美国人如何融入艺术

‘壹’ 19世纪下半叶的美国美术是如何发展的

以美国南北战争为界线，标志着美国艺术开始走向全面成熟的时期，无论是在风景画、肖像画还是在风俗画方面都出现了一批掌握了纯熟绘画技巧，能充分展示自己的个性，并且能深刻反映美国人民现实生活和思想感情的艺术家。

温斯洛·霍默（Winslow Homer，1836—1910）被认为是美国19世纪最伟大的画家。他出生于波士顿的一个中产阶级家庭。父亲是一个善良的商人，母亲受过良好教育，这使霍默从小就生活在一个艺术环境之中。后来霍默在纽约全国美术设计学院接受了正规的艺术教育。霍默的艺术是典型的美国艺术。他早年的作品表现美国人民愉快的生活，中年的作品则是战争时代的记录，晚年在缅因州海岸画的反映渔民生活的画面，气势磅礴，感情深厚，成为美国精神的象征。

霍默又是美国第一代风俗画家。他早期从事版画制作，主要描绘美国人民乐观的性格，充满了生气，在构图与造型上都有一种临场效果，动作的随意性、构图的不完整性为其特征，这与当时版画的新闻性有关，运用于油画中则成一种新风格。南北战争成为霍默艺术的转折点。他作为美术记者随军采访并根据战地速写画了一批反映战争生活的油画，如《前方来的俘虏》。战后大批青年人赴欧学画，民族画派受到冷落，霍默有些失意，于是转向水彩画创作，在偏僻的乡村探索自己对自然和生活的感受。他画海洋瞬息变化的气候，用笔有一种自然力量。其作品1890年获得巴黎国际博览会金质奖章。代表作品有《海流》（1899）等。

托马斯·伊肯斯（Thomas Eakins，1844—1916）是美国着名的现实主义画家。伊肯斯生于宾夕法尼亚，最初就学于宾夕法尼亚美术学院，1866年从费城到巴黎，在学画过程中受马奈影响很大。随后又到西班牙，受委拉斯贵支绘画的影响。1870年，伊肯斯回到费城任教于宾州美术学院附中，开始探索现实主义的教学方法，主要画日常生活题材，包括家庭风俗画、户外运动场景和肖像画。他的代表作品有《格罗斯病院》（1875）等。伊肯斯早先的人物画多表现行动中的人，构图较复杂，包含自然的与人文的形式，如桥、帆船、赛艇等，在《转过标桩》和《游泳池塘》等画中作为基本的因素组合在构图中。室外场景画也包括外光、色彩和气候等复杂因素，最后的室外题材《荒野上的牛仔》是他所有作品中色彩最响亮和最单纯的。他的后期创作主要是肖像画，他的肖像画不是组合形式的，而是单一的静态人物，通常衬以朴素的、无物体的背景，这是一种中心形式的构图，强化了造型感。伊肯斯是第一个接受当代美国都市生活的重要艺术家，并从中创造出有表现力的艺术，他使美国的现实主义传统走向成熟。

卡萨特（Mary Stevenson Cassatt，一1926），1844年生于美国宾夕法尼亚州的阿勒格尼城，曾随父母游历于欧洲。1861年她不顾家人的反对考取了费城的宾夕法尼亚美术学院，开始了艺术生涯。但她对此院的教学感到不满，教条式的学院课程使她的创造力和自由受到压抑，于1866年夏天来到巴黎。除了临摹卢浮宫的先辈大师作品外，她也到巴黎沙龙学习同时代艺术家的作品。1867年她参观了库尔贝和马奈的画展，对马奈作品很有兴趣。1872年春，卡萨特向巴黎沙龙送的第一件作品《狂欢节日之前》被接受，其后两年她都送作品参加沙龙的展览。1874年，她的一幅中年妇女肖像画在沙龙展出，受到德加的高度评价。1879年，应德加的邀请，卡萨特参加了印象派画展，直到1886年这段时间，她始终是印象派的活跃成员。1879年展出的《蓝色扶手椅中的小女孩》和作于1883年的《穿黑衣的妇女》是她的代表作品。前者用笔豪放，传达出的却是一片宁静、安逸的气氛；后者则表现出东方艺术对她的影响，尤其是背景上的扇子，具有浓郁的东方风味。1886年以后她的作品进入新的风格阶段，开始追求简洁、稳定的构图，注意力多放在母亲和孩子的题材上。她的《埃米和她的孩子》（1899）用笔流畅，但避免了过分阔大的笔触，认为那是印象派的标签，可见她这时在内容和手法上都体现出与印象派不同的风格。1890年在日本版画的影响下，她创作了一套十色凹版画，包括《洗澡》、《梳洗》、《书信》等。1900年后，卡萨特的创作进入后期，这也是她多产的时期，作为母于题材画家的声望日益提高，在欧洲局势动荡不安的情况下，人们能从她的画中感受到一种亲切的怀旧之情。

约翰·辛格·萨金特（John Singer Sangent，1856—1925）生于意大利的佛罗伦萨。童年随母亲漫游欧洲各地，1870年到1874年在佛罗伦萨美术学院接受系统的教育，1874年定居于巴黎，考人卡罗勒斯一杜朗（Carolus—Duran）的画室学习。卡罗勒斯是一位肖像画家，运用着严格的现实主义手法，萨金特很快成了他最得意的学生，同时也将自己的才能集中到肖像画上。1877年萨金特的一幅画被沙龙接受。1878年他根据海景及渔民生活的速写创作的油画《坎卡尔的拾牡朗者》为他赢得名声，标志着他在职业艺术界的第一次成功。1879年，萨金特到西班牙旅行，临摹了许多大师的作品，其中受委拉斯贵支的影响很大，并完成第二幅大画《埃尔·杰莉奥》。此后他作为一名肖像画家名重一时，《卡罗勒斯一杜朗肖像》、《波依特的四个女儿》等都是这时期的代表作。在英国皇家协会展出的《维克三姐妹》、《少女和玫瑰》和《亨利·怀特夫人》体现了他敏锐的观察力及卓越的技巧，画面富丽典雅。到了80年代，萨金特的作品越来越精彩，他特别喜欢用光的效果来突出质感和面料的感觉。1884年在沙龙展出了《高特鲁夫人》肖像。1885年移居英国后，他对外光景色发生了兴趣，画了不少速写，并创作了《康乃馨、百合花及玫瑰》。整个90年代是萨金特事业的顶峰，1897年他被选人纽约全国美术设计学院、伦敦皇家艺术学院和法国勋级会。他后期的肖像画代表作有《河格纽夫人》及《温德姆三姐妹》。1899年，他接受美国波士顿公共图书馆的建筑装饰设计及壁画设计的任务，此间还画了《埃及少女》。风景画是萨金特的另一主要成就，1905年以后水彩成为他旅行写生的工具，创作了许多优秀作品，如《修帆》（1905）、《阿拉伯马厩》。晚期他还创作过两幅以第一次世界大战为题材的壁画。20世纪以来，现代派潮流冲击欧洲画坛的时候，他始终坚持了现实主义艺术道路。

艾伯特·宾汉姆·赖德（Albent Pinkham Ryder，1847—1917）是美国19世纪最重要的浪漫主义画家。他出生于马萨诸塞州的新贝德福德。虽然他一直住在纽约的贫民区，但他的绘画题材大都是海景和其他风景。他的绘画充满了怪诞与梦幻，色彩奇丽，用笔厚重。虽然他访问过欧洲，但没有受欧洲绘画的影响，而是始终在探索自己的内心世界。赖德留下的重要作品有《阿登的森林》（1888—1900）《海上月光》和《白马上的死神》（约1910）等。

‘贰’ 你认为中西方现代艺术是怎样的人交融的

你认为中西方现代艺术是怎样的人交融的？命苦破会YY

‘叁’ 中国的文化艺术博大精深，美国有什么文化艺术

近代的流行音乐。还有艺术涂鸦，电影制作。篮球。都是美国的强项。。美国是个新生不久的国家。没有什么文化底蕴。。但是他能够吸引人才。而且民风 比较散漫潇洒。。富有创意。敢于施行。所以现在控制了现代的各种先端的文化。并且扬长避短。突发科技。将幻想变作可能。。突破前卫突破极限是他们国家的宗旨。中国的话。是几千年以来不断的在前人的基础上教授技艺思想才使得中国源远流长。不至于像古巴比伦一样消亡。又不至于像古埃及那么闭塞。又不至于像印度那么刻板。美国的艺术在新。在创。中国的精华在改，在承

‘肆’ 现代西方艺术是如何发展的

美术和音乐是西方人文化生活的重要组成部分。进入20世纪以后，美术和音乐领域有了进一步的发展，出现了许多体现现代精神的新风尚和新流派，令人眼花缭乱。美术界出现了野兽主义、立体主义、表现主义、未来主义、行动绘画和色彩抽象绘画、欧普艺术、波普艺术等流派，音乐界产生了印象主义音乐、表现主义音乐、新古典主义音乐、电子音乐和爵士音乐等新流派。这一时期现代西方艺术的流派呈现出反传统，弘扬个性，反映现实的特点，风格和流派更加多元化，且变化频繁，艺术的中心逐渐由欧洲转移到美国。

20世纪西方现代美术发展的新潮流20世纪的西方美术是现代主义思潮占统治地位的时期，其突出的特点是反传统，从形式到内容都显示出一种叛逆者的姿态。在技法上，大都反对传统的写实主义，追求新奇，空间结构错乱，色彩配置随意，点线紊乱，缺乏透视；在创作主旨上，都主张强调自我，表现个人情感和内心世界。出现这一趋势的原因主要有：一是科技的影响。现代科技的发展改变着人类社会生活的面貌，也改变着人们的审美情趣。照相术和电影的发明对绘画的冲击最大，这两种新技术使运用机械手段准确无误地记录客观形象成为可能，从此意义上来讲，传统绘画技巧所完成的不过是照相机所做的记录事物表面的光反射反应而已。画家们再也不能以描绘事物的表面形状来引起观众的共鸣了，他们只能转向用表现精神领域里面的东西来打动人。二是现代哲学思想的影响。20世纪初出现的现代主义哲学思想为人类进一步了解精神领域的活动提供了前提，尤其是弗洛伊德的精神分析法和法国柏格森的“心理时间”观念等理论为艺术家从事创作提供了有力的思想武器，他们逐渐从描绘客观世界的“外向艺术”转向描绘主观世界的“内向艺术”，艺术的社会职能也相应地由社会和教育功能转为满足人类普遍精神需求的“泛功利主义”。三是古代美术遗产和东方文化的影响。进入近现代以来，考古学家陆续在各大洲发现了一些原始土着文化的艺术品，这些古朴稚拙却又形象生动的艺术品给艺术家带来了创作灵感。东方文化艺术品的西渐，尤其是中国的水墨山水画、印度的石窟艺术等从各种途径传到了西方，这些与西方写实风格相异的新风格为西方艺术界带来了一股清新之风。没有继承，无以创新；没有创新，无以发展。20世纪一批富有创意的艺术家正是站在历史巨人的肩膀上才攀上了一个新的艺术高度。

20世纪的西方各种美术风格流派并存多变，且与商品化的联系更加密切。二战前，美术界出现了众多的现代流派。二战后，新的风格和流派像走马灯一样交错更迭，变异得更快、更频繁，资本和资本的逻辑也已渗透其间。

二战前的现代派美术流派第二次世界大战前，野兽主义。立体主义、表现主义、未来主义、达达主义、超现实主义是影响较大的流派。

野兽主义是20世纪初出现最早的一个现代主义绘画流派。1905年，在法国巴黎举办的秋季沙龙画展中，展出了马蒂斯、弗拉芒克、马尔开、杜飞等一批青年艺术家的作品。因其技法一反常规，被评论家称为“野兽般的艺术”，野兽派由此而得名，马蒂斯为该派的代表人物。野兽派各个画家风格不尽相同，但他们都强调在创作中用大色块和豪放不拘的线条，来表现个人的主观感受和自由意志，画面一般都缺乏透视感，具有装饰性很强的图案效果。

亨利·马蒂斯（1869—1954年）是法国着名的现代派画家。二十多岁正式学画，他继承了许多着名画家的优良传统，并汲取了东方艺术的特点，逐渐形成了自已的画风，创作了大量刻意求新的作品，在美术界产生了广泛的影响，并成为野兽派中成就最高、影响最大的画家。马蒂斯的名言是“准确描绘不等于真实”。这句话成了现代艺术的纲领。他的主要作品有：《生活的快乐》。《蓝色的裸体》、《红色的和谐》、《打开的窗子》和《戴帽的女人》等。

立体主义是1907年在法国艺术界出现的一个新的艺术流派，主要代表人物是西班牙的毕加索和法国的勃拉克等，其中贡献最大的是毕加索。该画派主张把一切形象解体成最简单的几何形块，按画家的意愿组合起来。在他们的画中，一切物体、风景、人物和房子变成了几何图形和方块，既能看到物体的正面。侧面，还能看到其背面。立体派给人一种新的观察世界的方法，即多视角地观察世界，它盛行西方世界达半个世纪，20世纪二三十年代为其最繁荣的时期。

巴勃罗·毕加索（1881—1973年）是20世纪影响最大的画家之一。他7岁开始学习绘画，一生创作了数以万计的作品。最重要的贡献是创造了立体主义。1907年创作了震惊欧洲画坛的《亚威农少女》，画面上五个人物的形体，尤其是脸部、正面、侧面、斜侧面全合到一起，完全违反了人的视觉所看到的形象。这幅作品被认为立体派的开端。他热爱和平反对战争，绘制过《和平鸽》，1937年绘制的反法西斯名画《格尔尼卡》轰动世界。

表现主义产生于第一次世界大战前的德国，其代表人物是挪威的蒙克、德国的基尔希奈、马尔克、俄国的康定斯基等，其宗旨在于表现内心世界感受到的一切，通常总是将现实的东西加以变形，使画面呈现激烈的、粗糙刺目的、悲怆的、恐怖的气氛。

未来主义产生于1909年的意大利，其代表人物是马利奈蒂、波菊巴。巴拉等。他们主张在绘画中要表现感情的爆发，表现飞速运动的力，在一个画面上表现抽象的动态美。

达达主义诞生于1916年瑞士的苏黎世城。该派随便从字典上捡出一个儿童语汇“达达”作为本派的名称，他们以虚无主义态度否定一切，否定理性和传统文化，认为艺术可以不受任何限制，艺术可以是任何艺术家随心所欲的产物。达达主义的代表人物马塞尔·杜桑的作品可以说是达达派的典型之作。使他一举成名的《下楼的裸女》，是一连串如机器人一样的重叠图画；帕行车车轮》是一只现成的自行车车轮倒竖在一张木凳上；《泉》是一个钉在木版上的小便池，更是惊世骇俗。

超现实主义是1922年前后从达达主义内部分化出来的一个新流派。该派在弗洛伊德学说影响下，力图系统研究如何表达人的“潜意识”。代表人物有西班牙的达利和米罗等。达利的《记忆的静止》，勾画了一个产生错觉的痛苦世界成内战的预感》描绘了战争给人带来的恐惧。米罗的代表作为《海滩上的女人》等。

二战后的现代派美术流派第二次世界大战并未使艺术发展本身的趋势得以中断，自20世纪初出现的各种现代主义美术流派，在战后依然显示着它们的创造力。但战争和社会的变迁毕竟还是会对艺术的发展带来了重要影响，出现了一些新的流派。其中比较着名的有行动绘画和色彩抽象绘画、欧普艺术、波普艺术、照相现实主义等。这一时期，现代主义艺术运动的中心从法国的巴黎逐渐转移到美国纽约。

行动绘画和色彩抽象绘画是五十年代在纽约产生的最为风行的一个美术流派，它属于抽象表现主义艺术，在战后西方艺术史上有着重大的意义。行动绘画又称“滴画”，最着名的画家是杰克逊·波洛克，他用在画布上滴溅颜料的方法，开创了绘画活动与下意识活动相结合的新途径。画家沿着画布边走边滴，他自身的运动与滴色动作相协调，由此来反映画家的绘画行动，所以得名为“行动绘画”。这种随意性极大，不受任何绘画技巧理论的支配，最终出现何种效果连画家本人都难以预料的方法，是与绘画中一切传统形式相背离的，它只关注于绘画材料本身和绘画语言，去追求色彩的的偶然效果。色彩抽象绘画，亦称“大色域绘画”。五十年代，以美国的马克·罗斯科为该派的代表。他的画往往是由简单的形状、彩色的方块、粗粗的线条组成，构成了一种抽象的空间，似乎表达了某种信仰或精神要素，常人往往是看不懂的。

欧普艺术又称“光效应艺术”或“视幻艺术”，兴起于六十年代的欧美。这一流派的艺术家运用各种黑白或彩色几何形体排列、组合、对比，或重叠，‘或交错构成复杂的图像，给人造成视角的错乱，形成变形、颤动等幻觉。该流派在英法意美等国颇为流行，拉丁美洲的阿根廷等国也出了一些名家。其代表作有：英国女画家赖利的《羽纹》、《三场暴雨》、《领悟》，法国画家瓦萨莱利的《索拉塔—T》，阿根廷的莱帕克的《三棱镜视幻作品》等。由于这种艺术的商业广告效应很好，因此，被广泛用于装饰艺术品的设计。

波普艺术是20世纪六十年代最典型的具象艺术。波普是大众的意思，所以，波普艺术又叫做“大众艺术”。1952年，一批英国的年轻画家、雕塑家、建筑师以及艺术评论家聚会，成立团体，倡导关注大众文化，由此掀起了一股波普艺术热。以后，在美国这种艺术流行起来。美国人罗伯特·劳申堡成为该派最着名的代表人物，他用照片、剪报和各类印刷品拼装起来，再用油彩画上几笔，构成一幅作品，后来，干脆用一条薄棉被作底，加一个枕头上去，再泼上颜料任其流淌下去，构成作品。这种作品与原来意义的画不完全相同，既有画的成分，亦有雕塑品的成分，还带有实物装拼的成分。

照相现实主义又称超级现实主义，是六十年代后期出现的绘画流派，也是高科技时代出现的一个新流派。该派的基本方法是摄影的放大和临摹。在题材选择方面比较广泛，往往借助于一张好看的照片或幻灯片放大作画，通过极端琐碎的细节临摹，以期达到比照片更真实的视觉效果二他们认为“逼真”和“酷似”才是艺术的要素。该画派最有影响的代表人物是查克·克洛斯，其代表作是《裸女》、《约翰》、《自画像》等。

20世纪西方现代音乐发展的新潮流20世纪西方音乐艺术进入了一个前所未有的复杂时期，多样性、复杂性和多变性是其明显的特点，多种多样的风格和流派层出不穷。它们互相并存，互相影响。一方面它们和其他艺术形式一样也具有典型的20世纪特性，即挣脱传统束缚，主张标榜自我和反理性。另一方面，又有唯理性和反浪漫主义的一面。认为音乐是抽象的，除了自身。它不能表现任何东西。现代音乐与传统音乐相比在技巧上出现了许多新变化，如调的概念与和声概念的变化，乐曲节奏和旋律的变动，电子音乐的出现等。目前，随着科学技术的发展、传播技术的进步和交通的发达，各国间文化交流日趋增多，音乐的国界正在逐渐消失，流行的速度与频率也日益加快。20世纪主要的音乐流派是印象主义音乐、表现主义音乐、新古典主义音乐、电子音乐和爵士音乐等。

印象主义音乐、表现主义音乐和新古典主义音乐印象主义音乐出现于19世纪末期，其影响主要产生于20世纪，其代表人物是法国作曲家德彪西。印象派音乐大师德彪西，被认为是20世纪音乐界承前启后的天才，他结束了一个时代，并把那个时代的成就推向高峰，同时又为一个新的时代开辟了道路。

德彪西出生于巴黎近郊，家庭没有任何音乐背景，11岁入巴黎音乐学院学习，不断探索音乐的表现手法，1884年获罗马大奖。在19世纪九十年代，开创了音乐史上的印象派。作品多以诗、画、自然景物为题材，着意刻画人物的感情，揭示人的精神世界，在调式、和声、音色等方面逐步形成独特的艺术个性，并以崭新的音乐语言开拓了现代音乐的发展道路。在他创作的音乐中，人们可以领略到一种朦胧、飘忽、空幻、幽静的意境。他先后写成的管乐序曲《牧神午后》、歌剧《佩利亚斯》、管弦乐《夜曲》。《火海》以及钢琴曲《月光》等，都是印象主义的代表作。

表现主义音乐是19世纪末20世纪上半叶西方现代派音乐的一种重要流派，它同印象主义音乐观点相反，印象主义音乐重在反映外部世界，强调客观性；表现主义音乐重在表现内部世界，强调主观性。表现主义音乐的主要代表人物是勋伯格及其弟子贝尔格和威伯恩。

勋伯格生于维也纳，一生中没有受过多少正规音乐教育，几乎是自学成才，1908年后，在表现主义思潮影响下追求无调性等现代派创作手法，创造了无调性音乐。这种音乐总是处于紧张状态，刺激人的听觉，适合于表现处于紧张状态的20世纪的“人”。二十年代他创造了十二音体系，并按此体系写了大量乐曲。所谓十二音体系，就是摒弃传统的调式、调性与和声体制，将半音音阶中的十二音体系任意排成一个音列，然后以倒置、进行等技法加以处理。为了避免任何一个音成为主音。在十二音未全部出现之前，其中任何一个音不得重复。十二音体系对70世纪音乐产生了巨大影响。他的学生贝尔格和威伯恩以后对十二音体系进行了创新和发展。勋伯格的作品主要有：弦乐六重奏《升华之夜》、歌曲《摩西和艾伦》、大合唱《华沙幸存者》。

新古典主义音乐是在两次世界大战期间兴起的。一些作曲家把18世纪古典主义原则与20世纪新文化结合在一起，简化乐曲的素材、形式，大大压缩乐队的编制，使音乐风格简洁、冷静而富于理性。主要代表人物是斯特拉文斯基。

斯特拉文斯基（188—1971年）生于俄国，1934年加入法国籍1945年取得美国籍。他的作品种类多，风格变化大，几乎涉及所有的重要现代流派。其着名的作品有：芭蕾舞剧《火乌》、《春之祭》、歌剧《浪子的历程》等。

电子音乐和爵士音乐电子音乐就是运用电子技术与设备制作出来的音乐。20世纪科技发展迅速，音乐与科技相结合成为现代派音乐的一大特色，一些作曲家不满足传统的乐器音响，开始大胆创新，尝试电子音乐。1951年，西德科隆广播电台首创电子音乐制作室，并于1953年生产第一件作品。1956年左右出市。电子发声器装置”，把各种发声器和声音变化器结合到一起．由统一的系统进行控制，使电子音乐的制作过程大为简化。六十年代出现半导体技术后，合成器更加完善和小型化，并能参加现场演奏。随着电子计算机进入音乐领域，人们通过编制好的程序复制出特定风格的音乐，制作者运用电子技术可以任意组合各种奇异的音响，随心所欲地按照自己的想象进行创作。电子音乐开辟了一块新的领地，开拓了无穷无尽的声源，发展前景为音乐界人士看好。

爵士音乐是19世纪末叨世纪初在美国密西西比河下游的新奥尔良产生的一种全新的音乐流派，十几年后风靡美国，迅速传遍西方世界。它最初多数为新奥尔良黑人乐队演奏，当地黑人的祖先多数源于西非洲，因此，爵士乐具有强烈的西非洲音乐风格。

黑人处于美国社会的最低层，处处受到歧视和压迫，他们想摆脱现实生活的苦闷，因此在劳动、社交场合唱的歌曲中探合了白人的其他音乐，造就出了深含忧郁的歌调，被称为“蓝调”，这是爵士音乐的前身。后来当地一些乐队和黑人歌曲进一步合流，不久形成了最初的爵士乐。爵士音乐是一种喧闹、狂热的音乐。这种音乐以即兴演奏为基础，节奏感强，富于变化，适合表现现代生活。美国作曲家格仁文的《蓝色狂想曲》是现代最着名的爵士音乐作品。爵士音乐对以后出现的“摇滚乐”、“迪斯科”音乐等产生了深刻影响。

‘伍’ 美国艺术留学需要注意些什么

艺术生申请美国留学需注意的事项：

1. GPA成绩很重要，学士学位也是必须的。申请人要提供大学本科成绩单(GPA)和学士学位。

2. 要有艺术作品。这是申请美国大学艺术专业最重要的部分，也就是说你申请某个艺术专业，要有这个专业相应的艺术作品，申请时把自己的艺术作品编成集寄过去，这样对申请会更有帮助。

3. 个人陈述和推荐信。个人陈述和申请其它专业的都差不多，推荐信要由教过你的教授或者专业人士来写，一般三封或四封，具体看学校要求。

4. 标准化考试。申请美国大学艺术专业一般只需提供TOEFL成绩即可，GRE的成绩一般不需要除部分学校明确要求提供外，但是有GRE成绩当然更好。

很多院校对于学生的GPA都是比较看重的，能充分的体现学生是否有能力完成学业，而艺术生留学除此之外艺术作品的质量是体现其专业水平最直接的东西，有打算去美国留学深造艺术专业的同学平时一定要多注重这些，为自己的申请添彩。

‘陆’ 为什么美国的娱乐文化，影响力这么大，比如，好莱坞，美国大片，美式英语，NBA，拳击，WWE，嘻哈音

美国本来就是流行文化的重镇，他们的文化产业建立在一个大浪淘沙的成熟市场上，都是几十年筛选出来的成果。其实最主要的就是美国人重视现在与未来，文化作品大都靠拢现代思维，并想象未来如何发展。所以他们的产业既巩固了现在，又为以后打好了基础。他们的市场很残酷，竞争非常激烈，经过几十年相关管理条例和法律都很健全，没有我们这样的市场乱象，所以发展的很顺。更何况我们有个很大的限制，你们都懂的……

美国人历史太短，创作上不会受到传统思维太大的束缚。别说流行文化是垃圾没有发展的价值，那是借口！没有哪个民族会一成不变，而且这也不符合人类本性，你不创造别人也会去创造的。就像当年他们用我们的火药造出了大炮，轰开我们的国门一样，这种规律就是如此冰冷。
他们不会固守老祖宗留下的东西，而是会进一步的扩展它们，这个过程中又会衍生出其他全新类型的作品。他们每代人都以自己当下的生活环境、世界格局和自己视角来创作，因此作品才会这么有创造力也更符合现代审美，毕竟大部分人还是活在当下嘛。古典结合流行是个世界难题，无法强求的。还是应该量力而行，在自己的领域做到最好，让市场来选择吧。

说文化侵略，既是也不是…… 文化艺术这种东西人类本来就无法抗拒它们。就算老外不推给我们，我们也会主动去跟他们要。早期就是感兴趣的人主动去接触，当那批人学会后会融入自己的理解，慢慢形成自己的风格，然后在自己的国土上传播开来。欧美向的人都非常清楚一件事，其实我们正规引进他们的东西是非常少的！大部分都是网络上粉丝之间的传播和交流。WWE、NBA、好莱坞、美剧只是一方面，超级碗就没能在我们国家热起来，比起美漫国人也更偏爱日漫。所以这也是一种选择，用“侵略”有点太过了，算是某种特殊的“垄断”吧，我想不出其他形容词了。

‘柒’ 西方经典艺术的特点是什么

中西方艺术差异的比较

要谈中西方艺术的差异，首先必须分析中西艺术的各自特点。我个人认为，艺术作为一种人性的表现方式，它的主体是人，是人作用于客观事物而产生的行为。因此，要谈艺术的差异，必须首先从的人的差异入手，而这里就牵涉到中西方的文化差异。文化差异造成人的认识上的差异，而艺术创作的主体是人，因此，人的意识差异便导致了艺术的差异。
先从古希腊谈起，这是西方艺术创作中的一个代表时期。中国在当时，正是儒家思想产生并盛行的时期。这也是比较中西文化一个比较有代表性的时间起点。谈到艺术，必然要谈到文化。中国人历来都是以含蓄为美，这是中国人的美德，也是一种文明，是属于人性的东西。而西方人则恰恰相反，他们在一些行为举止上面往往都表现得十分直接，西方人打招呼喜欢拥抱、接吻就是很好的证明，他们不像中国人异性之间握个手都觉得有点像在耍流氓。这是中西方文化上的差异，人作为这种文化产生的主体，表现出了这样的外在行为特征的差异。而艺术作为人作用于客观事物的表现手法，它是直接反映人的主观意识的。通过人的感观认识客观事物，获得最初概念，再经过人的主观意识对客观事物进行再认识，最后结合了各自独特的表达方式，对客观事物进行二度创造。这就是艺术形成的过程，这个过程是客观事物与人的主观意识的结合，达到完美，产生艺术。艺术可以说是一种概念，是人们对艺术家创作的认同。艺术之所以成为艺术，也恰恰是它符合了人性的特点，不在单纯地表现客观事物本身，它是结合了人对客观事物的看法，从人性的角度表达客观事物。而这种表达，往往是和艺术家的个人思维方式相关联，所以，才造成了艺术差异性的存在。这里要谈中西方艺术的差异性更需要从文化的角度去看，去思考人性特点的差异。
前面谈到的中国人含蓄，西方人直接，这是中西方艺术在表现形式上最大的差异。让我们再把时间追溯到古希腊时期，当时西方的大部分建筑、雕塑、油画等等的艺术作品中，我们可以很相似地找到艺术家们所喜欢的一个认识客观——人体。在西方建筑雕塑中，人体作为认识客体，被认为是一种美，而一再地被歌颂着，直到今天艺术家们追求的都是一种更加直接的方式去表达人体的美，因此在西方的艺术表现中，他们的艺术风格是更为直接的。人体艺术是近代才传入中国的，至今还是很难被国人接受。当然，这里举人体艺术只是一个例子来证明，中西方艺术特点的差异。中国艺术中讲究一种意境美，它是朦胧的抒情的，往往更多的是在表达艺术家的主观意识本身，客观事物仅仅是表达的载体，比如诗歌，文字和语言都是载体，而艺术家融入了个人的感情，表现出来了。中国艺术的含蓄特点，我们可以从中国的国画作品中找到证据，有人说国画其实是在写诗，这点我很赞同，它和中国古诗一样讲究一种意境美，它们更侧重于表达作者的意识。国画不像西方油画那么直接生动地去描写，它的风格较为含蓄，往往是加入个人感情因素，化静为动，变动为静，在花虫草木中寻求情感寄托，重在借助客观事物含蓄委婉地表达个人感情。比如古诗词中的一段“感时花溅泪，恨别鸟惊心。”花不会溅泪，鸟也不会惊心，不过是诗人把自己的感情转移到了所认识的客观物体上面，是一种含蓄的表现手法，关乎的是一种意境。而西方艺术则更偏中直接去赞美客观事物，他们更关心美的存在形式，偏重表现认识客体，而不在于表现认识的主体——人的情感因素。当然，当情感作为了认识的客体，他们就会充分地去关注并且表达它，就此，我想举贝多芬这位伟大的艺术家，他的艺术作品《命运》就是一个很好的例子，它所表现的客体是贝多芬个人的感情，所以表现得十分到位，令人惊叹！就单纯的排除人的感情作为认识客体来谈，西方艺术家是更在乎如何更加生动地表现客体本身的，不同的也只是在表现手法上的不同，内容是一致的。这是与中国艺术一个很大的区别，而这样的区别完全来自于中西方的文化差异。

‘捌’ 好莱坞如何做到商业与艺术的平衡

个人觉得好莱坞出的片子都谈不上艺术，真正有艺术高度的片子并不一定有人去看，必镜懂艺术或追求艺术的人少之又少，好来坞之所以能做大做强，是因为他抓住了观众的心理，大众看电影都是看过瘾，看刺激。单靠个别从艺术角度去欣赏电影的人，是没有市场的。换局话说就是艺术和商业的价值取向是矛盾的，反之就是炒作。但可以肯定的是，艺术与商业效果都很好的片是有的，只不过很难得摆了。

‘玖’ 美国艺术留学怎么择校

艺术类专业一直是美国留学的热门选择之一，想去美国留学读艺术专业，首先要对美国艺术类留学以及美国大学的艺术专业有一个全面的了解。

对于想要申请美国艺术留学的高中生和大学生来说，往往不知道怎么去定位，该怎样选择适合自己的大学，是就读综合性大学，还是纯艺术类学院？而且对于语言分数不高的学生，能不能打开美国艺术留学的大门呢？

那么今天就请跟随小编来深入了解一下美国留学中的艺术圈。也许你会找到属于你的美国艺术圈留学的通行证哦！

为什么要选择去美国学校修艺术专业?

1、美国是一个世界文化聚集的国家,它允许多种不同形式的文化,艺术进行交融，所以能为更多的艺术类型提供强大的支持。

美国之所以能够包容并集合各种文化、艺术，是因为美国本身就是一个多民族，多种族构成的独特国家，集合了犹太、高加索、中国、非洲裔、拉美裔等等，众多种族，这就为各个种族、民族的艺术提供了融合和发展的大舞台。

纽约不仅仅是美国的艺术中心，更是世界的艺术中心：在这里不经意就会发现一个身穿中国京剧戏服的花旦却被一个非洲裔署名的艺术家用油画的形式完美的描绘，却又融入了前所未有的中西混融的艺术元素，冲击着行人的视觉。这种多文化多元素的艺术冲击与震撼在纽约却是随处可见。拥有如此具有张力的艺术氛围，难怪留学生对于美国艺术留学会如此的推崇和向往了！

2、“文理教育”Liberal Arts Ecation 和“职业教育”Professional Ecation的理念。

怎么理解这两个词呢？简单的说文理教育就是培养一个人如何涉猎更多的知识，比如你是一个艺术学生，你并不是只限于发展你的专业技术，画画的就画画，设计汽车的就设计汽车。美国的教育希望你会画画，但也要学艺术史，这样你才知道为什么要画画，古代人的画画和现代人的画画有什么不同。当然更宽泛的文理教育是把你培养成一个会交流，国际化，懂得人文，自然科学，社会学并且熟知逻辑推理的有道德的综合学生，这样才能使你更好的融入社会，并且为你打下坚实和广阔的学术及工作基础，以后从事什么都有了可能。

“职业教育“理念，比如你学一门设计课，你要深入的研究技术的原理，技术运用，并且要和实践结合你的所学进行项目的设计。学校提供的实习机会，保证你有充分的实习经历去获取工作。而且，很多学校和各大业界公司以及机构建立了合作关系，更加保证了学生职业发展的可能性。

正是这个“一广一深”的教育让美国总能保持领先和卓越的基础，从而傲视国际教育舞台。相对于其他国家的保守教育理念和教育形式手段的落后，美国的教育更能吸引那些“爱学”和“不爱学”的学生，任何灵魂都可以有创造艺术的天赋！

3、美国强大的经济基础是艺术产生的摇篮。

二十世纪，美国经济一直突飞猛进并处于世界领先地位，已经解决温饱的美国才有能力去发展艺术事业。

无论美国的基金会体制，博物馆体制，艺术组织体制，还是展览商业行为都促进了传统艺术的发展，并且随着20世纪初期的国际动荡和变革，美国吸引和接纳了大部分的欧洲艺术家，世界艺术中心已经从欧洲转移到了北美，准确的说是美国。

虽然亚洲和两河流域，爱琴文明，罗马帝国以及欧洲大陆诸国都有着早期卓越的艺术成就，可是随着时间的变迁，世界经济重心的转移，艺术的发展也有了很大的改变。我们今天看到的动画片90%来自美国和日本，这正说明了经济和艺术发展的直接关系。

美国艺术类专业概览

艺术概览

1、艺术留学

指出国读纯艺术、设计类、音乐类、舞蹈类专业本科、研究生或博士学位。

2、艺术类专业分类

A.设计类――实用艺术

视觉传达

平面设计、交互设计、摄影、插画

产品类

工业设计、产品设计、家具设计

时尚类

服装设计、珠宝设计、纺织品设计、橱窗展示设计

建筑类

建筑设计、室内设计、景观园林设计（环境艺术）

影视类

电影、特效与多媒体、动画

B.纯艺术――造型艺术

绘画、油画、雕塑、陶瓷、装置艺术、行为艺术

如何选择院校？

美国的高校设置有不同类型的艺术院校。艺术类的学校中包含有纯粹艺术类的专业院校，而综合性大学下也设置有艺术学院或者艺术系。所以到底该选择哪种院校就读，也是留学生关心的首要问题。

纯艺术类院校

罗德岛设计学院、纽约视觉与艺术学院、萨凡纳艺术设计学院、加州艺术学院、克利夫兰艺术学院等等，这一类的院校都属于纯艺术类院校，因为是专业研究艺术类专业，所以在专业设置上会比综合性大学的艺术专业设置更加细致，选择专业的时候会更清晰。

但是留学费用一般会比综合性大学高一些。因为艺术类院校并非综合性大学，相对于综合性大学有着名的USnews综合排名的关注度，中国留学生和家长可能对于纯艺术类院校并不是特别熟悉，所以选择学校时可以参考艺术类专业排名，例如USnews的“平面设计专业排名”这种专业限定下的排名来参考。

综合性大学下的艺术学院或艺术专业

对于美国综合性大学，因每年都有USnews的排名，所以被学生和家长所熟知。

其实综合性大学在艺术类专业的排名中也不逊色于纯艺术类院校，比如耶鲁的艺术类专业排名都非常高，fine art排名耶鲁就排在全美第一；平面设计罗德岛设计学院排名第一，耶鲁排名第三。

综合性大学相对于纯艺术的学院将来以后的发展可能是更加多元化一些，可以选择工程类去修想要结合的专业领域，而且在人脉上会比艺术类院校稍微多元化些。

但选择上因为并不是所有的综合性大学都有艺术类专业，排名和专业的设置还需要经过一番研究再做选择。

好啦！今天就说这些啦！不确定要选哪所院校，就来深圳琥珀教育问问吧！咨询免费哦~

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‘拾’ 在艺术领域,20世纪的美国艺术家们有没有做出什么革新

20世纪40至50年代之前，美国艺术史学和艺术批评，与艺术创作情况一样，是笼罩在欧洲传统的影子里的，国内学界对这方面的情况了解和介绍都比较少。近些年来，大家的注意力多集中在50年代之后成名的美国艺术史家和批评家身上，比如迈耶·夏皮罗、阿尔佛雷德·巴尔、詹森、格林伯格、麦克·佛莱德等人，而事实上，20世纪初到20至30年代，是美国艺术史和批评崛起的关键时期，牵涉到美国艺术史和艺术批评是如何在欧洲思想传统与本土经验的碰撞与交融中孕生出新的学术话语形态，乃至成为战后西方世界的中心问题。了解这段历史，对于我们全面准确理解和把握美国艺术史和艺术批评发展的学术景观及其在整个西方艺术史和批评史中的地位，都具有重要意义。
在美国，早期艺术批评主要受英国批评家约翰·拉斯金影响，他的着作1847年出版后，很快成为美国艺术批评写作的参照标准。20世纪最初的10年到40年代，介入批评活动的人各色各样，包括专业批评家、历史学者、哲学家、前卫艺术家、收藏家和作家等，讨论的问题也是五花八门，诸如：传统学院艺术与前卫潮流孰是孰非，再现与抽象的关系是什么，艺术的社会性与“为艺术而艺术”的观念的冲突，如何看待美国艺术的民族性与现代艺术的国际性，美国艺术与西方普遍观念之间存在什么不同等，其中一个比较核心的问题是：美国的艺术和文化中是否包含了一种特殊的精神态度。这些讨论大都是在欧洲美学、艺术史和批评理论，尤其德国理论之上生发出来的，当时比较出名的批评家和艺术理论家是罗伯特·亨利、斯蒂格里茨，他们两人影响了纽约的一大批艺术家和批评家，并且形成了两个活动圈子；此外，杜威哲学和美学思想及德国移民艺术家汉斯·霍夫曼的表现主义理论也对促进美国早期前卫艺术思想的发展，乃至形成一种现代艺术创作的美国精神态度的自觉意识，起到了推动作用。
专业艺术史在美国的发展和壮大是在进入20世纪之后，之前的美国艺术史教育和研究活动主要与艺术品的收藏、鉴赏、基督教艺术考古学及市民的道德和文化素养培养等联系在一起。帕诺夫斯基在《美国艺术史30年：一个欧洲移民的印象》中谈到，20世纪20至30年代美国艺术史呈现的活跃景象和取得的成果，已彰显出新颖的学术形态，并对德语国家乃至整个欧洲艺术史的主导地位构成了挑战。他提到的当时已成名的美国本土艺术史家艾伦·马尔库德、查尔斯·卢夫斯·莫里、佛兰克·J·马瑟、阿瑟·金斯利·波特、霍华德·布特勒、保罗·萨茨等人，在学术倾向上，多表现出对特定门类的研究对象的“实物全集”的意识，致力于物证工作。除雕塑、建筑、绘画之外，各种工艺装饰、乡镇教堂的粗拙雕刻、素描底稿等，都纳入他们的调查和研究范围。他们总是尽力搜寻和记录这些零散的和正在销蚀的东西，并了解它们的原初存在状态。正如杜威所说的，只是在造物的层面上，“创造者的真才与接受者的真保持一致。”也只有在确凿的造物事实上，才能酝酿和发展作为人文学科的艺术史研究的各个方向的专业实践原则。
构成20世纪早期美国艺术史的另一支力量来自于30年代初受纳粹政治迫害或为躲避欧洲战争威胁而移居美国的欧洲移民艺术史家，尤其是德国的移民艺术史家群体。这些学者初到美国，主要落脚在纽约大学艺术学院、普林斯顿大学和哈佛大学。曾经在纽约大学工作过的德国艺术史家包括帕诺夫斯基、沃尔特·佛里德兰德尔、理乍得·克劳塞默尔、理乍得·艾丁豪森、卡尔·鲁曼、朱利斯·海德等人；在普林斯顿工作的德裔艺术史家主要有帕诺夫斯基、保罗·佛兰克尔、查尔斯·德·托内、库尔特·威茨曼；在哈佛大学及其所属的福格艺术博物馆工作的有雅各布·劳森伯格、斯瓦岑斯基、奥托·本内施等。德国移民艺术史家与美国本土艺术史学所形成的碰撞和交融，对美国后来的艺术史及相关专业学科发展产生了极为深远的影响，也为二战后美国成为国际艺术史学术研究和教育中心奠定了重要基础。