如何欣赏现代画艺术

① 鉴赏美术作品应从哪几个角度进行

1、看构图。整幅画面的构图是否突出主体、背景是否干净、主体位置是否恰当，构图是否平稳，还有造型是否准确。

4、看明暗关系。也就是黑白灰，或者说光线的关系。整幅作品的黑白灰关系是否明确，是否能够形成整体感，还是看起来很散，黑白灰不明显，会造成画面灰暗，或者找不到光源，没有立体感。

3、看色彩关系。所谓色彩关系，无非就是色彩是否有冷暖对比，是否在画面上表现出了环境色、固有色和自然色，简单的理解，可以理解成色彩的丰富程度。当然，色彩不可过，太过丰富，没了章法，就显得乱了。

4、看一张画的透视关系，近实远虚、近大远小，是否做到了。

(1)如何欣赏现代画艺术扩展阅读：

提高美术鉴赏能力的方法:

1、学会看纪录片，了解一下艺术基础知识

很多纪录片中会帮助大家去发现生活中的点滴美，同时可以编导的视觉去思考、去学习，这是一个既贴近有容易的办法。

2、在网上关注一些艺术论坛、人士

虽然现在是个速食的时代，但是审美永远不会被淘汰，在速食时代过后必将 到来的就是内容的净化，而这项工程早已开始并持续不断地在推进着。

3、有机会多去参加一些艺术展、博物馆等

如果说参展需要门票花钱，那博物馆就是一个很好的选择，很多博物馆都有免费开放的时间，在作品前多停留一些时间用来思考，而不是只为了打卡拍张照，素养便会一点一滴的培养起来。

4、多看一些相关类型的书、听一些讲座

做事还是要有个师傅领进门，相比网上纷乱的、无从考究的言论最好还是要去多看书，内容会更加的充实饱满，例举也会更加的深刻，如果条件允许，更可以去一些大家的讲座，听听他们是如何来看待和思考艺术的，这会对你的美术鉴赏能力有很大的提升。

② 如何欣赏绘画

绘画分成很多种，可分为人物画，风景画，肖像画，静物画等等，无论任何绘画，任何题材，都要依靠作品的造型与色彩，就是绘出它的形状，它采用的色彩，以及各种光的运用。绘画的造型，就要求有很好的素描基础，不会素描是画不好油画的，就如同在沙滩上建高楼，是建设不起来的。

在欣赏一幅油画作品时，还要了解作者的时代背景，创作这幅画思想内容，一个画家创造一幅作品，都带着他的思想，反映画家的艺术境界，我们欣赏它产生感情上的共鸣，画家创作这幅画的时候，也是根据自己的生活体验，自己对于人物的不同理解，不同的深度，创作出不同的人物形象。一幅好的作品，能够陶冶人的情致，提高人们的精神境界，发现世界上的美好，使我们对这个世界，对这个具体的人物和景色，有更深刻的理解。

③ 绘画艺术的欣赏方法有哪些

绘画艺术欣赏方法
绘画的视觉空间特征决定了绘画欣赏的方式是看，因而提高绘画欣赏力的唯一方法也是看。绘画语言中的形、光、色、结构等要素都是具有审美感染力的表象符号，不同艺术家运用它们的方式不同，就产生出具有个性的艺术作品。因此，对于欣赏者而言，面对风格各异的作品，欲获得欣赏的愉悦，达到欣赏的层次，需要掌握一定的知识与方法。概括而言，有下列几个方面：
一、首先，对绘画作品(当然也包括一切艺术作品)要以理解的态度加以品评
不论哪种流派、风格，不论是你第一眼喜欢或不喜欢的，在欣赏之前要首先确立自己的理解的态度。所谓理解，即设法了解作品产生的原因和背景，作者想要说的内容，以及作品结构、形式的特征等，只有对这些真正理解了，和作者的作品在感情上交流了，欣赏者才可能作出比较实事求是的判断和批评。欣赏和批评切忌有先入为主的成见。
二、了解绘画发展脉络，把握代表作品特征
概而言之，绘画世界是一个立体的现象。从纵向上看，是绘画的演变与发展。比如西方绘画经历了古代(古希腊和罗马)、中世纪(公元5世纪到14世纪)、文艺复兴时期(15、16世纪)、17、18世纪和近、现代等大的历史阶段。各个历史时期的艺术理想和艺术表现风格都不相同。我们一般把文艺复兴时期到19世纪初的西方绘画称为古典绘画，即造型基本上是写实的，作品很完整，其美学倾向是典雅与和谐。但在整个古典绘画中，又有风格的演变。

三、培养艺术形式感首档觉
欣赏的实质不是表现的观看，而是感觉。面对画作，作品的整体面貌在瞬间便直逼眼帘。作品的艺术特征触动、撩拨、撞击、刺激着人的感官神经，形成审美的心理活动。
线条是绘画诸要素中最生动的部分，是画家从自然真实中抽取出的一种有抽象档芹拿意味的语言。
形体在绘画中不仅指具体物象的形貌，还指这种形貌所暗示的情感倾向特征。
色彩是绘画中最富情感性质的要素。
与色彩相关的是色调。特别在油画中，色调是构成主题思想与意境的重要因素。动感也是绘画中的重要因素，它既指通过构图和造型形成的行搭某种感觉效果，又指涵盖其他因素形成的画面整体精神。此外，在绘画中起作用的还有笔触、质感、体量感等因素。所有这些要素在一幅幅画中组成有机整体，有时艺术家也侧重地强调某种要素。因此，培养和提高欣赏力量重要的方法是多看。
四、尊重自我感受，尊重自己的直觉与联想
欣赏绘画是一种"见仁见智"、原无定法的创造性活动。由于欣赏主体的年龄、经历、修养与趣味各异，同样看一幅画，获得的感受结果自然也相异，这是正常的。欣赏绘画的动机，在于人们希冀通过艺术理解历史文化，也理解自身的意义。

绘画世界蔚为大观。我们将以油画和中国画为主展开比较具体的讨论。这两大画种是东、西方美术的代表。在古代，虽然丝绸之路的开拓与佛教的传播形成了中国与外国美术的交往，但欧洲的绘画并没有很快传入中国。在很长时间里，东、西方绘画是独立发展的。掌握这两种绘画欣赏的知识，可以触类旁通于其他绘画种类。形与色的交响：油画作品欣赏在西方美术中，数量最众、影响最大的种类当推油画。油画作品构成的艺术画卷，容纳着宗教与世俗、神话与现实极为丰富的艺术形象。
油画发明之前，西方的绘画主要是壁画，用以装饰教堂内部的壁画和屋顶，它们的内容大部分是《圣经》故事，既把教堂打扮得五光十色，又如一幅幅宣传画，对宗教信徒形象的教育。可以把15世纪到19世纪中叶的油画概称为古典油画，它们的共同点是：无论画面大小，都有一种很完美的情境。众多物象的场景经画家布局，形成秩序清楚、层次分明、有主有次的画面。主体突出，细节精微，造型与色彩往往呈现出典雅、统一的情趣，给人很悦目的感觉。大部分画家采用的多层画法，暗部颜色往往用稀薄的确良颜料多层均匀铺设而成，看上去隐约中有微妙变化，亮部则多厚堆颜料，具有质感和量感，明暗之间的响亮与深邃，形成深入浅出的节奏与韵味。

意大利油画是欧洲油画发展的先声。文艺复兴使初生的油画生机勃发。文艺复兴对艺术的促进有两个方面：
一是人性的复兴。画家从中世纪基督教的控制中觉醒，意识到人的尊严，在绘画中注入了现实生活。虽然当时许多画家迫于历史环境仍要画宗教画，但在作品中表现的是从人文主义角度理解的宗教题材，即情节取自宗教故事，人物、服装、环境都有现实特征。
二是古典艺术的复兴。意大利是古代罗马的故地，它遍地有古希腊罗马的艺术遗迹，经千年沉睡后，许多古代作品在艺术家面前焕发出崭新的光辉，画家的造型于是有了楷模。
波堤切利(1445-1510)是早期文艺复兴画家中的代表。他和当时的画家力求恢复古典艺术对人本身肯定和讴歌的传统，以古典艺术形象作为美好、正义的象征。他的代表作《春》，创作于15世纪70年代，其意图在于引导人们把目光追溯到遥远的古代，在纯净的神话王国里寻求美好与永恒。画中，春的女神抱着鲜花前行，花神与微风之神跟在后面，远处是牵手起舞的三女神；那代表一切生命之源的维纳斯站在中间；小爱神在天空飞射着爱之箭。草地上、树枝上、春神的衣裙上、花神的口唇上，到处布满鲜花。整个世界充满春的气息和爱的欢悦--这就是画家的理想与憧憬。波堤切利是一个富有诗人气质的画家，他用诗一般柔美的线条勾划女性形象，在温婉、优雅的女神姿态中添加了她们略为惘然的情绪。妩媚与忧郁、飘逸与神秘，在他的画中奇妙地合为一种动人的情采。浮想联翩，情意缠绵--那个时代对纯洁与神圣之美的追求，在波堤切利的画中充分显露出来。

宗教绘画的内容对今天的我们是陌生的，但在当时，欧洲人对宗教内容都十分熟悉。仅从画名看，许多作品的题材是相同的，都取自《圣经》。类似《受胎告知》、《最后的晚餐》等题材的油画有许多幅，《圣母子》更是几乎每位画家都画的内容。
着名的意大利画家达·芬奇(1452-1519)除了画过《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》外，还有一幅《岩间圣母》也是他的代表作。他将圣母、天使及施洗约翰和小耶酥都画在山岩下的清泉旁边，圣母以母亲的慈爱注视着孩子的玩乐，天使犹如人间的少女；近景岩石间充满温馨、潮湿的气息，远景是蜿蜓的田野和溪流。整幅画宛如是一曲轻松的牧歌。与达·芬奇同代且齐名的拉斐尔一生主要画圣母，笔下的圣母往往有椭圆型文雅的脸庞、细长的弯眉和含情的双眼，在线条、色彩上都显出柔和的韵律。在美术史上，"拉斐尔的圣母"成为一个名词。画家以对自然和人性的敏感，将圣母画成慈祥美丽的女性，如果脱去那个代替圣人标志的隐约的光环，谁都认为她是温和的人间母亲。

乔尔乔涅(约1477-1510)的《睡着的维纳斯女神》是这种理想的再现。画面上，卧睡的裸体女神不是躺在室内，而是安卧在宁静、温馨的自然风景中，人体富有柔和流畅的曲线与洁润细嫩的肤肌，广袤的原野如人物梦中的田园。肉体的生命之美、纯洁的灵性之美、自然之美三者合一，传达了诗一般的和谐，也传达了健康的审美情趣。这种表现风格既是画家个人心灵的反映，也是他所处时代的古典精神的征象。
到了17世纪，油画已在欧洲普及，各国相继出现了既遵循古典艺术法则，又融入民族艺术情趣的画家，许多作品以鲜明的个性区别于达·芬奇、拉斐尔、米开朗琪罗等有辈大师的风格。佛兰德斯的画家鲁本斯(1577-1640)曾经研究和临摹意大利的名作，但把意大利纪念碑式的绘画风格与自己民族艺术传统融合起来，形成他富丽堂皇、装饰性和戏剧性很强的绘画特征。他特别善于以充满动力的构图、雄健的造型和华丽的色彩，表现洋溢着生命活力和富有剧烈冲突情节的历史场面或神话故事。在着名的《抢劫留基伯的女儿们》中，两个骑着棕黑色马的强悍男子正在劫掠两个裸体的少女，一个被推倒在地，另一个挥手呼救，马惊慌嘶鸣，天重云暗，气氛非常紧张。但是画家并非宣传善与恶的斗争，而是用颇似喜剧的手法描述这个神话故事：奥林匹斯山众神之主宙斯的儿子合伙将迈锡尼国王的女儿抢去。画家注重的是画面直观的丰富性和勃勃生气，马的重色、男子黝黑的肤色与女性明亮丰润的肤色形成强烈对比，画中人物和马的组合间暗藏了许多S状线条，开阔、有力的笔触与富有动感的线条使画洋溢着回旋、奔涌的生机。鲁本斯还擅长用绘画中最体现情感的手段--色彩来组构他热烈、明快的画风，抒发他的浪漫情怀。

与鲁本斯欢乐颂的油画相反，同是17世纪的荷兰画家伦勃朗(1606-1669)的油画则体现出深沉的意境与舒缓的情调。伦勃朗的身世载浮载沉，前半生家业腾达、主顾盈门、饮誉四方，后半天家道中落、丧妻丧子、遭人诋毁。自身经历的坎坷和对当时社会现实的冷峻透视，使他在绘画中寄寓了对真与善的执着追求，赋予笔下形象博大深邃的精神感召力。他是画史上以作肖像出名的画家，特别是以作自画像着称。他的百来幅自画像不仅是从少到老的形象记录，还是他前半生荣华、后半生贫困的现实写照，更是关于人的生命与意志的形象塑造。《犹太老人》这件作品体出了伦勃朗艺术的典雅风格。在形象刻画上，十分注意人物的心理情感和现实生活留下的痕迹。虽然是半身肖像，但足以显现人物饱经岁月磨难的身世。在艺术手法上，着重刻画人的内心世界、五官特征，尤其是眼睛，它是人的心灵的窗户，作者作了精微的、细致的艺术描绘。手的刻画也是塑造人物性格的重要手段。强调光与影的丰富、微妙的变化，是伦勃朗绘画的另一特色。他的许多作品被称为"光与影的交响乐"。他的用笔也非常独特，把笔触的痕迹显露在画面上，形成特有的笔触美；时而轻染薄敷，时而重涂厚堆，用缜密错综的笔触形成透明而深厚的色彩，从人物肌肤表现隐隐可见充盈活力的血脉。从主题到风格，伦勃朗的独特魅力就在这种质朴、含蓄的画风与浑厚、苍茫的情调之中。

在17世纪的西班牙，画家委拉斯开兹(1599-1660)也以关注现实的精神从事创作。委拉斯开兹作为宫廷画家，艺术自由度是极少的。宫廷的需要、国王的旨意，即是画家的使命。但他以同情平民、热爱生命的态度描绘了宫廷中劳动者的形象。《纺织女》是他晚年最重要的作品，画中描绘了现实中贫与富的差异：一边是马德里皇家织造厂中繁忙而疲惫的女工，一边是悠闲欣赏壁毯的宫中贵妇。对身份低微的纺织女工，画家寄予了同意。他的画风有明快、清新的特点，在《纺织女》中，细腻地塑造不同空间层次的人物，形体的相互关系自然而生动，沉稳中略具活跃的色彩，显出光线与空气组合的亲切氛围。
油画中的色彩、构图、笔触、光感等形式因素，在文艺复兴时期是被和谐、统一地运用的，所以画面很完美。而17世纪的画家是有所偏好、侧重选择的，某种因素在画中显得特别突出，画面的艺术个性很强。在艺术史上，用"巴洛克"这个词来形容这种时代的特征。"巴洛克"的词义是"变形的珍珠"，就是说这个时期的美术作品强调了某些因素而显得不够"和谐"、"完善"，但它们的艺术感染力同样是强烈的。

古典油画到了18世纪的法国资产阶级革命时期，成为宣传国家政治，记录历史事实的形式。画家用作品歌颂当时新兴资产阶级的理想，描绘当代人物和重要事件，意在唤起人们关切现实生活的热情。这种倾向的典型例子有达维特(1748-1825)的《加冕式》。这幅高6米余，宽9米余的鸿篇巨制描绘当时执政法国的拿破仑在巴黎圣母院举行的加冕仪式、登上皇位的盛典。身穿红绒披风、已经戴上皇冠的拿破仑，正举起手，把小皇冠加于跪在他面前的皇后约瑟芬的头上。达维特作为拿破仑的首席画家，在现场作了速写和草图，用两年时间完成对这一历史场面的忠实记录。画中百余人物均被细致刻画，金碧辉煌的大厅方柱与珠宝点缀的人物服饰，增加了画面华贵的宫廷气氛。油画描绘现实的特长在这样的画作中被推向极致。
与达维特这种重理性、重造型严谨效果的艺术风格相反，19世纪初兴起的浪漫主义强调发挥艺术想象，主张用强烈的色彩和流畅奔放的笔触抒发艺术家的情感。在题材上，浪漫主义反对理想的、歌颂的内容，主张从现实生活中获得灵感，甚至去描绘那些生活在战争、贫穷环境中的人们，体现画家的爱憎情怀。德拉克洛瓦(1789-1863)取材于史实，画了《希阿岛的屠杀》，画中受劫难的无辜者中，有呻吟的老妇，有死去的母亲，有在昏迷的母亲身上寻乳的孩童，有被绑在马背上的少女。入侵者的骄横残忍与受难者的悲惨对应，令观众产生强烈的共鸣。

19世纪最有影响的是"印象派"，它的贡献主要是绘画技法上的变革。古典油画虽然完美，但其弱点是叙事性太强，理性太多，以主题内容为主要的欣赏方面；形式上，古典油画重造型甚于色彩，棕褐色调太多。
"印象派"画家的变革从色彩入手，他们认为一切物体只有在光线照耀下才为人所见，光线的变化就引起色彩的变化，画家要捕捉的应是瞬间的光影效果。他们还认为阴影中也有色彩，不应像古典油画那样画成黑重的暗部。"印象派"的领袖莫奈(1840-1926)外出写生时往往准备十多块画布，面对一处景色，从早到晚按光线变化换着画布写生。在画法上，印象派符合科学的"视觉混合"原理，即不是在调色板上调好一种颜色后再往画布上画，而是在画布上根据感觉用小笔触并置各种颜色，近观似乎一片杂乱，但在一定距离之外看，小笔颜色因视觉作用而构成丰富的色块。这样，在印象派的画上，人们第一次看到了前所未有的鲜明色彩。第一次领略到色彩的组合可能形成的美感。莫奈的《日出·印象》画的是明雾未散、日光熹微的海边，水面与岸边屋影、帆影浑然难分，轻松的笔触造成了水光的反射与颤动。他对色彩极其敏感，技巧也已达到炉火纯青的境地，到晚年双目几近失明的状态下，也能凭感觉画出长达几十米的组画《睡莲》。
印象派画家的生活圈子较窄，主要出入于剧院、咖啡馆、花园，画那些闲适的城市人，或在自己画室里研究技巧，此外，大量画的是风景。同一时间，在俄罗斯有一种与印象派相反的美术倾向。画家列宾(1844-1930)就是通过在伏尔加河岸的生活体验，感受纤夫的生活现状，才画出了着名的《伏尔加河纤夫》：一群荷重的劳动者缓重地走着艰辛无尽的种，一曲低沉的号子在炎夏的闷热中与河水的悲吟交织在一起。
如果说印象派作品类于无标题音乐，给人以轻松、诗意的愉悦；列宾及一大批描写现实的画家的作品，则以主题深刻、文学性强取胜。这种艺术倾向可称为批判现实主义，对东欧各国，对后来的苏联油画乃至中国现代绘画都有深远的影响。

现代油画包含两个主要方面：一是在写实油画中体现现代人的感觉，从而给古典写实赋予新的精神内涵，这是一种缓和的变革；二是背离传统、背离写实的前卫性探索。后者常常被人们称作"现代派"。
现代派油画的特征主要表现为：首先，画家从主要描绘外部世界转为表现内心世界。其次，艺术形式作为绘画的主要内容受到高度重视。第三，古典油画曾有的"美"消失了，美的标准起了变化。
荷兰画家凡·高(1853-1890)是古典油画向现代油画过渡时期的画家之一，他从研究古典大师作品脱颖而出，发展了自己个性的风格。在艺术语言中，他选择色彩表达自己对人生境遇的感觉，构筑他执着憧憬的生命世界。面对强烈的太阳，他的内心与之呼应，画出太阳射出的箭般的光芒，画金黄色的麦浪和向日葵。在他的画面上，没有任何平稳安静的气氛。《夜间星辰》画的是夜景，但充满着生命的躁动：画中的树木直指天际，夜空中的流云和星月吐纳着气息，类似急流中漩涡浪花的笔触互相追逐，以紧张的运动和旋律造就全幅的氛境。
凡·高的作品具有不可重复的个性，那种饱含生命力的形式无不打动、震撼着观众的心扉。

立体主义堪称开现代派油画风气之先的艺术流派。它产生于20世纪初的法国，其特点是：放弃了历来画家从一个视点(一个角度)观察物象的方法，而以多角度观察所得塑造形象。经过左、右、前、后、上、下观察后"组装"成的物象，实际已不似肉眼所见，而成为一组被肢解而破碎或运动着的体积。毕加索是立体主义的代表画家，虽然他一生不断改变艺术风格，但他在立体主义时期的影响都最大，《弹曼陀铃的女孩》只是他许多作品中的一件。画家把人物塑造成各种几何体的综合状态，令观者感到这是许多次从不同位置观察人物的结果。立体主义试图证明，我们实际看东西不是位置固定的、包罗万象的一瞥，而是无数个瞬间的一瞥。我们在脑子里把瞥见的东西加以整理，才形成了对物象的认识，由此，立体主义认为他们带进绘画的不仅是一个新的空间，还有另一个新的量度--时间。
立体主义的表达对象还属于客观世界。
在现代派油画愈发重视形式的趋势中，抽象绘画应运而生了。一般的变形、夸张不等于抽象。抽象派1910年左右由俄国画家康定斯基(1866-1944)创立的画风。他认为艺术属于精神生活，绘画所以能表达人的精神，主要靠纯粹的绘画语言。他从绘画与音乐的关系研究抽象风格，认为绘画中的点、线、画、色彩等就像音乐中的音乐一样，不倚靠具体形象就有打动知觉、触及情感的力量。画中暗示某种造型的因素愈少，艺术形式就有愈大的感染力。康定斯基的作品开始是凭感觉和情绪恣意创作而成，画面上笔触奔放，色彩有热烈、理智、宁静、悲伤等倾向。后期的作品则有一种冷静的秩序感，圆形、半圆形、三角形及各种直线组构成一幅幅表达世界秩序的绘画。这种结构清晰、哲理性很强的抽象，被人们称为"理性抽象"。理性抽象主义的代表人物是荷兰的蒙德里安(1872-1944)。对抽象绘画的欣赏并不难，中国传统文化中对书法的品味、对意境的领略、对"屋漏痕、锥画沙"那种水墨趣味的感悟，都是一种对抽象形式的审美。
油画的面貌固然丰富多彩，但其发展的脉络却比较清晰，它始终随时代的变化而出现新的特征。对油画的欣赏，从历史的角度掌握各时代艺术特征是主要的，以此为基础，展开的欣赏范围将越来越开阔。

线与墨的灵性： 中国画作品欣赏
一、横展竖张巧卷轴
中国画一般是卷轴式的，即画家完成作品后还要经裱褙--用纸或绢绫等材料衬托、加边，上下或左右装上木轴，竖式大幅称立轴、横式长幅称为手卷，收时卷起，观时展挂。横卷如此，立轴亦然。中国画的透视被称为"散点透视"，即画中的物象可以随意列置，不受固定的焦点透视限制。山水画诀中有"三远"法，即讲作画可用平远、高远、深远的方式经营山水树石形象，左右远近的景物可并入画中，从山脚到山巅乃至云际可容一轴。
二、线造万象墨生辉
用线条造型，使中国画风格侧重于表现而非再现、写意而非写实。因为线条本身是对自然物象的抽象，它表达的不是肖似对象的形，而是对象最本质的特征，同时是艺术家自己的情感、情绪。线的长短、缓急、粗细、柔刚、顺折……等，都表达出不同的感觉。线条因笔的运行而富有多种表现力，可以勾勒形体，也可皴擦出体积，例如若干平行或穿插的长线组成披麻皴，能表现延绵层叠的山石；粗壮的侧锋短线组成斧劈皴，可表现峻峭的峰峦。

自然界本有丰富的色彩，但中国画以墨代色，称墨为"墨色"。画家在实践中总结出"墨分五色"方法，即用浓淡变化的墨色造就画中的空间层次和物象特征，致使虽画牡丹，墨色能显牡丹之红，虽写绿荷，墨色能露满纸清气。许多画家还使用"破墨"法，使墨色多变而富有奇韵，如以浓破淡，以淡破浓，以湿破干，以焦破润等。在破墨的基础上又有"泼墨"，即大笔饱蘸水墨渲染，或端砚倾墨，任墨在绢纸上晕化成各种状态，然后随墨色诱发的想象略加勾勒点染，使形象清晰起来，成功的作品往往有不可重复的新意。所以，线与墨就构成了中国画的基本语言。
三、诗书画印合一体
这是中国画完美的情境。有的作品仅有寥寥数笔，形象似简练粗率，但却在画幅中题了不少字；有的半幅是诗，半幅是画；更有许多历代名画在流传中被不断添上印章和题跋。画中的诗文或是对景物的吟咏，或是对作画心境的记录，或是以画赠友的酬唱，总之，是画家对人生的看法与心态的披露。从形式上看，画中的诗文是画的有机部分。何处该以诗文填补，都在画家经营运思之中。画论称之为"补画"，但"补"的意义不是填充空处，而是形成书画浑然的面貌。许多画家的书法风格与其画的风格相近，使作品呈现出统一的意韵。

中国画中的不同门类各有特点，因而，具体的欣赏可以从山水、花鸟、人物三大类展开。
隋代画家展子虔(约550-640)的《游春图》是早期山水画的代表，描写了贵族人家春游的情景，江南早春的湖光山色尽收幅中，山有层峦绵延之状，水有咫尺千里之感。这样的作品奠定了山水画的基础。到了唐朝，画家李思训发展了金碧辉煌、工整富丽的青绿山水画，王维则发展了水墨山水画。前者一般起装饰屋宇殿堂的作用，后者以其接近自然清新气息的意境，更多在文人雅士间赏玩，或张挂以壁，表示文人接近自然山川的高蹈情怀。
五代和北宋初的画家完成了山水画发展的历史过渡。生活在南唐的董源(?-约962)居金陵、游江南，针对南方山峰多宽远舒展、江河多绵长逶迤的特征，创出了用横式长卷收览的样式。他的《潇湘图》引人进入温厚秀媚的郊野，平现春景的安闲与恬静。在形式上，董源善于用松、湿、淡的笔墨塑造平、秀、虎的山水形象。画中的山势比较平缓，从左到右、从近往深都没有大起大落，而是紧凑地连成一片。以横方向的长线条为主的笔势，均成了景色的静谧的宽远，特别是使用他所擅长的圆润墨点在山体上松快地点染，层层叠叠，斑斑簇簇，点出了山土湿润蓬松，灌木春草葱翠幽深的感觉，传达了江南景色的精神。

董源写江南山青水阔之平远，范宽(?-约1026)则画北方峰雄岭峻之巍然。范宽于唐末战乱时隐入终南山、太华山麓，与"千岩万壑"为伍。北方的大山大川孕育了他崇尚雄峻之美的情怀。《山行旅图》是他的传世真迹。画中突兀的高峰拔地而起，成为视觉中心，前景的大石、密林、溪流与山径都被推挤在紧凑的空间中，成为中峰的烘托。在两米余高的大幅中，从山石到树木、从茂树到旅人，都得到具体的刻画。此画被誉为"写山真骨"，一个"真"字，道出了五代、北宋时期山水画富有具体山水对象的真实感的特征。
山水画到南宋出现了变化，主要体现在构图布景方式上。南宋画家马远和夏圭改变了五代、北宋画家常用的全景山水构图，而取山水景色的一角，即从某个最佳角度截取景色收入画中，人称"马一角，夏半边"。马远的《踏歌图》就以造型精练、笔墨简放的特点区别于北宋时缜密的画风。在这幅作品中，马远还使用了"大斧劈皴"法，即以浓墨渴笔侧锋斜刷，表现山石方刚坚实的质感。

元代是山水画发展的一个高峰期。本来，山水画就是文人遁世隐逸思想的体现。在元代，一些汉族文人不满于异族统治，更加有卧游林泉、清高绝俗的心态。元代的黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇号称"元四家"，都以画山水盛名。最典型的是倪瓒(1306-1374)，他厌恶现实，隐居不仕，长年遁迹于太湖，过着"扁舟箬笠"的生活，沉浸于"无人间烟火"的境界。所作的山水有一种高度提炼的构图和风格：画幅多为立轴，下方的近景为平缓坡石，有杂树数株，或茅舍一间，中景是不着笔墨的一片空白，高处即远景山坡淡远而去。这种基本格式成为他精神上空寂与淡泊的象征。《渔庄秋霁图》是其中一幅，画中大片空白让人神游其内，在空山寂水中获得自然与人生同一的感觉。
有一部分画家则努力打破陈规，开创新意，如"四僧"，石涛就是其中一位杰出代表。他一方面出入山川，"搜尽奇峰打草稿"，研究自然景致的规律，认为"夫画者，形天地万物者也"，一方面锤炼胸臆，以意高超于笔妙，认为"夫画者，从于心者也"。作品《山水清音》就体现了这位大师师造化又师"心"的艺术个性，画作作既有山川充实、生动的形貌，又贯注着画家的磅礴气度。本来属于意念之物的"气"，在石涛画中成为由笔墨运动趋势和力度构成的生机。画家还在作品中运用了他最擅长的墨点，点或充当山树，或意为草丛，浓中间淡，淡上压浓，像抖落的黑珍珠在满幅蹦弹跳跃，闪烁着山川的氤氲之光。

④ 我们平时该如何欣赏艺术呢

我们说，艺术是社会发展的产物。在当今社会空前发展的时代背景下，艺术发展也出现了空前繁荣的局面，各种类别各种风格的艺术作品层出不穷，精彩纷呈，令人眼花缭乱，目不暇接。而做为艺术欣赏的主体，人们的时间精力终归有限，不可能将所有的艺术作品尽收眼底，“照单全收”。那么，该怎样有选择地欣赏艺术作品呢？作为一个艺术爱好者，我以为可以从这么三个方面来把握：

一，选择自己喜欢的

艺术作品成千上万，难免良莠不齐，鱼龙混杂。其中有传世的经典之作，有当今的优秀作品，也有平平庸庸的作品，甚至还有滥竽充数的作品。所以在欣赏时要注意选择那些已有定论或广受好评的名作和优秀作品。比如你欣赏油画，可以选择自欧洲文艺复兴以来到二十世纪末已有定论的那些油画大师和着名画家的作品，也可以选择当今画坛比较活跃的优秀胡拍山油画家的作品。欣赏经典的优秀的艺术作品，可以给你带来更多的感悟、共鸣、启迪、愉悦和美的享受。人说读书要读好书，赏画要赏好画，就是这样的道理。

⑤ 如何赏析一幅画

问题一：如何欣赏一幅画作 当我们面对一幅美术作品，尤其是一幅经典的绘画作品，我们怎样看出画中的含义并从中得到感受呢？个人感受，通常的方法是：感受―理解―再感受，这同人的认知过程是相一致的。
第一个感受，要把注意的重点放在对画面整体效果的观照上，通过对画面总体形式的观察，结合你对生活和艺术的经验，从中获得一个新鲜的印象。这种感受可能来自你对作者高超技艺告销的折服，也可能来自对画面组织精巧的惊叹，更重要的应该是体验到心灵与作品产生共鸣所引发的一种情感的上升。获得这种感受是艺术欣赏中一个很重要的目的，感受的强度取决于作品的品质和你所投入的审美情感强度，而不一定依赖你对艺术知识的掌握，所以说在欣赏作品的第一个阶段，艺术知识不多的人同样也可以获得艺术享大仿受。

无疑，你所获的艺术感受是创作者的期望和他精心准备的，艺术家利用他的技术和 *** ，通过动作和材料将他的意愿和情感表现在画面上，以期感染观赏者，这也是艺术家创作的目的。欣赏的第二阶段既是寻找和发现艺术家是利用什么方法实现他的目的的，或者说是画面中的哪些因素对我们的情感产生了作用。这一阶段是欣赏的理解阶段。知识和经验袜仿游在这一阶段起到很重要的作用，比如对作品产生的年代和当时社会背景的了解，对艺术家身世和个性的了解，对作品样式风格、流派的归类和对作品绘制方法的了解，都会帮助我们理解作品成功的原因和对我们产生影响的因素。对艺术经验不多的人来说也可利用其它方面的知识帮助理解画面的内容和含义。一般说来优秀的美术作品应该包括以下几个条件：

（1）作品结构严密、完整，有很强的秩序感，每一个线条和色块都有明确的含义。

（2）画面从整体到局部生动、自然，充满运动的形式。

（3）作品形式强烈，形象特征突出。

（4）内容深刻，警世辅人。

（5）富有鲜明的时代感。在作品欣赏的这一阶段，我们要完成：第一，了解作者的创作意图和达到意图的手法；第二，要找到作品中使我们产生联想和共鸣的形式。通过对作品的理解，我们可以认识到，人类文化的延续和发展，艺术家对自然、生命深刻的理解和他丰富的情感以及对社会高度的责任感。

经过欣赏的前两个阶段，我们对所欣赏的作品有了比较深入的了解，我们找到了画面中形式与形式之间，观赏者与创作者之间的一种相互联系。现在我们再重新审视整个作品，就会发现作品更加真实可信，对作品的整体印象和感受更加完整、深刻。在与作品面对面的观照中，我们仿佛回归到美的自然，仿佛看到了生命的永恒，也仿佛洞察了艺术家的灵魂。

问题二：怎样欣赏和评价一幅画？ 免费解答， 首先你要学会看整个图面的布局,不可以太密,也不可以太稀疏,注意每一张叶子的方向也风的方向必须是一致的,不可以出现不符合实际的情况(当然,一般的名人的画是不会出现这种低级的错误的说).
然后要看叶色和竹节的颜色,深浅要适当,或者说是深浅一定要分明.

一般来说,竹叶的划分有人字型的重叠的,或者是对称的,但是,最常见的是个字型的.

一副好的画,除了要具备画面感,还要有空间感!

其实最最重要的并不是这些学术上的东西,有的时候一副画的好坏更要取决于作画人的态度与心情.以及赏画人的心态与感情.总之,一副成功的画,一定要让人看的出来感情,让人觉得舒服.

以上纯属个人见解,如有不恰当的地方请你见谅。祝您幸福美满生活愉快！

问题三：怎样欣赏一幅画,才是作品? 其实看一副画就是看一个人!
作者是怎样的人画就是怎样的画，俗话说：“画如其人”

看画首先要从远处（大概在10米）先观其全，后观其细。

因为出众的作品会在远处呈现一种强烈的震撼力及吸引力，让人不自然的走向它。

只要你第一感觉它在你眼里那么就已经成功了一半，它便是你所想的作品了。

其次观其细，如何观其细呢。

在常人认为会去观察它的笔触、构图、造型等。

这些都没错，但是如果是根据个人而言就着重予自己需要的是那方面去观察，比如你很需要学习作者的用笔，就可以细看他用比的走向、力度、方式等。

其实细者易糊，因专入时会让周围美好的东西溜走，而让你错失更好的学习机会。

这并不是不让你专，而是要专其精而求其全。

这样你会对一副作品多少产生些感情，从而让你喜欢上它。

choco_zmf 其实你已经拥有了对怎样欣赏一副画的能力，就是你知道自己不知道怎么去欣赏。这是值得高兴的。

扬长避短，修其短发其扬。这就是你值得骄傲的地方。

顺便给你点最直观的建议，就是多去欣赏大师作品。

多去看画展，这会让你受益匪浅的！

问题四：如何欣赏一幅画 1.注意欣赏作品的气韵美 中国山水画很讲究整体气势,用美术术语来说就是先体味其“神韵”,或者“神似”,然后再看作品的笔墨趣味,构图、着色、笔力等.最后再看造型,即是否“形似”.由此,神韵美是一种高级的审美享受,也是中国画追求的目标.2.注意欣赏作品的意境美 中国山水画讲究写意,讲究气韵生动,天人合一.所以,欣赏山水画,只注意作品的笔法、墨法、章法及色彩是不够的,除此之外,还要注意欣赏作品的形式美、色彩美,甚至节奏美、旋律美.作品结构是开放的、自由的、无拘无束的,这正是其博大、充满生机活力的原因.3.注意欣赏作品的笔墨美 山水画同人物画不一样.人物画讲究用笔精确,细腻传神,束缚很大,而山水画特别是写意山水画追求的是笔墨自由、奔放、无拘无束和 *** 宣泄,讲究用笔用墨、讲究皴法、讲究急缓顿错、讲究一波三折、讲究韵味,就像音乐的旋律、舞蹈的节奏.其实艺术的高境界是相通的.4.注意欣赏作品的诗合美 许多的中国山水名画,都附带着诗词在其中,其珠联璧合,诗情画意,也是人们审美享受的一大方面.例如,郑板桥善画竹,再配上一首七律诗：“咬定青山不放松,立根原在破岩中.千磨万击还坚劲,任尔东西南北风.”其意境真是美极了!（芳芳）

问题五：如何欣赏一幅画作 当我们看到一幅画作时，第一眼看到的首先是大致结构，构图是对一幅画作整体的把控力，也决定了画作的广度和深度。对观众而言构图的美感经验也是最直接的，对艺术作品的形式美的感受也是最为干脆的，在艺术画作形式美的所有因素里，结构形态的形式美感是重要的基础。合理的构图形式能通过视觉作用的强弱对比，对观众的第一眼印象产生支配作用，明确画面的主要部位即画面中心，引导视觉的顺序，使观众能在一定的思维上基本按照作者构思的线索去浏览画面。这就是构图的特殊功能。

问题六：美术的鉴赏应从哪几个方面进行分析，以某一幅画作品为例进行说明 感悟式鉴赏：面对一件动人的美术作品，我们也会 *** 澎湃，任由思维弛聘，这种思维与 *** 深切投入画面的观看方式，就是感悟式欣赏。适合于写意性和表现性的艺术作品。 形式鉴赏：美术作品最先表现的是他的表面形式．从形式的角度欣赏作品便成了最基本的方式．艺术形式主要指线条，色彩，笔法，构图等。重形式的感知和体验，强调形式的分析和把握。 社会学式鉴赏：许多美术作品都有着特定的内容和意义。这一类型的鉴赏方式主要偏重于对作品内容、意义、时代背景、作者生平、创作意图等方面的认识、理解。适合于对再现性的、故事性或情节性较强的美术作品的鉴赏。 用比较的方法去鉴赏美术作品，往往会收到意想不到的效果。比较的方法很多： 横向 同一时期、主题，艺术家采用了哪些不同的手法表现。 纵向 同一主题在不同时期，艺术家采用了哪些不同的处理手法和表现形式。

问题七：怎样分析一幅画？ 任何一件作品都要放入时代的大背景中去分析 脱离了那个时代作品可能将不会有任何的意义

问题八：如何鉴赏一幅画 简单地说就是画面表现的事物与真实的事物在结构上要一样，不能变形，色彩合理，不能不协调，最重要的是有灵性，不能死板，再好就要有意境，有含义，画贰像照片不是最高境界，在我心中徐悲鸿是近现代画家中最杰出的，不论是西画，国画，还是教书育人都是最棒的。

⑥ 如何欣赏 抽象派现代派的画

绘画的一个演变过程
自现代枣哗主义产生以来,抽象画便成为以记叙和表慎巧现客观世界为主的绘画宽岩键一次巨大逆反,
抽象画消解了绘画(指以往的具象绘画)中具体的,自然的,客观的物象,使形色从中抽离而出,重新以形式本身的次序进行组合点,线,面,集合形体,笔触,
色块等成为绘画中重要的角色与符号,由此获得绘画中纯粹情感的满足.

⑦ 陈诗宇:如何欣赏现代美术

许多人都对现代美术作品感到困惑和愤怒：“为什么现代美术作品中有那么多不明所以的随机图形?这难道不是画家随便乱涂的吗?这有什么艺术价值?小孩子也能画成这样啊?难道就是因为艺术家有名气，涂两笔就是艺术作品了?这有什么技术含量啊?”
很明显，提出这样问题的逻辑是：这么两三笔，我也能画出来，那么画家和普通人有什么差距?
而愤怒在于：连我都画得出来的作品，居然卖价这么高?但是如果是我来画，就是废纸一张，这太不公平了!而且这么简单的画面，那些画家一天就能画好多张，这有什么意义啊?这不是明摆着抢钱吗?凭什么让这种破烂东西赚钱!这是公然的骗子!这个社会怎么了?!
这次，我采取一种顺应你心情的方式来为你解答。
既然你认为这样的作品一般人都能画出来，我建议你完全可以试试，是否能够完整临摹一幅抽象派美术作品?临摹得一分一毫不都差?比如下面这幅蒙德里安的作品。你知道这幅画价值连城，所以你完全可以仿作一下，来证明自己有没有制作价值连城的能力。你必须使用和蒙德里安一样的作画工具，也就是仅仅是颜料、画笔和画纸/布。

蒙德里安的作品
对于一个没有受过美术训练的人而言，这显然非常困难。即便允许你使用标尺画直线，你也会因拿不准线条起点的位置而犹豫，更因为控制不住画笔而使颜色总是漫过边界而伤脑筋。更麻烦的是这种红色和紫色，可能不在你的颜料管里，你得想办法去调出这种颜色来。然后你还要花大量时间纠结水和颜料的比例以免让色彩显得太单薄。
你开始发现，完成这样一幅作品肯定不是你原来“想象的那样简单”。
如果线条不是这样规整，你就更抓狂了。你陷入这些你眼中“混乱线条”的定位里，并对准确调出丰富的色彩束手无措。估计你花上一周时间也完成不了下面这张康定斯基的作品，并做到完全一致。
好在蒙德里安和康定斯基也不是你想象中的“一天就能画好多张”。他们大概用了和你差不多的时间，甚至比你所花更长的时间，去完成这样一幅作品。

康定斯基的作品
于是你说：嗯，这么说来，这些画作在技术上还是有些劲道的。好吧，我承认画家比我会画直线和曲线。但是这种构图算什么呢?就这么几根线条，几块颜色，既不像猪又不像鸭，这画的到底是什么呢?要是不拘泥于临摹，我也能随便涂几笔，取名无题，挂在墙上展出了。
如果你真的这样想，那么恭喜你，你刚开始学习如何去欣赏艺术作品。
在这里，我要强调的也就是这句话：欣赏艺术作品时，永远都要思考艺术家为什么要这样表达。
我还要澄清你的一个误解。你以为这些艺术家跟你一样不会画画吗?并不是这样的，你可能认为一幅人体素描“很显功力”，你也看到了有许多人在街边贩卖人像速写，二十块一幅。你要知道，你在美术馆里看到的任何作品的创作者们的素描功底都不逊于街边速写。当然，如果找他们给你画人像速写，肯定不止二十块一幅了。不仅如此，大多数中国美术生在写实画作方面也相当扎实。对于一个经过四年美术专业训练的人而言，画出一张让你惊叹“好像照片啊”的画来简直是小菜一碟。
你要相信艺术家们永远比你要会画画。你所能想到的绘画，大多已经被他们实践过了。
于是你得思考，既然这些艺术家们能够去描绘人物、风景、建筑等等你所熟悉的对象，为什么他们不这么做?他们为什么要采用这样不同寻常的方式?
艺术不是模仿。这句话在艺术界几乎是常识，但是你不一定能很快意识到。你喜欢按一般人的认识以及你原来的口味去品评画作。有时候你会有点个人的审美感，比如你对蓝色很敏感，那么那些以蓝色表达为主的作品就会让你有所思。那么我们为什么不把这种思路扩宽，以便我们欣赏更多的画作呢?我再来告诉你四个常识。
第一，颜色在绘画里是平等的。
为什么要偏爱鲜艳的色彩而忽视深色呢?为什么认为朦胧的淡色无法塑造鲜明的形象呢?为什么认为白色的空间是毫无意义的呢?有的画家喜欢在深色区徘徊，在你眼里是不是就是一团泥巴呢?而且，这样的画家很有可能喜爱用褐色画云朵，用深到发紫的红色画街道，用介于泥巴和煤炭之间的颜色来画人的面部。你能否看出这些颜色的区别呢?你是否会因为整幅的深色而忽略上面的几抹亮色呢?或者会因为整个画面的清丽而抱怨那几笔难看的深色?
请不要歧视任何一种颜色，更别说是颜色区了。当然许多艺术家会有对颜色的偏爱，但那不是你的权力。既然是你在试图学习和观赏艺术家的作品，就请仔细地看深色区和浅色区的区别，请看艺术家偏爱什么颜色，请看主体色彩之外的环境色，请仔细地观察。(别只顾着看到那些常色，广告商才会喜欢用鲜艳色彩吸引小孩子呢!)
一个合格而深刻的艺术家，会为他画面上的一切色彩负责。并且，抽象派艺术会对此更为负责，因为他们不必顺从现实的色彩，只顾着在构建自己的话语世界。如果你真的想问他们：“为什么这里有一团莫名其妙的黄色?”相信我，如果是一位友善而富于激情的艺术家，他说不定会就此唾沫横飞地回答半个小时。
第二，线条在绘画里也是平等的。
你以为这一条与上一条类似吗?不，并不是。这一条比上一条要困难多了。因为许多人都能说出色彩的不同，却无法理解和解释线条的不同。我想说，既然你知道文档中的加粗是表示强调的意思，你就应该了解绘画中的线条处理也有各种不同的意义。
再次强调，艺术不是模仿，我们不生产一模一样的字体。花样字体本身也是借鉴了一些艺术思维。我们要让整个画面表现艺术家眼里的美感，或者是情绪、思想、事件等等，我们当然要采取不同的线条。这里有几个问题，你可以在欣赏线条造型明显的作品时好好思索一下：
为什么画面的这个位置有这根线条?
为什么这根线条这么粗/细?
为什么这里是弯/直的?
为什么这跟线条这么平滑/粗糙?
为什么这根线条是这个颜色的?
为什么这一块是用线，而那一块是用面?
欣赏画作有时候就是几个简单的角度而已，并非许多人想的那样神秘莫测。有些人看到别人评论画作时，一会“XX主义”，一会“XX风格”，一会“意境”，一会“符号”，就觉得内涵深刻高不可攀，常人不能理解。我建议，在你开始学习欣赏美术作品时，不妨先从上面这些简单的问题和回答中累积经验，过了一段时间，你就能够摸到那些“XX主义”的门道了。切忌一开始就从“XX主义”或“XX风格”入手，这样你会错过太多具体作品的精彩之处了。
一个合格而深刻的艺术家，会为他画面上的一切线条负责。线条之所以为线条，都是有来源的。我们来举个例子，中国人非常熟悉的梵高，他的绘画非常注意线条的使用，他并不是一个热爱立体面的画家。下面是他的一副自画像。你可以观察到整幅画几乎都是由短促有力的线和点组成，围绕着人物形成一个圈。梵高一生创作过许多自画像，业内认为这些短促的线条是他精神状态的一种表现，越是临近他自杀时的作品，这种线条特征就越明显。如果你有幸看过梵高的原作，那么你就会欣赏到这些短促用力留下的油画颜料的形状，像是化石一样保存了梵高当时的情绪。(是的，你可以想象一下你用笔使劲往画布上戳的心情)

梵高的自画像之一
线条十分重要，线与线交错形成二维面，它是绘画之所以成为二维艺术的基石。同样线条也是所有三维艺术的基石，只不过在整体的框架下，面更能影响到三维艺术的大局。如果你看不懂线，你就几乎与“造型”一词无缘，于是你便完全搞不懂“这画的到底是什么”。
扯一点专业思维，“画的到底是什么”就是造型，造型造的是什么，纯粹就是看线条的组合。因此倘若你对具体的线有所观察，你就应该不至于对这个问题毫无想法。一根线，可能是一根铅笔、一根树枝、一条路、一根电线、地平线、墙的转折线、某行文字的下划线……线不会来的那样离谱，如果你的思维更开阔一点，你也能体会到艺术家用线表达的愤怒、沮丧、困惑、恐惧……下面这张最近引起公众注意的卢西奥·丰塔纳的《ConcettoSpaziale, Attese》。画面非常简洁，就是在红色的画布上有几道刀割破的痕迹。你可以明显注意到，整幅画只有两个元素：红色的背景，笔直的黑色的割破线条。这两个元素代表什么呢?红色，可能是激情，也可能是愤怒;割破，可能是一种突破，也可能是一种暴力。割破的角度并不整齐，但也不凌乱，可能具备理性的控制。不管如何解读，你都能抓到“红色”和“割破”这两个明显的关键词。你没办法绕开这两个元素，这是作品对我们想象的限制，也是给我们提供的空间。

卢西奥·丰塔纳的极简主义作品
网上现有业内对这幅作品的解读是：
作品的副标题是意大利文attesa和attese，分别是意大利语中的等待和期望的动词和名词形式，据说意义是观者原本“期望”看到一个正常画面的想象空间，但丰塔纳一刀毁掉了这个“期望”。艺术家封塔纳(1899-1968)最为人知的艺术贡献在于其一系列“割破的”画布。他因此成为极少主义的始祖。1949-1950年间，封塔纳开始刺穿其画布，他说，“打破了画布的空间，好像在说：自此我们可以自由地做我们喜欢的了。”封塔纳同时也将其视为一种唤出的无限，声称“我创造了无限的一维。”
第三，艺术家们在创作时几乎不考虑观赏者的意见。
刚好近来在知乎上看到一个提问：”为什么现代诗多半是些表达得不知所谓的语句组合，却还是那么多人去写?“这个问题当然是大胆坦诚地表现了提问者的无知无畏，在许多诗歌爱好者看来应该是很欠揍的。这个问题下面有许多精彩的回答，都可以借鉴到本文开头那个问题上。链接在这 http://www.hu.com/question/20785495/
不过我觉得最需要强调的是这句话：“对于诗人来说，读者是(最)不重要的。”
同样，对于现代艺术家们，观赏者也是最不重要的。你丝毫不用顾虑你的想法会影响到他们的创作。艺术家是一群埋头描绘自己内心的人，他们创造个人艺术语言，表达自己的情绪思想。当你开始指责他们胡涂乱抹时，很遗憾你又错过了一次学习新的艺术语言的机会。
说真的，每次我看到那些对现代艺术表示抗拒的人，我都觉得他们个人的表达也真的很程式化。换句话说，没有丝毫新意，还在不断抵制新意，表面上是在维护传统的话语权，实际上是在展现他们的脑子有多么匮乏。特别是一些作品，在许多人看来早已能够接受，在另一些人看来仍然如洪水猛兽。比如上面所引用的蒙德里安的色彩构成，已经成为服饰家居建筑时尚的流行元素之一，不少人都对其中的平衡美感有所感知，但仍然有些人认为这样的作品“毫无技术含量”，我便不能不怀疑这些人的审美智商低于平均水平了。
第四，对艺术作品的解读没有标准答案。
这句话放在这里，是要警示那些总是对标准答案有强迫症的人。他们有两种表现，一是特别怯于表达观点，总觉得自己对作品的看法不够“正确”，非常担心自己的看法不符合那幅画下面的小标牌上的文字;另一种则是特别能指点江山，总觉得一类作品是艺术标杆，无上崇高，而其余的都很荒谬，荒谬到应该从这个世界上被抹消。
唉，完全不知道这些人在固执什么。说了嘛，艺术家是完全不会考虑你的想法的，你的想法是完全不会影响艺术家以及艺术产业的。没人给你的艺术水平打分，你干嘛那么在意其他说法啊?你看到什么，就是什么。但是也别想着要维护什么，根据什么，坚持什么。如果你有条可理，可以顺着一种思路理解。解读与解读之间没有正误之分，只有高低之别，但是前提是你得真正地表达出你的解读。
对于平常人而言，美术馆是一个学习和提高自己审美水平的地方，是一个做思维训练的地方。美术馆是一个社会教育的场馆，一个没有美术基础的人进来，应该是跟进入图书馆一样的心态，绝不应该在没有仔细阅读完一本书之前对此擅作评价，不是么?
你最大的固执，应该发挥在对一件具体艺术作品的解读上。你应该像钻研一道数学题一样去解读一件你中意的艺术作品。你应该坚持采纳多方意见，摆脱你对一件作品的困惑，而不是坚持认为“我看不懂这件作品”是一件很高尚的事情。这种自以为是的行为的愚蠢程度就跟讳疾忌医一样。
目前看来，大多数人看不懂作品的缘故，只有两种：一是艺术品有高度，解读者思维不够高度;二是艺术品没什么高度，解读者有标准答案强迫症。介于目前国内当代艺术都没什么高度，所以第二种情占了大多数情形。
现代艺术本来就有“艺术生活化”和“生活艺术化”的口号，艺术家们最喜欢的就是把生活和艺术放在一起。欣赏者们也完全可以跟随这样的号召，去亲近那些被艺术家们从神坛上拉下来的艺术。艺术作品是个人的，从个人到个人，由个人创造，也由个人解读。所以只要解除你的标准答案强迫症，相信你很快就能开始欣赏现代艺术作品。

⑧ 如何欣赏绘画艺术

绘画的两大体系1.欧洲油画

油画艺术可以说是世界绘画艺术中最有影响的画种。油画是以油为调和剂，调和颜料在经过制作的不吸油的平面上描绘而成的绘画。其特点是颜料色彩丰富鲜艳，能够充分表现物体的质感、量感，能够传达物象所处空间的光线、色调和气氛，使描绘对象显得逼真可信，具有很强的艺术表现力。

2.中国水墨画(中国画)

中国画是中国传统绘画的统称。从广义上说，中国画包括中国传统绘画的各种类别，通常所说的中国画是指以水为调和剂、以墨为主要颜料的一类，又称“水墨画”“彩墨画”。中国画表现出变化无穷的线条情趣，以墨代色则表现了中国画独具特色的丰富艺术表现力。

绘画的种类

绘画种类繁多，范围广泛。从体系上划分为东方绘画、西方绘画；从使用材料、工具和技法划分为中国画、油画、素描、版画、壁画、水彩、水粉画、粉笔画；从题材内容划分为肖像画、风景画、风俗画、静物画、历史画、宗教画、动物画等；从作品形式的不同划分为壁画、年画、连环画、宣传画、漫画等。

绘画的艺术语言

线条、形体、色彩、色调、动感、笔墨(笔触)。

油画与国画的区别

除了工具、材料、表现主题的一般区别外，概括地讲，中国绘画注重意境，西方绘画则强调形似；中国绘画重表现、重情感，西方绘画则重再现、重理性；中国绘画以线条作为主要造型手段，西方绘画则主要是由光和色来表现物象；中国绘画不受空间和时间的局限，西方绘画则严格遵守空间和时间的界限。总之，西方绘画注重再现与写实，同中国绘画注重表现与写意，形成鲜明差异。

绘画艺术欣赏方法

（1）了解作品的时代特征、作品产生的原因、背景，领悟作品的意蕴以及作品的结构、形式的特点，达到与作品在感情上的交流。

（2）注意积累文化史和艺术发展史的知识，力求把握绘画史的发展脉络，把握代表作品的特征，从而获得一些赏析绘画的标尺。

（3）多看和思考画作，并注意在生活中观察物体与景色，从而培养和提高对艺术形式的感觉，逐步具备对绘画艺术语言的感受力。

（4）尊重自我感受，尊重自己对画作的直觉，在画作面前驰骋自己的联想和想象，达到心旷神怡的最佳审美境界。

⑨ 绘画艺术的欣赏方法有哪些

绘画艺术的欣赏方法
一、首先，对绘画作品(当然也包括一切艺术作品)要以理解的态度加以品评
不论哪种流派、风格，不论是你第一眼喜欢或不喜欢的，在欣赏之前要首先确立自己的理解的态度。所谓理解，即设法了解作品产生的原因和背景，作者想要说的内容，以及作品结构、形式的特征等，只有对这些真正理解了，和作者的作品在感情上交流了，欣赏者才可能作出比较实事求是的判断和批评。欣赏和批评切忌有先入为主的成见。
二、了解绘画发展脉络，把握代表作品特征
概而言之，绘画世界是一个立体的现象。从纵向上看，是绘画的演变与发展。比如西方绘画经历了古代(古希腊和罗马)、中世纪(公元5世纪到14世纪)、文艺复兴时期(15、16世纪)、17、18世纪和近、现代等大的历史阶段。各个历史时期的艺术理想和艺术表现风格都不相同。我们一般把文艺复兴时期到19世纪初的西方绘画称为古典绘画，即造型基本上是写实的，作品很完整，其美学倾向是典雅与和谐。但在整个古典绘画中，又有风格的演变。
三、培养艺术形式感觉
欣赏的实质不是表现的观看，而是感觉。面对画作，作品的整体面貌在瞬间便直逼眼帘。作品的艺术特征触动、撩拨、撞击、刺激着人的感官神经，形成审美的心理活动。
线条是绘画诸要素中最生动的部分，是画家从自然真实中抽取出的一种有抽象意味的语言。 形体在绘画中不仅指具体物象的形貌，还指这种形貌所暗示的情感倾向特征。 色彩是绘画中最富情感性质的要素。与色彩相关的是色调。特别在油画中，色调是构成主题思想与意境的重要因素。动感也是绘画中的重要因素，它既指通过构图和造型形成的某种感觉效果，又指涵盖其他因素形成的画面整体精神。此外，在绘画中起作用的还有笔触、质感、体量感等因素。所有这些要素在一幅幅画中组成有机整体，有时艺术家也侧重地强调某种要素。因此，培养和提高欣赏力量重要的方法是多看。
四、尊重自我感受，尊重自己的直觉与联想
欣赏绘画是一种"见仁见智"、原无定法的创造性活动。由于欣赏主体的年龄、经历、修养与趣味各异，同样看一幅画，获得的感受结果自然也相异，这是正常的。欣赏绘画的动机，在于人们希冀通过艺术理解历史文化，也理解自身的意义。

⑩ 结合中西方现当代艺术的特点谈如何欣赏当代油画.300字

艺术在产生之初 是为了纪念与记录当时代人们的生产生活 随着社会的发展与时代的迈进 艺术逐渐沦为宗教与政治的附属物 与其说附属物 倒不如说是二者之间相互影响 促成了当代艺术的发展 在15世纪时 艺术是纯粹的宗教附属品 但经过文艺复兴时期 宗教与政治反而大力推动了艺术的发展 在精神方面 得以解放 得以半脱离
西方美术主要强调人文思想 强调艺术是精神的产物 在东方 艺术主要被看做一种生产
在当代自由思想充斥的社会中看待当代油画 应该具有一定的局限性 一览无余是有难度的 看待作品 角度往往比距离更重要
在古典时期 往往被抬高的是艺术作品 艺术家是不存在的 如 萨莫德拉克的胜利女神 只知其物 不闻其艺术家 断臂的维纳斯 等等 举不胜举
当今社会 当代艺术 更多的是去解读艺术家 与艺术家的思想
由此看来 对于艺术本身 追根溯源 是有必要的