定格动画先驱艺术家有哪些

① 艺术家都有哪些人

艺术家都有：

1、毕加索

巴勃罗·毕加索（1881-1973），西班牙画家、雕塑家，法国共产党党员。是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。毕加索是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，是20世纪最伟大的艺术天才。

毕加索的艺术生涯几乎贯穿其一生，作品风格丰富多样，后人用“毕加索永远是年轻的”的说法形容毕加索多变的艺术形式。

史学上不得不把他浩繁的作品分为不同的时期——早年的“蓝色时期”、“粉红色时期”、盛年的“黑人时期”、“分析和综合立体主义时期”（又称“立体主义时期”）、后来的“超现实主义时期”等等。

② 羊毛毡定格动画艺术家制作的“迷你美食”系列有多可爱

羊毛毡定格动画艺术家制作的“迷你美食”系列，看起来超级可爱。大家都知道这是假的，但是这些食物做得太逼真，甚至还有网友想要把里面的食物，真正的吃一遍。里面的细节做的相当到位，有各种各样现代的家用小电器，比如说电铛饼、空气炸锅、烤箱等等，在动画片里演练了制作的过程，就连放油都有一点点小毛絮喷出来，看起来十分的逗趣。还有开关，再配上美妙的音乐，仿佛就是真实的在厨房里做饭。该艺术家的心思比较细腻，才会做出如此精美的动画片。那么事件的始末到底是怎么样的呢？让我们来具体了解一下吧！

总之，看这类动画片是比较很享受的过程。无论是什么样的物件，变小了之后都会显得异常可爱。

③ 超现实主义动画的先驱——杨·史云梅耶

杨·史云梅耶自己宣布，《昆虫物语》是他的最后一部作品。

日前，这部作品亮相于北京电影节，此前，《昆虫物语》只在鹿特丹电影节和捷克、斯洛伐克放映过，北京电影节是该片第一次的亚洲放映。然而，对于无数史云梅耶的老粉来说，《昆虫物芦颤语》作为一代动画大师的“封镜之作”却可能并没有达到他们极高的期望值，原因无非是——动画在电影中的比例太小陪余败了，不够过瘾！

目前，这部作品已有高清资源，我也在第一时间看过了。在讨论《昆虫物语》这部影片之前，我，史云梅耶的骨灰级死忠粉，必须要先认真介绍一下杨·史云梅耶和他的作品。

注意，这个介绍是非常认真的！

杨·史云梅耶是捷克当代最具有影响力的动画大师，同时也是世界范围内超现实实验动画的领头羊，在非主流动画领域，是一个绝对绕不开的存在。

史云梅耶于1934年出生于捷克第一共和国，年轻时就读于布拉格应用艺术学院和布拉格表演艺术学院。当时，捷克的政治局势非常紧张，在高压的政治下，“老师被禁止讲授现代艺术课程”，教授只能用“从非法途径取得的毕加索画作”偷偷给学生们展示。

尽管在如此高压之下，史云梅耶还是被现代艺术的魅力所折服。由于当局对艺术作品的管束极为严格，史云梅耶能够接触到现代艺术的机会非常稀缺，他不得不“去看将现代艺术作为反面教材进行批判的材料”。

机缘巧合之下，史云梅耶接触到了“超现实主义”，从此，萨尔多瓦·达利的绘画和路易斯·布努埃尔的电影成为了他的最爱，这个时期对超现实主义的研究和模仿为他后来的动画创作铺平了道路。同时，对鲁道夫二世和朱塞佩·阿尔钦博托的崇敬，也构成了他日后影片中风格主义的基础。

像很多大器晚成的导演一样，1964年，史云梅耶在30岁时才拍出了真正意义上自己的第一部作品。在此之前，史云梅耶接受了大量木偶戏和定格动画的训练，也曾在捷克木偶动画大师吉利·唐卡的工作室中担任过木偶操控师和角色设计。因此，当“捷克新浪潮”的号角吹响之际，借着这股东风，史云梅耶通过创作迅速成长了起来，成为了一位先锋的艺术家，开始了漫长而活跃的动画创作之路。

而政治，是史云梅耶作品中永恒的主题。

史云梅耶自己也说过，他的所有作品都是政治电影。政治因素的影响贯穿史云梅耶的创作生涯，尤其是在“布拉格之春”（1968）之后到“天鹅绒分离”（1993）之前，同时也是史云梅耶创作最活跃的时期，政治成为了他作品中一切晦涩与讽喻的原因。所谓“国家不幸诗家幸，赋到沧桑句便工”，大致如此。

你能够在史云梅耶的作品中感受到高压政治对个人的压迫（《公寓》），看到因告密与害怕被告密而导致的人体异化（《花园》），能看到政治荒诞下人的精神混乱（《奥兰多城堡》），能看到史云梅耶对政治把戏的嘲讽和戏弄（《斯大林主义在波西米亚被终结》）……这一切敕喇喇地藏在老杨风格独特的外在形式中，明目张胆。

后来，由于当局的打压和长达七年的禁拍，史云梅耶的作品愈加晦涩，悲观主义的氛围也愈加浓厚。在禁拍期间的探索和积累后，他创作了《对话的维度》、《食物》、《黑毁春暗 光明 黑暗》等世界范围内广受好评的影片，来表达他对政治、人性、文明、沟通等各方面的思考以及悲观。

法国的《电影手册》盛赞他：

可见史云梅耶的功力之深，出神入化。

但即使剥除政治的因素，史云梅耶的作品依旧趣味十足，其内涵具备多解性，主题涉及了多种人类共通的情感体验，而其独特的风格也很容易唤醒人们对物体触感的记忆和知觉。

可以说，他的作品既有对形式和风格的追求，也有对文本和内涵的要求，他的作品，在整个动画界都是独树一帜的存在。

对于许多不了解史云梅耶背景的观众而言，他的作品是好看的但也是难解的。除了大量政治的隐喻，史云梅耶的作品中还充满着独特的视觉符号，通感式的触觉体验，网络全书般的陈列、展示、拼贴、复沓，超现实的狂野表达，以及各种玩偶的断肢、扭动的蛆虫、蠕动的舌头、腐烂的食物等视觉元素。这些共同组成了史云梅耶令人过目难忘的视觉风格，让同好者极爱，厌恶者极恶。

由于史云梅耶的风格元素复杂，符号繁多，想象力更是天马行空，光怪陆离。观众常常被其荒诞、猎奇、恐怖、哥特的cult风所吸引，比较难以触及其深层的内涵。因此，本文尽量用深入浅出的方式对史云梅耶的作品风格进行归纳和分析，但仁者见仁，智者见智，对于符号的解读从来都不是绝对的，每个观众都有权利保有他自己的理解和感受。

好了，让我们先从史云梅耶最入门也是最广为流传的两部短片《对话的维度》和《食物》为例，进行分析。

这两部作品均是由三个章节构成，每个章节内部又有重复和递进的结构，显得非常工整。受风格主义的影响，这种章节式的结构在史云梅耶的作品中并不少见，但多数都是《诗经》式的“重章叠句，一唱三叹”，主要发生在一个完整作品的内部，如《石头的游戏》、《自然史》、《荒唐童话》等，而《对话的维度》和《食物》这样明确分章节并且每个章节的内容泾渭分明的，唯此二篇。

对于第一次观看史云梅耶作品观众而言，在看过这两部短片之后可能会陷入深深的震撼和久久难以平静的喘息，甚至忍不住连续大呼“卧槽！”来表达内心的情感。如果要提取出三个关键词，我会选择“黏土定格”、“触感对比”和“人物异化”。

我们分别来从这三个切入点来进行讨论。

黏土是史云梅耶后期最常用的创作材料之一。作为一种可塑性极强的材料，黏土的塑造与拆除的过程本质上都是一种创造。从史云梅耶的角度来说，除了可塑性，泥土也是质朴的、自然的、孕育生命的，这种材质本身能够唤起人们的触觉记忆，而黏土与真人的动画结合，也让观众更加真实可感。

史云梅耶在使用黏土时不会回避黏土本身的特征，因此，观众能感知到泥土的柔软，遇水即蔫儿；也可以坚硬，掷地有声。

除了黏土，史云梅耶情有独钟的创作材料还有鲜肉（《肉之恋》）、石材（《石头的游戏》）、碎木屑（《爱丽丝》）、纸张（《荒唐童话》）等。

从史云梅耶第一部作品《最后的把戏》开始，他就有意识地展现物体的触觉质感。在史云梅耶遭受禁拍的七年时间里，史云梅耶把自己投入到“触觉实验”当中，并将他的实验成果投入到复出后的作品中。

史云梅耶是一个不折不扣的“恋物癖”，他不止一次表示过对数字动画的反感，坚持使用真实生活中的物品并致力于呈现物体的质感。对他而言，每一件物品的触感就像它的灵魂和生命，是有温度的。

每一次创作新作之前，史云梅耶都提前收集物品，并尝试用不同方式去展现物品的真实触觉。因此，物品在史云梅耶的作品中具有极为重要的地位，有时候，拟人化的物品甚至作为正面角色反抗人类的压制，获得人们的认同和怜悯。

在《对话的维度》中，无论是第一章的“趋同对话”还是第三章的“自由对话”，都在通过物体质感之间的和谐与矛盾进行内涵的传达。这种可触、可感，是史云梅耶作品最为突出的特征。

史云梅耶的动画作品中，常采用真人与定格动画相结合。然而，绝大部分的情况下，人物是没有自我意识的。人失去了人所特有的属性和尊严，被贬低和物化。

他可能是作为生产者的工具

可能是被操控的人偶

可能是欲望的化身

总之，在史云梅耶的作品中，人不具备一般人类的属性，更多的是被物化，因此，观众在观看过程中，也会自觉与影片中的人物在本质上不同，从而不会产生共情。甚至说，正是这种人类的“工具属性”，让一些观众感觉到恶心和不适。

为了突出这种人物的异化状态，史云梅耶将真人与定格动画相结合，进一步让观众产生疏离感和陌生感。从另一角度讲，史云梅耶也可以说是将人的身体作为创造的材料，与黏土、石头作用相似。

当然，除此之外史云梅耶的作品还有诸多其他的特点和手法。他吸收并汲取了超现实主义和风格主义的精髓，善于运用立体派的拼贴手法 (Collage) ，在影片中创造出一个又一个光怪陆离的黑暗世界。

尽管政治是史云梅耶绝大部分影片（他自己说是所有影片）最重要的主题，但这并不是说离开了政治史云梅耶就丧失了表达欲。相反，对于普通观众而言，正是因为剥离了政治元素还能获得观影的快感和解读的可能，史云梅耶才成为史云梅耶，而不是一个总是在呻吟的捷克版伤痕导演。

有一些主题是史云梅耶的作品中常常涉及的，简单粗暴的分类有以下：

下面一一介绍：

关于“童年梦魇”的主要影片有三部，分别是《荒唐童话》（1971）、《地下室的怪物》（1982）、《爱丽丝》（1987）。其中，《荒唐童话》和《爱丽丝》都改编自刘易斯·卡罗尔创作的文学作品，但又都跟原着没什么关系。甚至说，史云梅耶有关于童年的作品并不那么美好，反而略显得恐怖。

史云梅耶拥有一个并不幸福快乐的童年，除了政治环境的原因之外，由于性格孤僻他还被小孩子们当作“怪胎”而孤立。小时候因严重厌食症而被逼迫进食的经历对史云梅耶造成强烈的影响，因此史云梅耶在日后的创作中经常使用“进食”“吞没”等的符号意向，来表达人类对欲望的一种反馈。

《荒唐童话》是史云梅耶关于童年的三部作品中唯一一部稍显美好的。这部作品用物品描述了一个孩子童年快乐玩耍的经历，最后孩子逐渐长大，海军服换成了西装，幼时玩伴的黑猫被锁进了笼子里，影片戛然而止。而《地下室的怪物》则是描写了孩子在小时候对黑暗的幻想和恐惧，就跟史蒂芬·金在《小丑回魂》开篇中描写小男孩对地下室的恐惧如出一辙，非常写实。

《爱丽丝》是史云梅耶从业生涯的第一部电影长片，这中间的爱丽丝没有进入仙境，而是被困进了一个潮湿阴暗的空房子里，遭遇了许多不愉快甚至可怕的东西，最后发现只是梦一场。结尾暗示了爱丽丝长大以后就变成了那个砍人脑袋的残忍红皇后，可以说是细思极恐了。

在史云梅耶的作品中，对于人类的欲望有许多种表达方式。最常见的是生肉、舌头、嘴巴、吞没的动作等，赤裸裸，血淋淋。

谈到欲望，不得不说就是长片《极乐同盟》（1996），这绝对是史云梅耶作品中数一数二变态的一部。全片不着一句台词，描写了六名男女讳莫如深的变态性癖：有的喜欢制作公鸡头套，有的喜欢捏小面包球，有的细化自制自慰机器，有的似乎有sm的倾向……这部作品荒诞怪异，却又充满着变态的乐趣，人与动画结合的比例适当，全片充斥着奇思幻想，可以说是史云梅耶长片中极为优秀的一部。

除了上文提到过的短片《对话的维度》和《食物》，《黑暗 光明 黑暗》也是史云梅耶对欲望的深刻反思之作。在这部作品中，一间空荡荡的屋子，灯亮了，最开始先有一只手，然后逐渐的另一只手、眼睛、耳朵等器官也进到了房子，房子里面的形态越来越完整。当象征欲望的男性生殖器撞进屋子后，身体进入，房间里所有的器官拼合成了一个完整的人，但此时，人由于个体太大，被困在房间里不能动弹，最后，灯灭了。

可以看出，史云梅耶对人类的欲望态度是消极的，但他乐意表现人类的欲望，甚至不惜牺牲作品的可看性，也要更加深刻地反应人类欲望以及欲望导致的恶果。

正如上文所言，史云梅耶的作品中人物是异化的，人类失去了原有的属性而贬低为和物几乎相同甚至更次一级的存在。当然，除了将人类物化，史云梅耶还喜欢挖掘人类癫狂无序的精神世界，或者说精神病世界更为妥帖。

《梦魇疯人院》就是一部着重于讲述人类精神世界的作品。史云梅耶采取如《卡里加里博士的小屋》一样的嵌套结构，表现了一个精神病人的里世界。有趣的是，这种嵌套结构是没有确切答案的，因此你不能说究竟是因为主角患了精神病还是这个真实的世界就是如许癫狂。

其实在史云梅耶一切以人为主角的作品中几乎都存在这样的一个悖论 ，也都涉及人类的主观世界中的“疯”。不论是《到地窖去》和《爱丽丝》中的小女孩儿，还是《公寓》中处处受制的男主角，或者《浮士德》中的浮士德博士，史云梅耶在展现人物经历的同时，都会不自觉地挖掘他们的里世界：无论是梦境、幻想、幻觉抑或是没有确切说明的现实，一切的荒诞不经都可以用这种方式进行解释。

说了这么多让我们回到开头的《昆虫物语》。

进入长片时代，史云梅耶使用动画元素的比例大大降低，除了第一部《爱丽丝》还在使用大量定格动画的元素，越往后，长片中的动画元素越少，到了最新的这部《昆虫物语》，可以说是少得可怜了。

而天鹅绒分离之后，由于政治环境的松弛，史云梅耶的作品也不再具有前期短片的那种尖锐性，写政治的越来越少，更多地倾向于表现人类的强烈欲望和精神世界。94年以后，《浮士德》、《极乐同盟》、《贪吃树》、《梦魇疯人院》、《幸存的生命（理论与实践）》，都是这样的一个方向。

因此，我们在看《昆虫物语》，会觉得不仅观看动画的期待值完全没有被满足，而且影片的尖锐度和cult感也大打折扣。也许是年纪大了封山之作独留的温情，也许是众筹影片成本不足，也许是出于对动画生涯的情怀，总之，《昆虫物语》这部影片在风格和形式上有所妥协，而内容上的争议性也小了许多，还在影片中穿插着片场的制作花絮，相比往日温情了许多。

但你能说这部作品不够史云梅耶吗？

当然不能！

实际上，除了影片的动画比例过小，其本质上还保留着史云梅耶的一贯元素。除了史云梅耶一如既往地对嘴部特写地热衷，将人物比做昆虫最后变成昆虫，是对人类形象的贬低和物化；导演对演员的压制和专横，一定程度上既具有政治的讽喻性，其本身也是欲望的象征；人物出现昆虫的幻觉，是史云梅耶对人类精神世界的描绘；人物变成昆虫，某种程度上是一种淘汰和被迫趋同……

当你熟悉了史云梅耶影片中常见的符号和主题，观看过程中就能像套公式一样套。当然，话不能说死，理解都是主观的，也不能完全一概而论。

当然，还有需要明确的一点是，尽管史云梅耶多年来一直从事着动画创作，但是，他最开始是一名人偶操控师。偶动画在捷克的动画历史上占据着极为重要的光荣地位，而本片最大的特点，就是将人“偶化”，用舞台化的表演强调人物的被操控感，来传达史云梅耶一以贯之的主题思想和符号内涵。

可如果非要比较，《昆虫物语》确实又不如之前的长片，比如我最爱的《爱丽丝》，或是最变态的《极乐同盟》，抑或者大多数人都认为是长片中最好的《梦魇疯人院》。

它动画比例少，主题不够尖锐，内容不够深刻，风格不够变态，想象力也不如之前那么天马行空……

可是，当我看到影片开头，史云梅耶坐在凳子上絮絮叨叨，又总是懊恼忘词的可爱样子，看到从片场的窗户里伸出一个白胡子白头发的脑袋，还是忍不住会想到：

老爷子今年84了，这么大岁数，你不能要求他再像年轻时候一样精力充沛，热血沸腾；他用一笔众筹来的资金，坚持古法炼钢，拍摄这样一部并不够完美的小成本影片作为他的封镜之作。但他至少没那么悲观了不是？年纪大了，继续悲观也不好。所以现在这样，对观众而言虽然有遗憾，但也挺好的。

啊，愿老爷子健康长寿，继续做活化石就好！

无论《昆虫物语》好坏，史云梅耶依旧是伟大的。更够跟这样一位先锋而不忘初心的艺术家生活在同一个时代，对我而言，实乃大幸。

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④ 世界上有名的美术家有哪些

1、达芬奇 作为文艺复兴时期作卓越的代表人物达芬奇的成就和贡献是多方面 的.达芬奇出生在佛罗伦萨附近的一个小镇 芬奇镇.他小时侯曾经拜佛罗基 奥为师佛罗基奥首先让他练习画蛋一画就是几年然后才开始教他作画.由 于达芬奇打下了坚实的素描基础后来终于成为一代宗师.
2、凡．高 凡高是荷兰人但长年生活在法国是后印象派的重要的画家.和他的同胞伦勃朗一样凡高也喜欢为自己画像
3、丁托列托 丁托列托出生在威尼斯是一个染坊主的儿子.他长期生活在故乡用画笔装饰城市的庭院和教堂.他曾拜师提香追求提香般绚烂的色彩和米开朗基罗般结实的形体是他的目标.
4、毕加索 毕加索西班牙人自幼有非凡的艺术才能.他的父亲是美术教师又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练具有坚实的造型能力. 他一生中画法和风格几经变化分为这样几个时期: 蓝色时期" 玫瑰红时期" 黑人时期"
5、高更 高更是法国后期印象派三大巨匠之一.他起步较晚早期的画追求形式的简化和色彩的装饰效果但还没有摆脱印象派的手法.他不但对埃及古代绘画很感兴趣而且向往仍处于原始部落生活的土人们的风习和艺术.被称为原始人产最高典型.
6、列 宾 俄罗斯写实主义绘画大师列宾与法国绘画巨匠莫奈，同为19世纪后期欧洲美术史上，引人注目的重要级人物。他们的艺术在欧洲的东西部，各领一方风骚，影响力延伸到整个20世纪。
7、卢 梭 由素人画家跃居为近代朴素绘画大师的卢梭，是一位自学成功的典型画家。他的作品糅和了现实与梦想，充满了自然原始的天真活力。
8、达 利 达利是盘踞在超现实主义中心的一位恃才傲物的怪杰，与毕加索、米罗三人都启蒙于西班牙加泰隆尼亚这块地灵人杰的土地上。其特异独行的艺术，为本世纪的画坛增添了许多灿烂光辉。
9、米 勒 米勒是19世纪写实主义杰出的代表画家。他的童年和青年时代都在农村度过，对农村生活和在那里劳动的人们，有深刻的了解和深厚的感情，了解他们的了欢乐与痛苦，也分尝着他们的信仰和偏见，这使得米勒成为伟大的田园画家。
10、怀 斯 安德柳·怀斯是美国20世纪最伟大的画家之一。他描绘美国乡间自然风土人物的画作，以精致逼真的写实风格，表现了人与大自然的交流与调和，朴实的题材，引发人们怀念乡土与自然的情思。
11、雷诺阿 雷诺阿是着名的印象派大画家。他的绘画在追求光的感觉中，用鲜明丽透明的色彩，将古典传统和印象派绘画做了最完善的结合。不论是丰腴的女人、天真的孩子童，还是阳光照耀下人浴女，在雷诺阿的画笔之下，都充满了温暖、鲜明、迷人的梦幻般魅力。
12、夏加尔 夏加尔是20世纪极具亲和力的大画家。犹太血统、生于俄国，入籍法国的夏加尔，不但追求天真纯朴，并感性地面对生命、爱情与艺术。
1、莫迪利阿尼 蒙巴纳斯王子”莫迪利阿尼只活了三十六岁。他出生于罗马犹太名门，一生追求礼赞生命与情爱，犹太人特有的敏感及意大利艺术的传统与根源均影响他的画作及石雕作品。14、康丁斯基 1910年，具有东方血统(祖母为蒙古公主)的康丁斯基画下了美术史上第一幅纯粹抽象画。三十岁才立志学画的康丁斯基，很少停留在固定的绘画模式中，总是不断思考、审视、推进自己的创作，
15、柯 罗 在法国艺术史上，柯罗是19世纪最出色的风景画家，与17世纪的普桑及克劳德·洛兰同称法国三大风景画家。柯罗的风景画朦胧而富有诗意，无论是早晨清新柔和的光线，还是黄昏洒满一地黄金的湖光山色，美丽的梦中桃花源景致都令人为之向往。
16、米 罗 出生于西班牙巴塞罗那的米罗，早期艺术受塞尚影响极深，在经历立体派、超现实主义的洗礼后，发展成自己独特的风格。本书收集了米罗早期作品，及“荷兰室内”、“星座”等系列代表作，另附加造型独特的雕塑 作品与其生平记事，足以解析米罗与众不同的艺术。17、杜 菲 作为20世纪初叶现代绘画史开端的野兽主义成员之一的劳尔·杜菲，是一位多元化创作的艺术家。除绘画之外，他的艺术领域扩展到挂毯、壁画、布料图案设计及陶瓷创作，活泼的曲线运用，成为崭新流行设计的先驱。
18、蒙克 北欧表现主义先驱者——蒙克，是一位风格独特的挪威籍着名大画家。他的童年生活几乎都笼罩在死亡与疾病的阴影之下，而这些可怕的经历，不仅在他的心灵上烙下深刻不灭的印象，也间接地变为创作绘画时的灵感素材，这使得蒙克在西方近代绘画史上与众不同。
19、德加 生孤独，不善与人交往的德加，是矛盾、冷漠与遁隐的组合。在他的艺术世界中，没有雷诺阿所强调的享乐与随和，也没有梵高的可怜或自我毁灭。他以冷淡而敏锐的观察，描绘出人物动作的瞬间印象，显现出鲜活的魅力。
20、马蒂斯 马蒂斯与毕加索同为20世纪现代艺术的巨擘，而野兽派更引导了20世纪的绘画大革命。以马蒂斯为首的野兽派画家，利用红、蓝、黄、绿等色彩，表达简约物象的自然本质，描绘内在真挚的感情与装饰效果，创作出令人惊艳，极度自由、奔放、华丽、平衡的作品。
21、勃拉克 勃拉克与毕加索是立体派艺术的两位先驱代表人物。他们曾携手作画，共同为自然界的视觉形式寻求新的定义，独特的理论与杰出革新的画作，在现代艺术中，占有重要的地位。
22、蒙德里安 20世纪几何抽象艺术大师蒙德里安，是荷兰三大画家之一。在经历了荷兰画派、印象主义及表现主义的洗礼后，于1917年创立风格派，发展出他独特的构图理念，将绘画的基本元素，结合几何图形的排列，建立起独树一帜的新造型主义艺术。
23、莫 奈 莫奈是印象派最具代表性的画家，不但长寿(享年八十六岁)，而且画作数量惊人。他常对同一画作主题在不同时间中写生描绘，画出不同的光景气氛，显出光与色的高明度及鲜明感，交织成光与色彩的华丽交响诗，创作出印象派的巅峰之作。
24、塞 尚 出生于法国普洛文斯，原习法律而后献身艺术的塞尚，一生的艺术生活，都从自身接触自然而来。他认为“自然不是表面，而是有它的深度”、“色彩丰富，画面自然充实”。丢勒 丢勒 德国画家.1471年5月21日生于纽伦堡1528年4月6日卒于同地.祖籍匈牙利自幼随父学习金银工艺后拜版画家M.沃尔格穆特为师.成年后出游意大利威尼斯和尼德兰 与C.贝利尼等友谊甚笃充分吸收文艺复兴美术的技艺和理论
25、乌埃 乌埃.S. 法国画家.17世纪上半叶法国宫廷古典主义艺术的主要代表. 他的常常借用神话或宗教题材来为路易十三王朝歌功颂德深得统治阶级人物的欢心.
26、霍贝玛 霍贝玛 从十七世纪起荷兰专门从事风景画的人已很多.其中成就最大的是 雅.鲁伊斯达尔和霍贝玛.
27、庚斯博罗 庚斯博罗是18世纪继荷加斯之后在英国画坛脱颖而出的天才画家.他虽然不大喜欢读书甚至连普通中学都没有读完但是他"说起话来妙语连篇"他虽然没有着述传世"可是以他写给密友的信来看他的知识又很少有人可以与其相比".
28、夏尔丹 782年法国举办的青年画家展览会上展出了夏尔丹的 红鳐鱼 与 餐具橱 两幅作品得到了拉吉莱赫的高度赞赏.同年夏尔丹被接纳为美术学院院士.以后他在创作纯熟的静物画的同时以充满爱情的笔致描绘着洋溢诚实宁静气氛的家庭生活.
29、委拉士贵支 委拉士贵支在1649年第二次去意 大利时在那里完成了一幅着名的肖像画教皇英诺森十世像画面上的教皇尽管脸上流露出一刹那坚强有力的神情但是他放在椅上的两只手都显得分外软弱 无力.画家巧妙地抓住了这一点
30、克拉姆斯科依 克拉姆斯科依所画的托尔斯泰像 具有深刻的人民的基础画像以非常 忠实与极其朴素的手法把"伟大的 狮子"的形象给后代人 保存下来.

⑤ 从艺术家身上汲取当代艺术智慧

《当代艺术的十九副面孔  大师与我们的时代》 编着了国际着名策展人、艺术批评家、蛇形画廊艺术总监汉斯.乌尔里希.奥布里斯特与当代艺术大师的十九篇对话，包括对15位艺术家、4位建筑师的访谈录。

用了两个月的时间（8.11-10.5）来阅读这本书，断断续续。开始读得仔细，一边读一边写感悟。预计自己写得差不多了，在九月中旬还有三分一进度的时候竟然停下来，因为我被别的文字吸引开了，因而断开了有两周吧。正好利用这个国庆长假掩卷。

这本书不是我买的，当代艺术也不是我感兴趣的领域，可是来到我的身边，又被爱艺术的新新人类推荐，说是网评不错，好在有建筑题材，所以看看无妨。而我竟然是抢先阅读了，比购书人更早领略其中的妙韵。

现代艺术，一直以来无感的艺术领域。对着抽象的绘画、装置、行为艺术、实验性体验，往往因看不懂而放弃。各种展览，往往对现代艺术部分跳过，而把更多时间放在容易找到出处及信息的古典艺术和近代艺术。看了这本书，领悟到这些艺术家（包括画家和建筑师），在逐渐摆脱、减弱宗教信仰和偶像崇拜的现代社会，把注意力从古典艺术中移开，更深入地思考新技术（了解实质，探索应用，回归本源）、环境（更多地融入，对与自然/世界/他人/自我关系的探讨，寻求各种可能）、人类（群体性行为、个体差异、精神分析），而创作出不同凡响的现代艺术作品。他们的成就，已经逐步发展到从实验性工作室和展览，从制作模型，进一步拓展到城市规划和典型建筑（公共雕塑、公共区域等），融入到我们的日常生活中，不断丰富世人体验世界的方式。他们从时间和空间中寻求可能，在对比、交错和扩展中。往过去回溯，往未来想象，立足于当下；往东南西北上下左右反方向地找，在地区、气候、文化、人类危机中汲取灵感。

现代艺术是什么？透过这本书，我感觉到的，一是艺术家们以绘画、装置、数字展示等手段来创作或暗示，展现当代人类行为背后的象征意义，对自我价值、人际关系的隐喻，挖掘社会性、孤独感、归属与抗拒…这些难以用语言解释清楚的哲学内涵…我们是谁，我们从哪里来，我们要到哪里去，我们在干些什么，我们还是我们吗？…不变的主题，崭新的思考。随着时代的步伐，这些主题不断演化不同的内容。二是现代艺术作品也不再局限于巨象的绘画、雕塑、装置。留白——诱发观者脑海漫游，互动——激发观者参与作品……正在成为新的趋势。现代艺术不是静态的，不仅仅远观，还能进入、生长和变异。就好像自媒体一样，每一个人都可以“自艺术”，并自我欣赏和陶醉。“我”在艺术里，也在艺术外。艺术的空间性和时间性得到前所未有的彰显。三是现代艺术也不再局限于单独的呈现，现代艺术品在诞生的时候是一种物品，体现艺术家一种思想；在展出的时候，在时间性和空间性的变异中，会使原有思想更丰富，引发不同观者的共鸣或者遐想，更有可能增加另一些思想。现代展览汲取多种手段，通过建筑（博物馆）、布局（策展）、呈现方式（技术手段），让现代艺术品焕发前所未有的时代特征。甚至有些展览，本身就是一种艺术作品，因展览而生，撤展而去。

十几名现代艺术家或建筑师，其中好几位是兼而有之的双料，奥布里斯特与他们的对话越看越起劲，在每一篇里，必定有某些内容让我产生激动兴奋的感觉，不确定都是共鸣，有启发，有遐想，各种各样的想法：

他们喜欢颠覆传统（例如不待见常规的美术馆展示模式），他们喜欢涂鸦及出丑（例如吉尔伯特与乔治双人组，展品《脏话图片》、《裸体大便图片》）。

他们反抗战争。他们的艺术作品取材于炸弹和飞机，取材于血淋淋的头颅。他们反抗性别歧视。他们的艺术作品取材于女性身体，取材于哲学家们对女性的恶毒评判语言。他们用拼贴作为最直接的艺术展现手段。

他们用空间造就时间错觉，用时间制作空间错觉，用图片输出文化错觉，让观者通过直观的视错觉来了解我们观看事物的方式。

他们借由艺术，创造真实或虚幻，把疯狂的想法透过艺术创造来实现。艺术家的梦，不再由潜意识催生，而是直接在意识中创造。

他们把艺术融入现代感更强的思考当中，思考环保，思考公众，思考“少即是多”，思考毁灭与创造，思考文明的延续。

《当代艺术的十九副面孔  大师与我们的时代》的作者，汉斯•乌尔里希•奥布里斯特（Hans Ulrich Obrist），1968年生于瑞士苏黎世，现为伦敦蛇形画廊联合总监，是活跃于当代艺术界的着名策展人和批评家。奥布里斯特迄今曾参与策划和发起了150多个展览与项目，编撰有70多本学术着作。奥布里斯特受到乔尔乔·瓦萨里（Giorgio Vasari）的着作《名人传》（The Lives of the Artists）的启发（在这本书里，瓦萨里将他同时代的艺术家和建筑师视作历史人物进行记录），奥布里斯特由此产生灵感，也把自己与艺术家们不断的谈话记录下来，当遇到抗拒时转而采用邮件方式提问，艺术家们会回复图像或画作来回复。在这些对话的初期，奥布里斯特不仅要问艺术家在既定框架内能做什么，还要问他们想做什么。通过聆听这些尚未完成的新项目，奥布里斯特获取最重要的信息，以能帮助他们实现这些想法。奥布里斯特把这些谈话视为一个人所需要的“知识花园”，一个可供研究学习的花园，以给自己提供新的想法。通过这些对话，奥布里斯特迫切希望消除学科之间的藩篱，很多领域貌似迥异，但其间的联系最能激发灵感的：“跨越对知识共享的畏惧，即是本书的主旨所在。”

终于明白自己为什么之前对当代艺术不感兴趣，是的，当你只把目光停留在一幅幅古典油画上，只关注自然风光和旖旎色彩，就不会留意到人类对自身内在、对时间空间的渴求。当代艺术与建筑相结合，打造公共空间，创造了人与人的新型连接、人与自然的新型连接，超脱了传统的美术馆、博物馆和艺术中心，融入更丰富的全球语境，是多学科渗透的领域和成果。城市建设也更如此，保持历史渊源，持续展现文化民族特色，突出不同地域人民的主体化，很需要现代艺术的介入和重构。

PS：这本书有个很大的遗憾，就是书中所讲述大量的画作、雕塑及建筑，都没有相应的图片。通过度娘，也能搜索到一些相关信息和图片。但你知道，光从文字来想象就够无力了，即便是图片，也只有局限和单一的平面效果。真的，只有实地观摩，置身于其中，才能被震撼到。还有一个遗憾，就是没有与中国艺术家的对话。

这本书的封底，印着这样的话：

谈话一旦开始， 就没有终点，亦不会停歇。就像当代艺术，一旦开启，就只能向前。

“当代艺术是现实世界的映像，发生在世界上的所有事，都可以在这里找到影子。”

透过当代艺术家之眼，洞察我们所处的时代。

与十九位艺术家的对话，究竟带给我们什么启示？一个个看过来，我满脑子都是他们的努力呈现，呈现一个个全新的话语世界。我想重温一下，努力用一两句话把他们的特性和思想总结下来，最后不得不放弃。对话内容实在太丰富了。

第一位：大卫•霍克尼（1937-，英国着名画家，涉足绘画、拼贴、摄影、数字绘画等多个领域。代表作：画作《我和我的英雄们》、《水边的大树》。）

第二位：多米尼加国•冈萨雷斯-弗尔斯特（1965-，法国艺术家，创作以影像、视频、空间装置为主。代表作：《幼年》。）

第三位：伊莲•斯图尔特文（1924-2014，以仿制和挪用同时代艺术家的作品进行创作。代表作：《斯宾诺莎在拉斯维加斯》。）

第四位：欧内斯特·曼可巴（1904-2002，出生于南非，是南非率先从事当代艺术的黑人艺术家之一，主要活跃于欧洲。代表作：雕塑《信仰》。）

第五位：费利克斯·冈萨雷斯-托雷斯（1957-1996，生于古巴，美国当代艺术家，作品涉及绘画、摄影、装置等。同性恋者。代表作：《无题》。）

第六位：弗兰克•盖里（1929-，当代着名结构主义建筑师，以设计具有奇特不规则曲线和雕塑般外观的建筑着称，如古根海姆艺术博物馆。代表作还有鲁玛中心/阿尔勒创意公园。）

第七位：格哈德•里斯特（1932-，德国当代艺术家，创作涉及抽象绘画、波普艺术、基于照片的写实主义、具有极少主义倾向的绘画与雕塑等。代表作：《鲁迪叔叔》、科隆大教堂的窗户装置。）

第八位：吉尔伯特与乔治双人组（1943/1944-，艺术家组合，英国行为艺术先驱。代表作：《脏话图片》、《醒来》、《裸体大便图片》。）

第九位：路易丝·布尔乔亚（1911-2010，生于法国，后移居美国，雕塑家、画家、批评家与作家。代表作：女巫审判案受害者纪念馆装置。）

第十位：玛丽娜·阿布拉莫维奇（1946-，生于塞尔维亚，当代行为艺术家，被称为“行为艺术之母”。代表作：《无量之物》。）

第十一位：莫妮尔·沙鲁迪·法曼法玛恩（1922-2019，伊朗当代艺术家，热衷于以镜面拼贴马赛克几何图案，延续了古代波斯艺术的传统。代表作：《内达之光》、《镜面球》。）

第十二位：南希·斯佩罗（1926-2009，女性先锋艺术家，采用象征主义的方式创作，通过手绘、拼贴和装置来探讨女性问题。代表作：《战争系列》、《时间中关于女性的记录》、《五朔节花柱/赶尽杀绝》。）

第十三位：奥斯卡·尼迈耶（1907-2012，巴西建筑师，拉丁美洲现代主义建筑的倡导者，1988年获普利兹克建筑奖。代表作：巴西教育与卫生部大楼、潘普利亚教堂、巴西利亚教堂）和诺曼·福斯特

第十四位：菲利普·帕雷诺（1964-，法国艺术家，创作涉足电影、装置、表演、绘画和文字等多种领域。代表作：《对话泡泡》、电影《玛丽莲》。）

第十五位：雷姆·库哈斯（1944-，荷兰建筑师，OMA建筑事务所首席设计师，2000年获普利兹克建筑奖。代表作：Leeum美术馆、西雅图公共图书馆。）

第十六位：理乍得·汉密尔顿（1922-2011，英国艺术家，波普艺术的领军人物，被称为“波普艺术之父”。代表作《彩色螺旋》。）

第十七位：SANAA 建筑事务所（1995年成立，由妹岛和世与西泽立卫共同设立，位于日本东京都。代表作：金泽21世纪美术馆、瑞士劳力士学术中心。）

第十八位：提诺·赛格尔（1976-，英裔德国艺术家，以场景艺术、情景艺术着称。代表作：《这太当代了》。）

第十九位：（1950-2016，伊拉克裔英国女建筑师，2004年获普利兹克建筑奖。代表作品：香奈儿移动艺术馆，罗森塔尔当代艺术中心。）