如何了解接触当代艺术及艺术家

① 什么是当代艺术，如何欣赏当代艺术

走进美术殿堂，我们往往会非常失望，因为那些着名的艺术家，哪怕是毕加索画的作品，我们都看不懂，看不懂嘴上还不敢轻易说出来，心里苦极了！

这个时候您可千万别着急，当代艺术虽然以反精英艺术为精神，但是它本身却是精英艺术的一部分。精英艺术指的是什么呢，就是为少数的上层社会人士服务的艺术。过去以油画为代表的艺术在西方是专门为有钱人服务的，所以它是精英艺术。但今天油画不能算作精英艺术，虽然大众未必能够买得起这样的作品，但是，受众决定作品的属性，当一种艺术被人们所接受的时候，它就不再是属于小众精英的专利，换句话来说，它成了大众艺术。

表现主义画派是怎么回事？

当代艺术需要积累，没有积累你真的看不懂。

以前的艺术，比如肖像画，不一定要有观念，不就是一个人像吗，像，生动就好。可是相机出现以后，人的能力很难跟机器去比，虽然有一些高水平的艺术家可以做到画得跟真的一样，但是这样的毕竟少。如此，一张照片和一张栩栩如生的肖像画相比，后者存在的意义就变成了作品中的笔触感、保存的时间性、不可复制性等。有些艺术家开始考虑作品的笔触感，这就产生了表现主义艺术，梵高是最典型的。

怎么欣赏印象派画作？

印象派是怎么回事呢，你想啊，写实的画像都很清晰，可事实真的是这样的吗？到底事物有没有一个可见的边缘？或许没有，真实的物理空间只有光，没有光的地方什么也没有，那么光就成了物体存在的一个根本，所以把事物按光的特性来表现就对了，于是有了印象派，眯上眼睛，你会看到七彩的阳光穿过你的指缝进入你的眼睑。

什么是真正的立体主义？

立体主义，真的很不立体。可是人家本来也不叫立体主义，毕加索那会儿叫它方块主义。

毕老爷子那个时代，西方的绘画已经画得很立体了，怎么办？再这样画下去，是没有办法在艺术史上留名的。那就给传统的方法找茬。以前的写实的确很立体，可那是障眼法，你用手去摸就知道—平的。毕加索告诉你什么叫立体，他在画面上粘了一小块木头，真的立体了，这是一个突破，从没有人在画面上把东西做得这么“立体”的，不过毕加索这么一搞不得了，后来的画家就什么东西都拿到画面上粘了，什么麻绳、车轮、铁片等都有，它们不讲故事，只告诉你立体的真相。然后这一脉再走下去，把画布也扔了，叫装置。

② 如何读懂当代艺术

中国当代艺术走过了50多年的发展历程，在90年代挣脱了政治“无形之手”的掌控，走向成熟，但同时，却又无可奈何地落入了另一只更难以逾越的商业功利主义的“无形之手”中。
中国艺术要获得独立价值，只有立足于真实的生活体验和本土文化，建立起自己的价值标准和健全中国当代艺术从时间上一般是指新中国成立后到现在发生的美术现象。
到了20世纪80年代，在当时社会思想解放和观念更新思潮影响下，青年美术家们怀着理想主义的热情，以群体性的对西方现代美术样式的模仿，像浪潮一样形成了对传统规范和专制文化理念的冲击。
当代艺术是与传统艺术有着不相同目的，是进入市场的艺术。
对消费者而言，艺术在很大程度上是生活的调味品，是为了让生活过得轻松、多姿多彩。
当代社会分工越来越细、越来越专业化，人们对其他领域的了解就趋于泛泛的了解，因此，对大众而言，其艺术素养不免参差不齐或普遍偏低。
接近大众艺术不是去寻找生括深处的底蕴，而主要是为了获得感性的欢娱。
从感性世界去激括泛味的现实世界，希望轻松地不费复杂脑力地就能获得快乐，排斥艰深的思索。
20世纪90年代以来，中国进入建设社会主义市场经济的新时期。
中国社会结构开始转型。
艺术家感到过去曾经郑重其事对待的事情，在失去了神圣的光环后，显得滑稽可笑。
因此产生出政治波普、玩世写实主义、艳俗艺术等艺术形态。
在20世纪中期，大家熟悉有国、油、版、雕，年、连、宣，而现在就比较多样了。
再一个就是在渠道和结构上的多样。
过去比如美术家协会就可以把全国的美术家组织引导起来。
但是现在除了体制内的也有体制外的艺术家和艺术活动，而且也有体制内外之间的艺术家和艺术活动。
当代中国艺术是一个“百花齐放、百家争鸣”的多元化格局，是一个极度个性化的时代。
如从技法上看有（照相）写实、超现实主义、写意、表现、抽象等等；
从艺术现象上看有政治波谱、行为艺术、装置艺术、影象、卡通艺术、艳俗艺术等等。
徐悲鸿是一位美术教育家与画家，其长于国画，擅长油画，精于素描，为中国画的改良做出了一定的贡献，提出“洋为中用古为今用”的中西古今结合的改革思想。
在50年代，当李可染、黄胄这些人出来的时候，把写生、速写放到国画里，老的国画家对的作品持一种批评的态度，但现在李可然已经成为国画传统的代表人物了，而在50年代代表的是新的观念，在那个时候也是有“前卫”色彩的。
而到现在，从80年代开始，中国的油画有各种风格和样式，目前很难说哪种风格，哪个“主义”完全代表了中国的油画。
要比较客观和全面地理解当代艺术，不能放开它的时间性，它属于一个特殊的历史阶段——所处的历史阶段。

③ 当代艺术，我们到底要如何看待

有很多观点，地看你自己赞成什么。先要学懂什么是当代艺术，再进一步深入思考，然后就有了你自己的看法。你自己的看法才是最重要的。到时候你自己就回答了，而且会很有成就感。

④ 吴少清‖关于当代艺术的思考

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吴少清‖关于当代艺术的思考

因脚骨折在家要躺半个多月，一直习惯于在画室里走走画画的我，突然闲下来感觉一下子无从事事，有位画友说你写点什么吧，因为我平时也不是很喜欢书写这个事情，我有一个偏见认为文字和音乐不一样，在画画时我喜欢放点音乐，听音乐时如果有一段音乐很好听，如用文字能表达出来吗？当然不能，所以我觉得文字是很没有意思的事情。没想到现在确实没事可作了，那就写点什么吧，聊什么呢？画友说聊聊当代艺术。

这个话题有点大，不好聊，那先聊一下当下我们当代艺术的基本现况。如果说西方在传统艺术和当代艺术之间，基本上较少纠结（相对地说）的话，那么当下中国远远不是这种情况。首先在主流意识与非主流意识之间，存在着一种传统形式与当代形式的纠缠，具体表现为现实主义与非现实主义的纠缠，虽然这样说并不全面，但却是事实；无论是传统型艺术还是当代艺术，我觉得我们主要弊端是有太多的现实性或僵硬的真实性要素，有的是肤浅粗糙、生搬硬套、或胡编乱造，毫无内涵，一览无余。

艺术确实是很难定义，当代艺术尤其如此。所以这里我不想聊当代艺术是什么，若只从艺术的“艺”方面分析，我要追问: 当代艺术到底该做什么？

我觉得主要是四大方面，也就是四个关键词: “抵抗”、“情感”、“观念”、“信仰”。当代艺术首先是一种“抵抗”，是对定制化的抵抗，才有希望对现实的超越。 如果放弃抵抗就没有了当代艺术。约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys ）当代艺术的开创者提倡并发挥了这种抵抗精神，在他看来，艺术不只是抵抗，更是一种重塑社会的力量，这就是他所谓的“社会雕塑”。如果艺术无助于社会改造，则我们要它何用？我认为抵抗是一种基扮猛本的生存姿态，抵抗也是一般人文精神的使命所在，这种使命，我们平常也把它表达为“批判”。艺术人文精神若失去了自己的反思批判特性，就毫无存在的价值。

艺术家的批判意识，最主要的还在于艺术家本身的自觉，也只有“批判”，才能真正建立起属于自己的独立的美清缺闹学品格。一位成功的当代艺术家，在他的作品中一定会体现出他对人文社会的反思。

其次第二个关键词就是“情感”，情感是美感的重要构成因素（审美情感是伴随着审美认识而产生的特殊的心理现象）。艺术创作反映创作主体独特的审美认识和独特的审美个性。现在大多数艺术家面临的问题是：情感无处安放，不会思考，也不知从何处思考。对于艺术家来说，情感、思考和创新成了难事，在情感面前，艺术除了隔靴搔痒的浪漫，其实质显得越来越无力、荒凉、冷漠。

列夫·托尔斯泰（Лев Николаевич Толстой）曾说过

“真正的艺术家是具有纯真的思想感情的，并且他的思想感情不会轻易因外界的干扰而随波逐流，他的创作环境是独立自在的，不受任何外界干扰的。”那些为了功名利禄而去搞艺术的人，往往不会创作出优秀的作品来，因为他们的思想感情总是受社会风向和功利目的所左右，不可能真诚，而他的人格也就不是独立的。一位优秀的艺术家纯真的情感应该和他的作品是密不可分的。

第三是“观念”，艺术观念就是指通过思维，形成对艺术的一种看法或观点，艺术可以是宏观概念,也可以是个体现象。二十世纪以来，随着艺术观念的大大拓展，世界上许多艺术家不再囿于技巧和模仿现实，而在艺术观念、艺术表现手段、艺术语言等各个领域中探索创造。当代艺术最大的特性就是它的观念性，我认为如果不能表达观念的所谓艺术最多就是一个装腔作势的当下艺术形式……

如果说第一次意大利文艺复兴解决了艺术的技术问题、第二次法国文艺复兴解决了艺术的形式问题、那么第三次文艺复兴（杜尚之后）的当代艺术就解决了艺术的观念性问题，故此当代艺术的本质就是观念。

有人说“中国当代艺术近20年处于平庸化”，这应当是一个事实。艺术家海涛先生曾说:“当代艺术虽然发生在一定的时间段，但他绝对不是一个时间的概念，他是艺术发展史进步的必然。他的观念成果告诉人们艺术不仅仅只有形式，同时还要有思想的内涵、还要有启迪人性的内容！……”

第四个关键词是“信仰”，有人说这个社会是多么的浮躁，浮躁的人、浮躁的环境、浮躁的心理取向，最终带来了浮躁而没有灵魂的艺术作品，这就是缺乏信仰的结果。艺术和宗教的本质都是为了自我超越，这个超越就是超越滚滚红尘的种种欲望和烦恼。弘一大师的学生丰子恺先生说：“人的生活，可以分作三层：一是物质生活，二是精神生活，三是灵魂生活。物答罩质生活就是衣食，精神生活就是学术文艺，灵魂生活就是宗教信仰。”信仰是灵魂的最高层面。在某种意义上可以说：生活的最高境界是艺术，艺术的最高境界则是信仰。

罗伯特·舒曼（robertschumann）说过：“艺术家的本分是把光明灌注到人心深处。”优秀的艺术作品，是能给人启示，就像信仰一样，使人在人生的迷雾中看见光明。信仰是灵性的最高层面，艺术创作需要领悟力，需要足够高的审美能力，更需要有信仰的加持。

当代艺术在今天已不是一个简单的类型名词，而是集合了各种各样的艺术，比如文学、音乐、电影、绘画等，是不再对各种艺术作区分的艺术。总之艺术的发展需要有对抗符号化价值趋势的反思和批判性思维，需要与社会人文相遇，需要全新观念的注入，需要灵魂的觉悟，通过艺术安放情感，交换能量……

我们要以特有的艺术视角和艺术思想，认识艺术现象和把握艺术规律的基本思路与方法。综上所聊，当代艺术是人类最具创造力的活动之一，它所关乎的不仅是人类自身认知能力或表现能力的问题，更关乎人类自身的价值、精神发展与未来等。

  2021年11月23日

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⑤ 你对当代艺术有何理解和看法

艺术来源于生活，也是学校教亩芹高育的核心学科，并强调指出艺术与教育一词根本含义的密不可分性。缺乏基本的艺术知识和技能的教育决不能称为真正的教育，没有艺术的教育是不完整的教育，进而系统地阐释了艺术教育的极端重要的价值。

艺术依然可以穿破全球化生产流水线的意识束缚，从而继续印证和发扬文化的首兄多样性。在思考和知识层面的需求上艺术也依然体现着功能性：已知的各种科学方法论必须建立在逻辑线索上，而艺术则用无以言表的感知方式使得体验现实世界和现实世界之上的风景。

当代艺术日常生活特征

当代艺术家的实践迅尺往往介于形而上的哲学思考和具备日常生活特征的视觉因素之间，同时经过现代主义时期创作者的实践，艺术已经具备了广泛性跨文化的效能。无论是评论家还是公众，当凝视或讨论艺术作品，意识到创作者所穿越的文化边界时，个体知识结构被抚摸的快感油然而生。

一边脑子里充满了各种换算公式其中也计算到了不同人群的快感触发点，一边日复一日重蹈着现代艺术早已完成的实践。这种做法在当下特别是公众社会范围内因为有着“艺术”的庇护伞而不断调整着自身的正确。

⑥ 谈谈你对当代艺术的理解和收获3000字

当杜尚用一个男性的小便池去参加展览并命名其为《泉》的时候，我们发现，艺术形式的审美化正在消灭着艺术与生活的距离，但是艺术的意象的美却距离我们的生活越来越远了。
在这个时代，艺术家总是能以新奇的或者我们说是“创新的”概念迅速的成名。安迪•沃霍尔说“每个人都能在15分钟内成名。”于是，绘画不再是高高在上、具有威严性的宗教题材，而是一些生活中的现成品或是看起来庸俗不堪的物品都可以拿来当做题材。安迪用了当红的明星玛丽莲梦露当做他众多系列创作的主题，他用一些时髦、鲜艳的颜色来描绘玛丽莲，而这些艺术也被当做了工业文明社会市侩、轻浮、空虚的心理表现。
所以，我们可以看到现代艺术的题材与形式越来越趋向与日常的生活，很多艺术家不再去花大把的时间去在作品内容的创作当中，而是直接拿来生活中的一个实物或是一个空间，直接进行创作。从这种角度上来看，毫无疑问，近现代的非博物馆艺术是贴近了人们的生活，艺术不再是有阶级有身份的人们消遣时候的玩物，而是每一个大众都能参与其中的活动。而我们这个时代就成了一个约瑟夫•博伊斯口中的：“人人都是艺术家”的时代了。
但是这样做的弊端毫无疑问的是降低了艺术的门槛，一个艺术家的思想与理念完全可以在他的作品里表达。在信息时代里，人们获取信息十分容易，鼠标一点，就可以得到自己想要的信息，而这些轻而易举得到的信息毫无疑问是缺乏一种体验的。所以，现代的艺术家是根本不能表现出古典主义绘画的那些神圣的、纯洁的美。这时，一些想要创造出石破天惊艺术的大众艺术家们就开始了他们的“创新”。而这个时候，他们所表现得，并不是古典主义追求精准造型的自然美，也不是最求纯粹状态的艺术美，他们所追求的正式不断发现自身准确定义的第三领域美。
那么什么是“第三领域的美”？美学家丹托在《美的滥用》中将这种美解释为“通过行为——这些行为的目的是指向美好——而拥有了某些东西。”那么是什么东西呢？他用黑格尔的话说：对于艺术“我们要求…...一种生活的质量，而普世价值不存在于形式法则中，也不存在于格言中，而是伴随感觉和感受而给予的一个存在状态“。所以”对于黑格尔而言，艺术只是一个精神的渡筏，我们由此进入了他称为的绝对精神的最高阶段”。“绝对精神的三个阶段，每一个都在第三领域有实践性——那就是实际在过着的人得生活。而每一个实践都和是、人的生活该是什么样子的相联系。”“第三美学领域的东西与人类生活和幸福息息相关。”
所以在这个阶段的艺术，实际上艺术家要表现的已经不是美了，而是一种精神上的体验。我们发现当代艺术的内容表现的越来越个人化、抽象化，没有了艺术家自身的解释我们可能完全会误读这个作品为另外一个含义。而这个时候，艺术家也开始充当着哲学家的角色，他们指引着观众去思考他们作品的内涵。有的艺术家就是在用自己的艺术去反映自己的生活，从而引发观众对这类人群生活的思考。
这些当代艺术家想要表达的正是他们个人化的艺术理念，而我觉得大多数时候这种理念里更多的是一种反抗。他们在利用着观者的各种感官来反映他们对传统艺术的反抗，对一种生活状态的反抗。从这一方面看，观者的感官确实被艺术家全面的解放了。但是，他们用来反抗的手段正是一种刺激感官的方法，而比美更能刺激人感官的毫无疑问的就是一种痛感了。于是他们的艺术手段往往充满了性、暴力等以往艺术未曾涉及的领域。
诚然，他们做到了创新与反抗。但是，他们的艺术给人们带来了什么？除了在一瞬间夹杂着快感的痛感之外，随着时间的流逝，人们还能感到什么？美已经被抛弃了，那种由美带给我们的愉悦感、幸福感都已经被一种刺激的、麻木的、颓废的痛感所取代了。当我们在欣赏一件当代艺术的时候，我们已经感受不到了内心的宁静，当代艺术本身就是用来让人们刺激的。在当今这个人人都渴望成名的社会里，艺术也就像林清玄所说的变成了“爆炒苍蝇头”，观者也在“刺激中麻木”，然后艺术家再寻求“更刺激”。
我并非想要否定全部的当代艺术，只是我们需要思考，在当代艺术离开了物体本身的形状分析，我们将以何种标准去审美？是以艺术家所赋予作品所谓的含义的美么？当艺术表现的目的不再是美的时候，我们又将如何欣赏它们呢？在当代艺术的意象走到了“刺激”的尽头时，又将何去何从呢？