艺术家的画都是如何展示

1. 在绘画艺术中，艺术家是怎样表现画面的虚幻与真实的

任何艺术作品都是用来塑造灵魂的。都是从现实生活升华到现实艺术，从古代生活升华到古代艺术，没有多少人能真正欣赏古希腊的裸体之美。这些有决心的人，真的是脱离了艺术境界，超越了庸俗的欲望。超越了艺术领域更大的生活范围。走进返璞归真、善德归真的境界。这应该是艺术作品的召唤力，是心灵对理性感知的升华。包含更多创作空间的虚幻和真实的天赋节省。它融入了一个更大、更敏感的人类智慧和知识领域。

霍独特的幻影空间在精神表达上的转换是清晰的，就像我们可以很快识别出歌声来自谁，以及声音所传达的各种信息，转换更多的感性因素等等。，这里的性质就会发生根本的转变。因为纯视觉空间的营造会引起类似的视觉转化，所以无论是物理再现还是场景再现，都是以一种富有表情的姿态和意味深长的形式展现出来。基础错觉代表了艺术家的一种特殊体验，会融入更多的主观因素，具有独特性。每个基本错觉都会成为不同的艺术门类，所以也是艺术分类的主要依据。

2. 美术馆是如何布置、展示美术作品的

根据参展艺术家或者作品的流派，艺术类型等不同，具体的布置也不一样！比如有合展，也有个展。。。大体来说，首先，根据作品的类型或者风格布置对美术馆进行整体的艺术设计包装，然后可根据情况将馆区分成若干不同区域，也可进行不同的风格布置！接着可将不同作品规划设计布置到不同的位置区域，然后根据具体情况对布展的墙面，或者悬挂，放置作品的工具进行布置，接下来将作品按照规划开始摆放，然后就是调整修改！ 美术展览充满艺术性和创造性，布置展示的方法和渠道都不可一概而论，一般都是根据艺术家或者布展人的风格，目的性不同而有所不同，所以，该答案仅供参考！

3. 画家是如何靠画笔来体现现实生活中的生动美好的

笔只是画家把他头脑中的东西画出来，是他表达的一个工具而已。画家之所以能画出这么好的画，是因为他头脑中有好的概念和想法，然后通过笔把他头脑中的东西反映出来。

在我国绘画界还是以写实为主的，因为大家对有形体的东西理解的能更深刻一些。像近几年冷军的画被炒到很高，他的画是属于超现实表现主义。早期的画家如杨飞云，陈逸飞，靳尚谊、艾轩等都是比较写实的风格。

抽象风格还是国外的画家比较多一点，比如后印象派，后现代主义、包豪斯艺术都是抽象派的代表。后现代派强调的是自我情感的表达，手法非常新颖，突破了传统的形式束缚。

4. 美术家是怎样营造情趣和创设意境的

营造艺术的情趣和意境 宋朝画院考试题目： 踏花归去马蹄香 同学们思考怎么能画出意境? ----引出故事 1951 年，齐白石 92 岁高龄应着名作家老舍 之托，以“蛙声十里出山泉” 为题作画 ，据说老人整整想了两夜，后来从诗句规定的“出山泉”三字得到启 示，就在“泉” 上作文章，画上面没有蛙，而观众有如闻蛙声之感 ，我们来看 看白石老人 是怎样表现画面的意境之美的。 把“蛙声”这一可闻而不可视的特定 现象，通过酣畅的笔墨表现出来，只 见齐白石用简略的笔墨在一远山的映 衬下，从山涧的乱石中泻出一道急流， 六只蝌蚪在急流中摇曳着小尾巴顺流 而下，它们不知道已离开了青蛙妈妈， 还活泼地戏水玩耍， 但可以从那稚嫩 的蝌蚪联想到画外的蛙妈妈，因为失 去蝌 蚪，它们还在大声鸣叫。虽然画 面上不见一只青蛙，都使人隐隐如闻 远处的蛙 声正和着奔腾的泉水声，演 奏出一首悦耳的乐章，连成蛙声一片 的效果。白石 老人以诗人的素养、画 家的天才、文人的气质创造了如此优 美的意境，把诗情 画意融为一体，准 确地表现了诗中的内涵，达到了中国 画“诗中有画、画中有 诗”的高境界。 展 示 与 评 述 你能用自己的话谈谈下面这些作品中所营造的艺术 情趣和魅力都体现在哪 些方面吗？ 李可染 中国画 春牧图 《蒲公英》 版画 吴凡 《斑猫》 版画 美国 雅克 《散步》法籍俄裔 夏加尔 现代家具设计 《一家人椅》德国 《寒江独钓图》中国画 南宋 马远 想一想： 这幅画能让你想到哪首诗？你能结合画面解读其中的诗情画意吗？ 《江雪》 柳宗元（唐） 千山鸟飞绝 万径人踪灭 孤舟蓑笠翁 独钓寒江雪 《李白诗意图》 中国画 清 石涛 《秋天的田野》 版画 乌克兰 里特维年科 柯罗 法 《芒特枫丹的回忆》 研究探讨： 1 结合美术作品的欣赏与分析，说明 美术家是怎样营造和创设 意境的？ 2 情趣盎然的美术作品离不开： 生活情趣（） 情景交融（） 高雅品 位（） 精湛技艺（） 美，无处不在，只要我们拥有一双 审美的眼睛，并有一定的美术知识 就会 发现生活处处皆有美。 大自然 和美术作品中的美不仅充实了我们 的生活，也使 我们的生命更有意义。 

5. 如何欣赏国画

怎样欣赏中国画
欣赏一幅中国画作品，对于一般人来说，常常是能否“看懂”作为评判标准。欣赏步骤是：画的是什么？画得像不像？画家画这种形象的寓意是什么？如果都回答出来了，便认为是看懂了，如果回答不出来，便认为是看不懂。这种方法就是一种传统的讲“故事”的方法，对于绘画作品的欣赏往往过多借助“文学性”的描述。用这种方法来欣赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实的，属于看得懂范畴。
但如果是粗放的。写意的作品，尤其是水墨写意的作品，就较难欣赏了，因为它不写实，形象不具体，就看不懂，而且更无从知道作者的寓意了。当然，一般人用这种方法欣赏中国画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想、产生共呜。但是我们必须明白，一幅中国画作品的好坏，却不是以“像”或“不像”来衡量的。
就手郑艺术而论，我们衡量一件绘画作品的好坏，或我们欣赏一件绘画作品，首先不在于它像或不像，而在于绘画作品的主题，或者说绘画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪，能否紧紧地抓住观赏者的心弦，能否给人以充分的艺术审美享受，并使人从中获得某种启迪和教育。应该说，这才是一切艺术作品的真正目的。像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身。因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准。
那么，画家们是怎样来看画的呢？就国画而言，看画一般是看画面的整体气势，用中国画术语来说就是先体味其“神韵”，或者“神似”，然后再看它的笔墨趣味，构图、着色、笔力等。最后才看它的造型，即像不像或“形似”。这种抓“神韵”的欣赏方法，就是抓住了画的实质，因为“神韵”是一种高层次的艺术审美享受，常常是中国画家们追求的目标。
当然，要从画中去体验到一种“神韵”却并不是一件容易的事，那不但需要一定的审美能力、艺术修养，也还需要具备一定的国画基本知识，特别是通过“画”而训练出来的一种“感觉”。所以要很好地欣赏国画，还得具备多方面的才能和艺术修养。
艺术欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段，中国画也是如此。
审美感知就是要求我们直观尺姿地去感知审美对象，即艺术作品本身，我们可以去感知作品上画的陵薯绝是什么？画得像或是不像，色彩是鲜明的或是灰暗的，线条是流畅的或是笨拙的，表现手法是工笔的或是写意的等等，总之要自己亲自地平心静气地进行直观的感受。
第二步，在审美感知的基础上进行审美理解。即在直观感受的基础上，进行理解和思考，把握作品的意味、意义和内涵。这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解；对作品表现的内容和表达的主题的理解；以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等，这就需要充分调动我们的思考能力。
我们可以一步一步地想下去：作品画的内容要表现什么？是怎样表现的？所采用的艺术手段是否恰当？能否充分地表达出主题？同时，透过作品的画面，猜测作者的心思，是热情地歌颂或是辛辣地讽刺；透过画面的气氛，体验画面的情调：是深沉或是豪放，是乐观或是悲伤。再还可以根据已有的知识结构，结合作者的身世、创作特点和所处的时代背景等进行分析。
到了这一步，艺术的审美欣赏并没有完结，还有一个审美创造阶段。就是通过审美的感知和审美的理解后，在对作品审美的基础上进行再创造，通过自己积累的审美经验、文化知识、生活阅历等进行丰富的联想、升发开去，再创造出一个新的意象来。
这样，你才真正获得了启迪和教育，欣赏中国画才获得了真正的意义。朋友不妨用这种方法去欣赏中国画（或其他绘画），认真试一试，看能否有所收获。
要欣赏中国画，掌握了解中国古代品评绘画的基本原则——

“六法”是很有必要的。
“六法”是南北朝时期生活在南齐时代的着名人物画家和美术理论家谢赫提出来的，谢赫擅长肖像画和仕女画，据载他训练有敏锐的观察力和深厚的默写功夫，但是，他在中国画史上的地位，主要还是取决于他在理论方面的贡献，他的着作《古画品录》，初步奠定了中国画理论的完整体系，提出了品画的艺术标准——“六法论”。
“六法论”有哪些内容呢？它包括气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移摸写六个方面：
气韵生动：气韵指什么呢？就是画面形象的精神气质，也就是以前东晋人物画家顾恺之称为的“神”。气韵生动就是指画面形象的精神气质生动活泼，活灵活现，鲜明突出。也就是“形神兼备”，中国画的要求，不仅要描绘出对象的外形，而且还要表现出它的精神。人物有精神，山水、花鸟也有精神。达到神似，就能气韵生动。许多画家认为，没有气韵的作品是不能称之为画的。当然，要表现出艺术形象的生动性、真实性，即气韵，也与其他五法分不开的。气韵生动也离不开构图立意、笔墨技法的，因此，它和其余五法是一个整体。其他五法同时也离不开气韵生动，否则，也就成为了缺乏灵魂的纯技术性的东西。
骨法用笔：骨法原来是指人物的外形特点，后来泛指一切描绘对象的轮廓。用笔，就是中国画特有的笔墨技法。骨法用笔总的来说，就是指怎样用笔墨技法恰当地把对象的形状和质感画出来。如果我们把气韵生动理解为“神”，那么也就可以简单地把骨法用笔理解为“形”了，囵此，气韵生动和骨法用笔又有着密不可分的内在联系，“形”的描写借助于笔墨写出来，而写形又不过是手段，其目的是表现“神”，这与顾恺之的“以形写神”的表现客体的法则是一致的。
应物象形：就是画家在描绘对象时，要顺应事物的本来面貌，用造型手段把它表现出来。也就是说，描绘事物要有一定的客观事物作为依托，作为凭借，不能随意的主观臆造。也就是客观地反映事物，描绘对象。但是，作为艺术，也可以在尊重客观事物的前提下进行取舍、概括、想象和夸张。这可以说是指一种创作态度和方法。
随类赋彩：则是指色彩的应用了，指根据不同的描绘对象、时间、地点，施用不同的色彩。中国画运用色彩同西洋画是不同的，中国画喜欢用固有色，即物体本来的颜色，虽然也讲究一定的变化，但变化较小。
经营位置：则是指构图。经营是指构图的设计方法，是根据画面的需要，安排调匿形象，即通过所说的谋篇布局，来体现作品的整体效果。中国画也是历来重视构图的，它要讲究宾主、呼应、虚实、繁简、疏密、藏露、参差等种种关系。
传移摸写：就是指写生和临摹。对真人真物进行写生，对古代作品进行临摹，这是一种学习自然和继承传统的学习方法。
六法对于画家和绘画作品来说，是全面的最高的要求，一般都是很难完全达到的，各擅一节足矣。我们了解掌握六法，便于理解古人品评绘画的标准和着眼点，从而客观地对待祖国的美术遗产，以及在我们欣赏传统的中国绘画时，会从中获得某种启示。
能不能欣赏中国画，是衡量中国人有没有艺术鉴赏力的标准之一。鉴赏中国画，要求鉴赏者具有一定的学养、才识和格调。
一幅中国画，先观大概，布局要和谐，是否有作者的个人风格，意境、意趣要深远。意境或意趣是鉴赏者对一幅画的最初印象，好的意境或意趣，让鉴赏者想细细看下去。任何好的笔墨技巧是为了表达意境或意趣服务的。而风格是一个国画家有别于另一位国画家的特色所在，也是检验一个画家成熟与否的标准。中国画大师的作品无一不有个性鲜明的艺术风格。
布局是作画的战略，是一幅画在表现上最关键的部分。假如左边画一块巨石，右边画一只小鸟，加些小草，在下面题上几个字，盖上印，画是完成了，即使笔墨精妙，颇有意境，可布局不当，画面失去平衡，让鉴赏者难受，就不算成功的中国画。大师潘天寿的画，极重意境，一山一石，一虫一鸟，无不展现着万物的生机与自然界的诗意。他的画多险，多奇，多重，通过各种物象，在激烈的冲突中一一化解，最后画面归于平衡与和谐。他的大画雄伟奇逸，常常给鉴赏者震憾般的审美感受。
其次看造型与线条。造型过于失当，人不象人，山不象山，树不象树，即使布局好，线条好，仍不入妙品。造型要不失情理，线条要自然生动。但是，自然生动的线条有各种风格，有的秀美，有的苍老，有的古朴，有的厚重，有的飘逸，这些线条通过表现不同的物象，会产生不同的审美感受。在这些线条中，都要书法美感。概括性地说，吴昌硕的线条古拙，齐白石的线条苍老，潘天寿的线条凝重，范曾的线条俊逸。
没有书法功力的中国画作者，线条常常软弱、油滑、稚嫩，这些线条所表现的物象内涵就大为贫泛。这种画在旅游景点或工艺品商场常见，为数不少的画品低下的中国画作者，制造了大量低劣恶俗的中国画，极为恶劣地败坏了中国画的声誉与市场。
再看墨色的变化。有的劣画，常常局部一片死黑，没有任何变化，淡墨散淡而不空灵。好的中国画，讲究黑分五采：焦、湿、浓、重、清。焦墨画只宜于写生的便利，作为山水素材收集是可行的，任何人的焦墨山水都不可能成为中国画的上品，作为完整的中国画，焦墨画在神韵上大打折扣。象张仃的焦墨山水画，让人感到口渴。齐白石的小品花鸟写意画，意趣绵长，他极精于用墨、用水与用色，他手中的毛笔在生宣上变化无穷，让鉴赏者数十年后仍感觉到画面的湿润。湖南乡下曾经有一个农民花鸟画家王憨山，作画气势大，布局佳，笔力也很刚健，但变化过少，直来直去。他不善于用水与用色，画面有火气。他说“作画墨与色要给足”，可他给得太足了，常常见他的画面墨黑一片或大红一片，他的画有强烈的风格，但画品不高。
中国画以用墨为上，用色次之。好的中国画，要做到色不碍墨，墨不碍色。由于中国画不以写实为能，用色不能过于写实，不能与黑线表达的物象不谐调。一般色中少许加一些淡墨，使色彩沉着高古。范曾画人，脸上的色彩不全是粉红色，加有淡花青，衬景用色也是花青加朱磦，甚至加些淡墨，都是为了色调高古沉着。如果人脸用白粉加曙红，背景的草木用绿色，山石单用花青或赭石，那就俗气了。工笔花鸟与人物画，同样要讲究轮廓的线条与物象的设色。好的中国画的设色，或沉着，或高古，或典雅，大体上不能象油画或水彩画那样用色。要设色的中国画，墨笔部分不能画得太过，要留些东西给颜色去表达，而单纯的水墨画则要尽情挥写，加色便成多余。
最后看题款与盖章的章法。题款看书法功夫与文字内容是不是高妙，盖章极有讲究，盖的位置恰当，是锦上添花，盖的位置不当，是佛头着粪。
如果画装裱了，还要看装裱的工艺，绫纸的搭配，画幅是否平整，长短宽窄是否和谐。画装了镜框，则鉴赏镜框材料是否精致，做工如何。好画却装裱拙劣，毕竟是一件遗憾的事，好象高人韵士穿一身烂衣服，风神是要大为逊色的

外表：
初看国画，要欣赏的不是画面如此简单，还要看下列各项是否精美。
画工：
画家的作品，可表现出作者的成就。画面的形象，就是画工的具体， 我们往往主观批评该画的优劣，就是受画工的影响很大。
书法：
中国画和西洋画不同之处，其中一项就是书法。中国画画面上常伴 以诗句，而诗句是画的灵魂，有时一句题诗，如画龙点睛，使画增色不少。而画中的书法，亦影响画面至大。书法不精的画家，大多不敢题字，虽然仅具签署，亦可窥其良莠。
印章：
画面上常见的印章有各方面：画家的印鉴，题字者私章，衬托用闲 章，收藏者印章，欣赏者印章，鉴证者印章等。而各种印章的雕工，印文内容，盖印位置等，都在评价之列。尤其古画，往往有帝皇，名家，藏家和鉴赏家的印鉴，可佐真伪。
装框：
中国画的装裱更别具一格，常见的有纸，绫两大类。 今呀洗 ，绫 裱较精。裱边的颜色，阔窄，称边，接驳，裱工等，都十分讲究。日本近代的裱工另有风味，对现代的裱画方式具影响力。好的装裱，能把一幅画衬托得更为精美悦目，名贵大方。
框饰：
如用压镜方式将画藏在玻璃框下，其采用的框边质料、颜色、大小对画的美观影响极大。近年北美画家多采用西式框饰代替中式装裱，亦颇有可观。
内涵：
中国人欣赏字画不独欣赏表面工夫，更着重与作品有关和作者个人相互关系。
功力：
从事书画修养越久的人，他表现出的功力，是初学者无法掌握。尤其是书法，老手多苍劲有力，雄浑生姿。在国画方面，其线条，设计，意境亦表现出作者的工力。所以人生经验丰富的艺术家，其作品往往较年轻画家有不同的表现，这表现就是功力。
布局：
布局看来似是画面的设计，其实是作者胸怀中的天地，从画面布局中表现出来。中国画与西洋画不同的地方甚多，最明显之处就是“留白”。国画传统上不加底色，于是留白甚多，而疏、密、聚、散，成为留白的布局。在留白之处，有人以书法，提诗，盖印等来补白，亦有让其空虚，故从布局中可见作者特到之处。
学养：
工力及布局，可于画面窥其一二，至于作者的学养，对其作品影响至大。故中国有“文人画”之称。着名文人，其作品与众不同者，就是一种“书卷气”。画家与画匠之分别，学养是条件之一。
人品：
西方画家，往往以浪漫不羁，游戏人间为乐。而欣赏者只观其画而不理画家的私德。中国人不同，画家或书家如行为不检，道德败坏，声名狼藉，大奸大恶者，即使其书法美术如何精美，亦无人问津，试问谁家高悬曹操，秦桧等奸臣作品，而岳飞的“还我河山”，孙中山的“天下为公”，成为人尽皆知的好匾额，就是这个原故。
诗句：
字画中的诗文词句，往往代表主人的心声。其一句好诗，亦能表现 作者的内涵和学养。一句好句，亦把书题画龙点睛。最难得的，就是作者能为自己的画面题诗，不抄袭他人旧作，更见特出。至于书法亦然，抄一首古人诗章，别人看来，只观其字，因为内容不是作者心声，而是古人翻版而已，到底欠缺了作者的灵魂。
印文：
无论字或画，常有“压角”的闲章出现。所谓压角，就是画面或书法留白的角落。而印上的文字，有时影响字画甚大。从印文中亦可见作者的心态，或当时的环境。好的印文，配以好的雕刻刀法，盖在字画上，使作品更添光彩。

6. 艺术家如何表现自己的想象力，请举例说明

想象力，是已知生物中唯有人类具有的能力，而人类中想象力比较突出的人中的一部分，会选择成为艺术家，对于艺术家如何表达自己的想象力，我有以下几点分析。

一、运用作品表达自己的想象力

这一点也许是普通人认为一个艺术家最应该干的“正事”，艺术家之所以会被大众称为“艺术家”是因为他能给给予社会大众作品上的享受，满足大众听觉，视觉，感觉，心灵等方面的种种需求，丰富人们的精神生活。一名艺术家，想表达出自己的想象力，用作品来表达，是最容易被人理解的方式，也是大家眼中“艺术家”该有的样子。

因为艺术太过于抽象了，无法标签究竟什么是艺术，所以我暂且肤浅的说出这种话“人人都是大众，人人也都是艺术家”这句话是多么的苍白又无力，可悲可笑。从社会角度来看，艺术分为三六九等，但我认为评价艺术从艺术的方面来讲是不负责的，而能被评价的部分都不能被称为艺术有多少东西可以表现与表达，想象力？为什么要表达出来？为什么要让你们看见？可是不让人看见又有什么意义？可是看到了是艺术吗？当然是艺术，让人们鉴赏的艺术才是有价值的艺术！为啥大众又会有什么艺术专家与没有艺术细菌的区别呢？专家真的很懂吗？人的想象力真的那么容易被人了解吗？而不懂的人是哪种不懂？纠结这些有意义吗

以上是我与自己的对话，我个人认为艺术是抽象的是我解的，想象力是可以表达的，也是不用表达的，看自己的追求吧，对此我不做再多评论。

7. 最不可思议的3D画，艺术家究竟是如何做到这些的

绘画者必须充分掌握并运用好视觉原理。立体画与普通平面画比较起来最特别的地方在于它的透视原理与普通绘画不同。正常的绘画，画面的透视安排没有参照欣赏者本人站位的视点，它的画面构成只是以画面本身的透视为依据，而立体画则是参照了欣赏者的站位视点，整个画面的构成以人的视点为视觉原点，使得立体画不仅仅是一幅画还成为一个真实的视觉空间，欣赏者可以融入到画面当中。站在最初设计的最佳视点使用相机进行观看可以达到最佳的视觉效果，而用肉眼从其他角度进行观看画面则是拉伸变形的。只有从相机里才能正常的观看到画面的形象。这样的对比反差会让立体画具有强烈的视觉震撼力，从而引起观者的视觉共鸣，加深观者印象。

3D立体画和它的发展了解起来不难，但是制作起来远远比说起来难得多，手绘3D立体画不是一件容易的事，需要绘画者具有丰富的艺术感悟与理解能力，还有有高超精湛的绘画技术。手绘3D立体画的应用前景怎么样呢？现今立体画逐渐广泛地运用在各个场合，主要以公共场合为主，因为立体画的视觉效果非常具备震撼力，而且容易产生和观者的互动。展会、活动、公园休闲娱乐、产品宣传利用立体画的形式去表现都非常合适。除此之外，将立体画用于家居、别墅、会所、宾馆等场所的装饰也不失为一种很有创意的形式。
然而对于技术没那么精湛的绘画者来说，后期的处理往往弄不好，达不到逼真的效果。一般会在以下两方面出现问题。
加强立体画美感的关键不是单纯地增强立体感，而是减少残影和晃动，泰极猫绘画的专业画师能把晃动减少到很小的一个度，从而立体感层次鲜明。常规培训机构和多数立体画制作公司做图技术不过硬，无法减小这种晃动，画面看上去就不好。
整个画面的构思是另一个难点。刚开始学做立体，往往面对画面不知从何下手。经过长期练习，画面的判断能力会大大提高，做图速度也会快很多。

8. 远古艺术家是怎么画画的，除了壁石还画在哪

古代因为资源匮乏，很多名家进行创作的时候，都是在石壁上进行的，但其实这只是一个阶段，也就是莫高窟那个阶段，因为最精致的石壁画作就在那里，而且也是现今保存最完整的，但其实随着文房四宝的发明出现，更多的名家都是在纸张上进行创作，而且很多名家的遗迹到现在也被保存下来，至今在拍卖中，古代名家的画作都是一画千金的。

其实，中国人对于艺术的追求，从古代就开始有了，但是在没有纸张的时候，他们是将画画到石壁上和雕琢在木头上的，但是后来纸张出现了，一些美术名家，都将画作画到纸上，封存起来，这个发明也是非常优秀的。