术家
在现代中国社会，也指一群有点龌龊创意的人士，多为人体艺术家，打着人体艺术的旗帜却干着色情的勾当，糟蹋了艺术一词，更毁了人体艺术的本意，真为维纳斯雕塑的创造者感到悲哀。这些所谓的艺术家的态度，既没有古希腊时期人神合一的理想化精神追求，也没有文艺复兴时期强调性感与美感统一、美化人的自然属性的精神境界。而是带着一种龌龊的思想来对待人体艺术的。如某所谓的艺术家在女性的乳房上作画，或在私处上作画，在女性身体上以唇印作为署名，等等。为什么这些所谓的人体艺术家不去艺术一下男性身体，而只艺术女性身体？这就是这些有着中国特色所谓的艺术家的虚伪之处。
【艺术家所要具备的条件】
作为一个艺术家，所要具备的条件有：发达的审美感受能力、创造性的想象、丰富的情感、娴熟的艺术表现技巧和空间想象能力。
‘肆’ 艺术创作论（三）
第六章艺术的创作过程
艺术创作是人类特有的、复杂的 精神活动和实践活动 。
艺术创作就是艺术家把自己在社会生活中体验到的思想感情运用艺术语言和艺术技巧转化为具体的、生动的、可感的艺术形象，把自己的审美意识和生活体验用物质的手段表现为艺术作品。
艺术创作过程是复杂的，不同的艺术家，不同的艺术种类，不同的创作方法，使艺术创作过程呈现出复杂多样的表现形式，但大体上可以区分为三个阶段： 对生活的艺术体验、艺术构思与艺术传达 。这三个阶段的成果是： 审美表象、审美意象和艺术形象 。
第一节 对生活的艺术体验
对生活的艺术体验就是艺术家在接触生活时，被生活中的具体形象所感动而引发的饱含情感的切身感受。
对生活的艺术体验开始于人的感官对客观生活的接触，终结于创作欲望的萌发，审美表象的形成。
一、对生活的艺术体验在艺术创作中的地位。
对生活的艺术体验，是艺术创作的准备阶段。
艺术家对生活的艺术体验形式，可以是自觉的，也可以是不自觉地；可以具有明确的目的，也可以不具有明确的目的；可以时间很长，也可以时间很短。
二、对生活的艺术体验在艺术创作中的作用。
（一）、对生活的艺术体验是艺术创作的基础。
在艺术与社会生活之间，有一个中间环节，那就是艺术家对社会生活的艺术体验。
艺术只能表现艺术家体验到的社会生活。深切地生活体验和丰富的经验积累是艺术创作的前提和基础。
俄国作家冈察洛夫说：“我只能写我体验过的东西，我思考过和感觉过的东西，我爱过的东西，我清楚地看见过和知道的东西，总而言之，我写我自己的生活和与之常在一起的东西。”
（二）、对生活的艺术体验引发艺术创作的欲望。
当艺术家对生活的艺术体验有了丰富的积累，为生活中的形象所感动，就必然产生升华、飞跃，要求转达给别人，不吐不快，这就是艺术创作欲望的心理动因。
郑板桥论画竹，说“意在笔先”，“意”就是指“立意”、“意象”、“意趣”等等，“笔”就是指“用笔”、“笔法”、“笔墨”等等，它概括了艺术创作过程的两个阶段。这里所说的“意”既存在于艺术构思阶段，也存在于艺术体验阶段，艺术家的“意”蕴于其中的“眼中之竹”就叫做审美表象。郑板桥所说的“胸中之竹”就是艺术家用自己的思想感情去改造现实中竹子的形象而产生的审美意象。
三、对生活艺术体验的特点。
（一）、艺术体验是对形象的体验。
政治家、经济学家、科学家了解社会也要从形象入手，通过形象去了解社会的本质与规律，但是一旦他们把握之后，就抛弃了形象。
艺术家在体验生活是必须始终以敏锐的观察力去把握客观事物的具体形象，了解和熟悉事物形象的特点和细节以适应艺术创作的特殊要求。
福楼拜说：“对你所要表现的东西，要长时间很注意去观察它，以便能发现别人没有发现和没有写过的特点。任何事物里都有未曾被发现的东西，因为人们用眼观察事物的时候，只习惯于回忆起前人对这事物的想法。最细微的事物里也会有一点点未被认识过的东西，让我们去发掘它。”
（二）、艺术体验是情感的体验。
科学家对生活的体验和认识是纯客观的、纯理性的，是不包含情感的真理的探索。
而艺术家对生活的体验却是包含主观心灵的情感体验。
德国美学家利普斯提出“移情说”，揭示了艺术家对生活情感体验的过程：
第一，由我及物。艺术家把自己的主观情感“外射”或“移”到客观事物上去，使无生命、无情感的外物有了生命、有了情感；
第二，由物及我。既然外物已经有了生命和情感，它就会反转过来影响艺术家主体的情感；
第三，由物我两忘，达到物我同一。艺术家感到外物与自己有相同的情感，于是认为我就是物，物就是我。
艺术家永远不是生活的冷静的、纯理性的旁观者。他把自己全部的情感、理想、人格，他全部的心投入生活，以致自己深深的感到，生活就是自己，自己就是生活。这是艺术家体验生活的主要特点。
（三）、艺术体验是对美的体验。
对生活中美的敏感是艺术家必须具备的独特的观察能力与感受能力。
以上我们说明了对生活的艺术体验在艺术创作中的地位、作用及其特征。没有对生活的艺术体验就没有艺术创作。
但是，对生活的直接观察和体验并不排斥间接经验。间接经验在艺术创作中是必要的：
首先，表现历史的题材只能借助于间接经验。
其次，由于艺术家生活经验的局限，间接经验是直接经验的补充。
第二节 艺术构思
艺术家对生活有了体验，就会萌发艺术创作的欲望。也就是说，艺术家想把自己在生活中体验到的思想感情传达给别人。这时艺术构思阶段就开始了。
一、艺术构思在艺术创作中的地位和作用。
艺术构思是一种复杂的 精神活动 。它是艺术家在对生活艺术体验的基础上，为了表达思想感情，对生活现象进行选择、提炼、加工、改造、虚构，形成 审美意象 。
艺术构思始于 创作欲望的萌发 ，终于 审美意象的完成 。
艺术构思是艺术创作的 中心环节 。只有通过艺术构思，才能把艺术家对生活的艺术体验转化为艺术作品。
艺术构思的作用就是在艺术家头脑中产生审美意象。审美意象的产生标志着艺术构思的完成。
二、审美意象的特征。
（一）、审美意象是主观和客观统一的内心视像。
“意象”中的“意”是指 主观的情思 ，“象”是指 客观的物象 。“意象”是物象与情思的融合。
所谓“审美意象”是指这种“意象”既体现了 主体的审美意识 ，又体现了 客体的审美特征 ，是二者的统一。
所谓“内心视像”就是指存在于艺术家内心的 视觉形象 ，这种形象还没有用物质手段表现出来呈现于观赏者的面前。
艺术构思首先要考虑的是“象”，即表现怎样的 社会生活 ，这就是我们常说的 艺术作品的题材 。艺术家要从五光十色的客观生活中选择一角加以凝缩集中，以便吸引人们的注意力去感受它。没有选择与集中就无法确定艺术要表现的对象。
艺术构思的关键是要考虑通过“象”表达怎样的“意”，既表达怎样的 思想感情 ，这就是我们常说的 艺术作品的主题 。
“意”与“象”的关系是“象”表现“意”，“意”统帅“象”。意中有象，象中有意。
（二）、审美意象是共性与个性统一的内心视像。
所谓共性与个性统一的内心视像，就是典型的内心视像，它是艺术家通过典型化的方法构思出来的内心视像。
所谓典型化，就是创造典型的内心视像的方法，也就是艺术家对生活素材进行选择、提炼、集中、概括，创造出典型的内心视像的过程。
典型化是艺术构思的关键。包括两个方面：
共性化 ：把生活中个别的、零散的、偶然的事物，经过选择、提炼、加工、改造，使之具有一定的代表性和普遍性，从而揭示出生活的某些本质方面。
个性化 ：把对象独一无二的个性特征鲜明突出地表现出来。
共性化并不排斥个性化，共性化没有脱离个性化，共性化就寓于个性化之中。
比如画家画一株松树，要观察千百株松，最后所形成的审美意象并不是磨去一切个性特征的松，而是具有千姿百态的松。
具体方法：
第一种， 综合法 。这是采用多种生活原型概括出来的审美意象，鲁迅概括为“杂取种种人，合成一个人”的方法。
第二种， 原型法 。是以一个模特儿为主干适当吸取其他素材所创造出来的审美意象。
（三）、审美意象是确定性与不确定性统一的内心视像。
审美意象是艺术家内心中具体、鲜明、确定的形象。审美意象虽然有确定性的一面，还有不确定性的一面。
首先，审美意象具有 模糊性 。艺术家在构思的过程中总感到审美意象在心中清晰可见，呼之欲出，于是产生了强烈的创作冲动。但是，待艺术家传达这个内心视像时，总感到某些细节是模糊不清，有待补充。
其次，审美意象具有 变动性 。鲁迅说：“写小说是不能够休息的，过了一夜，那个创造的人脾气也许会两样。”
第三节 艺术传达
一、艺术传达在艺术创作中的地位和作用。
艺术传达是艺术构思的延续，是艺术创作的完成。
所谓艺术传达，就是艺术家借助于 物质材料 把 艺术构思 表现出来成为 艺术作品 ，借助于艺术语言和艺术技巧把 审美意象 物态化成为 艺术形象 。
艺术作品和艺术形象是艺术传达的最终结果，是艺术创作这种精神劳动的物质体现。
艺术形象与审美意象的联系：审美意象就是心中的艺术形象，艺术形象就是物态化的审美意象。
艺术形象与审美意象的区别：
第一，审美意象是不能够为他人感知的 内心现象 ，艺术形象是可以为他人感知的 物态化的形象 。
第二，审美意象具有 不确定性、模糊性、短暂性 ，艺术形象大多具有 确定性、鲜明性、持久性 。
二、艺术传达的一般规律。
（一）、艺术技巧是艺术传达的手段。
所谓艺术技巧就是掌握物质媒介表现审美意象的特殊能力，亦称艺技。
技术不同于艺技，技术生产物质产品，艺技生产精神产品；技术生产的是千篇一律的产品，艺技生产的是高度个性化的产品；技术可以脱离审美表象，而艺技变现审美表象。
艺术与艺技是什么关系？有两种片面的意见：
第一种，艺术就是艺技。他们认为，绘画就是比例透视，音乐就是旋律节奏，诗歌就是对仗押韵，“只要知道了艺术创作的规则，他们就都可以随意依样画葫芦，制造出艺术作品来。”但这种仅仅靠技术所创造出来的产品并不是艺术作品。
画匠、画工与画家的本质区别就在于前者仅仅有艺技，因而只能模仿而不能创作艺术作品；画家不仅仅有艺技，还有画匠、画工所不具有的某些品质，因而能创作出艺术作品来。
第二种，艺术根本不需要艺技。克罗齐认为，艺术就是心中的直觉。达芬奇之所以是艺术家，不是因为他创作出来《最后的晚餐》，而是因为他在心中想出了《最后的晚餐》，达芬奇把心中的图像画到画布上，所需要的仅仅是艺技而已。艺技对艺术是不必要的。
但既然艺术是心中的直觉，而心中的直觉是人人都有的，因此，人人都是艺术家。一切严肃的理论家与艺术家都充分估计艺技在艺术创作中的重要作用。
我们认为，不能把艺术归结为艺技，但艺术离不开艺技，艺技是艺术传达的手段。艺技的获得是不容易的，“它完全要靠思索、勤勉和练习。”
（二）、艺术传达是伴随情感的传达。
艺术家把审美意象变为艺术形象，决不是纯理性的活动，它伴随着强烈的情感。可以说，没有情感就没有艺术传达。
三、艺术传达与艺术体验、艺术构思的关系。
（一）、艺术创作过程三个阶段不是彼此隔绝的，而是互相渗透的。
首先，对生活的艺术体验贯穿艺术创作的始终。对生活的艺术体验是艺术创作的基础，但是对生活的艺术体验并不是一次完成的，在艺术构思、艺术传达阶段依然穿插着艺术体验。
其次，艺术构思与艺术传达也是相互渗透的，在艺术传达过程中常常需要重新构思。
最后，艺术体验阶段也孕育和蕴含着艺术构思和艺术传达的因素。
（二）、艺术创作过程的三个阶段都伴随着情感的活动，情感是贯穿艺术创作整个过程的中心线索。
艺术体验是情感的体验，没有情感的体验就不会产生艺术创作的冲动进入艺术构思阶段。
艺术构思阶段所产生的审美意象是包含情感的内心视像，没有情感就不可能产生审美意象。
艺术传达阶段同样是伴随着情感的创作活动。
总而言之，没有情感就没有艺术创作。
‘伍’ 请问一个艺术家是用什么样的眼光去看会体艺术的
什么是艺术家？ 艺术家就是为你喜欢的那个艺术 那些东西 那个味儿 （奉献一生） 有可能没有一个人欣赏你 喜欢你的东西 没有御销一个人喜欢你内心里的中瞎感觉 但你还卖拆空是在坚持的自己的东西 你就是艺术家 艺术家是用什么样的眼光看艺术？ 谁都不会懂别人 每个人的想法 每个人的胸怀 每个人对美的理解都是不一样的。 坚持自己的想法，坚持自己的人生，坚持自己的艺术，坚持自己喜欢的那种美丽，就是一种艺术。
‘陆’ 为什么艺术家要用素描或线描的方式 记录他们所看到的东西
因为素描是最基础的。
素描是写实绘画的重要基础，也是最节制、最需要理智来协助的艺术。初学绘画的人一般来说是先学核袜毁素描，素描画得好的人，油画自然画得好。
素描的操作定义：使用相对单一的色彩，借助明度变化来表现对象的绘画方式。素描的改备绘画工具多种多样，并不局限于某一工具。速写是一种相对快速的素描形式。素描水平是反映绘画者绘画基好腊础水平和基本造型能力的重要指标之一。
‘柒’ 用什么东西画画最快
文 | 壹观察 宿艺
用一支画笔，艺术家可以画出最美的夏天。那么，一台平板电脑呢？
8月8日，华为MatePad艺术沙龙活动在杭州黄龙万科华为智能生活馆开启，华为主题宝藏插画师邦乔彦为现场用户分享了艺术设计理念和绘画技巧，并教授大家如何使用华为MatePad Pro 5G进行创作，画出心中夏天的模样。
平板产品整体创新趋缓，但在万物互联趋势下重要性日趋突显。本次沙龙以华为引领式的硬件+系统软件+应用服务一体化创新为依托，完成了科技产品与艺术创作人群的精准连接，是华为平板产品提升品牌势能，加速高端人群覆盖的重要一步。
用科技连接艺术
高端平板类产品天生就是生产力与创作工具，这点从强劲的处理器、丰富的移动办公+绘图创作应用软件，以及外置的键盘与压感触控笔等配置，都可以看到这一趋势。
很多现代艺术大师都喜欢将便携的平板产品作为日常创作工具，比如81岁的大卫·霍克尼(DavidHockney)就使用平板电脑为英国着名的威斯敏斯特教堂设计了一差歼款全新的彩色玻璃。如今无论是在抖音还是微博等社交平台，都有很多艺术家和网络红人使用平板进行创作爆款内容......
基于对消费者使用需求的深度挖掘，华为也在积极拓展平板的应用场景。华为MatePad Pro 5G定义为“5G重构创造力”，其搭载了华为P40系列旗舰手机同款的麒麟990 5G SoC芯片，CPU使用了芯片行业最领先的7nm+ EUV工艺制程，16核Mail-G76GPU，以及华为独特的达芬奇架构NPU，使其完全可以胜任艺术创作中复杂的虚桥冲图形计算；它采用了10.8英寸2K QHD绚丽高清屏幕，分辨率消弊为2560 x 1600，色彩表达更精准；再加上4096级压感、低至20ms延时、可以还原真实铅笔般使用体验的HUAWEI M-Pencil手写笔，大大提升了艺术工作者的实际上手创作体验；同时，智慧分屏、多屏协同等功能，以及丰富的创作类应用，也为不同阶段的用户提供了便于学习、临摹，以及公开演示等创作场景。
可以说，依靠对用户需求的深度洞察，并聚合一系列华为最新的硬件+系统软件+应用服务一体化创新，使得华为有着足够的底气与能力实现艺术创作用户群体的广泛需求。而本次华为MatePad艺术沙龙活动，则做到了通过面对面的演示+场景化的深度体验与互动，向大众用户精准传递这一信息。
用艺术连接品牌
艺术是人类文化的美学传递与情感诉求，对品牌高端化、时尚化，以及内涵维度的丰富化都可以起到非常好的提升作用。
一流的品牌，同样擅长通过艺术这一载体，完成与用户的情感连接。在这个领域做的最好的是欧洲品牌，一方面是欧洲文艺复兴以来的历史积淀，另一方面也与这些品牌长期以来的品牌艺术化传播密切关联。
华为过去曾被外界视为一个“理工男”品牌，这与华为公司的强技术背景和人才体系相关。但作为一个面向大众消费市场的科技品牌，华为已经意识到品牌艺术内涵与特质传播带来的巨大价值。
从品牌建设维度，我们可以看到华为近年来推动的Logo与VI体系变化，以及产品设计、工艺、材质的创新变革。
在传播维度，从华为P30系列中国发布会开启的“未来影像之夜”，以及之后与知名艺术家、导演、摄影师联合举行的一系列跨界活动，都让华为品牌内涵在大众用户群体中不断刷新艺术感知。
在平板领域也是如此。2019年12月100名设计人士聚集上海，一起用华为MatePad Pro作画，他们每人的绘画作品中都隐藏了"鼠"的元素，共同拼贴出一副含有“2020”字样的跨年巨制作品。
去年12月21日，华为在上海西岸艺术中心举办的手机影像艺术展期间，电影《哪咤》、《姜子牙》主创团队主力之一张毅就亲自演示如何使用华为MatePad Pro制作国漫，为参展者传授诸多绘画技巧。
今年6月华为授权体验店Plus（湖滨银泰in77）开业当天，由100名创作者使用200台华为MatePadPro 5G平板一起完成了“共绘西湖2020”活动，集体创作了一幅全景式西湖夏日风光卷轴。
如今，全球科技企业都在寻找竞争的品牌诠释载体，以及具备人文特质“润物细无声”式的品牌触达方式与情感沟通。此次华为MatePad艺术沙龙活动，可以说成功地完成了用艺术为载体高效连接品牌，并赋予了用户更多的艺术创作场景和创作想象力。
用品牌连接用户
2019年底余承东在与《壹观察》的一次对话中，曾明确提出了华为平板“第一”的业务目标。
按照华为消费者业务一贯的思维，这个“第一”不仅仅是出货量，同样是产品体验、用户口碑与品牌势能。这点在手机、笔记本等终端品类上都已得到印证。
伴随华为平板在中国市场确立绝对优势，以及作为华为平板旗舰产品——华为MatePad Pro 5G的上市，如今华为平板业务也已走向了这一关键时间点。
市场研究机构GFK公布数据显示，自2019年第三季度，华为在中国平板电脑市场出货量首次超越苹果iPad之后，不断延续并扩大与苹果iPad之间的差距，今年2月中国区市场份额已攀升至46%，近乎“半壁江山”。而在全球市场，华为平板电脑市场份额也稳居前三位，并以44.5%的增速领跑TOP3品牌的增长市场（Canalys，2020年二季度数据）。
这些成绩的取得，得益于华为对平板产品的精准定位。不仅满足了未来用户在全场景智慧化生活中的多种需求，也使得华为MatePad Pro 5G这样的平板电脑成为帮助用户“重构创造力”的重要工具。
《壹观察》认为，过去十年，中国平板市场中绝大多数宣称与苹果iPad对比的品牌都消失了，唯有华为完成了这一理想，并确立了市场份额与绝对增速的两大优势。在其背后，一是靠华为坚定的平板战略，并在智慧全场景时代成为“1+8+N”战略的重要终端品类；另一个就是华为通过深度技术投入与整合，建立起独特的硬件+系统软件+应用服务一体化创新优势。
这让华为如今已替代苹果，成为中国平板市场绝对的创新引领者。唯一的变量，就在于品牌势能。对于现阶段的华为平板业务来说，必须找到贴合中国用户偏好的品牌打法，以及快速建立与用户的情感连接力。
通过华为MatePad艺术沙龙活动近期在深圳、上海、杭州的快速落地，以及一系列与艺术、时尚深度结合的品牌创新，已经让外界清晰地看到了华为平板不断丰富的品牌内涵与用户认知张力。
在技术与产品创新引领之外，华为开启了新的探索。用科技连接艺术，是华为品牌与用户全新的沟通与互动方式，这也是一家科技企业从规模优势走向全球高端市场、持续引领行业创新的必经之路。
‘捌’ 怎样才能成为一名艺术家
作为艺术家应具备修养和能力涉及方方面面，很多很多，但最基本的主要有以下五个方面：
一、进步的世界观和审美理想
世界观是对世界总的看法和根本观点。审美观和审美理想就是指在审美活动中所形成的对美、审美、美的创造及其发展所持的基本观点。先进的世界观决定着正确的创造目的与动机，影响作品的格调与品位。科学、进步的审美观和审美理想决定了人们的审计标准，激发追求最理想、最高尚的艺术美的境界。
二、深厚的文化素养
应具备的文化素养大致分三方面：一般文化、姊妹艺术文化、专业艺术文化。学识修养能帮助艺术家从整体上提高创作境界，文化素养直接影响艺术表现力。艺术表现力是艺术家在各种素质中最重要的，他由专业技能和艺术感受力组成。文化素养围绕艺术感受力，使之从文化视野的高度去深层次洞悉现实、领悟人生，创作和理解作品，用心灵去撞击生活和作品，使其具有更深广、更全面的表现力。
三、丰富的生活积累
丰富曲折的生活体验是艺术创作的基本材料和前提条件。一部好的艺术作品必须源于生活，又高于生活。丰富曲折的生活积累、切身感受是创作的源泉，它会激发创作冲动，从而构思和创作出内涵深刻、感人至深的艺术作品。反之，则是无本之木、无源之水，没有艺术生命力。
‘玖’ 一般画家画东西时用来压住画的叫什么
你好，放在画上用来压住画纸，防止画纸移动的是镇纸，一般为石质或者瓷制品，也有紫铜黄铜的，种类很多