如何提升舞台艺术气息

A. 舞蹈生该如何提高自身的艺术感悟力

，以舞蹈动作为主要表现手段，着重表现人们内在深层的情感世界，创造出可被人感知的生动的舞蹈形象。闻一多先生曾经说过：“舞蹈是生命情调中最直接、最宝贵、最强烈、最尖锐、最单纯而又最充实的表现。”由此可见，舞蹈是美的艺术，是善于抒情的艺术，是人们内心情感世界最动荡不安的时刻出现的一种形体活动，是表达人的内在心态，反应社会现实的艺术。
近年来，在许多舞蹈比赛中，舞蹈技巧的难度往往被视为衡量舞蹈质量和水平高低的标准。这就使不少舞者只注重技术技巧的训练，而忽视了对作品的感知能力和思想情感的培养。作为一名舞蹈学专业的大学生，在舞蹈训练过程中，有必要从理论上掌握培养舞感的方法，知道如何进行、如何深刻、如何细致的体会舞蹈作品中的情感内涵，从而让理论联系实际，提高自身的舞蹈表现力。我认为可以从以下几点做起：
一、夯实基础能力，提高身体素质，增强艺术感染力
良好的舞蹈表现力是建立在规范准确的舞蹈动作之上的，因此舞者个人动作的反应速度和协调性是衡量舞感水平的根本前提。要培养舞感，离不开扎实的舞蹈基础、全身各部位动作的高度敏感力和协调性。通过规范专业的训练可以逐步增强舞蹈技术技巧能力，不断提高肌肉组织、关节韧带之间的协调性。
提高身体素质，一方面是训练技能，一方面是对自身动感准确性的培养，它是由舞蹈的全部动作和舞者全身心的配合来体现的。俗话说“细节决定成败”，舞蹈表现力的优劣往往就是透过手指、脚趾尖的延伸，肢体转动的方向、屈伸的程度，和对动作点、线、面的把握这些看似细小却最不能忽视的地方显露出来，注意每一个细节，动作便赋予感情，舞蹈感染力也就随即增强了。
二、对模仿的淡化和对音乐的深刻理解，提高艺术想象力
舞蹈中，在逐步掌握了身体的运动规律后，需要对模仿的对象开始淡化，进一步发挥想象力，理解舞蹈所要表达的情感，依靠自己的理解去塑造舞蹈角色。爱因斯坦说过：“想象力比知识更重要。因为知识是有限的，而想象力是概括着世界的一切，推动着进步，并且是知识进化的源泉。我如果没有青少年时代的音乐教育，就不可能有现在这些科学上的成就。”可见注重培养自身的想象力十分重要。实际上，舞蹈本身具有强烈的娱乐身心的作用，无论观者或舞者，均能自娱其中。每个人对美的事物有着自己的感知。在形成动作之前，应当给予充分的时间去听音乐，感受音乐，对所听的音乐有独立的感受和见解，在欣赏中把握音乐的情绪，掌握其情感基调。音乐的情感和美感都具有强烈的感染力，领略了音乐的感染力，有意识的注意音乐节奏，使节奏、想象和舞蹈联系起来，让舞蹈在舒而不缓、紧而不乱、动中有静、静中有动的自由而又有规律的节奏中进行。
三、注重表情和肢体语言，讲究“神韵”，加强艺术表现力
在内心情感培养中，眼睛的表情非常重要。眼睛是人心灵的窗户，它不仅仅是了解外部世界的一个媒介，更重要的是反映内心世界的一面镜子，所以要学会“眉目传情”。所谓“观其舞，看其功，察其色，鉴其貌。”舞者在舞蹈过程中，面部表情始终贯穿其中，是整个舞蹈艺术形象、动作美感的焦点，只有完全投入舞蹈中，理解动作要领，注意把握舞蹈的整体风格，仔细揣摩角色，把自己融入音乐的情感中，才能做到形神兼备。我们应该深刻的认识到，舞蹈动作是为舞蹈主题服务的，而舞者的面部，则是为舞蹈的整个灵魂服务的。
我们知道，无论谈诗、论画、鉴赏音乐，都离不开神韵二字，在舞蹈中也是一样。“神”是舞蹈的内在韵味，我们批评舞蹈动作呆板僵硬，没有生气，说的是在做动作的“形”时，缺少了内在的“神韵”，没有很好领会舞蹈“形神合一”的境界。除了掌握动作要领外，还要细心揣磨每一动作的内在“神韵”，不可一味追求动作的难度而忽视对“神韵”的培养。把握了“神”，“形”才会有生命力。“形未动、神先领、形已止、神不止”这一口诀形象的、准确的解释了“形”与“神”的联系及关系，只有综合运用好这些舞蹈中“神韵”的技巧，才能使舞蹈更具有表现力。
四、触类旁通，培养综合素质，提升艺术修养
舞蹈不仅仅是狭隘意义上的身体律动、舞台上光鲜的娱乐，更是一个反映社会文化风俗的途径。纵观中外舞蹈历史发展，不难看出舞蹈作为一门艺术，是文化历史的一个入口和载体，通过它可以了解不同时空下人们的风俗、观念、生活内容和历史风云。正是因为舞蹈的这一属性，我们必须要了解舞蹈作品的历史背景、风土人情、创作动机、风格特征，表现手法等，根据这些挖掘出舞蹈的思想感情，分析出动作的起势落点，总结出作品的情绪表达。想做到这一点并不容易，需要长时间、多方面的积累，除了对舞蹈、音乐、美术、影视等艺术科目的学习，更要涉猎人文、社科、历史等多方面的文化知识。在日常生活学习中可以通过观看欣赏舞蹈作品达到潜移默化的作用，用心领悟，用情表现；多接触社会，参加各种社会艺术实践，参与各类演出活动；也可以通过自己拟定题材、了解背景、寻找音乐、设计创作，发挥自己的个性和特长，培养创作能力，有助于抒发感情，提升表现力。
古人云：“苟日新，日日新，又日新。”培养舞蹈感觉能力不是一朝一夕之事，而是要在长期的舞蹈实践中日积月累完成的。产生舞蹈感觉需要身心机能，构成舞蹈感觉需要综合文化素质，我们要重视舞感、重视对舞感的开拓，在丰富自身肢体语言的同时，使舞蹈表演风格多样化，给观众视觉上的冲击，以满足文化市场对舞蹈艺术不断增长的审美要求，让自己，让更多的舞者成为全面发展的优秀舞蹈人才。

B. 如何能够提高唱歌时候的气息使我能唱高一点的调

怎样唱高歌嗓子不会累

怎样唱高音
一、人类歌唱本能
你听过雨夜盲女的哀曲吧？也听过快乐的男女山歌对唱吧？这些人从未受过声乐训练，全他们的歌声也同样令你感动，因为他们完全发挥了自然的歌唱本能。我在前面所谈的关于呼吸、发声、共鸣、高音的问题，一切都逃不出自然的条件，连带着一切物理条件，都是根据自然而产生的。遗憾的是，我们却往往摒弃这种自然的条件，而去苦苦地找寻一些“捷径”、“秘诀”，那是很可悲哀的事。
歌唱家在歌唱时，喉头的作用虽属，但心力也可左右它。在歌唱时，喉头的动作完全是自发的，歌唱家歌唱时，想唱什么音，声带张力与振荡次数就会完全与 思想吻合。发声时当然还要用横膈膜、腹肌、肋骨、喉舌等快速的力量。一个初生婴儿，根本不知道这些事，却能把那些力量用得很好。当他哭的时候，哭得很伤心；他笑时，又会发出悦耳的音调。由此证明，人生本来就有一种天赋的能力，能够自由自在地并带有表情地使用我们的嗓子。
二、先喊出高音来
我们做任何一种运动，比如推铅球，一定要先有举得起铅球的力量。练武术的人为了增加手脚的力量，先练挑水，手脚有了力量后，才可以在舞大刀时不至于脱手飞了出去。
我们的声带，要能够抵抗下面送上来的高压，才能发音。有人问，在高压的情况下，声带发出声音会不会发生喊叫的情况，会不会喊破声带呢？不会的，只要保持正确的呼吸及歌唱姿势，是不会喊破的。至于高音的位置及掩盖问题，你的高音还未喊出来又怎样去定它的位置呢？
我们先由下喊起，半音上去，＃f2、g2、＃g2为止，五个音成一组。开始不要喊太多，因为一上来你的呼吸和歌唱姿势未必对，要边唱边纠正，等各方面都配合好了，不妨多喊一些。等#g2唱好了以后，a2是另外一种呼吸方式。我们知道唱高音时要把气息用高压的方式压上去，实际上在这时要用到腰部的气（见下节），用腰部的气喊好了a2后，再用同样的气喊降b2。
一般来说，唱高音声部的人的高音是天生的，只是我们不去用它罢了。一个女孩子从未受过声乐训练，一般只能唱到f2，但当她突然碰到一件恐怖的事情时，他会情不自禁地尖叫起来，而这一声尖叫，可能到达highC的f3，但平时无论如何她也不会发出这么高的音来。所以不要有顾虑，要大胆地喊出高音，多喊是有好处的。

一位声乐专家说过：由呼吸控制的歌声才是声乐，呼吸是歌唱的原动力。因此声乐界有“谁懂得呼吸，谁就会唱歌”之说。其实掌握了正确的呼吸方式不仅能让你在KTV大显身手，更能让你锻炼出平坦的腹部，丰满的胸部。

用呼吸控制歌声

底气不足，音域不宽，都可以通过学习呼吸技巧来改善。歌唱时的呼吸与日常生活中说话的呼吸不大一样。平时，人们交谈时所需音量较小，气息浅，不需要很大的力度，而且我们说话时连续用嗓时间长了，嗓音就容易疲劳、嘶哑，这种说话的呼吸若用于唱歌就显得不能胜任了。

唱歌是为了抒发情感，是要唱给别人听的。因而要求声音既要有一定的音量，又要有一定的力度变化，并要求根据歌曲的需要，或长、或短、或强、或弱、或高、或低地有控制地输送气息。因此唱歌时的呼吸作为一种艺术手段，有它自身特有的一套规律和方法，是后天训练出来的。

唱歌时的呼吸运动主要包括三个步骤。

1、吸气：用口、鼻垂直向下吸气，将气吸到肺的底部，注意不可抬肩，吸入气息时使下肋骨附近扩张起来，腹部方面，横膈膜逐渐扩张，使腹部向前及左右两侧膨胀，小腹则要用力收缩，不扩张。背部要挺立，脊柱几乎是不动的，但它的两侧却是可以动的，而且也是必须向下和向左右扩张的，这时气推向两侧与背后并贮在那里，屏住呼吸然后再缓缓将气吐出。

2、吐气：唱歌用气时，仍要保持吸气状态。这点很重要，就好比给自行车打足了气，不能一下子放松了，这里还有一个保持呼吸的问题，要保持住气息，就必须在唱的过程中永远保持吸气的状态，控制住气息徐徐吐出，要节省用气，均匀地吐气，这就是所谓气息的对抗。在呼和吸的过程中，要注意呼吸僵硬的感觉，整个身体表情都应该是积极放松的，紧张的部位就是横膈膜、两肋，两肋就像是一只充足的气球一样，我们要让声音坐在上面，往下拉，不能让气球往上浮起来，也就是说要把气息拉住，不能让它提上来，这就牵涉到一个气息支点的问题。

3、唱歌时要有气息支持点：支持点也就是声音要有一个立足的地方，这个立足点也就是以横膈膜及下肋两侧做支持点，当我们咳嗽或笑的时候，可以直接感觉到它的支持作用。没有经过呼吸训练的人，唱歌时常常脸红脖子粗的，青筋直暴，歌声僵直，高音上不去，低音下不来，都是与气息支持点没有保持住有关。反之，我们掌握了呼吸方法，有了支持点的感觉，那么，歌唱发声时，便会感到声音仿佛落在我们所控制的气息上，也就是说声音是由呼吸来支持了，这种声音不但悦耳响亮，而且能强弱自如地做出各种变化来。

流行音乐演唱方法
从80年代开始，流行音乐、通俗歌曲渗透到中国以来，发展速度之快让人应接不暇。但究竟什么是流行音乐？什么是通俗演唱？什么是欧美通俗演唱？很难有人将它一一说清楚。

欧美通俗演唱方法，主要是已富有激情和即兴的表演方式来体现。同时，承继了严肃音乐一部分的发声状态。比如真假声转换，高音华彩部分、跳跃技巧，连续跨越八度音区的声音展现。如果不具备相当纯熟的演唱方法，根本无法完成有一定难度的作品。也可以说不能够叫作欧美通俗唱法。当然，也不是欧洲人演唱中，都有技巧。在近年举行的GRAMMY颁奖晚会上，获得者经常是以清纯、自然唱非的风格。那么欧美通俗唱法也就是说有很多种类、风格各不相同。（在后面讲座中，我们会详细讲解这一点）但在我们课堂所讲的，还是赞赏科学的发声方法，去演唱通俗作品。

欧美通俗演唱方法，还会经常采用哑音、呐喊、装饰音、滑音、抽泣、假声包括一些气声的特殊运用，来演绎歌曲的忧伤、悲泣、真挚、委婉、激情等等……

利用肢体语言融合节奏的表现形式，运用混声、和声、不规则人声，进行有声或无伴奏伴唱，使一些并不复杂的旋律，变得富有色彩，具有极强的感染力。加上一些歌手创造出高度炫技性演唱形式，使通俗歌手能在舞台上产生震撼人心的艺术魅力，在表演艺术上达到较高的造诣。

学习欧美唱法，需要有扎实的基本功。基本功最重要的环节之一是气息。气息的支点，一定先建立在后腰部分。然后再找小腹的力量。因为腰部需要你主动去做扩张或向下拉动，才会产生一个力。然而小腹与横隔膜由于受到腰部支点向下拉的作用，自然会产生一种对抗。如果仅把支点放在前面，也就是小腹，那时腰部就很难起到控制气息的作用。试想一下，是前后腰腹的力量控制气息更有效呢？还是只小腹局部的力量更有效呢？它们之间主动与被动的关系，希望大家能清楚。

现在通俗教学门类繁多。如果不能掌握一个正确的呼吸方法，反而奠定了错误的气息基础。声音就会失去你本该有的辉煌色彩，自然也更难达到欧美歌手那种对声音有极强的控制能力，没音色变化，包括力度的强弱。

还需赘述一点，气息在腰腹控制下，当以最小的力量获得最大的声音。绝非诸多误论所言，气息的压力越大越好。准确地讲，真正意义上流动的气息是一个巧劲，全然不只是力量。

练声状态

气息是任何一种演唱发法的原动力，正确的呼吸方法决定了发声的对错。通俗歌手气息的训练，我在教学中一般采用歌唱性强的练习曲进行练声。
把几个简单的元音，编成一首小曲，使学生在歌唱的状态下练声，或者选一首旋律很流畅的曲目，然后再选一首较轻快跳跃的曲目让学生试唱，找出其中有代表性的乐句，使学生感觉它的歌唱性，在用这种感觉去练声。这样做很容易使学生保持全身心的投入，从而演唱状态。也就是说，不要把发声练习当做一个机械练习。否则将会给日后的歌唱造成一个声音概念和状态的错觉。要用一种愉快的心情，一种感人的情绪去练习，才能有效地找到松弛自然的音色。
站立姿势与演唱的关系

通俗歌曲演唱良好的站立姿势很重要。不要错误的认为只有美声、民族唱法讲究姿势。从人的生理机能与发声状态上讲，哪一种唱法都是一样的。
有的歌者, 后颈项不能与腰部保持在一个垂直面上，发声通道就会被压迫、堵塞。如驼着背发声回使胸部挤压，气息无法通畅地在体内流动。翘下巴会造成颈部松弛，咽壁肌肉无力，给唱高音带来困难。同时阻碍共鸣腔内声音的发射，鼓小腹会造成气息停 、下压僵持，即破坏气息的支持。
正确的站立姿势应该是重心在前半个脚部分。只去考虑上胸部，不管腹部状态，当然，不要僵硬。吸气的支点一定要建立在腰部分，然后在去体会最后反拉力的作用。因为腰部需要你主动去扩张或向下拉力，才会产生一个力，然而小腹与横隔膜由于受到腰部支点向下拉的作用，自然会产生一种对抗。如果仅把支点放在前面。也就是小腹。那时腰部就很难起到控制气息的作用。试想一下，是前后腰腹的力量控制气息更有效。还是只小腹局部的力量更有效呢？它们之间是主动与被动的关系。

弱声练习法

在一些新来的学生中，歌唱时会盲目追求音量。其实学生听起来大的声音，不一定是正确的。如果声音在口腔内部是散的，位置就会比较低，缺少共鸣。这时，声音在通过麦克风时，会发出尖锐不够干净的音色。尤其在进棚录音时，歌手会感到很难驾驭自己的声音。那么，怎么让学生利用科学的发声方法建立一个通畅有序的歌唱状态呢？
首先，我认为用弱声练习的方法，比较容易找到放松的感觉。任何一种唱法，只有松弛才会产生美感。在做这个练习时，最好用开口哼鸣的状态。就是口腔张开不发音，用鼻子发音。没有接受过训练的学生，牙关部会很紧，每天需要做张嘴练习。用手按住下巴，练习向上伸张，不要用力过猛，伤及口腔关节，口腔不要能过横，也不要过长。露出上齿，微露下齿为最好。这样的口腔状态，从发声学上讲是正确的。需要注意的一点是，先做到外面打开是其一，关键是体会由内向外张开是最重要的。不要形成喇叭状态，外面大，里面小，那样就很难获得声音的通畅了。
在这个练习过程中，还要用另外一个思维去考虑倾听声音的位置。声音的位置是随着音高不断发生变化。由前向后移动。移动的速度要由老师的耳朵来判断。在移动至高音区时，应适度的提起软腭，因为软腭的提起是唯一能产生高音的通道。从嗓音结构上讲，不可能会从牙齿后面产生高音，只有在软腭提起时，带动后咽壁的拉力、口腔后部形成拱门状态，才会具备鼻头腔共鸣。高音才会是有是松弛的。同时产生振撼力，当然声音方向不能是向上的，那就会感觉象美声唱法了。
通俗唱法与美声民族唱法有密不可分的又完全不同的关系。重要在于教师如何借鉴欧美唱法的优点，结合民族唱法的特点去训练，可在短期内解决学生声音没高音的状况。
一个好的通俗唱法老师，应该在一年之内解决形学生的全部声音通畅问题，而不应该五、六年之后还不能让你的学生唱到三至四个八度。
有的学生会问：“弱音练习会不会声音小了？”“将来放不出来？”其实不是！用很大的声音喊是很难找到放松的感觉。相反，用小的声音就很容易找到。就是说，通俗唱法要建立自己的声线通道。应该是在完全放松的基础上，然后再声音更有效的释放出来。因此，弱音练习只是一种手段，得到通畅有磁性声音才是目的。

如何把握声音的方向性

通俗歌曲的演唱就如何掌握声音的方向性是很重要的。
因为在演唱过程中，它需要位置不断移动，包括口腔开启的状态是否到位，需要很细致地去体每一个音符，那么在移动过程中，尤其向后移动的时候，容易发生声音注意向上，而不注意向前。无论你是唱低音、高音，头脑的意识里要非常的清晰，声音的发向咬字永远是象前的。鼻腔张开，时刻保持通畅无阻。通俗歌曲的演唱，切忌在口后半部咬字，声音容易向后倒，听起来象美声似的，听不清楚在唱什么，声音还不容易出来。声音的流线性与音与音的相互滚动似的连接，到情绪不断递进，进入歌曲中的高潮部分。都要保持一不变的思维，即我的声音是向前方的。

文字视像表现法

一个好歌手,要有对文字表现出最为敏感的触觉.在唱到那一句,那一字时,有完全深入到字,句间内在涵义中的能力.歌手在演唱时,要做到演唱的是自己,而不是其他别的什麽人.

C. 初学者怎样练唱歌的气息

一、缓吸缓呼法

这是在训练和歌唱时常常采用的方法。就是胸腔自然挺起，用口、鼻将气息慢慢吸到肺叶下部，横隔膜下降，两肋肌肉向外扩张，小腹向内微收。

这种吸气要求自然放松，平稳柔和地进行，就像去闻花的芳香时的感觉一样，闻花的感觉使吸气吸得深，就像做深呼吸运动一样，但吸气时不要用太大的力，只要轻轻地挺住胸廓和上腹部，然后慢慢呼气。

呼气时，注意保持吸气状态，控制住两肋和横膈膜，也就是控制住了气息，使之平稳、均匀、持续、连贯地慢慢吐出。

有一种感觉可以帮助体会呼气时下肋和横隔膜的保持状态：就是在缓吸后做慢慢地吹掉桌上的灰尘的动作，这里需要长长地吹气，也就是在做长音的呼气练习，常说：“长音像吹灰，短音像吹蜡”，是一种吐气的感觉。

二、急吸急呼法

急吸就是在很短的时间内，通过口、鼻迅速把气息促而深入地吸到肺叶下部，并将气息保持住，然后，按照缓呼的要求而呼出。

在演唱实践中经常要用到的，因为在歌曲的句与句之间、字与字之间的吸气不通话你有很长的停顿时间，往往采用“偷气”的办法来吸入且要吸得不让人发现，这就是急吸缓呼的作用。

为了培养呼吸的控制力，可以采取一些练习曲及歌曲中的某些乐句做带词的练习，效果较好。卡鲁索说过，歌者能否踏上成功之路，首先要看他对于呼吸器官的操纵和运用，是否建立了强固的基础。

(3)如何提升舞台艺术气息扩展阅读：

气息支持点技巧

支持点也就是声音要有一个立足的地方，这个立足点也就是以横膈膜及下肋两侧做支持点，当咳嗽或笑的时候，可以直接感觉到它的支持作用。

没有经过呼吸训练的人，常常唱歌时，脸红脖子粗的，青筋直暴，歌声僵直，高音上不去，低音下不来等等，都是与气息支持点没有保持住有关。

反之，掌握了呼吸方法，有了支持点的感觉，那么，当我唱歌发声时，便会感到声音仿佛落在我们所控制的气息上，也就是说声音是由呼吸来支持了，这种声音不但悦耳响亮，而且能强弱自如地做出各种变化来。

D. 舞台如何搭建，才能有亮点

目前主流的创意舞台

不对称的屏幕

将传统屏幕与不对称设计融为一体，会产生有趣的效果。每一个屏幕都可以投射不同的视觉元素，在不对称的同时又能很好的保持舞台整体的平衡，消除视觉疲劳的同时带来新鲜感。

今天今天分享的舞台创意布置，希望对你有帮助！

E. 怎么培养舞台表现力

浅谈演员的舞台表现力 习惯上我们把由外到内的表演方法叫做表现派，而把由内到外的表演方法叫做体验派，但是无论是体验派还是表现派的表演方法，都离不开作为表演基础的演员的表现力。那么什么是演员的表现力呢？它是演员充分体现角色，展现角色各个侧面和性格特点的综合能力。它所包含的内容应该是多方面的：演员的自身魅力、文化修养、形体、语言、声音、舞台形象等多方面。所以演员舞台表现力的培养也是多方面的。
今天，我只想就参与话剧《母亲》排演的创作心得来谈一下演员的舞台表现力的培养和获得。
在戏剧学院的四年学习过程当中，所学到的是沿袭了多年的表演创作方法。这就是分析人物，体验人物的思想，逻辑，以及行为方式；然后在体验的基础上再去体现，从而达到创作人物的目的。日后到了剧院参与剧目排演也多是沿用了这种体验派的表演方法，不可否认在现实题材的话剧的排演当中，这种创作方法是实用而有效的。排演起来也有轻车熟路之感。因为演员在体现人物时所表现出的行为都是有内心依据的，表演起来也非常自信。内心没有什么障碍。
然而，在大型话剧《母亲》的排演过程中，这种传统的表演模式却受到了强烈的冲击。编剧以散点式结构方法串联本剧的故事情节，导演以浪漫、夸张的手法展示剧情。这就需要演员在内心体验不到的情况下去展现历史人物的精神面貌，无疑也就需要演员用一切表现手段去表现人物的内心和外形，而且这种表现是否正确，或者说是否准确。在排演的当时演员心里是没底的。只能从导演和观众的反馈中来调整、改进。以获取一种新的表现方式。用新的表现形式代替传统的表演创作方法，这种尝试是新奇的、有趣的，同时也是艰辛的。
初读剧本，说老实话感到很茫然，那段历史对我是那么陌生，剧中的人物离我是那么遥远。我不知该以什么形式去体现当时的人和事，是以现代人的眼光去理解、看待剧中的人和事，还是回归到那个年代，以那个年代的行为逻辑去体现剧中的人物。这两种方法显然会产生不同的演出效果。前者会不会让人感到演出来的人物不伦不类，而后者又会不会让现代观众不理解而觉得可笑。
带着众多的疑虑我们去湖南体验生活，那段历史已经很遥远，几乎没有留下什么可供直观的痕迹，只有些简单的资料。缺少感性的东西，看来想要体验当时的人和事，体验那个年代人的思维逻辑、情感方式是不可能的了。理性的资料只能让我们理性的分析、设计当时的人。这跟以前习用的创作方法显然又是抵牾的——蔡和森是我党早期的创始人之一，革命烈士，是不是很概念呢？剧本中虽然看到了他有性情浪漫，性格刚毅等的影子。但用什么行为去体现呢？人物的个性、特点是要通过具体行为去体现的。话剧毕竟不是理论书籍。它要靠鲜活的人物形象去感染，打动观众。恰恰在这方面，产生不了内心视象，所以体验生活回来在做人物小品时怎么也动不起来。进入排演阶段导演在导演阐述中说要以浪漫夸张的手法来排演本剧，要求演员要充分展开想象，大胆的去创造人物，然而，体验不到怎么动呢？放弃体验？体验是在进入排练场之前对那个年代尽可能的了解和掌握，使人物的基调在脑子里基本成型，不至于偏离，进入排练场就要体现了。排练本剧只能先不管这些了。我想，那是一个狂飙年代，那个年代蔡和森等革命者的精神风貌同现代人长期处在安逸，休闲状态下的精神风貌是完全不同的。为了找到那种感觉，每次上场排练之前演员们都要进行热身活动，让自己的血液先热起来，心跳加快；然后进入排练，从外部先进入状态。有了外部的行为再去寻找内心的依据、找内心的感觉。有时即使感觉不到，内心感受不到，那只能由在场的人感觉如何，由其他人来检验是否正确了。作为演员，无疑当时内心是不自信的，自信心是在不断的调整、不断的反馈中逐渐建立起来的。同时，演员自身的表现力也在逐渐增强，因为要达到所需的结果，就要调动一切手段来尝试各种表现方法，无从去体验，也无须去死抱着体验。只要在场的观众——导演通过就可以了。
然而，新的问题又出现了——演员表现力的缺乏。作为一个话剧演员，其表现能力其实是很有限的，原因出在表现手段的缺乏。舞蹈演员用有韵律的形体动作做表现手段，戏曲演员有程式化的表现手段，而话剧是用近似于自然生活的语言、动作为表现手段。话剧演员的表演手段，用来表演本剧所要求的浪漫、夸张形式，显然是不够了。现实逼得演员不能不去借鉴其它艺术门类的表现方式。在蔡和森牺牲的一场戏的处理中，我就借鉴了现代京剧《杜鹃山》、《红灯记》中的程式化的表现动作。其结果是鲜明的、也是事半功倍的达到了体现人物风采的目的。从中，我感到演员表现力的提高跟借鉴、学习其它艺术门类的技巧和表现手段是分不开的。
进入演出阶段，面对观众的检验，演员的自信心不断的增强，表现力也在不断的调整中得到不断的提高。在一种演员与观众的相互刺激中，原来不敢演的、或者说不知如何去演的一些情节也敢于大胆的去尝试，最终寻找到了表现的方式。例如，蔡和森同向警予在法国面对共产党成立、两个人的孩子要降生的一场戏中，蔡和森一段激情澎湃的、近乎于宣言性的台词，如果找不到一种外部表现形式是很难说出口的。在演出中，在观众的刺激下，借助强烈的外部表现形式，将人物的内心外化、诗化，这段台词被观众认同和接受了。这是开始没有想到的。

F. 怎么练习唱歌，气息要怎么控制

训练前：不能吃太多，胃要空一点，因为你的横膈膜在跟胃抢位置。穿贴身但不紧身的衣服，也就是说有弹力但不会阻挡你的肚子扩张。

气息通道畅通无阻，胸、颈、肩、下巴、下颚、牙关等都要放松、自然，全身避免任何不必要的紧张，以免堵塞气流和音波，只有做到“松”，才能“通”。呼气时力求保持畅通，才能充分发挥气息对声音的作用。

G. 唱歌气息不足怎么练

1、做气息吐纳的训练，训练的方法类似深呼吸。

2、标准的深呼吸为呼吸时将所有的气息沉在丹田，腹部有胀满的感觉。

3、尽量地以最慢的速度呼出来，尽可能地让呼气时间更长。

4、用手按在腰的两侧，腰部变粗，反复练习，每天约15分钟，坚持一段时间后，气息变得又稳又长。

(7)如何提升舞台艺术气息扩展阅读：

发声练习是歌唱发声的一种综合性基本技能的训练，学习唱歌必须以最基本的发声练习开始。

1、做获得气息支点的练习，体会吸与声的配合，利用科学的哼唱方法，体会并调节自己的歌唱共鸣。

2、学会张开嘴巴唱歌，上下齿松开，有下巴松松的“掉下来的感觉”舌尖松松地抵下牙。

3、唱八度音程时，从低到高，元音不断裂连起来唱，口咽腔同时从小到大张开。

4、气息通畅的配合，发出圆润通畅自如的声音。

H. 浅谈如何提高舞台艺术表演能力

近几年，随着我国国民经济的不断增长，人们对精神生活的需求逐步提高，文化艺术越来越受到重视。而舞台表演作为一种重要的文化表现艺术形式，也逐渐引起大家的关注。舞台表演是通过表演者的舞台艺术创作，用艺术的形式塑造意境、传递情感，最终把作品表现出来。由此可见，表演者的舞台艺术表演能力对于艺术作品的表达效果起着至关重要的作用。下面笔者对如何提高表演者的舞台艺术表演能力提出了几点建议。
1 提高表演者的文化艺术修养
舞台表演是一门综合性很强的艺术门类，并且带有浓重的感情色彩和生活内容，对表演者的文化素养、生活阅历、思想道德、艺术修养、情感表达等都有很高的要求。因此，要想提高舞台表演者的艺术表演能力，必须从各方面提高表演者的文化艺术修养。
首先，要提高表演者的文学修养。很多舞台作品都来源于各种文学作品，而各种文学作品大都来自作者的生活感悟。因此，表演者在生活中应多阅读各种经典文学作品，了解作品中的人文风情，欣赏一些高雅的音乐、戏曲作品等，从不同方面去增强自身的文学修养，从而提高对舞台作品的领悟能力，加深对作品的理解。因此，舞台表演者可以通过欣赏大量文学作品，来提高自身的文学修养，从而提高自身的艺术感受、想象和表达能力。
其次，提高艺术鉴赏能力。舞台表演者要想从根本上提高自身的艺术表现能力，必须要锻炼自身的审美趣味，可以通过向专业人士求得指导和帮助，从而改变自身的审美情趣和观点，加深对艺术作品的理解和表达。
然后，提高表演者的思想道德修养。艺术具有道德的价值，一部优秀艺术作品中的艺术形象，对人们的道德观念和人生选择方面往往能产生重大的影响。因此，表演者必须致力于提高自身的思想修养，要热爱生活，端正生活态度，善于从生活中发现美，积累生活感受，将生活感悟和情感融入到舞台表演当中，与专业技术相融合，才能提高表演的品味及舞台表演的质量。
最后，注重提高表演者的艺术修养。表演者在生活中可以通过了解进步的艺术形象，来提高自身的艺术修养。在表演的训练中，表演者应不断地从文学、绘画、音乐、运动等不同领域中广泛地汲取养料，不断丰富自身的知识和感悟，提高自身的综合艺术修养水平和舞台艺术表演能力。