窖藏艺术在哪个国家

❶ 华盛顿国家广场的地标建筑

华盛顿纪念碑（Washington Monument），是美国首都华盛顿哥伦比亚特区的地标，为纪念美国总统乔治·华盛顿而建造，石碑建筑物的内部中空，是世界最高的石制建筑，原本米尔斯的最初设计是在底部有开国英雄柱廊围绕着华盛顿纪念碑，但在美国工兵处陆军上校凯西被托付重新设计地基与塔身之后，他放弃了柱廊的构想，专注于方尖碑的建造，并将地基挖深、以古埃及的比例重新设计主塔。
1833年美国国会通过建案，建费用由全民乐捐，每人捐款上限为一美元，蓝图由米尔斯（Robert Mills）设计。其间因南北战争爆发，停摆了22年，1876年又重新复工，由美国陆军负责，经费由政府负担。整个工程于1884年12月6日竣工，并四年后开放观光。石碑是以白色大理石建成方尖型，高度是169.3米，东面是国会大厦，西部是林肯纪念堂，北面是白宫，南面是杰佛逊纪念馆，内墙镶嵌着188块由全球各地捐赠的纪念石。登上169米高的华盛顿纪念碑，可俯瞰波托马克盆地全貌。美国国会于1899年投票后决定：“华盛顿特区任何新建建筑的高度不可以超过华盛顿纪念碑”[1]。
1853年美北长老会驻中国的传教士丁韪良曾赠一碑文予美国华盛顿纪念馆，由福建巡抚徐继畲撰碑文文字：“华盛顿，异人也。起事勇于胜广，割据雄于曹刘，既已提三尺剑，开疆万里，乃不僭位号，不传子孙，而创为推举之法，几于天下为公，乎三代之遗意。其治国崇让善俗，不尚武功，亦迥与诸国异。余尝见其画像，气貌雄毅绝伦，呜呼，可不谓人杰矣哉！米利坚合众国以为国，幅员万里，不设王侯之号，不循世袭之规，公器付之公论，创古今未有之局，一何奇也！泰西古今人物，能不以华盛顿为称首哉！”
建筑物构造 纪念碑高度 地上最高观光高度 纪念碑尖顶高度 纪念碑顶部柱身幅 169.294米 152米 16.75米 10.5米 土台部的壁厚度 顶部观光区墙壁厚度 纪念碑总重量 纪念碑石块总数 4.6米 46米 82421公吨 36491个 美国国家历史博物馆于1964年对公众免费开放，是一座长方形的五层楼高白色大理石建筑，里面收藏了许多美国历史上非常重要的文物，如：杰弗逊起草的《独立宣言》用过的书桌、贝尔发明的世界上第一架电话机等，至20世纪90年代，这个馆的藏品已达1600万件。
游览美国国家历史博物馆
从大草坪进入历史博物馆，直接进入的是第二层大厅。大厅中央，有一个悬自天花板的链球状大钟摆，是1851年美国参加巴黎国际博览会的展品复制件。在主厅正面墙壁上，是一面巨大的国旗绘画。
参观者最先步入的是一个小型放映厅，在这里可以观看一个介绍1780年至1800年美国东海岸原英国殖民地，即“新英格兰”农村生活的短片。从华盛顿雕像附近上至三楼，那里是武装力量、钱币、纺织品展览，还有珍贵的邮票展品纸币约75000枚。
费用：免费。
开放时间：每天10：00-17：30，圣诞节不开馆。 美国自然史博物馆（American Museum of Natural History）位于美国纽约曼哈顿上西区（Upper West Side），是专注于人类学、古生物学、生物学等的博物馆。建馆于1869年，现有馆员超过1200人，每年承办超过100场特别展览。该馆的特色是其对于各大洲哺乳动物的收集，以及人类学的馆藏。其人类起源馆（Hall of Human Origin）是全美唯一此领域的专项展览，展示了人类进化过程中的各个阶段。
美国自然史博物馆2006年获得纽约州教育理事会授权，下设里乍得·吉尔德研究生院（Richard Gilder Graate School），开办了比较生物学专业。这是博物馆截止至2013年唯一提供的学术项目。2009年11月，州政府核准馆方颁发博士学位。美国自然史博物馆因而正式成为美国第一个、也是唯一授与博士学位的美国博物馆。 国家艺术馆（National Gallery of Art），是一座位于华盛顿特区的艺术博物馆，常缩写为NGA，隶属于美国政府，由史密森尼学会管理。建筑物本身分为东西两栋，靠地下通道相通。
国家艺术馆由美国国会创建于1937年，一开始是为了管理安德鲁·威廉·美隆（Andrew W. Mellon）和山缪·卡瑞斯两人捐献出的收藏（主要是意大利艺术）。1941年3月17日国家艺术馆的西栋建筑正式开放给民众参观，西栋建筑由建筑师约 翰·卢梭·派普（John Russell Pope）所设计，东栋建筑由建筑师贝聿铭所设计，于1978年开放。此外，国家艺术馆在1999年增设了一个雕塑公园。
一九七八年，华盛顿国家艺术馆东馆的设计建造成功，便已奠定贝聿铭作为世界级建筑大师的地位了。当时的美国总统卡特在“东馆”的开幕仪式上称，“它不但是华盛顿市和谐而周全的一部份，而且是公众生活与艺术情趣之间日益增强联系的象征。”称贝聿铭是“不可多得的杰出建筑师”。
东馆的地理位置十分显要。它东望国会大厦，西望白宫。而它所占有的地形却是使建筑师们颇难处理的不规则四边形。为了使这座建筑物能够同周围环境构成高度谐调的景色，贝聿铭精心构思，创造性地把不同高度，不同形状的平台、楼梯、斜坡和廊柱交错相连，给人以变幻莫测的感觉。阳光透过蜘蛛网似的天窗，从不同的角度射入，自成一幅美丽的图画。这座费时十年，耗资近亿美元建成的“东馆”，被誉为“现代艺术与建筑充满创意的结合”。
建筑界人士普遍认为贝聿铭的建筑设计有三个特色：一是建筑造型与所处环境自然融化。二是空间处理独具匠心。三是建筑材料考究和建筑内部设计精巧。这些特色在“东馆”的设计中得到了充分的体现。
1978年，华盛顿国家艺术馆动馆的开放，标志着博物馆的建筑设计进入了一个新的纪元。这座建筑得到了评论界的高度赞赏，也吸引了公众的广泛关注。贝聿铭的初衷是想设计一个大家都愿意光顾的场所。他的愿望终于变成了现实。 美国国会大厦（英语：United States Capitol），别称国会山庄，是美国国会所在地，位于美国首都华盛顿的国会山，坐落在华盛顿国家广场（National Mall）东端。
在地理上，美国国会大厦位于华盛顿偏东处，但常被看作华盛顿市区的中心。华盛顿特区建筑物地址的东西南北都是以国会大厦作为基准。
由于电视报道华府作出决定时多出现的是国会大厦，加之经常配合有“白宫方面宣布”的言辞，且其风格巍峨挺拔，导致不了解的人在很长一段时间内，将国会大厦认为是白宫——美国总统官邸暨办公室。
公众可免费参观国会大厦，但每天的名额有限；也可旁听参议院或众议院议事。
沿革
国会山第一次被议会占领的时候, 1800
19世纪以来一直使用的国会大厦实际上是美国的第四个国会大厦。在1783年到1784年间，美国国会的开会地点是位于马里兰州安那波利斯的马里兰州议会大厦。1789年到1790年期间，使用纽约的联邦国家纪念堂作为开会地点。1790年到1800年期间，开会地点是费城的美国独立纪念馆。
19世纪以来的国会大厦始建于1793年9月18日。乔治·华盛顿为它安放了基石，但是确切的安放地点却已经无法考证。其早期的建造由本杰明·亨利·拉特孟彼和查尔斯·布尔芬奇等人监制。当政府于1800年将其临时总部从费城迁到华盛顿特区时，等待他们的国会大厦仍是尚未完成的砖石结构。上院一侧在1800年完工，下院一侧在1811年完工。在1812年战争中，建筑曾被破坏，后修复。后来随着美国州数与议员数的增加，国会大厦也大幅扩建，并且建设了位于中央的巨型穹顶。
国会大厦是美国民主政治的象征，1800年以来就是国会会议的召开地。国会议员聚集在此制定法律，美国总统亦在此宣誓就职、并且宣讲每年的国情咨文。 美国国家植物园（U.S. Botanic Garden）建于1820年，位于美国首都华盛顿国会大厦旁，马萨诸塞大道50号。美国国家植物园是一座收集了美国及世界上4000多种不同植物的活博物馆。同时也是美国唯一由农业部管理的一家植物园。
景点特色：
美国国家植物园占地180公顷，在华盛顿特区东北边的一片大绿地上。这里最着名的就是各式各样美丽的花朵，高挺的树木和其它植物。这里有大约9000种植物。植物园专门栽种科研或者教学用的植物。国家植物园是依据1927年国会的一项法案设立的。植物园的目标是开展研究和教育，进而改善环境。这个目标还包括保护树木、花草和植物，并欢迎公众参观。 国立美洲印第安人博物馆位于首都华盛顿，于2004年开馆，是一个专门介绍美洲印第安人生活、语言、文学、历史以及艺术的博物馆，每年约有400多万人次造访。
博物馆的外形像是黄色的大岩石，让人想起夕阳下的西部绝壁，分为五层，展览面积23000平方米，收藏品可达80万件，此外，还有12.5万张图片。馆内可以分为三大部分，即“我们的宇宙：我们世界中的传统知识形态”、“我们的人民：表达我们的历史”以及“我们的生命：当代生活和身份”，对于非印第安人的参 观者来说，博物馆的80万件藏品将向游客揭示一个全新的世界，从中不但可以看到羽毛头饰、战斧、枪支、挂珠项链、编织篮、毛毯和陶罐等熟悉的印第安人传统 服饰和生活用品，也有他们当代的民族发展和生活状况。印第安人所希望的不仅是静态地展示1万年来的部族生活和文化，他们还希望能通过博物馆接触到自己的文物和当代文化。
在博物馆的四周种植了各种具有特色的植物，花团锦簇，争奇斗艳。在草坪上还散布着超过40块古代印第安人建筑中常用的岩石，它们象征着历史在这片土地上的延续。 国家航空航天博物馆座落在美国首都华盛顿特区的东南方，成立于1976年7月，是史密森氏学会创建的众多博物馆之一，也是全世界首屈一指的有关飞行的专题博物馆。
平均每年接待游客400多万，在成立的第一年参观人数曾超过1000多万人次，创美国各博物馆最高纪录。它是目前世界上最大的飞行博物馆，是由玻璃、大理石和钢材 构成的现代化建筑。
博物馆的24个展厅共有18000平方米的展览面积。各展厅陈列飞行史上具有重要意义的各类飞机、火箭、导弹、宇宙 飞船、及着名飞行员、宇航员用过的器物。除体积过于庞大的采用模型外，展品绝大多数都是珍贵的原物或备用的实物。馆内陈列品没有“请勿动 手”的标牌，观众可以自己动手操作，观众和记者可以随意拍摄展品。
博物馆的正厅命名为“飞行里程碑”，形形色色的飞行器或悬吊在大厅天花板下，或停放在宽敞大厅的地面上。这里有最原 始的飞行器：中国古代的风筝和火箭的模型；蒙特哥菲尔兄弟飞越巴黎上空的热气球复制品；以及莱特兄弟的“飞行者”1号飞机。在莱特兄弟飞机的近旁，陈列着 “阿波罗”11号登月舱。
在空间飞行器展行里，除美国展品外，还展出世界各国发射的卫星及航天器的复制品。有美国“阿波罗”和苏联“联盟”号 飞船实现对接的模型。能深入其中看个究竟的美国天空实验室吸引了无数观众人内参观。这个空间轨道站高，呈圆筒状15米，内径7米，分为上下两层。观众沿舷 梯进舱，可以看到装有各种仪器设备的实验室，及贮存水、食品和器材的库房。
全馆有各种类型的真正飞机共265架，从莱特兄弟的第一架飞机，到创下时速7296千米的X-15火箭飞机。这 265架中相当一部分陈列在反映二次世界大战的展厅里。该厅陈列了美国的“野马”、日本的“零式”、德国的“梅塞施密特”、英国的“喷火”等驰名于世的各 种战机。被缴获的希特勒的秘密武器—V-2飞弹实物，也矗立在展厅中的显赫位置。展厅中还站立着许多与真人同样大小栩栩如生的战时王牌飞行员的蜡像，墙壁 上则挂满了激烈空战的照片和绘画。
飞机发动机、火箭和导弹、卫星和飞船等，都有专馆陈列。博物馆的电影场是世界上最大的宽银幕立体场电影场，它有一幅5层楼高、33米宽的银幕。走进以爱因斯坦命名的宇宙空间馆，新型的天象仪显现的9000颗各种星球、星系、星云、则使参观者身临其境地进入了无穷尽的灿 烂苍穹。 华盛顿赫希洪博物馆位于美国首都华盛顿特区的东北方，是美国唯一以环形投影建筑设计的博物馆，360度投影屏幕将照亮建筑外观，不断变化的图像和声音，一个充满活力的生活体验。11个高清晰度视频投影仪，影像将无缝交融在一起。
重要特色：馆内外和雕塑园中藏有罗丹、穆尔、穆尼奥斯和列肯斯坦的大型雕塑作品；室内陈列德·库宁、沃霍尔、里希特的画作；考尔德的活动雕塑作品；胶片系列
史密森尼博物院的总部设在美国首都华盛顿特区，在华盛顿纪念碑和国会大厦之间。另有六座博物馆和国家动物园设在华盛顿的其他地方。库珀·休伊特、国立设计博物馆以及国立美洲印第安人博物馆乔治·古斯塔夫·海伊中心设在纽约市。
在史密森尼内待建的最新博物馆是国立非裔美国人历史和文化博物馆，它将建于华盛顿市的国家广场中。艺术和工业大楼已关闭，迄待修缮。 弗利尔美术馆以珍贵稀有的东亚文物闻名于世，其中，属中国和日本的收藏最多。美术馆的创始人弗利尔醉心于迷人悠远的中国文化，因此通过各种渠道获得了很多中国古代珍宝。这里收藏了近3万件的文物，中国古代的绘画作品更是达到了1200多件，属全美国之最。
馆内最值得一看的是中国商周时代的青铜器物以及良渚文化时期的绝世玉器。商周的青铜和良渚的玉都是中国古代文明中最有影响力的文化财产之一。此外，这里还收藏着一副相当完整的南宋时期《洛神赋图》白描本，它是《洛神赋图》存世的9卷中的一款，其他几款散落在北京故宫、大英博物馆和辽宁博物馆。这些千年的宝贝如今被妥善的放置在弗利尔美术馆里，等着亲切的中国参观者的来此拜访。 赛克勒艺术馆位于华盛顿国家大草坪中段的南边，于1987年9月正式开放，赛克勒艺术馆是一座古典主义风格的坐北朝南四层小楼。
赛克勒美术馆藏有种类繁多的中国玉器，既有璧、琮、璋、璜、圭等形态规整的玉礼器，也有戈、钺、刀等威风凛凛的玉武器，更有猛琥、苍珑、凤鸟、飞鹿、神人等生动活泼的像生玉，还有玉剑具、玉杯、玉带钩、玉镯、玉洗等实用器，其中不乏精品、珍品。玉器绝大部分是赛克勒博士的生前收藏，其中商代铜卣与玉串饰，特别引人注目，可以说是赛克勒美术馆的镇馆之宝，不仅因为是其精美，更在于组合及其所含的意义。正如展览说明所云，青铜卣呈现出典型的商代风格，形体规矩，大小适中，制作精细，装饰精美，盖、身外壁装饰形象生动的夔龙纹，并以四齿牙形突棱将纹饰分为四组，前后、左右呈对称状分布。铜卣提梁缺失，美中不足。铜卣内藏有15件玉管，原可能为一串饰，玉管大小、形状略有差别，质地、色泽、工艺基本一致，少数玉管外壁饰阴纹，为商代玉器上常见纹样。据说铜卣发现时，玉管就藏在铜卣里面。为何玉管放在铜卣内？有何含义？有学者认为是为了祭祀需要，也有学者认为是长江流域商代方国的风俗。但从铜卣与玉串饰看，都是实用器，铜卣是酒器，玉串饰是装饰用品，因此也不排除是物主的生前藏品，因某种特殊原因窖藏，或是用于陪葬。 国立非洲艺术馆位于国家广场独立大道西南950号，1964年开放，是美国唯一的纯粹以非洲艺术为对象的博物馆。
艺术由Warren M. Robbins于1964年创建，从来未去过非洲，也并没有在博物馆或艺术领域内工作。他对于创立非洲艺术馆的想法源于60年代早起的一次旅行。当时他是美国驻伯恩的文化随从。某日他参观汉堡一家古董店，那里收藏的非洲雕塑吸引了他。他买下了32件。从最初的购买开始，在家里形成一个小博物馆，在当时人权运动遭遇混乱时期，这也是他所做的一份文化交流。六年后，当听说19世纪废奴运动领Frederick Douglass在国会山的房子要出售，便买下了这座房子，他将那里视作非洲艺术馆，将自己的收藏进行展出。他购买了同一个区的九家房产，个人收藏也日益扩大。当博物馆扩大到拥有五千作品时候，他开始请求国会，要求其成为史密森机构的一部分。1987年，搬迁到国家广场，被重新命名为国立非洲艺术博物馆。1983年前，Robbins一直担任那里的馆长。1987年，Cole成为亚特兰大Spelman学院首位美籍非裔女性领导者，该学院也是美国历史最为悠久的黑人女性大学。

❷ 山东青州龙兴寺佛教造像窖藏的发现与研究

1996年10月，青州一所学校正在修建操场的施工工地上，轰鸣的推土机成了一个巨大惊喜的发现者：工人们走到车前扒开浮土，青州佛像窖藏随着这次偶然的发现被开启了！窖藏东西长8．6米，南北宽6．7米，抢救性的青州佛像考古挖掘工作迅速展开，考古人员采用局部发掘的方式，整整工作了七天七夜，覆盖着泥土的佛像逐渐显露出本来面貌。
谜团从考古发掘的开始便不期而至：这里为什么会集中埋藏着佛像呢？在窖藏坑被发现之前，当地人知道这里曾存在着一个古老的寺庙，县史书上记载叫龙兴寺。龙兴寺在公元500年前后就已是远近闻名的大寺院，此后香火繁盛长达800多年。但公元1300年前后，龙兴寺却奇怪地消失了。
在进行完修复和拼对之后，佛像的总数达到400余尊。这是一个令人惊讶的数字！一个面积只有50多平方米，深度不到3米的窖藏坑内，为什么会埋藏着数量如此之多的佛像呢？
考古学家从题材和雕刻技法上判定，这批佛教造像绝大多数完成于公元五到六世纪，也就是中国历史上最动荡的南北朝时期。 青州，地处山东半岛，历史渊源可以追溯到7000年前，曾经是中国古代九州之一。今天的青州，许多留存的遗迹仍在默默讲述着这座古城往昔的辉煌，青州佛像的出土又将开启哪些来自遥远历史的秘密呢？
自佛教从遥远的印度传入中国后，中国人开始了制造佛像的历史。中国早期的佛教造像制作先后受到中亚和印度的影响。青州佛教造像中年代最早的是北魏晚期的作品，数量不多，其中绝大多数是带有背屏的造像，佛像大多身材单薄、肩部低垂，是典型的中国汉人的体态。佛像面部的颧骨微微突出，这是中国传统文化中智者的形象，这样的造像风格被称为秀骨清像。不仅如此，从印度远道而来的佛只是到了中国后才穿起宽衣大袖褒衣博带的长衫。佛像上的汉化风格是当时北方草原民族建立的王朝普遍汉化倾向的一个缩影。
战乱与分裂没有阻断南北朝时期文化的交流，控制北方政权的草原民族开始向南方王朝的汉族文化学习，大规模的汉化运动在北魏孝文帝时期最为活跃。青州自古就地处南北交通的要道，历史上一度从属南朝，南北文化长期在这里交汇，在佛教造像上自然响应并且主导了造像的汉化风格。接近汉人的体态和中国传统样式的长衫，这种潇洒清秀的风格一直延续到公元六世纪上半叶的东魏时期。但当我们把目光投向公元六世纪中期以后北齐时期的佛教造像时，第一个强烈的感觉就是，秀骨清像的造像特征完全被新的造像风格所取代。背屏式的浮雕造像几乎消失，而单体的圆雕造像，面部大多丰满圆润，和北魏造像厚重的服饰风格相比，北齐造像表现出了完全不同的审美情趣。所有造像的服饰都轻薄贴体，显露出健康优美的身段，早期从印度传入的艺术风格再次成为主流。
在青州地区出土的北齐时代的石刻拓片上，可以清晰地看出，当时胡人已经广泛地进入到青州进行经济和文化活动，与异域的交流也体现在同时期的佛教造像上。一些造像身上用浅浮雕或者彩绘的形式，清晰地勾画出了胡人的形象。另一些佛像，或是采用凸棱的方式刻出衣纹，好像打湿的衣衫紧贴身体，或是身上没有任何皱褶，肌肤的轮廓充分显现着人体的优美，在北方中原一带的同期作品中，这种造像的样式极为罕见，他们很可能就是史书文献中记载过的“曹衣出水”的样式。 然而，“曹衣出水”的样式为什么会从万里以外的西域传播到青州，至今仍是众说纷纭。因为，在青州以外的地区，同一类型的造像并没有被发现。那么，它们会是沿着丝绸之路一路而来，或是像很多史学家推测的那样，是从越南地区进入中国南方，又从南方沿水路进入青州？但不管怎样，可以肯定的是，这种新的样式传入青州后，工匠们用自己所熟悉的技法与之相融合，于是，一批面貌新颖的佛教艺术造像在北齐时代出现了。
在古代，制作造像的同时大都还会再制造一个底座，在底座上刻印上有关这座造像制造的信息。但在青州龙兴寺出土的这批佛像中，却几乎找不到一件刻印着题记的底座。而佛像底座也没有在继续的挖掘中出现，它们到底去了哪里？
在青州佛教造像挖掘出土之后，一个问题一直困扰着考古学家，数量如此之多的精美佛像为什么被埋入地下，以及佛像被人为砸毁的原因。
在窖藏坑的中部，有一条从坑口深入坑底的斜坡，这应该是当年的挖掘者特意留下的，为了方便运放石像。窖藏坑内的造像绝大多数都被严重毁坏，但这些被毁的造像残件在坑内仍然排放有序，大致按照上中下三个层次放置。较完整的造像放在中部，残碎的造像上面用较大的造像残件覆盖。在放置于最上层的一些造像的顶部，考古人员发现了一些苇席留下的纹理，这说明在造像掩埋之前曾用苇席覆盖。种种细节说明，这是一次有计划的、精心安排的掩埋行动，掩埋者很可能是对佛教极其虔诚的信徒。他们出于什么样的原因掩埋佛像，真正砸毁佛像的人又是谁呢？
在一些佛像上可以清晰地看到火烧的痕迹和修复的痕迹，这很可能是在南北朝时期的历次毁佛灭法运动中被砸毁，又在此后随着佛教的重新兴盛而被修复。随着考古工作的进展，对龙兴寺佛像埋藏时间的考证很快出现了新的线索。在龙兴寺窖藏坑内发现的几件造像，根据鉴定为北宋时期的佛像。在一件佛像上还发现了“北宋天圣四年”的字样，北宋天圣四年也就是公元1026年，距离南北朝时期的最后一次灭佛运动已近500年。如果是这样，那么之前关于佛像毁于南北朝灭佛运动并在此后被埋葬的假设就不会成立，因为在北宋的历史上并没有关于灭法毁佛运动的记载。 到底会是什么原因，让这些佛像在泥土的隐埋中沉睡了如此漫长的时间呢？考古学家将目光投向了青州附近出土的一块石碑。
石碑上面的文字或许就是打开青州佛像之谜的钥匙。
杨泓，中国社会科学院研究员。他介绍说，临朐县在上个世纪的80年代初，也发现过一大批和青州造像基本上时代和造像特征接近的古代佛教造像。这批造像出土的时候同时出了一个造像记，记述了当地有一个叫明道寺的庙，里面有僧人看到了一些当时古代已经残破的佛像，就做功德把这些残样都收集埋起来，埋的时候上面还做了一个舍利塔。做这个功德时，有当地的地方官还有周围大庙的僧人也来参加，一个很盛大的法会，并刻了一块碑记。石碑上的文字详细记录着
参加法会的有当时龙兴寺的主持义永禅师，而仪式的日期在景德元年，也就是公元1004年，这个日期与龙兴寺的窖藏应该属于同时期。从这个线索可以推测，在北宋这个时期，青州地区的寺院应该盛行着一种隆重的法会，寺院的僧人将早年在各种灭法活动中损坏的佛像或者经年累月破旧的佛像集中起来，然后举行隆重的仪式，将它们埋葬起来，以积累功德。于是，这也可以解释为什么在龙兴寺的窖藏中，以曾经发生过灭法运动的南北朝时期佛像居多，而隋唐到北宋的佛像却十分少见的原因了。 然而，还有一个疑惑仍然困扰着人们：假设这些前代的佛像在北宋时期被埋葬，历经几百年时间，他们身上的贴金彩绘估计早已褪去了。而直到今天，这些千年以前的佛像仍然散发着动人的光泽和炫目的色彩，这又如何解释呢？
有关青州造像的种种猜测与疑惑至今仍无法寻找到最终的答案。
或许，答案已不再重要。伟大的艺术品穿越千年岁月，闪现奇异光彩，这本身就是奇迹。

❸ 欧洲的艺术风格

答案有点多（转载自网络）

奇天（成立于2006年）为您解答。

欧洲五大艺术风格分别为罗马式风格、哥特式风格、文艺复兴式风格,巴洛克式风格以及罗可可艺术风格。

罗马式艺术风格 现在人们普遍所说的罗马式建筑，罗马式花园，罗马式画风都是指欧洲在11~13世纪的艺术风格，主要泛及整个西欧和大部分中欧地区。 主要表现在建筑，绘画等主要艺术作品当中。其中因地域不同而又各有区别。 在建筑方面，最典型的是教堂 罗马式教堂建筑艺术 自公元1096年开始的十字军东侵，使欧洲兴起宗教的热潮，封建主对宗教的狂热达到如醉如痴境地，他们全力为自己领地兴建规模壮观的教堂和修道院，建筑史上称这种新形制为“罗曼内斯克”即罗马式。而这个时期的其他造型艺术如雕塑、绘画等都成为与教堂不可分割的装饰部分，因此在美术史上统称为“罗马式”。 罗马式建筑外观巨大、繁复，但装饰简单大方。最特别的是建筑的屋顶，罗马式风格建筑的设计都是一拱顶为主，以石头的曲线结构来覆盖空间。看过《达芬奇的密码》吗？里面提到的拱顶石就是建造拱顶最重要也是最后才放入的。 说到罗马式建筑不得不提到雕塑。教堂雕塑也是十分典型的，其在教堂建筑中是画龙点睛的一笔。在中世纪的欧洲，人们认为艺术不应该独立存在，每种艺术都得以自身的手段和方式为建筑所创造。在这样的观念下。雕塑、绘画都是臣服建筑这个主体。常常运用杏型结构 在罗马式风格影响下，雕塑家把作品创作得紧凑、复杂、色彩丰富。在不同国家有着不同风格.德意志的很具感染力；意大利的神圣；西班牙的很简单。。 当时的绘画风格多用象征性的手法来表现活动或环境，不是很注重真实的表达。而更多的是表现人物，运用了夸张、变形等构图，强调整体效果，突出细节。

哥特式艺术风格 起源和发展与11世纪和12世纪，由于社会的新阶级-中产阶级的崛起，他们不再为贵族所用。成为自由贸易者和手工艺制造者。随着王权的限制，商业和城镇开始发展起来。 其实在中世纪，宗教统治几乎可以抗衡王权的威力，而那些神职人员可以说对建筑物建造风格影响很大，他们成为了城市里主要角色。而宗教资产也十分雄厚，主教和资产阶级投资，建造更加宏伟的新教堂. 哥特式教堂中每一种构造元素都很高耸，尖细。就象指向天空的利剑，仿佛屋顶直通天堂。尽其所能的接近上帝，这就是哥特式建筑千方百计想要实现的。 最着名的就是大名鼎鼎的巴黎圣母院了 哥特式教堂建筑还有一个明显的特点，就是没有实体墙壁，而是利用雕塑装饰来追求轻佻飞扬，垂直的的风格。雕塑不再是臣服与建筑，地位与前面提到的罗马式建筑中的雕塑提高了一个很高的档次，而且创作的精细程度也是叹为观止的。 在哥特式艺术风潮盛行的时代，由于教堂没有可供作画的实体墙壁，所以，教堂壁画在那个时期是几乎看不到的。但是，民间的世俗壁画依然存在，内容多是骑士和宫廷故事。 哥特式风格的绘画表现出一派美好和谐，没有痛苦和折磨的世界，显然，这是不可能实现的。因此，哥特式绘画又被人评论为脱离现实的绘画风格。 其实，当时大有发展的是一些次要艺术，比如：玻璃彩绘、挂毯等等。

文艺复兴式艺术风格 起源于15世纪初意大利的佛罗伦萨，也是影响近现代艺术风格最明显的一种艺术风格之一。 这个时期的建筑虽相对来说没有绘画出彩，但是也可以说得上大有成就，大胆运用“透视法”就是在这个时期兴起的。也就是这样，艺术和实际工程融入一起，应该算得上是“设计”了吧。随着这个观念的产生，以前被称为“工匠”的艺术家们变成了知识分子的身份，也许就是“设计师”的鼻祖。 列奥纳多·达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔.这三个伟大的人 为世界艺术节，科学界，文学界留下了大量宝贵的遗产。

巴洛克式艺术风格 巴洛克一词原来意思是长得不好看的珍珠，指怪诞、扭曲的艺术作品。现在我们定义的是浪漫、愉悦、多彩多姿。 整个17实际至18世纪中叶，巴洛克式艺术席卷了整个欧洲，有些甚至到了拉丁美洲。特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩，常用穿插的曲面和椭圆形空间。 在当时以宗教思想为主的近代，它的出现确实违背了教会认同的审美法则，所以受到主流社会的不屑。 巴洛克强调本能，追求感官刺激、喜欢幻想，一引诱人的意识为目标，因此，它被称为“天主教教堂”的艺术工具。其实当时天主教教会正竭力吸引异教徒重返天主。所以，必须可以展现其庄严、雄伟的气派，激起信徒的信心。 巴洛克时期的雕塑艺术分两种：一个是用来装饰或者补充建筑的，另一个是真正独立存在的雕塑。 Gian Lorenzo Bernini就是此段时期杰出的巴洛克风格的设计雕塑大师 梵蒂冈圣彼得广场Piazza San Pietro就是出自他设计 巴洛克式绘画风格，为了达到一种特殊的效果，通常会几种艺术风格同时运用，，艺术家可以从上到下根据视角的不同，设计出风格迥异的变化，这种风格一直延续到18世纪中期巴洛克艺术时期之后的洛可可时期，承续了文艺复兴时期的透视法，直接运用于教堂的天花板上，创作的作品华丽，雄伟。 Rembrandt Harmenszoon Van Rijin也是这个时期绘画巨匠，还有Pieter da Hoochvv、Jan Vermeer 米开朗基罗也创作过巴洛克风格的作品 17世纪宗教告诫人们：生命是脆弱的物质不过是过眼云烟。这集中表现于《圣经》的《训道篇》的一切皆虚空。光及死亡必然是17世纪道德思想的主轴。 欧洲艺术风格不仅仅只是这笼统的4个分类，多种多样的文化造就了社会多彩多姿的艺术形式，供后人慢慢揣摩。世界多元化的发展，越是民族的就越是世界的，所以，珍惜每一种先人留给我们的文化风俗，那就是我们享用不尽的宝藏。

洛可可式艺术风格 洛可可(Rococo)艺术风格产生于法国18世纪。“洛可可”是法文“岩石”的复合词，意思是此风格以岩石和蚌壳装饰为其特色。是巴洛克风格与中国装饰趣味结合起来的、运用多个S线组合的一种华丽雕琢、纤巧繁琐的艺术样式。 洛可可艺术风格的倡导者是蓬帕杜夫人(1721～1764)，她不仅参与军事外交事务，还以文化“保护人”身份，左右着当时的艺术风格。蓬帕杜夫人原名让娜·安托瓦内特·普瓦松，出生于巴黎的一个金融投机商家庭，后成为路易十五的情妇，被封为侯爵夫人。在蓬帕杜夫人的倡导下，产生了洛可可艺术风格，使17世纪太阳王照耀下有盛世气象的雕刻风格，被18世纪这位贵妇纤纤细手摩挲得分外柔美媚人了。 18世纪法国艺术是洛可可的天下，而且，已经成为欧洲近代文明中心的法国宫廷，把这种靡丽之风传出国界，甚至传到中国的圆明园。 洛可可风格是宫廷艺术，这种风格是由于当时一些不严格遵循法国古典主义法则的因素而产生的，它并不是意大利巴洛克风格的必然后果。它的遵循理论是“师法自然”。人们都在谈论“师法自然”，但是，我们从现代角度去看，他们所谓的对自然的模仿只是让自然服从于社会的心血来潮，而这个社会并未完全做好使人真正感受到生活在自然之中，并且充满着对生活的神秘醉意的准备。这时的艺术家们对贵族俯首帖耳，同时贵族阶级又要求他们唯命是从。法国人的这一发明使教会中心真正转向沙龙中心，而这时的沙龙已与过去不同，各种绘画展览都被称之为“沙龙”。画家、雕塑家、木刻家、铜板画家、珠宝商、金银器皿商、细木家俱商、理发师、裁缝、制靴匠，所有的人都对洛可可这种在结构脆弱的高雅文化基础上绽开的美艳之极的花朵趋之若鹜。在每个角落，在高谈阔论的男子和楚楚动人的女子周围，从木器、水晶器皿、糕点、大理石、地毯到陈列柜及里面的餐具，从四轮马车到轿子，从前厅到卧室，洛可可风格无所不在。这是上流社会的艺术，它滥用着并且吸干了艺术家们的殷勤，用窃来的爱情和移植的花朵分散了艺术家们的注意力。这种不断向上攀缘的结构尽管放射出璀璨的光辉，但它却被禁锢在高雅文化周围，渐渐地疏远了其天然的源头。令人遗憾的现象出现了：这种蜿蜒缠绕的曲线，限制了装饰师们在空间中实现全面发展的自由，并且总是把它导向为使人难以摆脱的社交活动服务的轨道，而这种装饰艺术正是顺应这一需要才得以问世的，它成了王公贵族的俘虏。 洛可可艺术的灵魂式人物是绘画大师弗朗索瓦·布歇。他在天花板、屏风、车把手、门的正面、首饰盒和瓷器上，可以说在任何地方，都绘制了牧歌式和田园曲式的爱情神话故事题材。布歇和蔼可亲，慷慨大方，注重享乐，受到男男女女的喜爱。他和自己的时代不断地交换看法，询问个人和这个时代应该做些什么来爱这些男女，并获得他们的热爱。他因此获得“皇家首席画家”的称号。 代表洛可可雕刻最高成就的是受蓬帕杜夫人赏识的两位艺术家：皮加尔和法尔科奈。 让．巴蒂斯特·皮加尔(1714～1785)访问过意大利，是争取罗马大奖——王家绘画雕刻学院为优秀学生提供赴设在罗马的法兰西学院进修而设立的竞赛奖，失败之后自费去的，足见他对意大利艺术的向往。他在罗马作的《系鞋带的墨丘利》小稿，在他1741年回巴黎时，为他赢得进入王家绘画雕刻学院成为院士的荣誉，而且以此稿完成的云石像连同他的另一件作品《要墨丘利传信的维那斯》一起，被路易十五当作礼物赠给了普鲁士国王腓特烈二世。他为蓬帕杜夫人工作了十年，以她为原型作寓意像的《妆扮友谊之神蓬帕杜夫人像》和《爱神拥抱友谊之神》非常精彩，他把这位艺术保护人表现得既高贵又亲切，既聪慧又迷人，他有别于同代雕刻家的地方是他也追求其它艺术风格，如在他去世前完成的《拔刺少女》，追随希腊古风，为他一生的创作画出句号。他的这一面，在其学生乌东的艺术中得到了发扬。 与皮加尔齐名且是对手的艾蒂安——莫里斯·法尔科奈(1716～1791)，也和皮加尔一样出自让-巴蒂斯特·勒穆瓦纳门下，也在罗马大奖争夺中败阵。但他安心留在法国而未赴意大利“朝圣”。他终于成为洛可可雕刻最杰出、最典型的代表人物。他曾受命于蓬帕杜夫人，领导了着名的赛夫里陶瓷工厂，又接受俄国女皇叶卡捷琳娜二世的委托作《彼得大帝骑马像》。 法尔科奈的灵气和秀气，无人可及，他把法兰西雕刻的优雅柔美风格推到了顶点。他凿下的年轻女性，个个都是娇小玲珑，苗条婀娜，风流妩媚，充分体现法兰西的品格，而且她们不再是吉拉东的宁芙，虽然娇美却尚不许凡人触动，而是以玉温香馨的青春之体在邀人爱怜了。法尔科奈的作品不但造型生动，而且人物情态丰富细腻。蓬帕杜夫人的时代造就了他。 洛可可风格是宫廷艺术，它起源于上层社会的需要。大部分制造这种艺术品的工匠在个人生活中是与它完全无缘的。比如塞夫里皇家瓷厂的瓷器，被用于国家的社交场合，就像今天的英国皇家将它们用于欢迎来访的外国元首的国宴上。洛可可装饰风格本身就成为这种盛宴场合的特色。塞夫里瓷器的设计由国王亲派的法尔科奈、布歇等艺术家完成，具体制作的工匠们没有钱也不能在日常家庭生活中使用它，只有那好赶时髦、朝三暮四的贵族使用。 这种制造和消费特有循环圈，促成了贵族互相攀比的风气和设计走向极端奢华的两种现象。18世纪堪称是马车的黄金时代，达官贵族都拥有代表自己权势和等级的马车，相互攀比、竞相争艳。具体表现为：选用最上乘的木料做骨架，马车的款式奇异，以曲线居多，纹样多以植物为主，穿插一些优美神话故事为题材的装饰画，色调常以红、黄为主，再以金色统一整体，以昂贵的造价获得华丽气氛。这充分显示出贵族的审美情趣，同时，我们也为匠师们用自己的智慧和双手创造出如此精妙的作品而赞叹不已。 我们从现代的角度审视18世纪的洛可可艺术，应该说蓬帕杜夫人是那些喜欢豪华风格者的代表人和组织者，有“众望所归”的特征。所以，才有洛可可风格作品出现后在贵族引起“共鸣”的时尚。也可以说，贵族们崇尚华丽的风气，诱发了洛可可艺术。当时上层社会的男男女女无不热心并亲自参加工艺活动，以至于这些举动有的达到令人讥笑和荒诞不经的地步。16世纪，当衰败的瓦卢瓦王的国王查理九世答应送给西班牙国王一支他亲自制作的枪时，那位西班牙大使为之惊诧不已。18世纪，路易十六的妻子玛丽成天抱怨他的丈夫沉湎在他的作坊中，甚至无暇顾及妻子，路易十六在他的作坊中潜心钻研的是钟和锁的奥秘。在这两例中我们似乎瞥见了那些把命运强加于他们身上的角色不相适应的悲剧性人们。这些人在体力劳动中发现了一个聊以自慰的世外桃源。但这对于不理朝政的帝王来说却是不祥之兆。 风靡一时的奇想多变的洛可可风格随着蓬帕杜夫人的亡故而终止，被路易十五另一情妇杜巴利夫人倡导的新古典主义而取代。但是，洛可可风格的璀璨之处，自有它超时代艺术生命力所在，现代人都公认它是19世纪下叶新艺术运动的前奏。而那些幸存的艺术精品，至今还散发着光芒，并向人们述说着那个岁月的时尚和人们不知道的故事。

❹ 山东青州龙兴寺佛教造像窖藏的简介

发掘地点： 山东省青州市
龙兴寺始建于北魏时期，是一处延续千余年的着名佛教寺院。窖藏坑位于寺院遗址的最北部，南北长 8.7米、东西宽6.8米，坑内有规律地埋藏有北魏、东魏、北齐至隋、唐、北宋时期的石灰石、汉白玉、花岗岩、陶、铁、木及泥塑等各类佛教造像400余尊。其中最大的高320厘米，最小的仅高20厘米。造像雕刻技巧高超，包括浮雕、镂雕、线刻、贴金、彩绘等多种技法。龙兴寺佛教造像窖藏是迄今中国发现的、数量最多的窖藏佛教造像群。龙兴寺佛教造像窖藏的发现，为研究中国佛教美术史提供了极为重要的的实物资料。青州龙兴寺窖藏佛教造像的发掘是近年来中国境内最重要的发现之一，它代表了自北魏至宋元时期中国佛教艺术的杰出成就，为研究佛教在我国的传播及雕塑、绘画艺术的发展提供了珍贵资料。经过我馆业务人员日复一日地整理、拼接、粘对，这些曾惨遭破坏的艺术珍品以崭新的姿态展现在世人面前。其中的佛像精品先后在美国、日本、德国、瑞士、英国、香港、北京、上海等地举办了精品展或大型专题展。当人们看到那些面带微笑的佛像、衣着雍容华贵的菩萨、呼之欲出的飞天、生动活泼的护法和多姿多彩的荷莲时，无不被其深深折服。
2001年秋天的德国柏林，亚太文化艺术节，来自中国的“青州佛教造像艺术展”，第一次在海外展出，33件展品以异常夺目的光彩征服了世人。这些精美的佛教造像来自中国山东潍坊的一个小城——青州。

❺ 山东青州龙兴寺佛教造像窖藏的介绍

青州龙兴寺出土的大批佛教造像，多数形体较大，包括北魏至北宋延续 500 年的石 、 玉、 陶、 铁、 木和泥造像 200 余尊，其中以北齐时期石像最多，有佛、 菩萨、 弟子、 罗汉 、 飞天、 供养人等多种题材。造像有浮雕 、 镂雕、 线刻、 贴金、 彩绘，造型生动，线条流畅，具有极高的艺术水准。为山东地区北魏至北齐时期的石佛造像提供了一批珍贵的断代标本。以北魏、东魏、北齐造像为主的佛教窖藏，位于中国北部山东省的青州市。

❻ 在英国拍卖的虎蓥到底是啥

虎蓥，是圆明园被抢的稀有西周青铜器，距今约3000年，就是在祭祀时奉献使用的一个容器具。

青铜“虎蓥”为西周晚期文物，顶盖内铸有“自作供蓥”铭文，因其精美独特的造型、罕见的虎形装饰而具有重要的历史、艺术和文化价值。

虎蓥器形作侈口，方唇，短束颈，宽折肩，收腹，圜底，三蹄形足。肩的一侧有管状流，以伏虎为造型，另一侧有龙首鋬，盖折沿，上有圆雕踞虎形装饰，盖与鋬上各有小环钮，原应有连链，现已失。肩部饰卷曲夔纹，腹上部饰横S形斜角云纹，腹下部饰瓦纹，足根饰饕餮纹。

盖内铸铭四字：“自乍(作)(供)(蓥)。”“乍”字反书。可能是共字，与共字通常作、形较异。器自名为“蓥”，是盉的一种别称。“共”作为器名的修饰语，尚属首见。共是供的初文，《广雅·释诂二》：“供，进也。”《玉篇·人部》：“供，祭也。”《广韵·锺韵》：“供，奉也。”“供蓥”明确了此器的用途，即作为祭祀时奉献使用。

关于“虎蓥”这一世称的由来，主要依据是流管上的卧虎造型，流管乃商周青铜盉标志性的关键部位，凭此位置上的纹饰对其定名，依据充分，科学合理。

(6)窖藏艺术在哪个国家扩展阅读

这件青铜“虎蓥”原为清宫皇室旧藏，1860年被英国军官哈利•埃文斯从圆明园劫掠获得，此后一直由其家族收藏。一百多年以来，这件文物销声匿迹，直到今年3月，一则“西周青铜器‘虎蓥’将在英国拍卖”的消息引起关注。

国家文物局随即开展信息收集、协商谈判、协调联动、宣传引导等多方面工作。在基本确认“虎蓥”为圆明园流失文物后，数次通过多种渠道联系英国相关拍卖机构，希望通过协商对话的方式解决问题。

但这未能阻止这次拍卖。2018年4月9日，拍卖机构负责人通过邮件明确表示拒绝撤拍。10日，国家文物局发表声明，强烈反对并谴责该机构执意拍卖流失文物的行为，表示将继续按照国际公约和中国法律规定，通过一切必要途径开展流失文物追索。

4月11日，青铜“虎蓥”以41万英镑价格在英国成交。

转机出现在4月28日，国家文物局收到英国相关拍卖机构负责人邮件，邮件称青铜“虎蓥”境外买家希望将文物无条件捐赠给国家文物局。国家文物局会同中国驻英国使馆和国家博物馆，稳妥有序地开展青铜“虎蓥”的鉴定接收等各项工作。

9月，国家文物局代表团在中国驻英国大使刘晓明的见证下，在中国驻英国使馆成功举办青铜“虎蓥”捐赠接收仪式。11月23日，青铜“虎蓥”安全抵达北京。

12月11日，国家文物局划拨中国国家博物馆青铜“虎蓥”入藏仪式在中国国家博物馆正式举行。文化和旅游部部长雒树刚、国家文物局局长刘玉珠、国家博物馆馆长王春法出席仪式，雒树刚为青铜“虎蓥”揭幕，国家文物局副局长关强与国家博物馆党委书记黄振春交接划拨文物清册。

❼ 曹衣出水形容哪个艺术

01 绘画

曹衣出水用来形容绘画的艺术形式精湛。"曹衣出水"又称“曹家样”是由中亚曹国的北齐曹仲达创造的中国古代人物衣服褶纹画法之一。笔法刚劲稠叠，所画人物衣衫紧贴身上，犹如刚从水中出来一般。

曹衣出水用来形容绘画的艺术形式精湛。“曹衣出水"是与"吴带当风”相对的一个概念，主要是指古代人物画中衣服褶纹的两种不同的表现方式。前者笔法刚劲稠叠，所画人物衣衫紧贴身上，犹如刚从水中出来一般；后者笔法圆转飘逸，所绘人物衣带宛若迎风飘曳之状。

" 曹衣出水"又称“曹家样”是由中亚曹国的北齐曹仲达创造的中国古代人物衣服褶纹画法之一。《图画见闻志》说曹仲达的人物画，衣服褶纹多用细笔紧束，似衣披薄纱，又如刚从水中捞出之感，后人因之命名。

曹仲达，原籍西域曹国（今乌兹别克斯坦撒马尔罕一带），生卒年不详。官至北齐朝散大夫。记载中说他善画佛画，也长于泥塑，所做佛画，到了唐代被称为“曹家样”，与“张家样”并称。曹仲达的“曹衣出水”画法，与唐代吴道子的“吴带当风”并称。唐代又将曹仲达的佛画风格称为曹家样，与张僧繇的张家样、吴道子的吴家样、周昉的周家样并列，奉为典范，对佛教绘画及雕塑都具有重大影响。他来自西域，绘画风格带有异邦色彩，但到中原后又受到汉族美术的熏染，相互融合，受到当时人的赞许和肯定。据记载，他还画过卢思道、斛律明月、慕容绍宗等人的肖像，又画过《齐神武临轩对武骑图》、《弋猎图》及《名马图》，这些作品皆早已不存，但可知他也擅长肖像画及描绘贵族生活等题材。他的艺术风格在现存的北朝佛教造像中仍可见其仿佛。

他画过许多佛陀、菩萨、可惜没有作品流传下来。不过这个风格却在龙兴寺的出土佛像上找到了。1996年10月在山东青州龙兴寺遗址发现了窖藏的400尊佛教造像。时代跨越从北魏至于北宋，（跟敦煌藏经有大致相近的时间跨度与最后的封藏时间，一样具有不解之谜。）龙兴寺北朝作品，体现了画史上着名的“曹衣出水”样式。《点石斋丛画》：“用尖笔，其体重叠，衣褶紧穿，如蚯蚓描。”此法用笔最宜沉着。北宋陈用志，明丁云鹏、陈洪授等人作品，系基于此法之发展。