考研艺术概论创作论怎么答

㈠ 考研设计类论述题怎么答

论述题的难度要比简答题难一些，分值也更大，本质上来说，是考察对多个知识点的综合运用能力，对学科知识整体的把握和灵活运用、以及解决现实问题的能力。论述题一样有答题技巧，同样的三步走：是什么，为什么，怎么办。答案的总结我们可以用总分总的结构来进行。

第一步，介绍背景，阐释相关概念并找到核心理论点。

第二步，分析目前存在问题的原因，这部分是我们论述题的主要部分，需要大家阐述自己的观点做到有论有述。观点要广要多，但条数不宜过多5-8条即可。

第三步，进行总结或展望。

总的来说，回答时要围绕核心观点，有条理有逻辑，字数在1500左右。根据不同院校论述题题量，一般用时在30分钟左右。需要考生结合试卷题量、个人对知识的掌握程度以及书写速度来灵活安排答题时间。

㈡ 考研艺术概论怎么复习

当我们在谈艺术的时候，谈的是什么？
要想记住一个理论，你自己得有一个理论。
那么要想入门艺术概论，你得知道艺术发展的动力来源于两个地方：艺术家（自律性）和艺术鉴赏者以及其背后代表的社会意识、社会生产力（他律性）。
就像《艺术概论》的第一个问题，艺术的本质和艺术。他俩的来源都离不开巫术、宗教的影响，艺术从其一诞生就被用以特殊场合。原始人类对于未知自然的恐惧是不利于社会合作的，那么就要消除恐惧，消除恐惧最好的办法就是打开魔术师的黑箱子，让大家“看清”，让大家有个属于自己认知范围内的答案。这个时候就有一小撮别有用心的群众干起了这件事，他们用艺术的手段（这种不产生使用价值的劳动）“蛊惑人心”，编造神话故事解释许多自然现象，又用绘画加强人们对神话的信任（因为人们都没见过神仙啊，眼见为实嘛），舞蹈也大多用于巫术场合，让大家相信我们这样跳舞神仙是可以看得到的（逐渐变成一种集体无意识。现在问许多民族的习俗起源，他们也说不上来，只说是传统，或者有的老人会给你讲一个故事告诉你传统的来源，也答不在根本上。其实传统起源大多是寓教于“行动”嘛）。所以绘画一开始的内容大多是宗教内容。（没有数据来源，纯属个人理解。）那这就是启蒙运动之前的美术史了。讲完了。
一、文艺复兴，古典主义，新古典主义。
① 文艺复兴指的是西方欧洲经过了黑暗的中世纪宗教统治，艺术完全成为宗教的工具，人们要摆脱宗教的枷锁，崇尚文化艺术的自由，复兴指的是复兴古代希腊、罗马文化的形式。
古典主义就是文艺复兴开始后到浪漫主义之前，后人在修撰艺术史的时候称之为古典主义。
新古典主义比古典主义更加强调秩序，赞美开明君主，实际上又沦为统治阶级巩固统治的意识工具。
回过头来慢慢说，为什么文艺复兴早不开始晚不开始，正好在14世纪呢？为什么不在中国不在埃及，偏偏在欧洲的意大利呢？原因是多方面的，我是这样理解记忆的。14世纪开始欧洲出现了资本主义啊！万恶的资本主义！人们有资本了，有钱了就要花钱造作啊。可是当时社会意识是被天主教的禁欲思想统治的，人们有钱不敢花，又没处花。可是又没有出现更先进的文化思想，所以民间就开始躁动，开始怀旧。还是古希腊古罗马好啊，想干嘛干嘛，没人管。文艺复兴最开始出现在意大利，是因为一个海岛国家，农业不行，但是三面临海，商业很发达啊，商业发达不就雇佣关系多嘛，资本主义萌芽不就出来了吗。所以说，低层建筑决定上层建筑，社会生产力决定社会意识。
② 古典主义的特点，崇尚理性的再现自然，崇尚人体美，真实的描绘现实。这里主要说的是美术的特点，音乐和文学可以自己总结，逃脱不了这个框架。只要理解为什么会产生这样的特点，再去细读艺术概论的时候就很好梳理出框架了。画家们一直被逼着画宗教题材的画，各种神仙的故事，画家也没见过神仙啊，只能靠想象，想想又来源于现实，但又要有神仙的感觉，这就让他们一直很苦闷，于是当社会意识要争取艺术的自由的时候，他们终于可以理性的观察世界了，现实的世界，不用添油加醋的描绘神话世界。于是他们格外强调理性，真实。比如代表人物达·芬奇、米开朗基罗。
③ 新古典主义比古典主义更加强调秩序，赞美开明君主，实际上又沦为统治阶级巩固统治的意识工具。这是为什么呢？因为宗教一直被统治阶级用于巩固统治，古典主义开始取代宗教艺术了，统治阶级要寻求新的途径，于是他们养了一群古典主义画家，让他们用古典主义的技法画开明君主，画强调秩序的画。如大卫的《马拉之死》，革命领袖马拉倒在浴缸里，鲜血从伤口中流出，带血的匕首滑落在地，而兇手已经逃离现场。
二、浪漫主义
浪漫主义是法国大革命催生的社会思潮的产物。大革命所倡导的“自由、平等、博爱”的思想推动了个性解放和情感抒发的要求，对个人独立和自由的强调，成为浪漫主义文学的核心思想。反映了资产阶级上升时期对个性解放的要求，是政治上对封建领主和基督教会联合统治的反抗，也是文艺上对法国新古典主义的反抗。创作方法上，浪漫主义在反映客观现实上侧重从主观内心世界出发，抒发对理想世界的热烈追求，常用热情奔放的语言、瑰丽的想象和夸张的手法来塑造形象。
简单理解就是，古典主义从非主流变成主流了，有了新古典主义，又成为统治阶级的工具，那么资产阶级还是受禁锢啊，日积月累就有了法国大革命，人们要自由，反映在创作方法上肯定是要反对统治阶级推崇的古典主义，所以技法上古典主义强调理性、再现、现实，那我们就强调感性、表现、情感。如欧仁·德拉克罗瓦的《自由引导人民》
三、现实主义
浪漫主义之后就是现实主义（写实主义）。1830年法国七月革命推翻波旁王朝，建立了代表金融资产阶级利益的政权。资产阶级终于翻身农奴把歌唱了，那么浪漫主义作为激流勇进时期的艺术流派也完成了它的使命。冷静下来，艺术家们发现这个由我们资产阶级自己组成的社会也不是十全十美，他们把注意力放在了普通民众上。现实告诉人们，启蒙主义者所宣示的“价值”，和浪漫主义者所追求的“理想”并未实现，人们须要以一种新的冷静的眼光重新看待现实并思考自己的命运，寻求改善自己生存处境的方法。于是，追求客观冷静分析解剖现实的社会心理和风气随之形成。反映在作家创作上，就是他们摒弃浪漫主义的主观想象和抒情，通过对社会现实作如实细致的描绘，揭露社会的黑暗，展示在物质与金钱挤压下的人的各种心态，并倡导社会改良。
现实主义画家不像浪漫主义一样歌颂英雄人物，转而把劳动人民作为绘画内容，与之相对应的绘画技法上也没有浪漫主义那么奔放那么色彩绚丽，像他的名字一样“写实”。如列宾的《伏尔加河上的纤夫》、米勒的《拾穗者》
现实主义艺术中最有影响力的是文学领域。巴尔扎克的《人间喜剧》，这部现实主义文学巨作，在对资本主义社会现实的描写中，以客观、冷静和精确的笔法，反映了法国贵族的没落和资产者的崛起。
古典主义，浪漫主义，现实主义都讲完了。后面只剩下现代主义和后现代主义了。最后这两个比较特殊复杂，艺术史上都很难给个准确定义，因为艺术发展到现在，艺术流派自己越来越不像被定义，不想成为主流，因为一旦成为主流就会被利用。即他律性，成为主流的艺术流派一方面会被统治阶级所利用，另一方面也会牵制自己的发展。
先来总结比较一下前三个主义的区别，在比较中更容易把握本质。
艺术形式
艺术内容
艺术思潮
古典主义
理性、写实、再现
古希腊罗马英雄
资产阶级萌芽
浪漫主义
感性、写实、表现
革命人物事迹
资产阶级革命
现实主义
理性、写实、再现
普通人
资产阶级掌权
艺术流派的发展动力来源于：自律性和他律性。自律性表现在，浪漫主义认为我们比前辈厉害，他们总是理性，我们要感性。现实主义认为浪漫主义年轻气盛，太理想太感性，还是要理性一点，但是又不能和古典主义的理性一样，如果绘画技法上不能有所突破，那在内容上总得不一样吧，我们观察身边人身边事吧。这个理论是我自己总结出来的，一直没有得到肯定，直到有一天看 《罗辑思维》—严伯钧:打开古典音乐的正确姿势 197。发现他的思路和我基本一样，他讲的是音乐，虽然北影艺术概论考试基本没有音乐的题，但是也值得学习。
他律性表现在，艺术思潮一般产生于社会思潮，资产阶级的萌芽—革命—掌权，分别催生了古典主义，浪漫主义，现实主义。具体内容和关系，2017版赵斌的艺术概论上有部分介绍，更具体的内容还得自己动手丰衣足食。
四、现代主义与后现代主义
①现代主义。艺术发展到了现实主义其实在内容和形式上都走了一个轮回了，艺术家们要想靠自己的才华颠覆前辈的功绩很难了，艺术仅仅靠自律性越来越难以发展。这个时候第二次工业革命爆发了，十九世纪后期，第二次工业革命震碎了人类千百年来的文化传统。现代工业和城市化的兴起，令人与人之间的关系愈加疏远冷漠，社会变成了人的一种异己力量，作为个体的人感到无比的孤独。二十世纪初期的两次世界大战中，人类使用借助科技发明的武器大规模屠杀自己的同类，西方的自由、博爱、人道理想等观念被战争蹂躏得体无完肤，西方文明被抛进了一场深刻的危机之中，现代主义应运而生。
现代主义反传统，与之前流派反传统的不同在于现代主义反的很彻底。之前的流派都是在继承上创新，现代主义的姿态很坚决，我就是我，是不一样的烟火。
正是因为现代主义反的很彻底，导致现代主义内部都分为很多流派，基本上一个艺术家代表一个艺术流派。就像有人说过，从来没有什么艺术，只有艺术家。抽象主义，印象主义，后印象主义，野兽派，立体主义，未来主义，达达主义。
如果一定要找共同点，那就是这些艺术家都特别自我，形式上我一定不能和别人一样，但是表现在内容上都有对现代工业社会的反思，对战争的反思。
②后现代主义。现代主义姿态如此坚决表示我不想成为主流，最终还是成为主流，被社会认可。艺术再次陷入他律性的漩涡，艺术家丧失自我革新的能力，现代主义真的是穷尽这些人的想象力了，他们发现自己再也不能革新了。于是他们说：艺术已死。
他们开始模糊艺术于非艺术的界限，他们不再创作艺术品而是创作艺术理论：艺术即理论。艺术场，艺术界，艺术体制。这样的重新定义艺术本质的理论认为，艺术之所以是艺术，不在于他的形式和内容，而在于它的场所，是不是在艺术馆，是不是在艺术史中。关于现代艺术的终结，可以看北京大学教授讲的网易公开课。
北京大学公开课：艺术史
http://open.163.com/movie/2015/1/Q/L/MAEBEP8UT_MAK7R9MQL.html
《罗辑思维》—严伯钧:打开古典音乐的正确姿势 197
http://v.youku.com/v_show/id_XMTgzMzQxODgzMg==.html?spm=a2h1n.8261147.reload_191.1~3!4~5~A
五、艺术的起源和本质
艺术作为一个名词，当我们在谈艺术的起源，是不是先得定义什么是艺术，即艺术的本质。这样看来是个哲学的形而上的话题。但是亚里士多德和柏拉图这样两位师徒都是大哲学家的人，穷尽一生谁也没能说服谁，更别说世间的多种流派了。赵斌和彭吉象的《艺术概论》上都有提到各种对艺术的本质下的定义，相互之间区别比较大的是这几个观点：
①亚里士多德：形式本质论
②席勒：审美本质论
③苏珊朗格：有意味的形式
④海德格尔：存在主义
⑤自律性与他律性
⑥艺术界、艺术体制、艺术场
前三个理论还在争吵形式和内容谁是本质，就像现在大家吵电影的形式和内容谁更重要。肯定是都很重要啊，形式就是内容，内容就是形式。叙事技巧、摄影、灯光都是电影内容，不能说只有故事才是内容~我们看的是整个技巧表现的故事，这个整体都是内容！但是技巧还是为了故事服务的~这两者应该紧密结合~用马哲的理论来说就是互为矛盾，缺一不可。
海德格尔：存在主义
到了海德格尔终于跳脱出西方艺术观的牢笼，不再纠结于再现、表现、形式的重要性了。他提出存在主义，他认为艺术的本质：存在着的真理自行置入作品，“自行”而不是被人赋予意义。存在主义是一个比较难理解的哲学理论，海德格尔思想的核心是：个体就是世界的存在。在所有的哺乳动物中，只有人类具有意识到其存在的能力。他们不作为与外部世界有关的自我而存在，也不作为与世界上其他事物相互作用的本体而存在。人类通过世界的存在而存在，世界是由于人类的存在而存在。海德格尔还认为人类处于矛盾之中，他们预示到不可避免的死亡，死亡导致痛苦和恐怖的经验。他们不得不承认死亡是不可避免的，接着便是一切不复存在。我们的存在既不是我们自己造成的，也不是我们的选择。存在是强加给我们的，并将一直延续到我们去世。
自律性、他律性
马哲认为事物的本质不在于事物本身，而存在与交互关系之中。这和人的社会性是本质属性是一脉相承的，人的本质在于它的社会属性，如果地球上只有你，那你就不是今天所说的人，你是一种长得像人的动物，你没有社会属性。社会属性就是人与人的关系，你是你妈的儿子，老师的学生，老板的员工。同样，艺术的本质存在于政治、宗教、文化等等的社会意识中，不存在于它的形式和内容。这就是艺术的他律性。
艺术本来没有自律性，它的自律性来自于宗教的衰落，资产阶级的崛起，他们需要新的艺术观。于是艺术不再对现实进行直接反映，转向了表现。到了现代主义、后现代主义，艺术家们对于艺术自律性的强调到了极致。他们不想被社会意识所定义，不要被政治所利用，也不要被商业利用而形成时尚。
艺术界、艺术体制、艺术场
这三个理论和现代主义、后现代主义的产生密切相关。因为这些艺术家的作品太惊世骇俗，不能用以前的艺术理论进行分析理解批评。
艺术界 ：艺术史、艺术理论构成的环境
艺术体制：文化中的习俗与惯例
艺术场 ：他们认为艺术不在于其自身特点，而在与所处环境

㈢ 设计艺术学考研，怎样复习设计学概论和艺术概论这两本书

【27】2021年考研设计概论

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若资源有问题欢迎追问~

㈣ 艺术考研 艺术概论 请人来答题

亨利-马蒂斯(Henri Matisse)于1869年12月31日生于法国南部勒-卡多小镇。

马蒂斯先就学于学院派画家布格罗门(William Adolphe Bouguereau, 1825-1905)下，因个人兴趣与老师所循的传统规律相左1892年转入象征主义画第一次在“国家美术联盟沙龙”公开展出，获得成功。两年后、初露头角的马蒂斯成家立业，妻子是个温顺而贤慧的女性，画家夙愿得偿，且在绘画间隙尝试雕塑的创作。

1896至1904年间是艺术家寻找新方向时期。马蒂斯内心萌动了革新意念，开始注视印象派、后印象派、新印象派的作品，欲从各种风格汲取营养。一段时间，他跑到街头、咖啡馆等地画了无数的画；毕沙罗、高更、凡·高、西涅克等画家的表现手法，使他进一步熟悉了色彩的特性，塞尚的技巧又促进他研究新的技法。1899年，马蒂斯的风景画、人物画、静物画已与昔日大相径庭，形体之简洁。色彩之鲜亮，让老师莫罗甚感惊讶。20世纪初，他好像被强烈色彩的表现力所唤醒。开始用夸张的色彩和奔放的笔触塑造形体，至1903年，带有明显”野兽派”特征的作品，便提前出现在他的笔下。这类作品乍看似乎草率粗放，事实上，在 “乱涂”之中显示出画家的敏锐性和丰富的创造力：直接从颜料管挤出的色彩，本意已不是再现客观物象的视觉真实，它变成作画人追求内在情感及自我表现的手段，并在形式上探索一种新的受色彩运动制约的绘画空间。野兽派最终否定了西方各种传统形式和与之相关的审美习惯，实现了色彩的解放，能动地驱使造型艺术抽象化。马蒂斯也在对形式进行根本改革中，找到自己的路子。

遗憾的是野兽派仅盛行了3年。这期间反对者的咒骂声此起彼伏，马蒂斯也遭到强烈攻击，幸好有几个收藏家独具慧眼，大量购买他的作品，马蒂斯一时身价百倍。

1906年后，马蒂斯的艺术创作进入多产时期。他的个展在巴黎、纽约、莫斯科、伦敦、斯德哥尔摩、柏林等城市辗转展出。他也借机旅行欧洲、北非，巡礼各地艺术寻求新的灵感源泉。他成为当时国际画坛最活跃的画家之一。1914年起，马蒂斯年年到南方的尼斯港过冬，在一间用静的画室里完成了许多作品，室内的女人及静物是他最喜欢画的题材。画家乐此不疲、孜孜不倦研究着各种色调之间的关系，寻找造型上的新技巧，色彩艳丽却不浮华，笔触大胆但不狂野，野兽派时代的强烈原色画面，逐渐变成静谧和谐的画面，既蕴含睿智与诗意，又赏心悦目。马蒂斯由此获得“颜色与线条游戏家”的美誉。

20年代后，马蒂斯扩大了创作领域，他在雕塑、版画、壁画、插图方面的造诣同样展示出过人的才赋。30年代，他的艺术达到巅峰，他被同行推为本世纪最负盛名的美术巨匠。

为人谦虚、儒雅的马蒂斯，对人生的荣华富贵和画坛的名利都毫无野心，性格也与同时期画坛另一巨人毕加索迥然不同。二战期间，他俩都参加了反对德国法西斯的抵抗运动，并加入法国共产党，在政治上参加过进步活动，但马蒂斯在其艺术中并未有任何体现，没有把绘画作为一种武器。他笃信希腊哲学家柏拉图 “美是赐给人快感”的理论，并在自传中这样阐述个人的毕生追求：“我所企望的艺术是一种平衡、纯粹与宁静的艺术，我避免触及令人苦恼或窒息的题材，艺术作品要像安乐椅一样，使人的心情获得安宁与慰藉。”

马蒂斯晚年一直受疾病折磨，但仍坚持剪纸艺术的创作，或卧在床上或坐在轮椅上，专心致志地从预先涂好颜色的纸张中剪出各种形象，作品依然充满大胆、完美和开朗乐观的精神，很容易让人联想起野兽派时代他对形式美的热恋与执着。1907年野兽派经历了一场危机，面对伙伴们一个个背弃野兽派宗旨而去，马蒂斯反而坚定信念，并在尔后近半个世纪的艺术生涯中恪守不渝，成为唯一终生保持野兽派画风的人。

1954年11月3日，马蒂斯逝世于长年居住的尼斯，享年85岁。

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亨利·马蒂斯（Henri matisse,1869-1954）年表:

1869年12月31日生于法国南部勒卡多小镇。

1879 10岁 进入公学，主要学习拉丁文和希腊文。

1887 18岁 中学毕业。父亲把他送到巴黎学习法律，他顺利地通过了考试。

1889 19岁 正式完成学业后，他回到家乡附近的圣——康丹，在一家律师事务所当上了办事员，他的主要工作是抄写存入档案的资料。

1890年20岁完成第一幅画作。

1890 21岁 患盲肠炎住进医院，为打发无聊时间，母亲送来一箱画具让他临摹箱盖上的图画。未料想，马蒂斯的绘画热情一发不可收拾，偶然的机缘成为其一生的转折点。

1891 22岁 说服父亲，怀抱当一名画家的志向，再次来到巴黎。马蒂斯先就学于学院派画家布格罗门下。

1892 23岁 转入象征主义画家莫罗的画室学习。在莫罗鼓励下，他认真研习卢浮宫的藏画，不间断地临摹各艺术大师的作品，在巴黎街头写生，探索着自己的艺术道路。

1893年到卢浮宫临摹经典画作。
1896 27岁 他的4幅油画第一次在“国家美术联盟沙龙”公开展出，获得成功，被评为“野兽派”代表人。

1898 29岁 初露头角的马蒂渐成家立业，妻子是个温顺而贤慧的女性，画家夙愿得偿，且在绘画间隙尝试雕塑的创作。

1899 30岁 马蒂斯的风景画、人物画、静物画已与昔日大相径庭，形体之简洁、色彩之鲜亮，让老师莫罗甚感惊讶。

1896-1904 是艺术家寻找新方向时期。马蒂斯内心萌动了革新意念，开始注视印象主义、新印象主义、后印象主义的作品，欲从各种风格汲取营养。一段时间，他跑到街头、咖啡馆等地画了无数的画，使他迸一步熟悉了色彩的特性，塞尚的技巧又促进他研究新的技法。

1903 34岁 带有明显“野兽派”特征的作品，便提前出现在他的笔下。

1905 36岁 巴黎秋季沙龙美术作品展揭幕时，一位名叫路易·沃塞尔的批评家被一幅幅用纯色随意涂抹成的油画惊得目瞪口呆。室中间有一尊多那太罗的雕像，批评家指着雕像惊呼“多那太罗被野兽包围了！”这一句戏言，使西方美术史上出现了一个崭新的流派——野兽派，作为这个潮流的灵魂人物，马蒂斯的大名也不胫而走，蜚声世界。

1903-1906 野兽派盛行的三年。这期间反对者的咒骂声此起彼伏，马蒂斯也遭到强烈攻击，幸好有几个收藏家独具慧眼，大量购买他的作品，马蒂斯一时身价百倍。

1906年之后 马蒂斯的艺术创作进入多产时期。他的个展在巴黎、纽约、莫斯科、伦敦、斯德哥尔摩、柏林等城市辗转展出。他也借机旅行欧洲、北非，巡礼各地艺术寻求新的灵感源泉。他成为当时国际画坛最活跃的画家之一。

1914 45岁 马蒂斯年年到南方的尼斯港过冬，在一间闲静的画室里完成了许多作品，室内的女人及静物是他最喜欢画的题材。

1920年之后 马蒂斯扩大了创作领域，他在雕塑、版画、壁画、插图方面的造诣同样展示出过人的才赋。

1930年之后 他的艺术达到高峰，他被同行推为本世纪最负盛名的美术巨匠。

1937年首次以剪纸方式为芭蕾舞团设计屏风与戏服
1941年71岁的马蒂斯在肠癌手术后，只能在床塌或轮椅上从事创作。然而，就在不懈的追求中他登上了艺术新的高峰。他说：剪刀是一种美妙的工具，纸张也很美丽，利用剪刀在这样的纸张上工作是一件能够进入忘我境界的事情。

1948年，马蒂斯完成了汶思小教堂堂内设计。其中礼拜堂的彩色玻璃令人耳目一新。

1954年11月3日，马蒂斯逝世在长期居住的法国尼斯，享年85岁。

小资料
马蒂斯与野兽派
1905年秋季沙龙展览会中，马蒂斯等人的作品色彩鲜明，对比强烈，富有装饰性，与传统的写实色彩截然不同，评论家们戏称他们像“野兽”一样，“野兽派”因此得名

㈤ 艺术概论 请结合具体的艺术门类与创作实践，谈谈你对艺术创作过程的理解！

1.就书法的创作过程而言，究竟是纵向地从书法的审美趣味中寻求深化，还是横向地将其它艺术的话语系统移植过来更加可行，甚至更加有效，反过来说：你认为什麽是书法所不能丢弃的东西？

一言以蔽之，就像所有艺术不能丢弃的——精神性。一名创作者应当关注的是其个人内在的精神活动，不仅仅是形式、技巧的掌握罢了。当然，在我的观念里，书法之所以称为艺术，莫不是它借用人的“书写行为”，并且将之转化为一种具有表达力的审美创造；相对之下，绘画（ painting）就是一种“绘画行为”了。

一直以来，书法与现代生活文化型态的相关性乃是你的探索焦点。我的问题是：面对一个如此庞大的课题，你是从何着手的？

这不免要把我的故事简述一遍：少年时代便倾心于书法，艺院时期的画作，或多或少已显露出个人关心的身份定位问题。毕业后创制的一批水墨画，主要便反映了我对马华文化的思考，这些作品均比较深刻、严谨、且费心耗神，我只嫌它还不够直接。

另一方面，我长期以来都有阅读马华文学的创作与论述的习惯，印象最为深刻的，首推陈大为的〈甲必丹〉和〈会馆〉等“南洋组诗”。诗，显然是语言的艺术，他的诗彻底讲出我的感觉——他对于本区域的族群的历史叙事、文化情感和成长记忆竟然跟我如斯相像。——因而萌起一个意念：可否将他的诗境转换到我的书法里？

旋即便产制了不少试验性的作品，除了陈大为，其中还包括了多位当代马华诗人的诗作。从技术的难度言之，我的体会是：书写过程中始终无法触动内心所想。设若我们以传统的书体、格式去表现的话，它自然会产生一种排斥性，也就是说，虽然你誊写一首现代诗，观者往往对有关内容视而不见，甚至以为用毛笔便是很悠远、很古人。及后，我也发现我们的生活习惯总是主宰着大家的思考判断。譬如像一首诗，它展现在读者眼前时已不存在书写的形迹，而是化为方形、齐整的印刷体了。这诱引我尝以深一层地去搜寻蕴含其中的关系。
2.书法艺术的层次与结构
“字组”中介。“字组”是指行草作品中两个或两个以上的字构成的完整的艺术形象的整体。所谓“完整”，是指字与字之间的点线运动的连接，或者是字与字之间点线造型的关联，二者必居其一。“字组”产生于晋代“今体”高度艺术化的进程中，它集中体现出书法的艺术特性。“字组”也具有“时序性”和“同时性”两个维度，于是可划分为四种基本类型：（1）笔顺动态的点线连接字组；（2）静态结果的点线连接字组；（3）笔顺动态的点线造型字组；（4）静态结果的点线造型字组。“字组”很大程度上突破了单字字形结构的限制，反映出书艺创造对于“字”与“字”紧密关系的追求，明代王铎草书中的特长“字组”多达十余字，当然“字组”也有极限，即字行。把“字组”视为“字”与“字行”之间的中介，可以深化我们对于字与字的关系，字行的构成以及“笔势”、“行气”、“章法”的认识。我们没有把“字组”看作是一个层次，主要是考虑到书法理论的普适性，也就是说，篆、隶、楷、章草等书体的作品中没有“字组”。（15）
以上关于书法作品整体构成的探讨只是简略的，限于篇幅，不能作详细论证与分析。最后还想对本文的研究思路与方法作必要的说明。其一，笔者关于书法作品的探索始终基于书法作品的形态，整体构成的四种基本层次与二种中介均具有形态上的特点。一方面，与形态直接相关的感性是一切艺术赖以存在和发展的基础，另一方面，基于形态的分析与概括，可以使理论研究成为可观察、可验证的。诚然，古代书论特别强调“由技进乎道”、“神彩为上、形质次之”，这种价值取向与价值评价确是中国书法艺术的特性，然而基于形态的认识并不等同于形态至上，如同形式研究并不等同于形式主义一样。在现代学术背景下，文艺理论研究必须划分层次，逐层推进。书法作品理论的研究，先基本弄清作品的“内部关系”，再具体探究作品的“外部关系”，这是一种合理的研究策略。其二，书法作品是“字”或“字组”的松散集合，“字”、“字组”是艺术形象的有机整体，整幅则不是，探究书法作品的内部关系，包括层次与结构必须充分尊重这个特性，不能简单地套用其他艺术作品理论的模式和方法。简单地说，不能牺牲书法作品对象的特性而去追求多层次结构的内在逻辑的严密和统一。书法作品的特性，决定了书法作品理论的内在逻辑。
3.书法艺术的发展总是在前人成就的基础上，前人的基础就是所谓传统，没有人可以离开传统达到自己的所谓创新。童年是少年的基础，少年是青年的基础，所有的童年，少年，青年的时光又是成年的基础，没有人可以超越其中的某一阶段，从童年直接长成成年人；奥运会的记录也在不断的成长，如果你破的是奥运会五十年前的记录，实际上你对奥运会记录就没有任何发展，还谈什么创新？只有你破的是上一届奥运会的新纪录，你的创新才是真正的创新，才有意义。

初期的奥运会记录应该是变化很快的，而现在每提高一点点都很艰难，尽管这样也没有人提议把以前的记录全部报废，重新再来，因为都知道废除以前的奥运记录重新再来这个提议是多么的荒唐。

中国书法清代的崇碑抑帖的现象造成书法艺术的发展停滞占据中国历史上长长的三百多年的长度，用历史的眼光看，书法从婴幼儿成长为少年的小篆用了一两千年，从秦汉到唐代有用了一两千年，发展成熟到现在又用了两千多年，这区区的三百年，用历史的眼光看有算得了什么？就像一个人在成长过程中偶尔犯一点错误，装一回幼稚一样，不会有什么颠覆性的意义。

书法艺术不可避免的要继续向前发展，抒发现在就像一个三十而立的壮年汉子，不会沉寂，一定还会有大作为的。这个大作为不是回到自己的童年去，青年时代去，童年和青年时代可以是人生美好的回忆，不应该是人生追求的目标。

一种艺术的发展不是某一个人的事业，而是一个时代的产物，在全体相关人士的努力下，每一个时代都会有几个佼佼者作为时代的代表，但是艺术的发展并非只和这几个佼佼者相关。所谓时代出英雄，在如今这个鱼龙混杂的时代，真正的英雄会产生出来，但是绝不会是那些鼓吹倒退的的颓废派，也不会是那些反传统的，主张丢弃全部传统内容的文化投机者，或者是文化流氓，而是那些踏踏实实继承传统，又能睁大眼睛看清方向，看出道路，具有真知灼见的贤达人士，真正的学者，真正的志士。
4.艺术的再创造——欣赏书法
书法作为视觉文化的代表，有源远流长的历史以及非常深厚的美学和文化积淀。初赏书法必须弄懂一个问题:书法与写字是截然不同的两个概念.好比开车和车技表演不可同语一样.因此,从一般意义上说，真懂书法的人比较少。沈尹默曾说过：书法是“无色而有图画的灿烂，无声而有音乐的和谐。”古人亦云：书法是“无声之音，无形之象”。因此，书法这种美感的表达，是在极单纯的形式里表达极丰富的美感，所以书法创作难度极大，欣赏书法的难度更大。因为理解中国书法远远比理解中国画更难，修炼成一个书法家远比修炼成一个中国画家要难。
书法作为视觉艺术，应该是汉字的“专利”：这是由于汉字独特的结构和深刻的内涵决定的。汉字的实用性和文学性是任何文字所不能代替不能媲美的。这也是作为我国传统的一种艺术形式流传至今并影响世界尤其是东南亚很多国家的原因。书法是依据汉字造型的特点，运用毛笔这一特殊的书写工具，通过艺术构思，调动艺术手法创作而成的。书法的赏析不仅是体会作品点画、结体、章法的匠心与功力以及作者的师承、流派、风格，更重要的是通过作品去感受书家的气质，情感，及其审美追求。书法家是用靠手和思想来创造，欣赏者同样要靠眼力和思想来挖掘和发现作品点画布白中蕴藏的生命与灵魂.正如美好的东西之所以存在是因为有很多审美的目光一样,二者是相互存在相互烘托的.因此，欣赏书法也是一种再创造。这种再创造成效取决于欣赏者的知识、修养、阅历，心境诸因素。
中国书法有两条线。一条是线条化，如唐代怀素和张旭的草书，就是极其线条化的艺术，其线条纯净已达极致，充分利用线条的动感与气势而把点画的意味淡化、弱化，去其烦琐，从而表现出飘逸洒脱，给人以性从中来，滔滔不绝的气势。宋人评曰“悲喜双成”。当今伟人毛泽东就是属于这类书体。另一条线是注重点画化，如唐楷的高度成熟和法度完备已是登峰造极，在美感表达上也同样风格各异。以欧（阳询）、虞（世南）、楮（遂良）、颜（真卿）、柳（公权）诸大家为代表。点画化和线条化的区别在于，点画化更加符号化，而线条化接近了大自然，宛如观“惊蛇入草，乱鸟出林”，直接受到自然启示。此时书法非常象画，与画的象形取物很相似，而依赖的仍是汉字这种载体。孙过庭《书谱》云“纤纤乎如新月之出天涯，落落乎如众星之列河汉，导之则泉注，顿之则山安。”这一段形容意象创作方法的优美文字，即“闭目万物如在目前”。
5.书法艺术作品的艺术意蕴
现代书法家沈尹默先生说得极是，世人公认中国书法是最高艺术，就是因为它能显示出惊人奇迹，无色而具图画之灿烂，无声而有音乐之和谐，引人欣赏 心畅神怡。
恰如古人所言 书心画也，书法是心灵的艺术。字如其人 书如其人，字表其志 书昭其意，每个字都是鲜活的生命体。一点一画都是心血的凝结。离开了心灵 胸无道义。点线形式就失去了意义。文字是民族文化的重要载体，文字是人类文明的显着，标志写好字是传承文明的要求，写好字是示范作用的急需，文字储藏着华夏先祖的灵性，文字显示出中华民族的睿智。
书法熔铸着书家的人格，书法体现了自然的意志。
中华传统文化丰富多彩，一定要代代相传 历久不衰。只会敲击键盘 不会挥笔写字，就要愧对祖先 为历史所不耻
朋友 心不厌精 练好字吧，你就掌握了打开幸福之门的金钥匙，定会为你工作增色 生活增辉，陶冶情操 开发心智 锤炼意志
毛主席说 练字是健脑健身之法，练习书法是积极的消遣娱乐和休息，练练练 练出为民服务的过硬本领
6.艺术欣赏是一个复杂的心理过程，因为这里包含了主观——人和客观——艺术品两方面因素，欣赏书法也是如此，同一作品不同的人会有相似的感觉，不会完全一样，甚至相反，着因为主观因素不同的结果。因此，欣赏书法，除要具有一定的书法知识外，还有相关的修养，才能幼教好的书法欣赏能力。 书法品评是一个复杂的心理过程，他与书法创作取反方想向的运动。书法创作是集点画以成字。组字而成篇，从而表现出作品的神采境界；而书法品评的第一视觉印象常常是书作的神采、气韵、再审视它的章法，剖析它的结字，用笔、有书作的意向，而联想到生活中种种事物，作者的创作环境和思想活动，从而领会出作品的美之所在。因此，书法品评的过程，是观赏者的"美 的再创造"过程。

你可以在网上找一些对书法艺术的理解

㈥ 考研艺术概论简答题怎么答啊要答概念吗

考研不是水平性考试，而是选拔性考试。对于简答题的答案基本没有固定的答案，但是问题中只要涉及到有关概念性的问题，概念必须得答。其余都是考核理解和组织能力的，所以不能局限答案的范围。

祝你好运。

㈦ 艺术概论简答题要举例子吗

艺术概论简答题不需要举例子。

简答题的答题格式是回答简答题的一种格式，通常采用总分总的格式，开头要明确答案的中心思想，然后在对这道题的中心思想进行扩展，最后再把扩展的内容进行整合，从而完成整道题的答案。

在试卷中，简答题在总成绩中所占分值很高。简答题涉及的都是较大的问题，要求阐述一种观点，或者对某种理论作出解释，也可能是提供证明，有一定的系统性。回答时要层次清楚、言简意赅，论点或论据不可遗漏。

艺术概论

艺术概论是一门研究艺术活动基本规律的课程，是阐述艺术的基本性质、艺术活动系统以及艺术种类特点为宗旨的科学体系。是高校艺术院校学生必修的基础理论课程之一，对艺术史论专业的学生来说，则是必修的专业基础课程之一。

其包括对艺术活动进行分析、研究，以揭示艺术的本质和规律，指导人们按照艺术的特殊规律进行艺术创作和艺术鉴赏，提升人们的艺术修养，充分发挥艺术的各种功能的学科。

以上内容参考：网络--艺术概论

㈧ 艺术概论中是如何阐述艺术创造的基本过程的

今天给大家来来一道论述题。

简述艺术创造的基本过程。这一个题目在艺术概论的研究生考试中会经常考到。我在这里在整理一下，给同学们明确一下最终的答案。

艺术创造的基本过程，实质上就是对现实的审美认识与对审美认识的表现过程，是在生活体验的基础上艺术构思和艺术意象物化的过程。主要包括三个方面：艺术体验、艺术构思和艺术表现。

艺术体验：这是艺术创造的准备阶段，是创造主体在长期积淀的审美经验的基础上，充分调动情感、想象、联想等心理要素，对特定的审美对象进行审视、体味和理解的过程。艺术体验的特征有：材料的储备和审美惊讶的积累；艺术的体验和审美发展；创造欲望的萌动及冬季的生成。

艺术构思：它是指艺术家在艺术体验和艺术发展的基础上，以特定的创造动机为引导，以各种心理活动和艺术表现方式为中介，是艺术意象得以创造成熟的过程。

艺术表现：它是指艺术意象的物化与表现，或称之为艺术传达活动。它是艺术家将自己在艺术构思中已经基本形成的艺术意象转化为艺术符号，并以物化形态得以呈现，使之成为具体、可感知的艺术形象、艺术意境或形象体系的过程。这一过程有如下特征：主体在物化的表现过程中呈现出鲜明的审美倾向；主体在物化的过程中应不断地进行艺术语言的锤炼；艺术意蕴将在物化的过程中获得提升；艺术的内涵获得深化的表征是形象、意境或典型的生成。

以上基本上就是全部的答案了，同学们有什么要补充的可以在评论区留言。

文中图片均为初中学生所画，希望大家给予指点。

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