艺术界有哪些个性鲜明的艺家

1. 艺术家有哪些人呀

艺术家有：

1、梅兰芳：

列奥纳多·达·芬奇是意大利文艺复兴画家，科学家，发明家。现代学者称他为“文艺复兴时期最完美的代表”，是人类历史上绝无仅有的全才，其最大的成就是绘画，他的杰作《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》等作品，体现了他精湛的艺术造诣。

2. 朱松发的名家点评

朱松发的水艺术：鲜明的个性
邵大箴
黄宾虹先生说过，作画难在“自成一格”。囿于传统、为前人规范束缚者，难以自立门户。同样，受流行画风影响而无鲜明个性者，更无独立品格可言。从事绘画创作的人要做到自成一家，必陪丛谈须一有修养，二有悟性，三有胆识。所谓修养，有“画内功”包括绘画知识、技巧、笔墨功力等，还有“画外功”，即包括对社会生活和大自然的体验，以及其他艺术门类的修养。所谓悟性，是对绘画本质和创造原理的体悟，既有长期实践经验积累所形成的“渐悟”，也有与艺术家个人灵性关系更为密切的“顿悟”。至于胆识，是指艺术家的创造勇气与革新精神，那是艺术家不可或缺的品格。我之所以说朱松发在水墨艺术领域有独特的风格面貌，是因为他具备这三方面的条件。他是修养较为全面的艺术家，有扎实的传统功力和文化知识的储备，对传统山水画的艺术奥秘有较深的领会，更善于从大自然中吸收养料，进行有个性的创造。
从某种意义上说，风格是个性的自然流露，是长期实践积累的结果。朱松发出生在黄山紫云村，父亲是黄山有名的石匠。他自幼受徽州文化熏陶，尤受新安画派渐江、汪之瑞、程邃等人影响。他从这些前辈大师中得到最重要的启示是，水墨画创作要讲究品位的纯正。也就是说，从笔墨、章法等技巧到意境创造，要浸润传统文化的精神。但同时他深知，传统又不是一成不变的静态模式，而是变化着、流动着和发展着的结构。朱松发在研究传统的同时，狠狠抓住两个环节强化自己的艺术面貌，一是师造化，即认真地观察和研究自然。刻记着历史变迁痕迹、错落有致的徽州黑瓦白墙的村落，皖南别具特色的“黑”而“湿”的山水，给他以无穷的灵感，成为他反复提炼的艺术素材。二是珍惜和发扬自己的个性。他生性崇尚自然，讲究朴实、率真，追求阳刚之气。这两者的有机结合，形成它艺术风格的基础。
朱松发作画，爱自由挥洒，有豪迈气，但作画步骤审慎、认真。画面布局饱满、大方，予人的第一眼的感觉是芦碰气势逼人，同时映入人们眼帘的是他遒劲有力的笔线和浓重的墨色，是他别出心裁的留白和黑白变化。他善于以笔取气，以墨取韵。而他画面上的墨韵有鲜明的特色，那就是他在经意与不经意之间，用枯笔焦墨与水墨淋漓碰撞、交融，使其生发出一种既和谐、又对比的生动意象。他画出了皖南山水的雄健、厚重和苍茫。这里面既含有作者对徽州文化的历史思考，也是出于他个人独特的水墨审美趋向。作为徽派画家，朱松发的中国画豪放不失高雅，呈现出“古为今用”的特点和魅力。这一切都反映出画家心灵的内在节奏、创造的活力和思维指向的现代性。因而，在画家的作品中既有“优游不迫”的洒脱，又有“激越奔放”的活力，它表现出了性情的笔墨与意象符号是最终归宿于画家与造物本体合一的开阔襟怀的。
朱松发的山水画，继承了新安画派的伟大传统，又在传统的天地中，把自己的艺术推向更具现代意义的新阶段，和前人、和当代人拉开了距离，在当今画坛有鲜明的个性面貌，而个性面貌的形成是通往大家的郑山必经之路。
朱松发的中国画自成门户
孙克
中国画的确不仅仅是温柔敦厚的儒家典范，更不仅仅如某些评者所言，中国画属于阴柔内向的类型，几乎人所共知的是我们的艺术有过汉唐鼎盛时期的雄强博大的气度，浑厚质朴的风格和率真天然的表现，令那个时代的艺术魅力无限。
追求和发扬我们民族曾经有过的雄强、博大、苍莽、浑厚的胸怀气度和艺术风采，追求高峻的风骨和深远的意境，应该是我们当下画家思考的一个命题。改革开放三十年来，我们所处的时代发生了巨大的变化，呼唤水墨雄风，表现时代风骨应该成为当代画家不可推卸的责任。
画家朱松发的作品这些年来一直受到画界的广泛关注，他的画拥有挥洒自如的书写性、苍劲浑沦的金石味，构成画面强烈的华滋浑厚的境界，为人们所称道。朱松发是安徽怀宁人，众所周知，安徽历来文风昌盛，明清以来，书画金石名家迭出，影响深远，形成传统，其中黄宾虹先生的山水画对现代贡献最为深远巨大，他在中国山水画的笔墨精神意蕴方面开拓最深，尤其是在20世纪当西方文化以一种强势姿态被引进，中国画的传统精神遭遇漠视和肢解从而出现价值危机的时候，黄宾虹从史论的高度对其中中华文化的独特性给以阐述和发扬，他的山水画达到了浑厚华滋的境界，是历史时代的高度。朱松发的艺术正是沿着这样的历史沿革，几十年来在时代精神的感召下贴近生活、走向自然，得到了源头活水，同时不断加深对传统的认识，从黄宾虹的艺术中汲取笔墨精髓，他的画意韵深沉、恣肆磅礴，风骨厚重，格调奇崛，是当代山水画名家中，独具面目自成门户的一位。
身处世纪之交，面对中华民族和平崛起的千载机遇，呼唤雄强博大的气度、俊朗挺拔的风骨、卓然独立的精神，应该是当代中国画家们努力追求的艺术风范和重要的高端目标。

3. 波普艺术的代表人物有哪些

在波普艺术中，最有影响和最具代表性的画家是安迪·沃霍尔(Andy Warhol，1927—1986)。他是美国波普艺术运动的发起人和主要倡导者。

他的绘画图式几乎千篇一律。他把那些取自大众传媒的图像，如坎贝尔汤罐、可口可乐瓶子、美元钞票、蒙娜丽莎像以及玛丽莲·梦露头像等，作为基本元素在画上重复排立。他试图完全取消艺术创作中手工操作因素。他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。

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波普由来

波普”（Pop）也是“棒棒糖”（Lollypop，Lolly是舌头，Pop是涂抹）的一个简化口语词，可追溯至十八世纪。表示可口可乐之类的“汽水”（Soda Pop）一词，大致也是那个时期产生的（这里的Pop可能是指瓶子开启的声音）。无论如何，我们都可以看到轻松愉快的享乐和渴求欲念的转化（例如棒棒糖的性暗示）。

一般认为，波普艺术是从1950年代中后期开始，首先在英国由一群自称“独立团体”（Independent Group）的艺术家、批评家和建筑师引发，他们对于新兴的都市大众文化十分感兴趣，以各种大众消费品进行创作。

4. 有哪些有名的艺术家

拉斐尔（RAFFAELLO SANZIO)（1483-1520）.

文艺复兴意大利艺坛三杰之一.他父亲是宫廷的二级画师.他从小随父学画,七岁丧母,十一岁丧父,进画家画室当助手.学习了十五世 纪佛罗伦萨艺术家的作品,走上了独创的道路.从二十二岁到二十五岁创作了大量 圣母像,从此声名大扬.他没有达.芬奇那样经验丰富博学深思,也没有米开朗基罗 的雄强伟健的英雄气概.可是他虽然只活了三十七岁,却成为文艺复兴盛期最红的画家.他的风格代表了当时人们最崇尚的审美趣味.他是个绝顶聪明的人,他的聪明特别表现在善于汲取他人之长,而后加以综合的创造.他一生创作了不少作品, 其中<<大公的圣母>>和<<教皇利奥十世>>等,还作了一些建筑设计,并为西斯廷小教堂设计画稿.他的才能又表现在他创造出最合乎当时人们的口味的形象.风格被特称为一种"秀美"的风格,不仅使当时人倾倒,并且延续了四百年之久,成为后世古典主义者认为不可企及的典范.
米开朗琪罗(1475～1564)
Michelangelo
意大利文艺复兴时代雕刻家，画家，建筑师。1475 年3月6日生于阿雷佐附近的卡普雷塞，1564年2月18日卒于罗马。早年在佛罗伦萨画家D.吉兰达约的作坊当学徒，后因爱好雕刻转入以保存古雕刻遗物最多的美第奇庭园工作。早期作品是17岁时创作的浮雕《阶梯旁的圣母》和《山陀儿之战》，粗朴壮实，沉静庄重，深得古典风格的真髓，表明他一开始就追求强烈运动中的人体表现。

舒曼（1810～1856）
Schumann，Robert

德国作曲家，音乐评论家。1810年6月8日生于茨维考，1856年7月29日卒于波恩附近的恩德尼希。7岁从教堂管风琴师学钢琴，12岁开始作曲。中学时深受浪漫主义文学影响。1828年入莱比锡大学学法律。1830年从F.维克学钢琴，从H.L.E.多恩学作曲，因手指受伤而放弃钢琴专事作曲。1834年创办《新音乐杂志》。1840年与维克之女、钢琴家克拉拉结婚。1843年在莱比锡音乐学院任教，次年与克拉拉去俄国旅行演出，回国后迁居德累斯顿。1850年任杜塞尔多夫市管弦乐团和合唱团指挥，1853年因精神病而离职。
巴赫（1685～1750）
Bach，Johann Sebastian
德国作曲家，管风琴家。1685年3月21日生于爱森纳赫，1750年7月28日卒于莱比锡。
凡高（1853～1890）
Gogh，Vincent van

荷兰画家。1853年3月30日生于津德尔特，1890年7月29日在法国瓦兹河畔因患精神病自杀身死。早年经商，后热衷于宗教，1880年以后开始学习绘画。曾在巴黎结识E.贝尔纳、P.西涅克和P.高更等画家。早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有《食薯仔者》、《塞纳河滨》等。曾两次在咖啡馆和饭馆等劳工阶层展出自己的作品。不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧；同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆探索自由抒发内心感受的风格，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。代表作《向日葵》、《邮递员鲁兰》、《 咖啡馆夜市 》、《包扎着耳朵的自画像》、《星光灿烂》、《凡高在阿尔勒卧室》、《欧韦的教堂》等，都包含着深刻的悲剧意识以及强烈的个性和形式上的独特追求。当时他的作品虽很难被人接受，却对西方20世纪的艺术有深远的影响。法国的野兽主义、德国的表现主义以及20世纪初出现的抒情抽象主义等，都从他的主体在创作过程中的作用、自由抒发内心感情、意识和把握形式的相对独立价值、在油画创作中吸收和撷取东方绘画因素等方面，得到启发，形成了各自不同的绘画流派。

5. 艺术派有哪些主要艺术家及他们的艺术特色

莫奈的童年
克劳德·莫奈(Claude Monet, 1840-1926)1840年生于巴黎，童年在阿弗尔渡过。他没有按照画家的常路走，而是以画漫画起家，在画漫画方面有了一些名声，并受到欧·布丹(Eugène Boudin, 1824-1898)的注意。布丹曾对莫奈说“当场画下的任何东西，总是有一种以后在画室里所不可能取得的力量、真实感和笔法的生动性。”莫奈在他今后的绘画生涯中也是按布丹说的话去做的，因为在他的内心里充满了对大自然的热爱。

不久，莫奈又被荷兰的画家约翰·巴托尔·德·琼康的创作所吸引。这位画家以动荡、兴奋、活泼而且比他同时代的法国人更为活跃的笔触画小桥、村景、河岸和破旧的茅草屋。莫奈就是从布丹和琼康那里接受到了基本艺术修养的。

1840年10月14日，莫奈生于法国巴黎。父亲库路多、阿多洛夫、莫奈是一位商人，在法国北部港口阿弗尔与他的姐夫合伙经营着一家仪器店。莫奈5岁时。来致函父亲的身边。在当地就学后，他将学校视同牢狱，在悬崖和海边嬉戏的时光多于听课，故此学习成绩不佳，在班上总是排在倒数几名的位置上，这个孩子唯一的爱好是绘画，他常常在笔记本上作素描，以老师和同学为对象画漫画，日积月累，倒也掌握了一些绘画技巧。不过，父母对此不赞成。小莫奈乐此不疲，加上与生俱来的秉赋，几年过后，他的漫画居然开始在文具里展出并且出售。15岁的时候，莫奈在当地已小有名气，他为自己作品开出的 格是每幅20法郎。经过画商的介绍，这位少年画家被专门描绘海上风光的画家布丹所看中，二人从此结识。布丹动员他“学习用油画和素描来画风景”，乍开始莫奈并没在意，甚至是找借口有礼貌地加以拒绝。由于布丹的一片诚心，终于感动了这位少年。自学成才的布丹，习惯于在露天作画，他主张“一定要去寻找自然的纯朴的美”、“要顽强地保留最初的印象”。对此，莫奈也深以为然，因为在他的内心里也充满了对大自然的热爱。从1858年起，莫奈开始从布丹那里接受了有同于学院派的绘画思想，学习并动笔画外光画。布丹所强调的：要特别注意对所描绘对象的第一印象、要注意光。更是在他的心中深深地扎下了根。就在二人一起到户外作画的过程中，莫奈创作了一些有关阿弗尔港、海港、日出、海上小船等题材的作品。其中的1幅还与布丹的4幅作品一起在鲁昂的展览会上展出。

写生巴黎

在布丹的建议下，莫奈于1859年5月到了巴黎。

在巴黎，他看到了特罗容、杜比尼、柯罗等人的作品之后，极为赞赏。经布丹介绍，莫奈与巴比松画派的画家有了接触，认识了该派代表人物之一的特罗容。特罗容提醒他“道德要进一个专门画人体的画室，要学习素描”，要“常常到乡村去画速写”。1860年，莫奈进了斯维赛学院，练习人体写生。这个所谓的“学院”，不过是一间画室，斯维赛是它的主人的名字，这里既不讲课，也没有考试，只要交上一点钱，就可以画人体模特儿。在这里，他接触到了后来成为印象派的一些画家，比如毕沙罗等。在这里，还创作了一些风景画。

这一年的秋天，经抽签决定莫奈需服兵役。此时，其父提出只要服从父母的意愿，安心在家做生意，就可以出钱雇人替他从军。莫奈对此毫不理会，毅然参军，入伍后被编入法国的非洲军团。不久，即随军到了阿尔及尔。在画家的眼里，非洲的景色与光线是美丽迷人的，经过部队的允许，他得到了可以作画的时间，在那里，他曾为队长的夫人画了肖像。

1862年初，因为贫血，莫奈从军营回到阿弗尔家里养病。这时他认识了荷兰画家琼康，并与琼康入布丹一起从事创作。布丹作画的纤细，琼康对动感的重视，以及二人注意捕捉第一印象的画风，都给这位初出茅庐的画家留下了深刻的印象。由于医生提出警告，如果莫奈回到非洲，将对他的身体极为不利，11月间，莫奈的父亲向当局提出了免除独生子兵役的申请，在交付了一定的费用之后，莫奈再次到了巴黎。并进入了古典派画家格莱尔的画室。在画人体的习作中，格莱尔要求大家按照古典的范画来修正自己的作品，要将人体描绘的尽量完美。莫奈则坚持准确、真实地反映模特儿的特点。他的主张得到了同室的巴齐依、雷诺阿、西斯莱的赞同。

这一年举办的沙龙落选画展中，莫奈看到了马奈的作品之后，受到了震动和启示。在1863年，借复活节的休假之机，莫奈将同窗的画友带到了巴黎南郊巴比松村附近的枫丹白露森林，在那里进行创作。在外光下，大家创作了一批具有巴比松风格的作品。

1864年，莫奈与这些画友离开了格莱尔的画室。来到了昂弗勒作画。在这里，莫奈的两幅描绘塞纳河的风景画《落潮的埃沃海角》与《昂弗勒港》，由于不同于学院派的造作手法，被选入1865年官方沙龙。这一年里，他在枫丹白露开始了大幅油画《草地上的午餐》的创作该作品于1866年问世。在总结了马奈同名作品在“沙龙落选画展”上引起的争议的基础上，莫奈是在画景之后才描绘的人物。画面上的人物朴实无华，具有自然的动感，显示了画家的现实主义功力。1866年，以恋人卡缪为模特儿，全身大幅肖像画《绿衣女》在同年的沙龙展出，该画受到了评论家左拉的好评；有一位诗人为作品乌 诗，被发表在《艺术家》杂志上；有的画商还要求莫奈根据原作再复制一件，准备送到美国去。由于这次的成功，家里恢复了对他经济方面的支持。

同年夏天，莫奈创作的《庭院里的女人们》，在1867年沙龙中落选。1866年的秋天，为了避开讨债的人，莫奈自毁了约二百幅作品后，回到阿弗尔。这时他的经济状况十分不妙，原因是父亲对于他和卡缪的关系很反感，从而断绝了经济上的支持，莫奈作品的销路又尚未打开。为了解决继续创作用的画布，他不得不将业已画好油画上的油彩刮掉，重复使用。1867年，怀孕的卡缪为莫奈的父亲所不容，留在了巴黎，莫奈住在姑母家。7月卡缪生下第一个孩子，只好请在巴黎的巴齐依作教父代为照顾。此后的几年中，莫奈始终在阿弗尔及其附近，与布丹、琼康，有时与库尔贝一起作画。在这个时期里，由于与父亲的关系紧张，经济拮据，生活艰难。为此，莫奈曾一度有过轻生的念头。1869年，他回到巴黎，参加了“盖尔波瓦咖啡馆”里艺术家的聚会。可能因为很早就离开了学校自感在受教育方面的不足，故而很少参与争论。这时他的穷困程度，从8月间写给巴齐依的信中可以看出，信中提到：由于雷诺阿送来的面包，才没有饿死。一个星期屋里没有炉火、没有照明。到了该月月底，颜料用光，不得不停止了作画。这时候的巴齐依也穷的典当了自己的表，雷诺阿连寄信的邮费都凑不齐。对于莫奈也是爱莫能助。

1870年6月，莫奈与卡缪正式结婚。9月，莫奈将妻、子托付给布丹照顾，只身一人去了伦敦。在那里与杜比尼、毕沙罗相会，然后，和毕沙罗一起在泰晤士河及公园中作画。在参观美术馆时，英国画家透纳（1775-1851）。康斯太勃（1776-1837）的作品，使其为之倾倒。为了给莫奈的作品找到销路，经杜比尼介绍，在这里认识了画商丢朗、吕厄。此人对于穷画家们表示了同情，在经济方面从此一直在支援着他们。

1871年初，父亲去世，莫奈离开英国。在杜比尼的动员下，到了荷兰并滞留到年底。在阿姆斯特丹，他看到了日本 的“浮世绘”版画之后，其中色调极富生气的风景画，给他留下了美好的印象。日后，他曾说到：它们的精致，使我欣喜。我赞成它们的美学原则，利用阴影引起实感，利用片断引起整体感。荷兰的港湾、运河、教堂、人家，特别是那里的风车，使他着迷。回到巴黎后，在马奈的帮助下，莫奈在巴黎以北的阿让特伊定居。对水情有独钟的这位画家，于1873年在塞纳河上建造了船上的画室，此后，他经常在船上作画。充分运用了不同方向，角度的光照、颤动的空气来描绘水及水面上的景物，通过鲜明的轮廓，阴影以及闪动的亮点，创伤了一批作品。此时，与他一起进行创作的还有西斯莱、马奈、雷诺阿。

1872年，莫奈创作了日后扬名于世的《日出、印象》。这幅油画描绘的是从远处观望阿弗乐港口晨雾中日出的景象。它在1874年3月25日开幕的印象派画家第1次联合展览会上展出。这幅作品本不是莫奈画作中最典型的，但是，由于一位名叫勒鲁阿的评论家，在4月25日的《喧噪》杂志上，发表了题为《印象主义的展览会》的文章之后，此画才名声鹊起。该文对参展的许多作品逐地进行了潮讽，针对莫奈的《日出、印象》，他写道“糊墙花纸也比这海景更完整”。与这幅作品标题不无关系地，该文作者将这次展览会戏谑地称之为“印象主义的展览会”。加之莫奈本人曾经表述过“我所画的不过是印象而已”这样的观点，以及以他为首的这批年轻画家，确实注意捕捉对描绘对象的最初印象等因素，尽管这些画家中有要并不同意这个提法，但印象主义、印象派这个称号已经是不胫而走。以致在1877年第3次联展时，干脆将其用作展览会的标题。1874年的这次联展，是由莫奈倡议并和朋友们一起组织的独立画展出 ，以摄影家纳达尔腾出的几间工作室为展厅，参展画家共有30多人，其中包括德加、毕沙罗、塞尚、雷诺阿、西斯莱、摩里索等。参展作品共165件，其中莫奈作品12件，通过这次展览，事实上确立了莫奈在印象派画家中的领袖地位，画家本人也已形成了用光、色的变化，来表现所捕捉的瞬里印象的画风。作为这一新画风的典型作品，当数这次参展的莫奈的油画《卡普辛大街》。

1875年，经济上再次跌入窘境的莫奈，又向朋友们伸出了求援的手。6月份，在给马奈的信中他写道：从前天起，已身无分文，肉铺和面包房都不再赊帐。你能够寄给我20法郎吗？1876年，在第2次联合展览会上，展出莫奈作品18件。对于此次展览，社会上反映比较冷淡。莫标的油画《穿和服的女子》，以2千法郎的高价售出。同年，画家还创作了《火鸡》等作品。并开始了有关圣拉扎尔火车站的一系列创作。1877年，第3次联合展览会在丢朗、吕厄的画店中举办。展出作品共252件，莫奈作品30件。为了维持生计，画家以每幅40—50法郎的低价，卖给了画商肖凯一部分作品。

1878年3月，当卡缪生下第2个孩子的时候，莫奈又面临困境，他在写给左拉的信中说：家中无法生火，妻子又在病中，昨天我跑了一天也未借到钱。在另一封信中又说：如果明晚我付不出6百法郎，我们将被赶到街上。在生活的重压下，加上长期与官方沙龙对立的结果，背离了当时被多数人维护的路线，这时的莫奈已在考虑如何适时抓住机遇，改善个人处境。于是，在1880年将自己的两件作品送交了沙龙，莫奈此举被德加视为“变节”印象派画家之间出现了裂痕。为此，莫奈没有参加第5、6次联展。

进入80年代，大海成了莫奈新的创作源泉。此后的几年当中，在英法海岸，埃托塔等地，莫奈多次捕捉光与影的瞬间效果，创作了一批较之以前更富有冲击力的作品，为此有人将这一时期称作莫奈的“埃托塔时代”，图31、32是这个时期作品中的两件。

1882年3月1日，第7次联合展览会开幕，据马奈说：在这里，他“发现了印象主义的全部光辉作品”。这次展览中有莫奈作品35件。1886年的第8次联合展览，也是最后的一次，莫奈没有参加。它标志着印象主义运动的解体。

自从1883年起，莫奈开始在吉维尼定居后，再也没有迁居。吉维尼位于巴黎沿塞纳河到鲁昂的中间。住所内环境幽美，景色宜人，有林荫路、花坛、池塘、小桥┉画家晚年的许多作品都是在这里完成的。

1889年6月，为了纪念法国大革命一百周年，莫奈与罗丹两位大师举办了作品的联合展出，其中包括1864—1889年莫奈的作品66件，博得了好评。

进入90年代，莫奈创作了若干组作品，即“组画”。所谓的“组画”，就是画家在同一位置上，面对同一物象，在不同时间、不同的光照下，所作的多幅画作。这大概是莫奈晚年作品中的一个特色。比如1890—91年间，对同一干草垛，画家分别对在不同季节的早、午、傍晚的阳光下，物体所呈现出的不同色彩，任职多达15次的描绘，图44、45是其中的两幅。在1891—92年间，以同样的作法创作了“白杨组画”，图46、47是其中的两幅。1900—04年间，创作了“伦敦风光组画”，图51是其中的一幅。当1892—974年创作“鲁昂大教堂组画”时，莫奈租下了教堂对面的一间房子，从天明开始动笔，随着阳光的变化作画，一天下来，作品竟有20件，图48、49是其中的两幅。在进行这种创作时，他常常是很早起来，满载着成车的画布，根据日光的变化，每隔两个小时改画一幅。在80年代末、90年代初创作的组画还有《睡莲》。1900年11月，在丢朗、吕厄的画廊展出莫奈的《池中睡莲》组画26件，获得极大成功。1904年，又在该画廊展出了刚刚完成的有关泰晤士河风光的组画。

1908年9—12月，莫奈与夫人阿里斯一起前往威尼斯旅行。南国的风光、温和的气候、湿润的空气，映在水面上的白云、建筑物，这一切都激起了画家的创作欲望。在这里他创作的作品达30多件。图52、53是这些作品中上两件。

1911年5月，继1879年莫奈夫人卡缪去世后，他的第2位妻子阿里斯又先他而去。画家深陷于悲痛之中，视力也随之下降。1914年，47岁的长子在长期患病后不幸亡故，已是高龄 的莫奈更是形单影孤。在老朋友，曾任法国总理的克雷孟梭的劝说下，莫奈在自己的庭院中建成了长23米、宽20米、高15米的大画室，并着手创作大型装饰画《睡莲》毓系列。1922年3月，他决定将完成后的该大型装饰画捐献给自己的祖国，4月12日，他在“赠与书”上签了名。不久，由于白内障，画家几乎丧失了视力，9月，被医生禁止作画。转年后，经过手术，视力有所恢复。1925年，85岁的老画家独自一人，又在画定室、室外投入了大型壁画的创作之中。在人们期待的目光里，这件足以反映出画家对光与色认识的深度，描绘技巧娴熟的大型壁画《睡莲》，业已耗尽了他的全部心力。就在这件巨作完成的第2天、1926年12月6日，这位仅存的印象派大师永远地告别了人间，按照既定计划，《睡莲》被安置于卢浮宫旁、原法王亨利二世王后的土伊勒宫里宫中桔园的 园形大厅，作为永久性陈列品。1927年建成的该厅，被誉为“印象派的西斯廷礼拜堂”。（西斯廷礼拜堂内有波提切利等名家壁画，特别是米开朗琪罗的《最后的审判》，更是驰名世界）按照死者生前愿望，在他去世的第2天上午，举行过简单的告别仪式之后，即将遗体安葬于当地莫奈夫人的墓地。送葬的除去一些艺术家外，还有当地的群众，以及克雷孟梭，期间并未安排讲话，献花等。在静静中大家送走了这位艺术大师。

从印象主义的产生、发展看，始作俑者非马奈莫属，但真正完全实现印象主义理念和技法、并且一以贯之的当推莫奈。是他将毕生精力献给了对西方画界产生了重要影响的印象主义，是以他为首的一批艺术家的不懈努力，突破了此前学院派的保守思想，极大地冲击了19世纪后半叶占据西方画坛统治地位的官方艺术，从而为掀开西方现代绘画史新的一页，作出了重要贡献。为后人留下了宝贵的艺术财富。应该说莫奈是印象派画家中最先获得成功的人，尽管后来的野兽派、立体派、超现实主义等艺术流派，并未遵循印象派创立的一些原则，但创立这些流派的艺术家，都从印象派那里汲取过营养。

还要提及的是印象派的理念、技法，本是基于现实的观察而提出的，但是，由于热中于描写光与色，甚至将其神秘化，从而出现了不顾及现实物象的倾向。莫奈曾说过：作画里，要忘掉你眼前是哪一种物体，想到的只是一小方兰色、一小块长方形的粉红色、一丝黄色。因此，就出现了画家的创作中的注意力，不是集中于要表现的景物上，而是放到了景物周围的空间环境、光线、烟雾、气流所产生的效果上，或只是局限于表达在一定条件下，景物着光给画家留下的瞬间印象上。因此，就有可能导致只抓住了细微的变化，而失去了解对全局的把握；只反映了微妙的色彩层次，而忽略了景物形体的后果。

莫奈来到巴黎，在那里见识到了居斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet,1819-1877）、让-巴蒂斯特·卡米耶·柯罗（Jean Baptiste Camille Corot,1796-1875）以及爱德华·马奈（Edouard Manet1832-1883）的创作。他认真鉴赏了他们的绘画长处，并且以惊人的速度运用了他们的成就。但莫奈并不是他们的追随者，而是一个反叛者。莫奈并不想在学院完成他的学画过程，他只在1863年在格莱尔学院的画室里呆了一段时间。当他遇到了巴齐依（Bazille）、阿尔弗莱德·西斯莱(Alfred Sisley,1839-1899)和皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿(Pierre-Auguste Renoir,1841-1919)以后，他便劝说他们也放弃那些学字派课程。当格莱尔学院的画室停办后，他便把他的伙伴们带到枫丹白露林边的一个小村庄——舍依，在那里画户外写生。

当莫奈离开了格莱尔学院画室后，他并没有去充实他那相当贫乏的艺术修养，而是怀着火热的信念投入了自然生活的纯直觉观察；他根本不买各种理论学说的帐，而是发展出自己的一套绘画方法。

莫奈一生对造型漠不关心，他关心的是正确的层次关系。正是因为莫奈对造型格格不入，所以他能够轻而易举地表现出他所确实看见的事物，但也正因为此，他却表现不出事物的幻觉真实感。

莫奈不只满足于能够画他所看到的事物和按照他所看见的那种方式来做画；他想要创造一种独特的效果，达到一种在绘画上似乎是不可能达到的目的。他喜欢所有使人眼花缭乱的东西，他描绘的河水、天空、房屋和树木都洋溢着非同寻常的生命感。他的内心满怀着难以遏止的激动；从他的观念看他是一个现实主义者，然而从他本性看，他却是一个幻想家。

1864年，莫奈完成了“翁费勒的塞纳河口”，此画是1865年的官方沙龙上展出，并受到了热烈的欢迎，当评论家评论此画时说：“用调子所组成的和谐色彩……颇能吸引观众们的大胆感觉”。这表现出官方对人们很喜欢这幅画是完全可以理解的。油画表现了丰富的中间调子和那种暗淡、沉着的色阶。向深处展开的空间，通过河岸线而处理得十分成功按照传统，河岸线标志着中景和远景。在这幅画上，出于莫奈自己的东西，就是表现在前景水的笔触和云的笔触上的“颇能吸引观众的大胆感觉”；这些笔触加强了画面的传统效果。

在1866年，莫奈用了几天功夫完成并展出了他未来夫人的肖像“穿绿衣的女士——卡美伊”。这幅肖像引起了争论，但总的说来是成功的；有人甚至把它同马奈的肖像画相媲美。这幅肖像充分显示出了莫奈的个性：他对造型的淡漠态度，以及这个女人的动势和她的裙子上颤动的光都赋予整幅画特殊的说服力；由此而产生了一种动力感和生动性。

同年，莫奈展出了“圣日尔曼·俄塞罗瓦教堂”一画，这幅画对于他未来风格的发展具有更大的意义。油画是他从罗浮宫的一个阳台上画的，这幅画是要表现树叶上的反光。并排的笔触生动地表现了空气的振动，依靠这些笔触的结合而取得了绿黄色的光和绿黑色的影的生动效果。这里的用笔方法已经省印象主义①的了，但色彩还不够透明，甚至蓝色的阴影也还是浑浊的；它们画得就像是黑色。教堂和房子在颤动的树叶相比之下显得过于密集了。画中没有整体的形象，但树叶的画法却给我们透露出一点莫奈的色彩理想来

“穿绿衣的女士——卡美伊”是在画室里完成的人物画；“圣日尔曼·俄塞罗瓦教堂”是在外光下画成的风景画。“花园中的女人”一画把这两种观察方法结合起来了。这里的画面基本上是根据一幅照片安排的，这说明莫奈并不介意使构图服从了自然景物的偶然性。照片本来也该使莫奈想到空间的深远效果的，然而，莫奈对此也并未介意。使他感兴趣的仅仅是平面和色彩对比而已。正因为这幅画的人物没有立体感和起伏，色彩才能在这里大放其光彩和充分显示其多样性。妇女衣裙上的花饰，草坪上的鲜花，突出在大片浓绿之中的叶子，从树叶的空隙之间透露出来的天空，穿透阴影的光线，这一切造成了一幅色彩妍丽的镶嵌画的效果。但这幅油画缺乏色调效果：光线和阴影落在了人物所占据的同一个平面上，因此，光线不能渗透人体，不能成为形的实体。大片固有色起了过多的作用。所有这些合在一起，与其说是真实表现了所见的事物，不如说是一种公式，但这种公式正是一个空前大胆的纲领。这一纲领的公式化一旦消失，光线便将渗入中间调子，生命也将渗透每一个笔触，而整体的统一也就将要形成，那时，艺术就会变得花团锦簇，印象主义就要完全成熟了。

印象·日出和印象主义的诞生

1872年，莫奈创作了扬名于世的 “印象·日出”。这幅油画描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面无限的光辉，并非准确地描画使那些小船依稀可见。真实地描绘了法国海港城市日出时的光与色给予画家的视觉印象。由于它突破了传统画法的束缚，有位批评家就借用词画的标题，嘲讽以莫奈位代表的一批要求革新创造的青年画家位“印象主义”，这一画派以此得名。这幅画在1874年3月25日开幕的印象派画家第1次联合展览会上展出，这幅作品是莫奈画作中最具典型的一幅。

为历史铭记

莫奈在视觉观察方面无疑是一个富有创造性的天才。他善于从光与色的相互关系中发现前人从未发现的某种现象。他把全部注意力都集中在光与色上，从而找到了最适于表达光与色的明度差别变化的形式，他把这种光色明度差别变化从绘画的各种其它因素中抽象出来，把它提到了不可攀登的高度。莫奈的视觉观察是天才的、创造性的、非凡的，可是在这种观察的背后又是什么呢？他所看见的东西同他所感觉和他所想象的东西之间关系又是如何的呢？

莫奈在1874-78年间在阿尔让特依所画的一些画可以回答这些问题。如创作于1872年的“阿尔让特依的帆船”。在这幅图里中间调子代替了色彩对比，但不是借了色彩的混合，而是通过形成一种光的综合作用的色彩分解或组合。黑色已不再出现于画家的调色板，剩下的只是造成明与暗的光谱色彩，它们形成了形的实体。统一的色彩风格很自然地遍及整个画面：远景和近景，物体、水和天空，把这一切改造成为一种美妙动人的景象，而浑然一片、不分层次的空间透视，则把这远景和近景联成一个整体。紫色和黄色的调子同河水和天空的蔚蓝色交织在一起，这些颜色的调子差别把这些自然现象区分得清清楚楚，而且平静如镜的河面，仿佛就成了天穹的基础。几何学的透视已被忘却；它已让空气的不断运动代替了。每一种颜色单独看来十分柔和，它们的整体却又是强烈的；出现在我们面前的是天边焰火弥漫，白昼即将消逝的图景，一条大帆船静静地停在一片灰色的半阴影之中。这是一个幻想家的直观，在这烟雾缭绕、夕阳西下、一片忧郁的气氛之中，莫奈仿佛就是那光的生命，直接参与着它的逐渐熄灭。这是莫奈创作中的丰收时期，是他创作了色彩的传奇。

圣拉查尔火车站

绘于1877年的“圣拉查尔火车站”是一幅表现巴黎火车站的画，这是一个日常生活场面的实际“印象”。莫奈神往于光线穿过玻璃顶棚射向蒸气烟云的效果，神往于从混沌之中显现出来的机车和车厢的形状。莫奈相信光线和空气的神奇效果是最为重要的，他巧妙的平衡了画面的调子和色彩，这幅画出色的表现了力量、空间、对比和运动。

1883年莫奈过日维尔尼定居，他在那里建造了一座小花园，以便在那里画画；他在池溏里种了许多莲花，这使他发现了实现他纲领的主题：画一些坚硬的形体、水和空气，尽量使它们融合在一起。这便产生的组画“睡莲”，“仙女池，玫瑰色的和谐”就是这组画其中之一。这幅画反映了莫奈一种物我两融的愿望，但它没有一点悲怆的情调。

每一个研究莫奈创作活动发展的人都会发现，如果说最初的命运促成了莫奈的发展趋势，那么后来就是他自己创造了他的命运。之所以莫奈成为“印象主义”风格奠基人、被他的朋友公认为“班首”，是因为莫奈不可动摇的坚强意志。从所周知，印象主义意味着感觉和观察方式的变革，它不仅改变了绘画，而且改变了雕塑、音乐、文学，就是到了今天，它也没有失去影响力，仍然改变着我们。

代表作

《日出·印象》

《阿尔让特伊大桥》

《阿尔让特伊的帆船》

《卢昂大教堂》

《睡莲》

6. 印象派有哪些重要艺术家及他们的艺术特色

1.代表画家：
克劳德·莫奈
爱杜尔·马奈
埃德加·德加
文森特·梵高
奥古斯特·雷诺瓦
卡米耶·毕沙罗
乔治·秀拉
2.艺术特色：
印象派强调人对外界物体的光和影的感觉和印象，在创作技法上反对因循守旧，主张艺术的革新。绘画技巧上对光和色进行了探讨，研究出用外光描写对则乱象的方法，并认识孙行档到色彩的变化是由光色造成的，色彩是随着观察位置，受光状态的不同和环境的影响而发生变化。同时印象派着重于描绘自然的霎那景象，使一瞬成为永恒，并将这种科学原理运用到绘画中。根据观察和直接感受表现微妙的色彩变化。给后来的现代美术以极大的影响。
印象派追求光的描写，把画架从室内搬到户外，在野外作画，因此称为外光派。一般来说这样的画派属于早期的印象派。
印象派脱离了以往艺术形式对历史和宗教的依赖，艺术家们大胆地抛弃了传统的创作观念和程式。艺术家关注的焦点转移到了纯粹的视觉感受形式上，作品的内容和主题变得不再重要，因此区别于表现主义对内心情感的表现而忽视描绘对象的外在形象带嫌。

7. 艺术家都有哪些人

艺术家都有：

1、毕加索

巴勃罗·毕加索（1881-1973），西班牙画家、雕塑家，法国共产党党员。是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。毕加索是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，是20世纪最伟大的艺术天才。

毕加索的艺术生涯几乎贯穿其一生，作品风格丰富多样，后人用“毕加索永远是年轻的”的说法形容毕加索多变的艺术形式。

史学上不得不把他浩繁的作品分为不同的时期——早年的“蓝色时期”、“粉红色时期”、盛年的“黑人时期”、“分析和综合立体主义时期”（又称“立体主义时期”）、后来的“超现实主义时期”等等。

8. 舞蹈家有哪些

1、侯宏澜

侯宏澜是义无反顾的追梦人，成为法国莱茵芭蕾舞团首席客座明星后，一改古典风格，开始尝试现代舞风；担任中国芭蕾舞团首席独舞，风光正好，却出走创立自己的工作室，挑战自我。踮起脚尖，她是旋转跳跃中的芭蕾公主；脱下舞鞋，她是商战舞台上的业界精英。

2、刘岩

1982年出生，中国青年舞蹈家，毕业于北京舞蹈学院古典舞系本科，中国艺术研究院舞蹈学专业博士。文华奖和五个一工程奖获得者，奥运会开幕式中唯一独舞《丝路》的A角演员。奥运之后刘岩人生的巨大转变，他从演员转变为学者，从普通教师转变为研究人员。

5、刘震

青年舞蹈家，国家一级演员，中国舞蹈界的翘楚，舞蹈界的全满冠（所有正规的国家级比赛一等奖其都曾获得过）。舞蹈界中，他代表了近年中国古典舞表演的最高水平，他的荣誉柜里不仅国内有所有舞蹈的最高奖项，甚至还有白俄罗斯国际现代舞大赛之前已经空缺六届的表演全金奖。桃李杯一等奖和文华奖（舞台表演艺术的最高政府奖）得主。

9. 艺术家有哪些人

优雅而深邃的大师——达·芬奇；和谐典雅的大师——拉斐尔；独立而自我的北方文艺复兴大师——丢勒；严谨的北方文艺复兴肖像画大师——小汉斯·荷尔拜因。

达·芬奇生于托斯卡纳的芬奇镇附近。他在少年时已显露艺术天赋，15岁左右到佛罗伦萨拜师学艺，成长为具有科学素养的画家、雕刻家。并成为军事工程师和建筑师。 1482年应聘到米兰后，在贵族宫廷中进行创作和研究活动，1513年起漂泊于罗马和佛罗伦萨等地。1516年侨居法国，1519年5月2日病逝。

儒略历1452年的4月15日（公历4月23日），达·芬奇出生在夜幕降临三个小时后的芬奇（托斯卡纳小山镇），阿尔诺河流过的山谷附近，当时这个地方是美第奇家族统治下的佛罗伦萨共和国的领地。达·芬奇的父亲叫瑟·皮耶罗·达·芬奇，是佛罗伦萨的法律公证员，因此十分富有。他的母亲卡泰丽娜（Caterina di lippo）是农妇。

达·芬奇是他们的私生子。达·芬奇并没有一个真正意义的姓，他的全名“Leonardo di ser Piero da Vinci”意思是：“芬奇镇梅瑟·皮耶罗之子——列奥纳多”。"da Vinci"是指他的出生地佛罗伦萨西北约50公里的芬奇小镇，“ser”表明他的父亲是一个绅士。Leonardo（列奥纳多）才是他的名字。

10. 新裤子庞宽为艺术献身在大箱子内住两周，史上有哪些像他一样的行为艺术家

其实在艺术界中，像庞宽这样的行为艺术家还有很多，像是谢德庆、啊昌等都是大家熟知的行为艺术家。其实我个人对于行为艺术这种只靠行为来表达自己情绪的艺术表达形式是不桐清太了解的，但是一些精彩的行为艺术表演同样会让外行人感到惊叹。下面我来简举败单介绍一下我所知道的这几位行为艺术家：

行为艺术是一种艺术形态，行为艺术是经过艺术家亲身加入，通过精心策划而推出行为或事件，并通过与人交流，一步步发展，形成结果的过程。这个过程所表达的想法和寓意，就是艺术家想要向观众们所要表达的自己的艺术。而行为艺术家们一般都心思细腻，善于发现一些比较细小的东西，然后通过自己的行为艺术来展现在世人面前。